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Estratos y Autorretrato de Alejandro Cañada
No full textEste destacado pintor y grabador turolense, un referente en el arte aragonés, evolucionó desde un estilo figurativo, encaminándose hacia lo abstracto, el surrealismo, para alcanzar su punto más álgido en el expresionismo.
Aproximadamente hacia 1965, debido a la pasión que le inculca su sobrino, Félix Cañada, Doctor ingeniero de minas, por el mundo de las piedras y minerales que decide incluir en sus representaciones paisajísticas las rocas que adquieren un sentido de marcado protagonismo, esos inmensos roquedales.
Una segunda época sobre ellas, destaca la serie titulada "Buscando el color", realizada entre 1986 y 1987, basada en paisajes inventados con minerales de fuerte color y un personaje que descubre insólitos secretos de la naturaleza.
En esta obra precisamente, apreciamos al propio Alejandro, empequeñecido, al contemplar la inmensidad y grandiosidad de la naturaleza, en todo su esplendor, donde se acentúa una composición piramidal. Ese mismo sentimiento nos embarga a cada uno de nosotros cuando nos enfrentamos a ese momento de belleza.Informe Técnico Profesora Carmen Díaz.Tipo de marco: madera plateadaRepository/Location: Museo Félix Cañad
Puesta de Sol
No full textEl Pintor del Sol, fue el apelativo que recibió Per Ekstrom ya que durante toda su trayectoria artística fue estudiando la luz, tanto diurna como nocturna.
La Puesta de Sol que vemos en la imagen está datada en 1876 e incluso nos informa acerca del lugar de su creación, París.
Debemos recordar que Per Ekstrom después de realizar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de Suecia, ubicada en Estocolmo, decidió trasladarse a París como otros tantos artistas noveles para completar su formación, aprendiendo de los grandes paisajistas del momento e intentar abrirse un hueco dentro del panorama artístico ya que París, en el siglo XIX, se convirtió en el foco del arte.
Esta obra nos indica que fue pintada, precisamente en 1876, fecha coincidente con la de su llegada a esta ciudad. Él residió en localidades de los alrededores de París, entre las que se incluyen Barbizon y Saint-Germain y Carolles en Normandía.
Gran admirador y seguidor de Camille Corot y sus seguidores de la Escuela de Barbizon, Corot y Theodore Rousseau, serían una constante fuente de inspiración para sus paisajes de Ekström.
Debutó en el Salón de París en 1878 con un paisaje francés.
Resulta muy sutil en cuanto a los reflejos de la luz.Informe Técnico Profesora Carmen DíazMarco:madera tallada y doradaTranscription: París, 1876Repository/Location: Museo Félix Cañad
Retrato Ovalado de Monja con Toca Francesa
No full textTipo de marco: tallado, dorado con zonas verdes.
Representa: Retrato ovalado de monja francesa.Repository/Location: Museo Félix Cañad
Mujer reclinada
No full textPierre Jules Mene se convirtió en uno de los más famosos de un grupo de escultores conocidos como "Les animaliers".
Considerado como uno de los pioneros de escultores en bronce de animales en el siglo XIX y uno de los grandes expertos en este género. Se especializó en bronces de pequeño formato ya que iban destinados a un determinado tipo de clientela, la burguesía del momento,con los cuales decoraban los salones de estas casas con un carácter privado. Sus bronces son conocidos por su realismo, detalle y calidad impecable.
Su temática predilecta a la hora de representar animales domésticos, (perros , caballos) de caza (venados, jabalíes).
En cuanto a la figura humana resulta escasa su representación. Sólo sirven de mero acompañamiento a los diversos animales. Cazadores con perros husmeando el terreno para dar captura a la presa, jinetes o amazonas montados en pura sangre en el momento de participar en algún concurso hípico o en el hipódromo de carreras.
La Dama reclinada, figura firmada por el artista, forma parte de un producción escultórico inusual o excepcional y por tanto, insólita. Seguramente dirigida hacia esa burguesía del momento o debemos de hablar de un encargo exclusivo para un cliente que deseaba sorprender con esta obra.Informe Técnico Profesora Carmen DíazRepository/Location: Museo Félix Cañad
Bailarina exótica
No full textUno de los más relevantes artistas del Art Decó fue Demetre Chiparus. Éste nació en Rumanía pero muy pronto se instala en París recibiendo una mención de honor en el Salón des Artistes Français por sus estatuas de bailarinas.
Creó pequeñas figuras de mujeres danzantes,influidas por los ballets rusos de Diaghilev, amazonas, pierrots, malabaristas.
Llenas de movimiento,vestidas con mallas muy trabajadas que se ajustan a los cuerpos bien esculpidos, marcando su anatomía.
Dimitri asistía con asiduidad a las representaciones de Ballets, tomando notas directamente del natural en su cuaderno de apuntes, para reproducir y plasmar en bronce o marfil.
Colocadas sobre peanas y bases de mármol u ónice.
Debemos destacar en esta Bailarina exótica, las caracerísticas mencionadas anteriormente, además de la elegancia, delicadeza y sutileza del movimiento.
En el Museo Casa Lis en Salamanca,centro de referencia más importante de toda Europa para coleccionistas y estudiosos de estas obras de arte, pertenecientes al Art Déco. Encontramos un modelo semejante, pero criselefantino.
Su mejor producción y muy prolífica, se concentren entre los años 1914 y 1933.Siendo vendidas en grandes cantidades en las tiendas más selectas de París, Londres, Berlín o Nueva York.
A partir de 1930 y 1940, estas figuras comenzaron a ser producidas en serie. El bronce fue sustituído por distintas aleaciones como el antimonio y otros metales de bajo coste, estableciéndose un mercado muy activo a nivel internacional.Informe Técnico Profesora Carmen DíazRepository/Location: Museo Félix Cañad
Mujer joven
No full textCarrier-Belleuse es el nombre utilizado por este escultor - nacido portador de Belleuse - en sus piezas avanzadas en su producción, después de haber firmado inicialmente obras "A. Carrier".
A partir de 1867, Carrier-Belleuse se estableció internacionalmente como un escultor de gran arte. Se produce, obra en abundancia para una variedad de clientes internacionales.
Elevó un tono crítico durante su vida con sus sensuales desnudos femeninos. El trabajo persigue más realismo y materialidad seductora. A pesar de su asociación con la sensualidad rococó, el dominio de Carrier-Belleuse en la articulación de forma dio tanta vitalidad y dinamismo.
En esta espléndida escultura criselefantina, combinación de los materiales, marfil y bronce, apreciamos esa sensualidad mencionada anteriormente, como inclina la cabeza hacia un lado, coloca los brazos. Dándonos la impresión que se encuentra recién levantada y se nos muestra desperezándose. Su anatomía envuelta con una tela que en definitiva se trata del bronce y con reminiscencias clásicas, al acentuar la cadera con líneas muy marcadas o un efecto de paños mojados que marcan la figura y por medio de una transparencia insinúa y deja ver lo que hay debajo de ella.
Carrier Belleuse tuvo un impacto considerable sobre el arte y la carrera de los escultores más jóvenes que trabajaban para él, sobre todo Auguste Rodin, ya sea en París o en Bruselas, donde ambos se trasladaron durante la guerra franco-prusiana de 1870-1871.Informe Técnico Profesora Carmen DíazRepository/Location: Museo Félix Cañad
Madonna de la silla
No full textEsta obra en la que se representa una escena de la Virgen con el niño y San Juanito, pasó de ser una imagen devota a una obra de género. Muchas han sido las especulaciones de la identidad de la mujer que sirvió como modelo; la leyenda ha visto en la imagen de la Virgen a la hija de un vinatero, o quizá, según la hipótesis más aplaudida, a la amante del pintor, pues como dice Burckhardt en el Ciceron, en esta obra se representa a una de las más bellas mujeres italianas. Jonathan Richardson, que había publicado en 1772 la primera guía de obras de arte en Italia, exaltaba la belleza, impecable ejecución y colorido de esta obra. Jean Nicholas Cochin consideraba que se trataba de Une des plus belles choses qu´on puisse voir de ce grand maître.
De este modo, la Venus de Medici, la Venus de Urbino de Tiziano y la Madonna della Seggiola de Rafael se convirtieron en los tres baluartes de las colecciones granducales. Como prueba de ello, es interesante destacar la vista ideal de la Tribuna de los Uffizzi de Zoffany. Los visitantes de la tribuna se dividen en tres grupos principales. Aquellos que contemplan la Venus de Medici, los que se encuentran entorno a la Venus de Tiziano, y un tercer grupo que se encuentra cercano a al Madonna Niccolini, pero que, sin embargo, dirigen la mirada al lienzo colgado de la Madonna della Seggiola que se encuentra a sus espaldas y constituye el centro de las líneas compositivas del grupo. Es interesante esta apreciación pues uno de estos personajes es precisamente George Legge, el hijo del 2 Earl of Darmouth quien iba dirigida esta pequeña copia de la Madonna. Probablemente George Legge compró esta copia a su paso por Florencia en diciembre de 1777.
(texto de Ana María Suárez Huerta, del catálogo El Westmorland, recuerdos del Grand Tour)Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando a través de CERESRepository/Location: Palazzo Pitt
Dos Damas
No full textoai:museo.felixcanada.es:4José Loygorri, artista autodidacta, comenzó pintando personajes típicos y paisajes de Castilla mientras vivió en Valladolid. Se traslado a París, donde observó y detalló las escenas frívolas de la bulliciosa capital francesa hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial.
Se presentó en una exposición en Madrid, en 1916, y concurrió también a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920. Destacó como aguafuertista y pintor, cuando colaboraba en las revistas Blanco y Negro y La Esfera como uno de sus dibujantes e ilustradores.
Colaborador habitual de novelas eróticas muy del gusto de la época, como La Novela Pasional, estas pequeñas publicaciones sirvieron además como soporte gráfico para un conjunto de ilustradores extraordinarios que contribuyeron a crear una escuela modernista y art déco en dicha profesión tal como Rafael de Penagos.
Llegó a convertirse en uno de los ilustradores del grupo que críticos e historiadores ha venido a denominar como movimiento del Art Déco español.
Debido a su estancia en la capital francesa, en esta obra realizada en 1919, vemos a Dos Damas pertenecientes a la burguesía en un salón característico de la época, con una clara influencia de ilustradores y artistas del momento, como por ejemplo, Alphons Mucha entre otros muchos.
En la composición apreciamos un estudio en cuanto a las calidades de las telas, pero hay que mencionar como el exotismo, concretamente el japonismo, se incluye en la escena, a través del jarrón de porcelana procedente del país oriental y tambén en cuanto la indumentaria o el peinado característico de aquella cultura.Informe Técnico Profesora Carmen DíazAcuarela sobre cartulinaRepository/Location: Museo Félix Cañad
Retrato de Modesta Dionisia Huerta
No full textUno de los más destacados artistas valencianos de fin de siglo, de estilo impresionista.
En cuanto a la identificación de esta señora,según D. Carlos Pérez-Herce, por el cariño que desprenden las bonitas palabras que podemos leer en la dedicatoria, pensó que se trataba de una persona cercana al pintor. Concretamente, trabajó en el cuidado y mantenimiento de la casa y de la familia, es decir, una especie de ama de llaves de la época.
Ignacio Pinazo nos muestra un estudio psicológico muy interesante a través de este retrato. Se puede apreciar el carácter y forma de ser de Dª Dionisia, fuerte y ruda, pero a la vez, sobria y austera, destacando ante un fondo neutro, ligeramente iluminado.Informe técnico D. Carlos Pérez-HerceA través de la dedicatoria descubierta por Carlos Pérez-Herce,sabemos de la relación laboral con el pintor, a la vez del afecto que le profesaba ya que se desprende de estas bonitas palabras.Doña Modesta , trabajó en el cuidado y mantenimiento de la casa y por tanto,de la familia, es decir, una especie de ama de llaves de la época.Marco: Madera de paste sin tratar.Transcription: En la esquina superior derecha del lienzo se pueden leer unas iniciales I.P.C., correspondientes a las del artista Ignacio Pinazo Camarlench.
En la otra esquina izquierda, observamos una dedicatoria:" A mi amable y fiel sirvienta Modesta Dionisia Huerta".Repository/Location: Museo Félix Cañad
Caballo
No full textEn el caso de esta obra, el caballo o 'CHEVAL LIBRE', pertenece a una raza determinada, Pura Sangre,desarrollada en el siglo XVIII en Inglaterra, cuando yeguas madres inglesas fueron cruzadas con sementales árabes, berberiscos y akhal teke importados, para crear corredores de distancia.
Debemos destacar la perfección en su ejecución y podemos apreciarlo a través del gran estudio con respecto a la anatomía. Pierre Jules Mene realizaba bocetos que le servían para trabajar en las estructuras. Desde el punto de vista del movimiento también cabe mencionarlo por su brillantez.
A este prestigioso artista,se le recuerda como el escultor de animales de más éxito de su tiempo. Fue uno de los más famosos de un grupo de escultores conocidos como "Les animaliers". Considerado como uno de los pioneros de escultores en bronce de animales en el siglo XIX y uno de los grandes expertos en este género. Se especializó en bronces de pequeño formato ya que iban destinados a un determinado tipo de clientela, la burguesía del momento,con los cuales decoraban los salones de estas casas con un carácter privado.
Sus bronces son conocidos por su realismo, detalle y calidad impecable. La temática preferida a la hora de representar era la caza, mostrándonos a los animales, sobre todo domésticos, en las más variadas posturas, primando el movimiento. Entre los animales favoritos a la hora de su elección para mostrarnos, se encontraban los perros y los caballos.
Hoy en día, podemos contemplar sus trabajos en los más prestigiosos museos como el Museo del Louvre, d´Orsay en París, Museo de Boston, National Gallery en Washington entre otros muchos.Informe Técnico Profesora Carmen DíazRepository/Location: Museo Félix Cañad