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Concetta Damiani, Pierluigi Feliciati, I Farnese tra Roma, Parma e Napoli: una storia archivistica. Dispersioni, perdite e prospettive per la ricerca, Macerata, EUM, 2024
No full textThomas Hirschhorn e l’anti-monumento. Un ripensamento sistemico
No full textThis paper examines Thomas Hirschhorn’s artistic practice as an anti-monumental device that radically challenges the conventions of traditional monumentality. Through a comparative analysis of Gramsci Monument (2013) and Model for a Monument (2024), the essay highlights how the Swiss artist dismantles the celebratory, static, and vertical structure of classical monuments, replacing it with precarious, temporary, and participatory forms capable of activating new collective imaginaries. Hirschhorn critically engages with the rhetoric of “eternity” and “universality” embedded in modern monumentalism, proposing instead a new memorial grammar rooted in accessibility, co-production, and interaction. In dialogue with relational aesthetics and new genre public art, his projects reconfigure the roles of artist, curator, and audience, turning urban space into a field of social and political action. Yet what thresholds of inclusion and agency are truly achievable within artistic participatory processes? And to what extent does community engagement redefine authorship and the function of the monument itself? The analysis shows how Hirschhorn’s anti-monuments serve as methodological laboratories for rethinking commemorative practices in the contemporary era.Il presente contributo analizza la ricerca artistica di Thomas Hirschhorn come dispositivo anti-monumentale che mette in crisi, da una posizione teoricamente e formalmente radicale, le convenzioni del monumento tradizionale. Attraverso un’indagine comparativa su Gramsci Monument (2013) e Model for a Monument (2024), il saggio evidenzia come l’artista svizzero sovverta l’impianto celebrativo, ieratico e verticale della monumentalità classica, sostituendolo con forme precarie, temporanee e partecipative capaci di attivare nuovi immaginari collettivi. Hirschhorn si confronta criticamente con la retorica dell’“eterno” e dell’“universale” inscritta nel monumento moderno, per proporre una nuova grammatica memoriale fondata sull’accessibilità, la co-produzione e l’interazione. In dialogo con le istanze dell’estetica relazionale e della public art di nuovo genere, i suoi progetti riconfigurano i ruoli di artista, curatore e pubblico, trasformando lo spazio urbano in campo d’azione sociale e politica. Ma quali soglie di inclusione e agency sono realmente raggiungibili nei processi partecipativi artistici? E in che misura il coinvolgimento della comunità ridefinisce l’autorialità e la funzione del monumento stesso? L’analisi dimostra come i suoi anti-monumenti costituiscano veri e propri laboratori metodologici per ripensare criticamente le pratiche commemorative nella contemporaneità
Le fonti orali nella documentazione della socially engaged art: applicazioni e riflessioni teoriche a partire dal caso studio Contenuto Rimosso
No full textThis study examines the possibility of incorporating participants' voices into the documentation practices of socially engaged art (SEA), using the interview as a tool to record and convey narratives that reflect the dialogical nature of these experiences. The analysis arises from certain critical issues observed in current documentation practices: on one hand, artists often struggle to keep track of participatory, context-specifc and long-term processes; on the other, critics must rely on data and testimonies that are frequently fragmented, while the theoretical debate on the subject remains marginal. In this context, documentation tends to be reduced to photographs, videos, or descriptions of the method – materials that rarely succeed in fully including the perspectives of stakeholders, who are both active agents in the creative process and its primary audience. This study thus proposes the interview as an epistemological device capable of capturing subjective viewpoints, offering a tool to explore the intersections between personal, collective, and public memory, and contributing to a more nuanced historicization of SEA practices. Supporting this thesis is the case study Contenuto Rimosso, a community art project initiated by Chiara Trivelli in 2012 in Lorenzago del Cadore. Through an archive of thirty video interviews later made public, the project illustrates how including participants' perspectives becomes a central element in achieving a polyphonic and participatory form of documentation – one that activates collective memory and redefines the boundaries of artistic authorship.Il presente studio esamina la possibilità di incorporare la voce dei partecipanti nelle pratiche di documentazione della socially engaged art (SEA), utilizzando l’intervista come strumento per registrare e trasmettere narrazioni che riflettano la natura dialogica di queste esperienze. L’analisi si sviluppa a partire da alcune criticità riscontrate nelle pratiche documentarie correnti per cui da un lato, gli artisti faticano a tenere traccia dei processi partecipativi, situati e a lungo termine; dall’altro, la critica dispone di dati e testimonianze troppo spesso frammentari, mentre il dibattito teorico sul tema rimane marginale. In questo contesto, la documentazione tende a ridursi a fotografie, video o descrizioni del metodo, materiali raramente in grado di includere appieno la prospettiva degli stakeholder, protagonisti attivi del processo creativo e suoi principali destinatari. Lo studio propone, dunque, l’intervista come dispositivo epistemologico in grado di raccogliere punti di vista soggettivi, offrendo uno strumento per esplorare le intersezioni tra memoria personale, collettiva e pubblica nonché contribuendo a una più articolata storicizzazione delle pratiche SEA. A supporto di tale tesi, viene analizzato il caso studio Contenuto Rimosso, esperienza di arte comunitaria attivata da Chiara Trivelli nel 2012 a Lorenzago del Cadore. Attraverso un archivio composto da trenta video interviste, poi pubblicate, il progetto evidenzia come l'inclusione del punto di vista dei partecipanti costituisca un elemento centrale per una documentazione polifonica e partecipativa, capace di attivare la memoria collettiva e di ridefinire i confini dell’autorialità artistica
Vestite di natura: Donne e tessuti in pittura e letteratura, dall’estetica rinascimentale alla poetica preraffaelita alla pittura art nouveau
No full textThis contribution focuses on paintings and poetry, visualizing fashionable design in clothing, such as flowers, foliage and greenery — characterizing pre-Raphaelite poetry and painting. This paper analyses Sandro Botticelli’s Spring (1477–82) and its representation of clothing, flowers and natural patterns which take on transformative, symbolical and connotative traits especially in Chloris’ metamorphosis. John Everett Millais’ Ophelia (1851–2) is then framed through Shakespeare’s Hamlet and Rossetti’s poem The Portrait (1870). The nature-steeped poem The Lady of Shalott — which inspired the singer Loreena McKennit — is then made to address the photograph The Lady of Shalott by the contemporary American-German photographer Julia Fullerton-Batten, who recreates John William Waterhouse’s painting emphasizing the textile dimension and the symbolic power of greenery. This dialogue between painting and poetry foregrounds the description of garments and textiles, their connection with the natural world, and human vs nonhuman kinship which offers symbolical, allegorical and pictorial readings of artworks and poems. In conclusion, the critical analysis moves on to Gustav Klimt’s painting The Kiss (1907–1908), example of art nouveau epitomizing this diachronic comparatist discourse and showing the culmination of all the elements discussed. This paper employs the frameworks of art history criticism, literary theory and environmental humanities.Questo saggio esamina dipinti e poesie che ritraggono motivi alla moda nel vestiario, come fiori, foliage e vegetazione – tipici della poesia e pittura preraffaelita. Il saggio analizza la Primavera di Sandro Botticelli (1477-82) e la sua rappresentazione di vesti, fiori e motivi naturali dai tratti trasformativi, simbolici e connotativi, soprattutto nella metamorfosi di Clori. Ofelia di John Everett Millais (1851-2) è poi inquadrato attraverso l’Amleto di Shakespeare e The Portrait (1870), poesia di Dante Gabriel Rossetti. The Lady of Shalott – poesia dai temi naturali, di ispirazione per la cantante Loreena McKennitt – viene fatta dialogare con la fotografia The Lady of Shalott della fotografa contemporanea tedesca-americana Julia Fullerton-Batten, che ricrea il dipinto di John William Waterhouse evidenziando la dimensione tessile e il potere simbolico della vegetazione. Questo dialogo tra pittura e poesia analizza la descrizione di vesti e tessuti, la loro connessione con il mondo naturale, e l’affinità tra umani e nonumani che offre letture simboliche, allegoriche e pittoriche delle opere artistiche e delle poesie. Infine, l’analisi critica si sposta al Bacio di Gustav Klimt (1907-8), esempio di art nouveau e culmine del discorso comparatistico, perché mostra tutti gli elementi discussi. Questo saggio utilizza le lenti critiche della storia dell’arte, teoria letteraria ed Environmental Humanities
Green Waves and Wish Lines: Derek Walcott’s Art Nouveau
No full textThis article is about two poems and a play by Caribbean writer and painter Derek Walcott which, published at different stages of his career, engage with Hokusai’s print Under the Great Wave off Kanagawa and Van Gogh’s canvas The Starry Night, thereby indirectly opening the core issue of fashion ever: its relationship with art. This is because these two masterpieces have been part of fashion discourse since its start in the mid-19th century when they too were created, to the present time, when swirling stars and cresting waves have become global icons worn and exhibited, cap-à-pie, in both haute couture and the mass clothing industry
Giallo come la ginestra, verde come il futuro: le nuove suggestioni delle fibre ritrovate
No full textHemp, broom, and jute, reintroduced during the autarkic period as fibers both strong and flexible, made a significant contribution to the renewal of textile production, with an immediate impact on fashion and interior design. Traditional rustic plants, alongside the “fibers of the Empire,” inspired research, leading to the development of technological patents and new industrial brands. Their promotion ranged from major national exhibitions to the fashion pages of women’s magazines, which played a crucial role in shaping the collective imagination and refining taste through a language capable of speaking simultaneously to reason and emotion. The rediscovery of humble plant-based fibers as an essential resource for responsible fashion is now driven by the urgent need to transition away from high-impact production methods. The green revolution is bringing broom back into focus through research into eco-sustainable solutions and new forms of clothing. Following the narrative that underpins the development of modern green awareness, this study aims to highlight the relationship between continuity and innovation in the linguistic choices related to the promotion of new natural materials, presenting the initial results of a diachronic analysis of lexicographical sources and historical and contemporary specialized texts.Canapa, ginestra e juta, rilanciate nel periodo autarchico come fibre congiuntamente tenaci e flessibili, hanno offerto un grande contributo al processo di rinnovamento della produzione tessile, con una ricaduta immediata nel campo della moda e dell’arredamento. Le piante rustiche della tradizione, affiancate dalle “fibre dell’Impero”, hanno ispirato la ricerca, portando alla definizione di brevetti tecnologici e nuovi marchi industriali. La loro promozione passa dalle grandi esposizioni nazionali alle pagine di moda delle riviste femminili, che danno un contributo fondamentale alla creazione di un immaginario e alla formazione del gusto attraverso un linguaggio capace di parlare alla ragione e al cuore. La riscoperta delle fibre vegetali povere come risorsa essenziale per una moda responsabile è oggi sostenuta nella consapevolezza dell’urgenza di una riconversione delle attuali forme di produzione ad alto impatto ambientale. La rivoluzione verde rilancia la ginestra attraverso la ricerca di soluzioni ecosostenibili e nuove forme del vestire. Seguendo la narrazione che accompagna la costruzione della moderna sensibilità green, il presente contributo si propone di evidenziare il rapporto tra continuità e innovazione nelle scelte linguistiche legate alla promozione dei nuovi materiali naturali, restituendo i primi risultati dell’analisi diacronica di fonti lessicografiche e testi settoriali storici e contemporanei
The Right to the Museum: From the White Cube to the Critical Museum
No full textAs the museum ecosystem undergoes a process of de- and re-articulation — politically and aesthetically affecting cultural and artistic institutions — museums are increasingly becoming hybrid and transdisciplinary entities. Building on this, the article draws upon institutional critique and critical museology to explore the reconceptualization of the museum as a critical institution: one endowed with social agency and accountability towards the communities that host and engage with it. Focusing on the urban dimension, the article examines the relationship between museums and the premises and practices of critical urbanism, mapping how their interactions with the cities they inhabit have evolved. In doing so, and while intentionally avoiding a developmentalist perspective, the discussion adopts a historical lens — tracing the museum’s trajectory from its industrial emergence through its modernist evolution to its current decolonial and critical reinterpretations. This retrospective provides a foundation to reconsider the museum’s role as an urban actor, proposing a parallel between two key rights: the right to the city and the right to the museum. The argument is further grounded through the analysis of two case studies, which, alongside the theoretical framework, illustrate how museum practices can serve as a means of reengaging with urban experience
