246 research outputs found
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L’antropologia e il GDPR: vecchi dilemmi e nuove sfide per la ricerca etnografica
Full text linkWith the entry into force of the current European data protection regulation (GDPR), ethnographic research deals with new challenges. This new regulatory framework has imposed a discussion on the ethical and methodological perspectives concerned with data collection, storage and dissemination of research participant’s information. This article analyzes the reasons that led to the current scenario by putting the perspective of the European institutions in dialogue with the requests of the anthropological community. Looking at the political, social and economic role played by data, the text offers some reflections on the current process of digitization and the future of data collection practices in ethnographic research.Con l’entrata in vigore dell’attuale regolamento europeo (2016/679) sulla protezione dei dati personali (GDPR) sono emerse nuove sfide per la ricerca etnografica. La riconfigurazione del quadro normativo ha imposto una discussione in merito alle prospettive etiche e metodologiche implicate nelle diverse fasi di raccolta, conservazione e diffusione delle informazioni di coloro che sono coinvolti nei progetti di ricerca. Il presente articolo analizza le ragioni che hanno portato allo scenario attuale, mettendo in dialogo la prospettiva delle istituzioni europee e le istanze della comunità antropologica. Guardando al ruolo politico, sociale ed economico assunto dai dati, il testo presenta alcune riflessioni in merito all’attuale processo di digitalizzazione e al futuro della pratica di raccolta dei dati nella ricerca etnografica
Domenico Giuseppe Lipani (a cura di). Alberto Naselli, Ferrara e la cultura dell'attore nel secondo '500
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The Trojan Women Project. Building a bridge between cultures through a universal language
Full text linkThe article discusses The Trojan Women Project presented at La MaMa Experimental Theatre Club in New York City in December 2019. The performance was the result of a five-years project that involved La MaMa’s actors, designers and musicians together with artists belonging to worldwide communities. The work was based on the new production of La MaMa’s historical performance directed by Andrei Serban in 1974. This new project engaged with communities with a recent history of conflict with the aim of addressing contemporary issues through theatre. Workshops done within some Guatemalan, Cambodian and Kosovan communities were focused on the exploration of sounds and gestures by using text, music, and scenography originally developed in the Seventies by Elizabeth Swados, Andrei Serban and the Great Jones Repertory Company. Both workshops and rehearsals led to performances created for these communities, who can use them as they wish in their future work. By working with artists and community members in different countries, ‘The Trojan Women Project’ developed a multi-phased kind of exchange, including stories, music and movements of the participants in the original La MaMa’s piece in the workshops and performances. The legacy of the former work was kept creating a new vision of the ancient Greek tragedy, following Serban and Swados’ artistic experimentation in adopting the ancient Greek language with new forms of language. Their aim was to experiment with universal form of communication. This project testifies to the lasting engagement of La MaMa in fostering the sharing of cultures and in supporting the experimentation of new creative way of doing theatre. An objective that was central for its founder, Ellen Stewart, since the foundation of La MaMa Cafe in 1961.L’articolo indaga ‘The Trojan Women Project’, una sperimentazione di cinque anni conclusa nel dicembre 2019 con lo spettacolo presentato a La MaMa Experimental Theatre Club a New York City, che ha visto coinvolti artisti provenienti da diversi paesi, assieme ad attori, musicisti e designer della compagnia di New York, in un lavoro sulla rielaborazione della storica produzione diretta da Andrei Serban nel 1974 a La MaMa. ‘The Trojan Women Project’ è stato proposto a comunità con una recente storia di conflitto, con l’intento di approcciare problematiche socio-politiche attuali attraverso il teatro. I laboratori condotti con gli artisti in Guatemala, in Cambogia e Kosovo sono stati focalizzati sulla ricerca, attraverso il suono e il gesto, di un linguaggio comune, proseguendo le precedenti ricerche di Serban e della musicista Elizabeth Swados con la Great Jones Repertory Company, ma prima ancora di Peter Brook, sul linguaggio universale. Danze e musiche tradizionali sono state integrate nella rappresentazione e hanno facilitato lo scambio culturale e artistico grazie anche alla riproposta delle modalità del lavoro svolto negli anni Settanta. Nello scoprire una naturale identificazione con le donne di Troia e le loro vicende, gli artisti appartenenti alle compagnie provenienti dai tre paesi hanno trovato nella tragedia greca un luogo d’incontro e condivisione in cui elaborare la sofferenza e l’oppressione derivate dal vissuto del conflitto. Un obbiettivo pienamente in linea con l’impegno di La MaMa per la creazione e diffusione di un nuovo modo di fare teatro
“La Rete”: un gruppo di intellettuali nella Ferrara moderna
Full text linkThe present issue explores how a network of intellectuals was formed in Ferrara and its surroundings between the beginning of the Fifties and the end of the Eighties, producing plenty of innovative and anthropologically relevant works. This generation of intellectuals shared a remarkably transdisciplinary point of view, in a moment when the boundaries between disciplines were much less conspicuous than now and the Chair of Anthropology at the University was yet to be founded (it happened in Ferrara in 2008/09). The essay shows how this network was formed, to which extent it contributed to Ferrara becoming a cultural capital, how it managed to transform the Teatro Comunale and the Palazzo dei Diamanti, for instance, into outstanding cultural institutions.Oggetto di questo articolo è la formazione di una rete di intellettuali a Ferrara tra l’inizio degli anni Cinquanta e la fine degli anni Ottanta che hanno prodotto fuori e dentro le Mura cittadine una serie di opere visive e di scritti innovativi e di valore antropologico. Alla base dello sguardo di questa generazione di intellettuali vi era un punto di vista fortemente transdisciplinare in un momento in cui le separazioni tra discipline erano meno evidenti, vista anche l’assenza di facoltà umanistiche e l’istituzione della prima cattedra di antropologia culturale a Ferrara solo nel 2008/2009. La domanda al centro di questo articolo è: come si è formata questa rete? Quanto ha contribuito a fare del capoluogo estense una città dell’arte e della cultura? Come questo gruppo di intellettuali è riuscito in poco tempo a rendere istituzioni come il Teatro Comunale e/o i Palazzo dei Diamanti delle eccellenze
La recitazione come fatto di classe: storicità delle emozioni e psicologia dell’attore in Lev S. Vygotskij
Full text linkIn recent years there has been a rediscovery and revision of the work and thought of the Soviet psychologist and pedagogist Lev Semënovič Vygotskij (1896-1934). Studies on this topic are constantly increasing and shedding new light on the broad scope of his thought and the complex philological-editorial situation of his unique reception. Among the various fields in which the author has left some reflections, the theory and criticism of the arts and the psychology of aesthetic reaction (especially literary and theatrical) seems to find ample space, manifesting an articulated and coherent structure in his thought. However, this topic still appears little studied. This article intends to illustrate the characters of Vygotsky’s theatrical aesthetics, through the commentary on the author’s work dedicated to the subject, On the Problem of the Psychology of the Actor’s Creative Work.Negli ultimi anni si sta assistendo ad una riscoperta e revisione dell’opera e del pensiero dello psicologo e pedagogista sovietico Lev Semënovič Vygotskij (1896-1934). Gli studi sull’argomento aumentano costantemente e gettano nuova luce sull’ampia portata del suo pensiero e sulla complessa situazione filologico-editoriale che caratterizza la sua singolare ricezione. Tra i vari campi in cui l’autore ha lasciato delle riflessioni, la teoria e critica delle arti e la psicologia della reazione estetica (in particolare letteraria e teatrale) sembrano trovare un ampio spazio, manifestando una strutturazione articolata e coerente nel suo pensiero. Tuttavia, questo argomento appare ancora poco studiato. Il presente articolo intende illustrare i caratteri dell’estetica teatrale di Vygotskij, attraverso il commento all’opera dell’autore dedicata all’argomento, Sulla questione della psicologia della creazione artistica dell’attore
Shakespeare on the Edge of Intercultural Theatre: Lear Dreaming by Ong Keng Sen, a New Nō Performance
Full text linkThis article provides a general framework to the interview with Singaporean theatre creator and foremost advocate of Asian interculturalism, Ong Keng Sen, conducted on 30th of April, 2021. Aiming to focus on one of his latest works: Lear Dreaming, which premiered in Singapore, 2011 and was presented during the Singapore Theatre Festival in Paris, 2015, the interview covers a wide range of perspectives regarding Ong’s collaborative practice and the different strategies his work engages with, not only from a production point of view but also as part of a constant exploration regarding the continuities of contemporary practice of Asian theatre traditions. Harnessing the results from the unavoidable disruptions within the different traditions, his work enables an artistic practice that is acutely mindful of cultural mobility by exploring every possibility of innovation without losing sight of its relevant traditional background.Questo articolo mira a fornire un quadro generale ed introduttivo dell’intervista condotta il 30 aprile 2021 con l’autore teatrale singaporiano, nonché uno dei principali sostenitori dell’interculturalità teatrale, Ong Keng Sen. L’intervista vuole portare alla luce uno degli ultimi lavori del maestro, Lear Dreaming, in anteprima a Singapore nel 2011 e presentato a Parigi nel 2015. Coprendo un’ampia gamma di prospettive riguardanti le collaborazioni professionali di Ong con attori ed addetti ai lavori, si delineano le diverse strategie con cui il suo lavoro si esplicita, non solo da un punto di vista produttivo ma anche come innovatore delle tradizioni teatrali asiatiche
Silvia Bruni. Confraternite, santi e spiriti. Indagini in Marocco. Parte I - “O tu che viaggi e lì ritorni”. Pratiche rituali e tradizioni musicali femminili a Meknes. Indagini in Marocco. Parte II
No full textIl rèak di Bandung tra rituale cerimoniale e intrattenimento popolare: una tradizione contemporanea sundanese (parte II)
Full text linkThe one of horse dances, commonly known in Indonesia as jaranan, kuda lumpingor jathilan, is a branch of ceremonial musical performances during which a group of artists led by a pawang− analogous, hence not perfectly corresponding, to the one of the shaman – and accompanied by an ensemble of musicians, undergo a series of voluntary possession by the spirits of the ancestors. After having analyzed the Sundanese version of this phenomenon (kasenian réak)problematizing it in the wake of the polar tension between the concepts of tradition and innovation, tourism and orthodoxy in the previous issue of this magazine, the author reconstructs the history of cultural policies in independent Indonesia, trying to explain the evolution of the phenomenon and to understand what a possible future of the practice could look like.Quella delle danze del cavallo, comunemente conosciute in Indonesia come jaranan, kudalumpingo jathilan, è una famiglia di performance musicali di matrice cerimoniale, nella quale un gruppo di artisti guidati da un pawang – figura analoga, in quanto non perfettamente coincidente, a quella dello sciamano – e accompagnati da un ensemble di musicisti, si sottopone a possessioni volontarie ad opera degli spiriti degli antenati. Dopo aver problematizzato la versione sundanese di tale fenomeno (kasenian réak)e aver sviluppato l’analisi nel solco della tensione polare tra i concetti di tradizione e innovazione, turistificazione e ortodossia nel numero precedente di questa rivista, l’autore ricostruisce la storia delle politiche culturali nell’Indonesia indipendente, cercando di dare ragione dell’evoluzione del fenomeno e comprendere quale possa essere un possibile futuro della pratica
Il ponte e lo specchio
Full text linkStarting point of the article’s thesis is the author's personal experience of theatrical practice and contact with other theatrical cultures, especially in Asia and, even more, in Japan. Aim of the text is to analyse the reasons for the mutual fascination between typically Western theatrical forms and practices, such as what is generically defined as Commedia dell'Arte and others that, equally generically, are defined as Oriental Theatres. This attraction has origins (even if subconscious) that are not only theatrical but rather cultural, or even better, related to cultural visions. The image of the Commedia dell’Arte - a tradition re-invented in the course of the 20th century and made mythical in the collective imagination by the theatrical avant-gardes in the perspective of a profound renewal of European theatre - corresponds to a vision of a generic Theatre of the East, repository of a sort of imaginary purity that has remained uncontaminated and unchanged over the centuries - the so-called living traditions. These theatrical visions are, in turn, the result of the construction of induced cultural identities, of distorted visions of the Other. They are thus part of a cultural imagology that rests on the sedimentation of ideological constructs ranging from mythopoiesis to exoticism, and even corresponds to an induced vision of identity of Japan and Italy. Finally, by returning the discussion to a purely artistic sphere, the importance of the dynamics leading to the hybridisation of languages is assessed, a fertile ground for the connection and construction of cultural bridges and a heuristic practice, moreover, typical of the Commedia dell'Arte, as it made hybridisation its essence, modulating and regenerating itself in European theatres, and not only, from the 16th century onwards.L’articolo prende spunto dall’esperienza personale della pratica teatrale e del contatto dell’autore con altre culture teatrali, in particolare dell’Asia e ancor più in particolare del Giappone, per analizzare le ragioni della reciproca fascinazione e attrazione fra forme teatrali e pratiche tipicamente occidentali quali quella che si definisce genericamente come Commedia dell’Arte e quelle, altrettanto genericamente, definite con la formula di Teatri orientali. Le ragioni di questa attrazione hanno spesso, seppure inconsciamente, origini non solo puramente teatrali, ma piuttosto culturali o, meglio ancora, di visioni culturali. All’immagine della Commedia dell’Arte, una tradizione re-inventata nel corso del XX secolo e resa mitica nell’immaginario collettivo dalle avanguardie teatrali nell’ottica di un profondo rinnovamento del teatro europeo, corrisponde una visione di un generico “teatro dell’Oriente” depositario di una sorta di purezza immaginaria non contaminata e rimasta inalterata nel corso dei secoli, le cosiddette tradizioni viventi. Queste visioni teatrali sono, a loro volta, frutto della costruzione di identità culturali indotte, di visioni distorte dell’Altro, entrando quindi nel dominio di una imagologia culturale che poggia sulla sedimentazione di costrutti ideologici che spaziano dalla mitopoiesi all’esotismo fino a corrispondere addirittura con una visione identitaria, indotta, del Giappone e dell’Italia. Riportando il discorso in un ambito prettamente artistico, si valuta infine l’importanza delle dinamiche che portano all’ibridazione dei linguaggi, terreno fertile per la connessione e la costruzione di ponti culturali e pratica euristica, peraltro, propria alla Commedia dell’Arte che fece dell’ibridazione la sua essenza modulandosi e rigenerandosi nei teatri europei, e non solo, dal ‘500 ad oggi