Scandinavian-Canadian Studies/Études Scandinaves au Canada
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From Working Class Drama to Academic Showdown: On Carl Th. Dreyer’s Use of His Literary Source in Två Människor [Two People] (1945)
Get PDFABSTRACT: The aim of the article is to analyze Danish film director Carl Th.
Dreyer’s motives for using Willy Oscar Somin’s play Close
Quarters (1935) as a source for his twelfth feature film, Två
Människor [Two People] (1945). This film is almost completely forgotten today,
in part because the director himself chose to disown it, but in part because
film historians have hitherto been unable to locate its exact textual source. My
concern has been to examine how loyal Dreyer actually wanted to stay to the
themes and narrative of his source. Newly discovered archival material
demonstrates that Dreyer actually thought of making a more political movie. This
material leads to a more general discussion of Dreyer as an adaptor of literary
works. I conclude that Dreyer made Två Människor in a period of
his directing career where he wanted to distance himself from his literary
sources.RÉSUMÉ: Cet article a pour but d’analyser les raisons qui ont motivé le réalisateur
danois Carl Th. Dreyer à utiliser la pièce de Willy Oscar Somin, Close Quarters (1935), comme source de son douzième film Två Människor [Deux Êtres] (1945). Ce film est pratiquement oublié aujourd’hui, d’une part parce que le réalisateur
a lui-même choisi de le renier, mais également parce que les historiens avaient été
incapables jusqu’à présent d’en situer la source textuelle. J’ai voulu examiner à
quel point Dreyer voulait rester fidèle aux thèmes et au récit narratif de sa source.
Des documents d’archive récemment découverts démontrent que Dreyer pensait en fait
réaliser un film plus politique. Ces documents amèneront une discussion plus générale
au sujet de Dreyer et de son travail d’adaptation d’oeuvres littéraires. J’en conclue
que Dreyer a réalisé Två Människor à un moment de sa carrière où il désirait se distancer de ses sources littéraires
Behind Idealism: The Discrepancy between Philosophy and Reality in The Cinema of Lars von Trier
Get PDFABSTRACT:
“All my life I’ve been interested in the discrepancy between philosophy and reality,
between conviction and its implementation.” (Lars von Trier, 2005)
Most scholarly attention has so far been directed towards the elements of form
and cinematography in Lars von Trier’s work. In this paper I will instead focus on
the thematic and philosophical qualities of his work. Through analysis of protagonist
types and plot structures, I will show how “the discrepancy between philosophy and reality” functions as a central underlying structure in the films. But also how this discrepancy
shifts according to gender and over time in von Trier’s later production. I will also
examine von Trier’s ties to nineteenth-century Scandinavian drama and German philosopher
Friedrich Nietzsche. These are important connections which have as yet not received
the attention they deserve.RÉSUMÉ:
« Je me suis intéressé toute ma vie à la divergence entre la philosophie et la réalité,
entre les croyances et leur mise en application » (Lars von Trier, 2005)
Alors que la plupart des critiques se sont jusqu’à maintenant intéressés à la forme
et à la cinématographie dans l’oeuvre de Lars von Trier, cet essai se concentrera
plutôt sur la thématique et les qualités philosophiques de son oeuvre. À travers l’analyse
des types de protagonistes et des structures de l’intrigue, je démontrerai de quelle
façon la «la divergence entre la philosophie et la réalité» sert de structure centrale sous-jacente aux films du réalisateur. J’examinerai également
les liens qu’entretient Trier avec le théâtre scandinave du dix-neuvième siècle et
avec le philosophe allemand Nietzsche, liens importants qui méritent qu’on s’y attarde
davantage
Modes of Representation in Ingmar Bergman’s Gycklarnas afton
Get PDFABSTRACT: Ingmar Bergman’s 1953 Gycklarnas afton [Sawdust and Tinsel] is a film that has received little attention, despite major critics’ agreement that
it is a masterpiece, Bergman’s first classic. To ascertain why it warrants the critical
acclaim of most serious film scholars, this article uses a close-reading methodology
to examine four different aspects of the work: the frequent occurrence of metafilmic
moments, the radically experimental Frost and Alma sequence, the film’s extensive
and complex use of mirrors, and the unusual editing and shot compositions that mark
the beginning and end of the film. These strategies document a self-reflexive aesthetic,
a thorough-going preoccupation with the notion of performance both within and outside
theatrical institutions, presenting a tacit argument for the impossibility of authentic
subjectivity, the importance of the mask. Ultimately the film presages precisely those
elements of Bergman’s later production that have made him one of the most important
figures in twentieth-century film.RÉSUMÉ: Le film de 1953 Gycklarnas afton [La nuit des forains] d’Ingmar Bergman a reçu peu d’attention, même si les critiques s’entendent pour dire
qu’il s’agit d’un chef d’œuvre et du premier classique de Bergman. Afin de déterminer
ce qui lui vaut de tels éloges de la part des plus grands spécialistes, cet article
propose une explication de texte afin d’examiner cette oeuvre selon quatre aspects
différents: l’occurrence fréquente de moments métafilmiques, la séquence radicalement
expérimentale de Frost et Alma, l’utilisation extensive et complexe des miroirs ainsi
que le montage inhabituel et la composition des scènes qui marquent le début et la
fin du film. Ils confirment une esthétique auto-réfléchie, un souci minutieux de la
notion de performance à la fois à l’intérieur et à l’extérieur des institutions théâtrales,
présentant un argument tacite quant à l’impossibilité d’une subjectivité authentique
et l’importance du masque. En fin de compte, le film laisse précisément présager les
éléments caractéristiques des productions plus récentes de Bergman qui ont fait de
lui l’une des personnalités les plus importantes du vingtième siècle
Doubling and Redoubling Bergman: Notes on the Dialectic of Disgrace and Disappearance
Get PDFABSTRACT: This paper plots the interrelations of some of the oppositions pervading
the work of Ingmar Bergman, particularly ones between Romanticism and Expressionism,
a Scandinavian cinema and a German one identified with the natural and the stylized
respectively, art cinema and traditional art, masculine and feminine, and face and
mask. In each case, selecting one pole nevertheless leaves the other in play. The
works’ unsettled status reflects their positioning between an art cinema that risks
alienating audiences, and a tradition threatened by inauthenticity. Bergman’s concern
with the dangers of the self’s visibility correlates with themes of shaming and with
the difficulties of the actor’s status, which accentuate those of a modernity characterised
by mobility. One consequence, a simultaneously real and metaphorical feminization
of the male artistic self, entails a dual conceptualization of disappearance, which
oscillates between the positive and the negative. Identity becomes always double,
each face a mask, and vice versa.RÉSUMÉ: Cet essai retrace les interrelations entre certaines oppositions imprégnant
l’oeuvre d’Ingmar Bergman, plus précisément entre le romantisme et l’expressionnisme,
un cinéma scandinave dit «naturel» et un cinéma allemand stylisé, l’art cinématographique
et l’art traditionnel, le masculin et le féminin, le visage et le masque. Le statut
indéterminé de l’oeuvre reflète leur position entre un cinéma d’art risquant d’éloigner
son public, et une tradition menacée par l’inauthenticité. Le souci de Bergman face
aux dangers de l’exposition du soi correspond aux thèmes de la honte et aux difficultés
qu’amène le statut de l’acteur, accentuant ainsi les dangers d’une modernité caractérisée
par la mobilité. Une conséquence, une féminisation à la fois réelle et métaphorique
du moi artistique masculin, implique une double conceptualisation de la disparition,
oscillant entre le positif et le négatif. L’identité se dédouble toujours, chacun
fait face à un masque, et vice et versa
Norwave: Norwegian Cinema 1997-2006
Get PDFABSTRACT: This article will examine Norwegian cinema from 1997 to 2006, a period marked
by a growing awareness of both the international film market and the demands of an
increasingly sophisticated domestic market on the part of Norwegian filmmakers. This
period has come to be known as “Norwave.” It will be argued that the films of the Norwave attempt a two-fold task—on the one
hand they seek to gain international acclaim of the kind associated with the likes
of the Danish Dogma 95 directors and Finnish director Aki Kaurismäki, while on the
other hand they attempt to create a public forum for the working out of specific issues
in contemporary Norwegian identity and ideology. By analyzing eight of the most successful
Norwegian films from the decade, the study maps out this tension between these global
and local aspirations.RÉSUMÉ: Cet article se penche sur le cinéma Norvégien de 1997 à 2006, une période
marquée par un souci grandissant des cinéastes norvégiens face au marché international
du film et aux demandes d’un marché intérieur de plus en plus sophistiqué: une période
mieux connue sous le nom de « Norwave ». Il sera soutenu que les films de cette vague entreprennent une double tâche: celle
de gagner une reconnaissance internationale semblable à celle associée au Dogma 95
danois et au réalisateur finlandais Aki Kaurismäki, tout en créant un forum public
afin de résoudre des questions spécifiques de l’identité et de l’idéologie norvégienne.
En analysant huit des plus grands films norvégiens à succès de la décennie, cette
étude illustre cette tension entre les identités locales et globales
Roy Andersson’s Cinematic Poetry and the Spectre of César Vallejo
Get PDFABSTRACT: Sånger från andra våningen [Songs from the Second Floor] was Roy Andersson’s first feature film in 25 years when it won the Special Jury Prize
at the Cannes Film Festival in 2000. It exemplifies the maturation of a distinctive
filmmaking style Andersson developed in two and half decades of making shorts and
advertising films and testifies to his decades-long engagement with Peruvian modernist
César Vallejo’s poetry. Andersson is known for his contentious relationship with Sweden’s
film establishment, and his critiques of Nordic contemporary filmmakers parallel Vallejo’s
similarly pointed critiques, in 1930s Paris, of the so-called “revolutionary” agenda of French Surrealists. The formal correspondences between Vallejo’s modernist
poetry and Andersson’s “trivialist” cinema are likewise striking. In this essay, I argue that the spectre of Vallejo
has so informed the development of Andersson’s distinctive vision and style as a filmmaker
that an investigation of the interart correspondences between this unlikely pairing
of avantgardists is overdue.RÉSUMÉ: Sånger från andra våningen [Chansons du deuxième étage] était le premier film de Roy Andersson a être présenté depuis 25 ans lorsque ce dernier
remporta le Prix Spécial du Jury du Festival de Cannes en l’an 2000. Il illustre la
maturation d’un style de réalisation distinct qu’Andersson a développé au cours des
deux décennies et demie qu’il a passées à faire des courts métrages et des publicités,
et témoigne de son engagement de longue date avec la poésie du moderniste péruvien
César Vallejo. Andersson est reconnu pour sa relation controversée avec l’industrie
cinématographique suédoise, et ses critiques envers les cinéastes nordiques contemporains
s’apparentent aux critiques de Vallejo face aux intentions soi-disant « révolutionnaires » des Surréalistes français dans le Paris de 1930. Les correspondances formelles entre
la poésie moderniste de Vallejo et le cinéma « trivial » d’Andersson sont également frappantes. Dans cet essai, je soutiens que le spectre
de Vallejo a tant influencé le style de réalisation et la vision particulière d’Andersson
qu’une étude des correspondances artistiques entre ce duo improbable d’avant-gardistes
était plus qu’attendue
Land og synir: An Interview with Ágúst Guðmundsson
Get PDFABSTRACT: Land og Synir, based on a novel of the same name by Indriði G. Þorsteinsson, was the first feature-length
film supported by the Icelandic Film Fund after its founding in 1978. Premiered in
1980 to great enthusiasm at home and warm, intelligent approval abroad, the film remains
the benchmark for the Icelandic film industry that it inaugurated. The interview that
follows a brief introduction intends to give Ágúst Guðmundsson, the author of the
film, an opportunity to reflect on its achievement thirty years on, in the light of
his subsequent successful career and the emergence of filmmaking as a major art form
and industry in Iceland. The Editor.RÉSUMÉ: Land og Synir, inspiré du roman éponyme d’Indriði G. Þorsteinsson, fut le premier long-métrage
islandais parrainé par le Fond Islandais du Film après sa création en 1978. Ce film,
dont la première eut lieu en 1980, suscita beaucoup d’enthousiasme en Islande et reçu
un accueil chaleureux à l’étranger, devenant ainsi une référence pour l’industrie
cinématographique islandaise qu’il inaugurait. L’entrevue, qui sera précédée d’une
brève introduction, aura pour but de donner à l’auteur du film, Ágúst Guðmundsson,
l’opportunité de s’exprimer sur l’ensemble de ses réalisations des trente dernières
années, à la lumière d’une carrière réussie et de l’émergence de la réalisation cinématographique
en tant que forme d’art en Islande. L’Éditeur
Liv Ullmann’s Handling of Religious Themes in Her Adaptation of Sigrid Undset’s The Wreath
Get PDFABSTRACT: In 1995 Liv Ullmann released Kristin Lavransdatter, a film adaptation of The Wreath, the first novel in Sigrid Undset’s trilogy Kristin Lavransdatter, a novelistic reconstruction of fourteenth-century psychology and religious culture
published between 1920 and 1922. This work was crucial to Undset’s winning the Nobel
Prize in 1928 “principally for her powerful descriptions of Northern life during the Middle Ages”; though its historical accuracy has been challenged, the affection with which this
work is held by Norwegian readers endures. So Ullmann was taking on well-known text,
which had been authored by a keen Catholic apologist, when she undertook her adaptation.
Her version of the story—or rather versions, since three different cuts have been
released—reduces the religious dimension of the original while increasing the focus
on the psychological exploration of family tensions, whether between generations,
between marriage partners, between siblings—or between friends. A comparison of the
two works, preceded by a brief discussion of Undset’s religious writings, illuminates
each.RÉSUMÉ: En 1995, Liv Ullmann présenta Kristin Lavransdatter, une adaptation cinématographique de La Couronne, premier roman de la trilogie de Sigrid Undset Kristin Lavransdatter, une reconstitution romanesque de la psychologie et de la culture religieuse du quatorzième
siècle publiée entre 1920 et 1922. Cette oeuvre lui valut le prix Nobel de littérature
de 1928 «principalement pour ses descriptions poignantes de la vie nordique au temps du Moyen-Âge» . Même si des doutes quant à la justesse historique demeurent, l’affection des lecteurs
norvégiens pour cette oeuvre subsiste. Ullmann reprenait donc un texte bien connu,
écrit par une fervente apologiste catholique, lorsqu’elle entreprit son adaptation.
Sa version de l’histoire -ou plutôt ses versions, puisqu’il en existe trois différents
montages- atténue la dimension religieuse du texte original tout en insistant davantage
sur l’exploration psychologique des tensions familiales, que ce soit entre les générations,
entre les membres du couple, entre frères et soeurs ou entre amis. Une comparaison
des deux ouvrages précédée d’une brève discussion sur les écrits religieux de Undset
sera ici proposée
Op med hodet: Tancred Ibsen’s 1933 Experiment in Cinematic Modernism
Get PDFABSTRACT: The grandson of two of Norway’s most famous nineteenth-century writers,
Henrik Ibsen and Bjørnstjerne Bjørnson, Tancred Ibsen holds a central place in the
history of Norwegian cinema. He was its leading director in the 1930s and 1940s and
is best remembered for Den store barnedåpen [The Great Baptism] (1931), Fant [Tramp] (1937) and Gjest Baardsen (1939). Ibsen’s third feature film, Op med hodet [Cheer Up!], from 1933, has meanwhile remained largely forgotten and unseen outside of film archives.
Ibsen later wrote in his autobiography that, regarding his own development, no film
had meant as much to him or taught him as much. With Op med hodet, Ibsen self-consciously borrowed from the polar opposite worlds of the Hollywood
popular-genre film and the European avant-garde cinema. Despite the film’s commercial
failure and relative obscurity to date, Op med hodet reveals Tancred Ibsen as a modernist European filmmaker and artist attempting technical
and narrative experiments radical for their time in Nordic cinema.RÉSUMÉ: Tancred Ibsen, petit-fils de deux des écrivains norvégiens du dix-neuvième
siècle les plus connus, Henrik Ibsen et Bjørnstjerne Bjørnson, occupe une place centrale
dans l’histoire du cinéma norvégien. Il en était le réalisateur principal dans les
années 1930 et est plus connu pour ses films Den store barnedåpen [The Great Baptism], Fant [Tramp] et Gjest Baardsen (1939). Le troisième film d’Ibsen, Op med hodet [Cheer Up!], de 1933, est longtemps demeuré oublié et méconnu en dehors des archives. Ibsen écrivit
plus tard qu’aucun film n’avait eu autant d’importance et ne lui avait autant appris.
Avec Op med hodet, Ibsen a consciemment emprunté aux mondes diamétralement opposés du genre populaire
d’Hollywood et du cinéma avant-gardiste européen. Malgré l’échec commercial du film
et son manque de popularité, Op med hodet nous révèle Tancred Ibsen comme étant un cinéaste européen moderniste et un artiste
nordique dont les expériences techniques et narratives sont en avance sur leur temps