LINK PRAXIS: Journal of Practice-led Research in Design and the Global South
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Woven Silences: Reimaginando shèng nǚ (“Mulheres Sobressalentes”) através de interfaces poéticas entre imagem, texto e impressão em seda.
No full textWoven Silences: Reimagining shèng nǚ (‘Leftover Women’) through poetic interfaces between image, text, and silk printing constitutes a positive rethinking of the Chinese derogatory concept of 剩女 (the Leftover Woman). Leftover Women is used to define unmarried, urban, professional single women over the age of 27. In this study, the term is used to describe women who, forsaking conventional expectations of marriage, consciously make alternative choices about their future. The research draws on personal experience and existing literature relating to familial and cultural expectations that many young, contemporary Chinese women must navigate. The discursive relationship between poetry and painting is articulately captured in the Chinese term 诗中有画/画中有诗 ‘painting in poetry and poetry in painting’. 诗中有画 ‘painting in poetry’ refers to the pictorial vividness of a poetic work, and 画中有诗 ‘poetry in painting’, refers to the poetic and aesthetic content of a painting. Poetry and painting here refers to an ancient Chinese practice of combining literary and pictorial form in an intrinsic relationship. The study draws on this relationship to create contemporary design expressions of a social phenomenon. Using silk as a material substrate, the project explores the potentials of poetry, calligraphy, fabric design, illustration and printing to rethink existing conventions of gender expectation and culturally mandated marriage. Formatted on draped, silk ‘sheets’, seven poems created by the researcher update the Chinese principle of ‘painting in poetry and poetry in painting’ as contemporary visual communication design practice. The works are accompanied by a catalogue that provides translations of each poem (into English) and a brief explanation of each work.Woven Silences: Reimaginando shèng nǚ («mujeres sobrantes») a través de interfaces poéticas entre imagen, texto y estampado sobre seda constituye un replanteamiento positivo del concepto despectivo chino de 剩女 (la mujer sobrante). Mujer sobrante se utiliza para definir a las mujeres solteras, urbanas, profesionales y solteras de más de 27 años. En este estudio, el término se utiliza para describir a las mujeres que, renunciando a las expectativas convencionales de matrimonio, toman conscientemente decisiones alternativas sobre su futuro. La investigación se basa en la experiencia personal y en la bibliografía existente sobre las expectativas familiares y culturales que muchas jóvenes chinas contemporáneas deben sortear. La relación discursiva entre poesía y pintura queda articuladamente plasmada en el término chino 诗中有画/画中有诗 'pintura en la poesía/ poesía en la pintura'. 诗中有画 'pintura en la poesía' se refiere a la viveza pictórica de una obra poética, y 画中有诗 'poesía en la pintura', al contenido poético y estético de un cuadro. Poesía y pintura se refiere aquí a una antigua práctica china de combinar la forma literaria y pictórica en una relación intrínseca. El estudio se basa en esta relación para crear expresiones de diseño contemporáneo de un fenómeno social. Utilizando la seda como sustrato material, el proyecto explora los potenciales de la poesía, la caligrafía, el diseño de tejidos, la ilustración y la impresión para replantearse las convenciones existentes sobre las expectativas de género y el matrimonio por mandato cultural. Formateados en "sábanas" de seda drapeadas, siete poemas creados por la investigadora actualizan el principio chino de "pintar en poesía y poesía en pintura" como práctica contemporánea de diseño de comunicación visual. Las obras van acompañadas de un catálogo que ofrece traducciones de cada poema (al inglés) y una breve explicación de cada obra. El estudio contribuye a un corpus ya existente de comentarios cualitativos sobre la construcción de la Mujer Sobrante, al proporcionar un análisis artístico encarnado, enmarcado en las aspiraciones, desde la experiencia en primera persona. El resultado demuestra cómo el diseño de la comunicación puede emplearse de forma poética para llegar a públicos que hasta ahora han estado expuestos a discursos sobre el tema enmarcados en un contexto puramente académico.Woven Silences: Reimaginando shèng nǚ (“Mulheres Sobressalentes”) através de interfaces poéticas entre imagem, texto e impressão em seda constitui uma reformulação positiva do conceito chinês depreciativo de 剩女 (a mulher que sobrou). O termo Leftover Women é usado para definir mulheres solteiras, urbanas, profissionais e solteiras com mais de 27 anos de idade. Neste estudo, o termo é usado para descrever mulheres que, abandonando as expectativas convencionais de casamento, conscientemente fazem escolhas alternativas sobre seu futuro. A pesquisa se baseia na experiência pessoal e na literatura existente relacionada às expectativas familiares e culturais que muitas mulheres chinesas jovens e contemporâneas precisam navegar. A relação discursiva entre poesia e pintura é capturada de forma articulada no termo chinês 诗中有画/画中有诗 'pintura em poesia/ poesia em pintura'. 诗中有画 "pintura na poesia" refere-se à vivacidade pictórica de uma obra poética, e 画中有诗 "poesia na pintura" refere-se ao conteúdo poético e estético de uma pintura. Poesia e pintura aqui se referem a uma antiga prática chinesa de combinar formas literárias e pictóricas em uma relação intrínseca. O estudo baseia-se nessa relação para criar expressões de design contemporâneo de um fenômeno social. Usando a seda como substrato material, o projeto explora os potenciais da poesia, da caligrafia, do design de tecidos, da ilustração e da impressão para repensar as convenções existentes de expectativa de gênero e casamento culturalmente obrigatório. Formatados em "folhas" de seda drapeadas, sete poemas criados pelo pesquisador atualizam o princípio chinês de "pintura em poesia e poesia em pintura" como prática contemporânea de design de comunicação visual. As obras são acompanhadas por um catálogo que fornece traduções de cada poema (para o inglês) e uma breve explicação de cada obra. O estudo contribui para um conjunto existente de comentários qualitativos sobre a construção da Leftover Woman, fornecendo uma análise artística incorporada, emoldurada por aspirações, a partir da experiência em primeira pessoa. O resultado demonstra como o design de comunicação pode ser empregado de forma poética para atingir públicos que até agora foram expostos a discursos puramente acadêmicos sobre o assunto
Introdução à Segunda Sessão - Exegeses Estudantis em Design da Comunicação
No full textThis third issue of LINK PRAXIS Journal continues its commitment to advancing scholarly discourse on practice-oriented methodologies within communication design. This second session features three selected exegeses by graduating students from the Communication Design programme at Auckland University of Technology, produced in 2024. Each exegesis adopts the connective exegesis model articulated by Hamilton and Jaaniste (2010), aiming to situate practical design outcomes within thoroughly researched contexts.
Connective exegesis encourages students to critically engage beyond aesthetic considerations, prompting them to address specific communication objectives, stakeholder needs, and broader societal questions. This research-driven approach enriches students’ creative practice by demanding deeper, reflective engagement with their projects. It foregrounds intellectual inquiry, embedding methodological rigour within practical outcomes.
These selected exegeses exemplify LINK PRAXIS Journal's aim of fostering scholarly and reflective design practices. Presented largely unedited to preserve their methodological integrity and authentic student voice, they offer insights into the potentials and challenges of practice-led research. While distinct from the peer-reviewed articles in the first session, this selection maintains the journal’s commitment to methodological rigour and academic reflection. By positioning creative practice simultaneously as the driver and result of scholarly inquiry, these exegeses contribute meaningfully to a growing body of academic literature within communication design. Continuing the approach established in previous issues, these case studies offer substantial evidence of connective exegesis as a rigorous, reflective methodological framework for design research.Esta tercera edición de la revista LINK PRAXIS reafirma su compromiso con el desarrollo del discurso académico en torno a metodologías orientadas desde la práctica en el campo del diseño de la comunicación. Esta segunda sesión presenta tres exégesis seleccionadas de estudiantes egresados del programa de Diseño de la Comunicación de la Auckland University of Technology, realizadas en 2024. Cada exégesis adopta el modelo de exégesis conectiva propuesto por Hamilton y Jaaniste (2010), cuyo objetivo es situar los resultados prácticos del diseño dentro de contextos debidamente investigados.
La exégesis conectiva promueve que los estudiantes se involucren críticamente más allá de las decisiones estéticas, abordando objetivos específicos de comunicación, necesidades de los distintos actores involucrados y preguntas de orden social más amplio. Esta estrategia orientada por la investigación fortalece la práctica creativa de los estudiantes al exigir un compromiso reflexivo más profundo con sus propios proyectos. En este sentido, se enfatiza la indagación intelectual, integrando el rigor metodológico en los resultados prácticos.
Las exégesis seleccionadas en esta sesión ejemplifican el propósito de LINK PRAXIS de fomentar prácticas de diseño académicamente fundamentadas y reflexivas. Presentadas en su mayoría sin ediciones posteriores, con el fin de preservar tanto su integridad metodológica como la voz auténtica de sus autores, estas exégesis ofrecen perspectivas sobre las potencialidades y desafíos de la investigación basada en la práctica. Aunque distintas de los artículos revisados por pares incluidos en la primera sesión, esta selección mantiene el compromiso de la revista con el rigor metodológico y la reflexión académica. Al posicionar la práctica creativa como motor y resultado del proceso de investigación, estas exégesis aportan de manera significativa a la creciente literatura académica sobre diseño de la comunicación. En continuidad con el enfoque establecido en ediciones anteriores, estos estudios de caso proporcionan evidencia sustancial de la exégesis conectiva como un marco metodológico riguroso y reflexivo en la investigación en diseño.Esta terceira edição do periódico LINK PRAXIS reafirma seu compromisso com o avanço do debate acadêmico em torno de metodologias orientadas pela prática no campo do design da comunicação. Esta segunda sessão apresenta três exegeses selecionadas de estudantes concluintes do curso de Design da Comunicação da Auckland University of Technology, produzidas em 2024. Cada exegese adota o modelo de exegese conectiva proposto por Hamilton e Jaaniste (2010), com o objetivo de situar os resultados práticos do design em contextos devidamente investigados.
A exegese conectiva encoraja os estudantes a irem além das escolhas estéticas, promovendo o engajamento crítico com objetivos específicos de comunicação, necessidades de partes interessadas e questões sociais mais amplas. Essa abordagem, orientada pela pesquisa, enriquece a prática criativa ao exigir um envolvimento reflexivo mais aprofundado com os projetos. Valoriza-se, assim, a investigação intelectual, integrando rigor metodológico aos resultados práticos do design.
As exegeses selecionadas nesta sessão exemplificam a proposta do LINK PRAXIS de fomentar práticas de design reflexivas e com base acadêmica. Apresentadas com mínimas edições, a fim de preservar sua integridade metodológica e a autenticidade da voz dos autores, estas exegeses oferecem perspectivas sobre os potenciais e os desafios da pesquisa conduzida pela prática. Embora distintas dos artigos revisados por pares apresentados na primeira sessão, esta seleção mantém o compromisso da revista com o rigor metodológico e a reflexão acadêmica. Ao posicionar a prática criativa como motor e resultado do processo investigativo, estas exegeses contribuem de forma significativa para o corpo crescente de literatura acadêmica em design da comunicação. Em continuidade ao modelo estabelecido em edições anteriores, estes estudos de caso oferecem evidências substanciais da exegese conectiva como uma estrutura metodológica rigorosa e reflexiva para a pesquisa em design
Uma investigação orientada pela prática, conduzida por um Paradigma de Pesquisa Artística Oceânica
No full textThis article presents a practice-led PhD project investigating how Oceanic values and ways of knowing inform faiva (creative practice/performance) to engage, create māfana (warmth) and mālie (harmony), and manifest ‘asi (the presence of the unseen) in artistic expression among Oceanic youth. Wolfgramm (1993) identified ‘asi as a vital element in the climax of faiva, reflecting an energising spirit that gives agency to artistic work. This research examines how young Oceanic individuals collaborate creatively, drawing on cultural heritage values to create meaningful faiva, and how this process may activate ‘asi throughout performance. The study is structured around two key components. The first, Lila (2019), is a co-created project involving research participants who developed and presented a contemporary faiva. This case study is enriched by interviews with Oceanic youth leaders, providing insights into the role of ‘asi in artistic practice. The second component, FAIVA | FAI VĀ, is the researcher’s personal artistic synthesis, integrating spoken word poetry, sound, drawing, video design, and performance. This body of work reflects on ‘asi through autobiographical themes and poetic expressions. By interweaving these elements, the study explores the nature and agency of ‘asi, its significance in contemporary faiva, and its potential to resource creativity and foster belonging among Oceanic youth.Esta presentación explora un proyecto de doctorado dirigido por la práctica que investiga el papel de los valores oceánicos y las formas de conocer y ser para informar faiva (práctica creativa / rendimiento), que tiene como objetivo involucrar, crear mafana (calidez) y malie (armonía) para hacer manifiesta ' asi (la presencia de lo invisible) en la expresión artística de la juventud oceánica. En 1993, Wolfgramm identificó a 'asi como un elemento crucial en el clímax de la faiva, que refleja un espíritu que da energía y agencia al trabajo artístico. Esta investigación examina lo que ocurre cuando los jóvenes oceánicos colaboran creativamente, utilizando los valores del patrimonio cultural para crear un faiva significativo, y cómo este proceso de colaboración puede activar 'asi tanto antes como después del punto álgido de la actuación. El estudio se basa en dos trabajos clave. El primero, un proyecto co-creado llamado Lila, involucró a un equipo de participantes en la investigación que combinaron sus talentos para desarrollar y presentar una faiva contemporánea en 2019. Este estudio de caso se complementa con entrevistas a líderes juveniles oceánicos contemporáneos, que ofrecen perspectivas sobre el fenómeno de 'asi y su papel en la práctica artística. El segundo cuerpo de trabajo, FAIVA | FAI VĀ, representa la síntesis y reflexión personal del investigador sobre 'asi. Esta faiva contemporánea integra poesía hablada, sonido, dibujo, diseño de vídeo y performance para explorar temas autobiográficos y expresiones poéticas. Al entrelazar estos elementos, la investigadora reflexiona sobre la naturaleza y la agencia de ' asi dentro del proceso creativo. A través de estos trabajos, la investigación pretende contribuir a una comprensión más profunda de ' asi y de su potencial como recurso para la creatividad y para fomentar un sentimiento de pertenencia en el desarrollo y la representación de la faiva contemporánea entre los jóvenes oceánicos.Esta apresentação explora um projeto de doutorado conduzido pela prática que investiga o papel dos valores e das formas de conhecer e ser da Oceania para informar a faiva (prática criativa/performance), que tem como objetivo envolver, criar mafana (calor) e malie (harmonia) para manifestar 'asi (a presença do invisível) na expressão artística da juventude da Oceania. Em 1993, Wolfgramm identificou o 'asi como um elemento crucial no clímax do faiva, refletindo um espírito que energiza e dá agência ao trabalho artístico. Esta pesquisa examina o que ocorre quando jovens da Oceania colaboram de forma criativa, usando valores do patrimônio cultural para criar um faiva significativo, e como esse processo de colaboração pode ativar o 'asi antes e depois do auge da performance. O estudo é sustentado por dois corpos principais de trabalho. O primeiro, um projeto cocriado chamado Lila, envolveu uma equipe de participantes da pesquisa que combinaram seus talentos para desenvolver e apresentar um faiva contemporâneo em 2019. Esse estudo de caso é complementado por entrevistas com jovens líderes contemporâneos da Oceania, que oferecem insights sobre o fenômeno do 'asi e seu papel na prática artística. O segundo corpo de trabalho, FAIVA | FAI VĀ, representa a síntese e a reflexão pessoal do pesquisador sobre o 'asi. Essa faiva contemporânea integra poesia falada, som, desenho, design de vídeo e performance para explorar temas autobiográficos e expressões poéticas. Ao entrelaçar esses elementos, o pesquisador reflete sobre a natureza e a agência do 'asi no processo criativo. Por meio desses trabalhos, a pesquisa tem como objetivo contribuir para uma compreensão mais profunda do 'asi e seu potencial para estimular a criatividade e promover um senso de pertencimento no desenvolvimento e no desempenho da faiva contemporânea entre os jovens da Oceania
Projetando uma ferramenta de linguagem visual baseada em pictogramas para autodeterminação
No full textThis presentation focuses on a doctoral research project aimed at developing a pictogram-based visual language system to support individuals with complex communication needs (CCN) in Chile and Aotearoa New Zealand. The project seeks to enhance the self-determination and independence of adults with CCN by creating a universally accessible tool that promotes self-expression. The research employs a practice-based methodology, combining theoretical frameworks in augmentative communication with practical design and testing processes. It builds on existing research, such as the PICTOS project in Chile, which has advanced accessibility in public services through the use of pictograms. This project aims to extend such applications into a cohesive visual language system that enables improved decision-making and autonomy for users with CCN. The research design includes co-creation workshops with stakeholders, iterative prototyping, and extensive field testing to ensure that the tool is responsive to the real-world needs and challenges faced by individuals with CCN. Accessible communication methods, such as easy-to-read documents and visual aids, are integrated into the research process to ensure participant comprehension. The project follows a mixed-methods approach, collecting both quantitative and qualitative data to evaluate the tool’s effectiveness, with self-determination measured using standardised instruments alongside interviews, testimonials, and focus groups. Funded by a FONDEF IDEA project grant in Chile and supplemented by scholarships, the research contributes to the fields of augmentative communication and visual language systems, with the ultimate goal of improving communication accessibility for underserved populations in both Chile and Aotearoa New Zealand.Esta presentación se centra en un proyecto de investigación doctoral destinado a desarrollar un sistema de lenguaje visual basado en pictogramas para apoyar a las personas con necesidades complejas de comunicación (NCC) en Chile y Aotearoa Nueva Zelanda. El proyecto pretende mejorar la autodeterminación y la independencia de los adultos con CCN mediante la creación de una herramienta universalmente accesible que promueva la autoexpresión. La investigación emplea una metodología basada en la práctica, combinando marcos teóricos en comunicación aumentativa con procesos prácticos de diseño y prueba. Se basa en investigaciones ya existentes, como el proyecto PICTOS en Chile, que ha hecho avanzar la accesibilidad en los servicios públicos mediante el uso de pictogramas. Este proyecto pretende ampliar dichas aplicaciones en un sistema de lenguaje visual cohesivo que permita mejorar la toma de decisiones y la autonomía de los usuarios con CCN. El diseño de la investigación incluye talleres de cocreación con las partes interesadas, la creación iterativa de prototipos y extensas pruebas de campo para garantizar que la herramienta responde a las necesidades y retos del mundo real a los que se enfrentan las personas con CCN. En el proceso de investigación se integran métodos de comunicación accesibles, como documentos de fácil lectura y ayudas visuales, para garantizar la comprensión de los participantes. El proyecto sigue un enfoque de métodos mixtos, recopilando datos cuantitativos y cualitativos para evaluar la eficacia de la herramienta, midiendo la autodeterminación mediante instrumentos estandarizados junto con entrevistas, testimonios y grupos de discusión. Financiada por una beca del proyecto IDEA de FONDEF en Chile y complementada con becas, la investigación contribuye a los campos de la comunicación aumentativa y los sistemas de lenguaje visual, con el objetivo último de mejorar la accesibilidad a la comunicación de las poblaciones desatendidas tanto en Chile como en Aotearoa Nueva Zelanda.Esta apresentação se concentra em um projeto de pesquisa de doutorado que visa desenvolver um sistema de linguagem visual baseado em pictogramas para dar suporte a indivíduos com necessidades complexas de comunicação (CCN) no Chile e em Aotearoa, Nova Zelândia. O projeto busca aumentar a autodeterminação e a independência de adultos com CCN por meio da criação de uma ferramenta universalmente acessível que promova a autoexpressão. A pesquisa emprega uma metodologia baseada na prática, combinando estruturas teóricas em comunicação aumentativa com processos práticos de design e teste. Ela se baseia em pesquisas existentes, como o projeto PICTOS no Chile, que promoveu a acessibilidade em serviços públicos por meio do uso de pictogramas. Esse projeto tem como objetivo estender esses aplicativos para um sistema de linguagem visual coeso que possibilite uma melhor tomada de decisões e autonomia para usuários com CCN. O projeto de pesquisa inclui workshops de cocriação com as partes interessadas, prototipagem iterativa e extensos testes de campo para garantir que a ferramenta atenda às necessidades e aos desafios do mundo real enfrentados por pessoas com CCN. Métodos de comunicação acessíveis, como documentos de fácil leitura e recursos visuais, são integrados ao processo de pesquisa para garantir a compreensão dos participantes. O projeto segue uma abordagem de métodos mistos, coletando dados quantitativos e qualitativos para avaliar a eficácia da ferramenta, com a autodeterminação medida por meio de instrumentos padronizados, além de entrevistas, depoimentos e grupos focais. Financiada por um subsídio do projeto IDEA do FONDEF no Chile e complementada por bolsas de estudo, a pesquisa contribui para os campos da comunicação aumentativa e dos sistemas de linguagem visual, com o objetivo final de melhorar a acessibilidade da comunicação para populações carentes no Chile e em Aotearoa, na Nova Zelândia
He tamaiti nā Tangaroa, He Ahuahu o Mataora: Documentando Puhoro
No full textHe Tamaiti nā Tangaroa, He Ahuahu o Mataora: Documenting Puhoro is a video documentary that revisits pūrākau to convey pre-colonial cultural ceremonies, experiences, and traditions through a distinctive form of Māori documentary-making. This practice-led research project explores the question: How might a filmmaker approach the recording of a traditional puhoro by drawing on traditional pūrākau? The thesis aims to reclaim, document, and preserve a traditional Māori tattoo art form, which, while deeply connected to whakapapa, whenua (land), and moana (ocean), also serves as a mark of honour in traditional Polynesian society. Situated within the Kaupapa Māori research paradigm, the study focuses on two key aspects. Firstly, it examines the culturally significant journey of the researcher receiving a puhoro (Māori tattoo) through traditional methods, paying tribute to the Māori traditions and stories embedded in this rite. Secondly, it artistically investigates how pūrākau can guide contemporary documentary-making in the recording and presentation of indigenous narratives. The research is significant for its dual focus. It documents the reclamation of the Māori practice of puhoro as an intrinsic part of traditional tā moko, including the revitalisation of tohi rituals (dedication to the gods) and karakia tawhito (pre-colonial chants). Additionally, it reinterprets pūrākau as a culturally anchored method of inquiry and documentation, contributing to the discourse on distinctive Māori filmmaking approaches. Though rooted in Māori traditions, the documentary’s universal themes of identity, tradition, and personal growth will resonate with a global audience interested in indigenous cultures, rites of passage, and personal transformation.He Tamaiti nā Tangaroa, He Ahuahu o Mataora: Documenting Puhoro es un vídeo documental que revisita el pūrākau para transmitir ceremonias, experiencias y tradiciones culturales precoloniales a través de una forma distintiva de creación documental maorí. Este proyecto de investigación dirigido por la práctica explora la cuestión: ¿Cómo podría un cineasta abordar la grabación de un puhoro tradicional recurriendo al pūrākau tradicional? La tesis pretende reivindicar, documentar y preservar una forma de arte del tatuaje tradicional maorí que, aunque está profundamente conectada con whakapapa, whenua (tierra) y moana (océano), también sirve como marca de honor en la sociedad polinesia tradicional. Situado dentro del paradigma de investigación Kaupapa Māori, el estudio se centra en dos aspectos clave. En primer lugar, examina el viaje culturalmente significativo de la investigadora al recibir un puhoro (tatuaje maorí) a través de métodos tradicionales, rindiendo homenaje a las tradiciones e historias maoríes incrustadas en este rito. En segundo lugar, investiga artísticamente cómo el pūrākau puede guiar la creación documental contemporánea en la grabación y presentación de las narrativas indígenas. La investigación es significativa por su doble enfoque. Documenta la recuperación de la práctica maorí del puhoro como parte intrínseca del tā moko tradicional, incluida la revitalización de los rituales tohi (dedicación a los dioses) y karakia tawhito (cánticos precoloniales). Además, reinterpreta el pūrākau como un método culturalmente anclado de investigación y documentación, contribuyendo al discurso sobre los enfoques cinematográficos maoríes distintivos. Aunque arraigado en las tradiciones maoríes, los temas universales de identidad, tradición y crecimiento personal del documental resonarán en un público global interesado en las culturas indígenas, los ritos de paso y la transformación personal.He Tamaiti nā Tangaroa, He Ahuahu o Mataora: Documenting Puhoro é um documentário em vídeo que revisita o pūrākau para transmitir cerimônias, experiências e tradições culturais pré-coloniais por meio de uma forma distinta de produção de documentários maori. Esse projeto de pesquisa orientado pela prática explora a questão: Como um cineasta pode abordar a gravação de um puhoro tradicional usando o pūrākau tradicional? A tese tem como objetivo recuperar, documentar e preservar uma forma de arte de tatuagem maori tradicional, que, embora profundamente conectada a whakapapa, whenua (terra) e moana (oceano), também serve como uma marca de honra na sociedade polinésia tradicional. Situado dentro do paradigma de pesquisa Kaupapa Māori, o estudo se concentra em dois aspectos principais. Em primeiro lugar, ele examina a jornada culturalmente significativa do pesquisador que recebe uma puhoro (tatuagem maori) por meio de métodos tradicionais, prestando homenagem às tradições e histórias maoris incorporadas a esse rito. Em segundo lugar, ela investiga artisticamente como o pūrākau pode orientar a produção contemporânea de documentários no registro e na apresentação de narrativas indígenas.A pesquisa é significativa por seu foco duplo. Ela documenta a recuperação da prática maori do puhoro como uma parte intrínseca do tā moko tradicional, incluindo a revitalização dos rituais tohi (dedicação aos deuses) e karakia tawhito (cantos pré-coloniais). Além disso, ele reinterpreta o pūrākau como um método culturalmente ancorado de investigação e documentação, contribuindo para o discurso sobre abordagens distintas de filmagem maori. Embora enraizado nas tradições maori, os temas universais de identidade, tradição e crescimento pessoal do documentário repercutirão em um público global interessado em culturas indígenas, ritos de passagem e transformação pessoal
Supervisão de projectos de doutoramento heurísticos orientados para a prática que integram a intuição criativa e a inteligência artificial
No full textHeuristic inquiry, rooted in experiential and iterative exploration, plays a central role for both artistic research and artificial intelligence (AI) research. This article provides a guide for supervising PhD projects that incorporate heuristic inquiry in their creative and computational transdisciplinary contexts. Drawing on transdisciplinary literature and research examples, it addresses how supervisors can support students through to approach AI for their creative projects with an informed approach. Key topics include embracing uncertainty, heuristic iteration, intuitive problem-solving, supporting interdisciplinary learning, and navigating the epistemological challenges using heuristic methods. By mapping structural and methodological convergences between artistic and AI domains, this article aims to equip supervisors with adaptable tools to nurture complex, innovative, and practice-led doctoral projects.La investigación heurística, basada en la exploración empírica e iterativa, desempeña un papel fundamental tanto en la investigación artística como en la investigación sobre inteligencia artificial (IA). Este artículo ofrece una guía para supervisar proyectos de doctorado que incorporan la investigación heurística en sus contextos creativos y computacionales transdisciplinares. Basándose en la literatura transdisciplinar y en ejemplos de investigación, aborda cómo los supervisores pueden ayudar a los estudiantes a abordar la IA para sus proyectos creativos con un enfoque informado. Entre los temas clave se incluyen la aceptación de la incertidumbre, la iteración heurística, la resolución intuitiva de problemas, el apoyo al aprendizaje interdisciplinario y la superación de los retos epistemológicos mediante métodos heurísticos. Al trazar las convergencias estructurales y metodológicas entre los ámbitos artístico y de la IA, este artículo pretende dotar a los supervisores de herramientas adaptables para fomentar proyectos de doctorado complejos, innovadores y orientados a la práctica.A investigação heurística, enraizada na exploração experimental e iterativa, desempenha um papel central tanto na investigação artística como na investigação em inteligência artificial (IA). Este artigo fornece um guia para a supervisão de projectos de doutoramento que incorporam a investigação heurística nos seus contextos transdisciplinares criativos e computacionais. Com base na literatura transdisciplinar e em exemplos de investigação, aborda a forma como os supervisores podem apoiar os estudantes na abordagem da IA para os seus projectos criativos com uma abordagem informada. Os principais tópicos incluem a adoção da incerteza, a iteração heurística, a resolução intuitiva de problemas, o apoio à aprendizagem interdisciplinar e a navegação pelos desafios epistemológicos utilizando métodos heurísticos. Ao mapear as convergências estruturais e metodológicas entre os domínios artísticos e de IA, este artigo visa equipar os supervisores com ferramentas adaptáveis para fomentar projectos de doutoramento complexos, inovadores e orientados para a prática
A viajante melancólica
No full textThis article presents a practice-led research that explores the potential of contemporary, poetic travelogues to express and preserve cultural identity. The project addresses the question: How can a travelogue that combines poetic writing, mixed media imagery, and structured document design convey an evolving sense of Cantonese identity? Drawing on Eastern and Western frameworks—specifically, theories of time, interstitial spaces, and cultural identity from Confucian, Daoist, phenomenological, and postcolonial perspectives, the study situates the travelogue as a record of journeys; and expand it to bridge ancestral heritage and modern life. Employing a reflective practice approach, the project combines photography, archival research, sketching, Chinese traditional binding, narrative interviews, poetic writing, and cyanotype illustration to document the perspectives of two generations of Cantonese women. These methods contribute to multi-layered narratives that blend historical and contemporary elements. The study is significant for its contributions to cross-cultural reflections. Through poetic storytelling, this research reinterprets cultural lifestyles and traditions from everyday life in the past, providing a medium to explore Cantonese heritage. It contributes to studies on generational narratives by examining how the same physical spaces are perceived and understood across different time periods.O projeto, 忘歸 (The Melancholic Traveller), é um diário de viagem feito com 龍鱗裝 (encadernação em escala de dragão), integrando ilustrações de cianotipia, poesia e texto bilíngue em inglês e chinês. Esse trabalho explora a essência da nostalgia e o conceito fluido de “家鄉” (terra natal) para a diáspora chinesa, refletindo sobre um mundo chinês distinto por meio de expressões artísticas e poéticas. Criado durante um estudo de campo de seis semanas em Guangdong e Macau, o projeto documenta a experiência de ser confinado pelos lockdowns da COVID-19. O relato de viagem captura um mundo íntimo e restrito que se expandiu gradualmente com o fim das restrições. O título, 忘歸, que significa “esquecer” e “retornar”, evoca a melancolia e a fragilidade da nostalgia, baseando-se no conceito de 熬路 (Ao Liu), que sugere uma suspensão no tempo. A nostalgia é retratada como uma ponte entre culturas, misturando a estética ocidental do cianotipo com a encadernação oriental em escala de dragão. O uso de papel de arroz e técnicas tradicionais de encadernação, combinados com a impressão de cianotipia, cria uma síntese cultural única que mescla o artesanato tradicional chinês com práticas artísticas contemporâneas. O projeto conecta a 懷舊藝術 (arte nostálgica chinesa) com interpretações modernas do artesanato tradicional, com o objetivo de evocar um profundo senso de lar, identidade e pertencimento para os leitores chineses da diáspora. A obra busca ressoar com aqueles que vivenciaram o deslocamento e a saudade inerentes à jornada diaspórica, oferecendo um espaço contemplativo para explorar a interseção de memória, cultura e identidade.O projeto, 忘歸 (The Melancholic Traveller), é um diário de viagem feito com 龍鱗裝 (encadernação em escala de dragão), integrando ilustrações de cianotipia, poesia e texto bilíngue em inglês e chinês. Esse trabalho explora a essência da nostalgia e o conceito fluido de “家鄉” (terra natal) para a diáspora chinesa, refletindo sobre um mundo chinês distinto por meio de expressões artísticas e poéticas. Criado durante um estudo de campo de seis semanas em Guangdong e Macau, o projeto documenta a experiência de ser confinado pelos lockdowns da COVID-19. O relato de viagem captura um mundo íntimo e restrito que se expandiu gradualmente com o fim das restrições. O título, 忘歸, que significa “esquecer” e “retornar”, evoca a melancolia e a fragilidade da nostalgia, baseando-se no conceito de 熬路 (Ao Liu), que sugere uma suspensão no tempo. A nostalgia é retratada como uma ponte entre culturas, misturando a estética ocidental do cianotipo com a encadernação oriental em escala de dragão. O uso de papel de arroz e técnicas tradicionais de encadernação, combinados com a impressão de cianotipia, cria uma síntese cultural única que mescla o artesanato tradicional chinês com práticas artísticas contemporâneas. O projeto conecta a 懷舊藝術 (arte nostálgica chinesa) com interpretações modernas do artesanato tradicional, com o objetivo de evocar um profundo senso de lar, identidade e pertencimento para os leitores chineses da diáspora. A obra busca ressoar com aqueles que vivenciaram o deslocamento e a saudade inerentes à jornada diaspórica, oferecendo um espaço contemplativo para explorar a interseção de memória, cultura e identidade
Editorial LINK PRAXIS Journal V.3 I.1 2025
No full textThis third issue of LINK PRAXIS Journal of Practice-Oriented Research marks a significant step in our ongoing commitment to documenting and analysing design-led and artistic research from within the Global South. It brings together a selection of authors who presented at the sixth edition of the LINK Conference, held in Valparaíso, Chile, and São Paulo, Brazil, from 3 to 7 December 2024. This edition reflects the diverse range of practice-oriented inquiries, each grounded in a commitment to design as a form of scholarly, reflective, and transformative practice.
The editorial and curatorial rationale of this issue follows the conceptual and epistemological orientation that informs both the conference and the journal. LINK PRAXIS is committed to supporting and disseminating creative research that arises from situated knowledge practices, emerging methodologies, and pluralistic worldviews, particularly those developed through and in relation to the Global South. The journal's foundational focus on practice-oriented research includes work that is both led by and embedded in artistic, design, and visual practices.
This volume features thirteen contributions, each of which exemplifies a strong engagement with practice as a mode of inquiry. These contributions encompass doctoral research, postgraduate investigations, and ongoing academic-practice collaborations. They offer evidence-based reflection on methodological experimentation, epistemic plurality, and the social, cultural, and material dimensions of creative practice.
Este tercer número del LINK PRAXIS Journal of Practice-Oriented Research marca un paso significativo en nuestro compromiso continuo con la documentación y el análisis de investigaciones lideradas por el diseño y las artes desde el Sur Global. Reúne una selección de autores que participaron en la sexta edición del Simposio LINK, celebrada en Valparaíso (Chile) y São Paulo (Brasil) del 3 al 7 de diciembre de 2024. Esta edición refleja la diversidad de investigaciones basadas en la práctica, todas ellas sustentadas en el compromiso con el diseño como una forma de práctica académica, reflexiva y transformadora.
El enfoque editorial y curatorial de esta edición sigue la orientación conceptual y epistemológica que informa tanto el simposio como la revista. LINK PRAXIS está comprometida con el apoyo y la difusión de investigaciones creativas que surgen de prácticas de conocimiento situadas, metodologías emergentes y visiones del mundo plurales, en particular aquellas desarrolladas desde o en diálogo con el Sur Global. El enfoque fundacional de la revista sobre la investigación orientada por la práctica incluye trabajos conducidos y fundamentados en prácticas artísticas, de diseño y visuales.
Este volumen presenta trece contribuciones que ejemplifican un sólido compromiso con la práctica como modo de investigación. Estas contribuciones abarcan investigaciones doctorales, estudios de posgrado y colaboraciones académicas en curso. Ofrecen reflexiones fundamentadas en la evidencia sobre la experimentación metodológica, la pluralidad epistémica y las dimensiones sociales, culturales y materiales de la práctica creativa.Esta terceira edição do LINK PRAXIS Journal of Practice-Oriented Research marca um passo significativo em nosso compromisso contínuo com a documentação e análise de pesquisas conduzidas por práticas artísticas e de design a partir do Sul Global. Reúne uma seleção de autores que apresentaram no sexto Simpósio LINK, realizado em Valparaíso, Chile, e São Paulo, Brasil, de 3 a 7 de dezembro de 2024. Esta edição reflete a diversidade de investigações baseadas ou orientadas pela prática, todas fundamentadas no compromisso com o design como forma de prática acadêmica, reflexiva e transformadora.
A proposta editorial e curatorial desta edição segue a orientação conceitual e epistemológica que informa tanto o simpósio quanto o periódico. O LINK PRAXIS é comprometido com o apoio e a divulgação de pesquisas criativas que emergem de práticas de conhecimento situadas, metodologias emergentes e visões de mundo plurais, em especial aquelas desenvolvidas a partir do Sul Global ou em diálogo com ele. O foco fundacional do periódico em pesquisas orientadas pela prática inclui trabalhos conduzidos por práticas artísticas, de design e visuais, nas quais a prática é parte integrante do processo investigativo.
Esta edição reúne treze contribuições que exemplificam um forte engajamento com a prática como modo de investigação. As contribuições incluem pesquisas de doutorado, investigações de pós-graduação e colaborações em andamento entre academia e prática. Oferecem reflexões fundamentadas em evidências sobre experimentações metodológicas, pluralidade epistêmica e as dimensões sociais, culturais e materiais da prática criativa
Com uma só mão: Uma investigação sobre como as publicações em scrapbook podem ser usadas para comunicar perspectivas de deficientes.
No full text‘Single Handed’ is a practise-led project which investigates how scrapbook-publications can be used to communicate disabled perspectives. Situated in the context of disability culture and disability arts, where disability is used to describe barriers in society for people with impairments, Single Handed explores how scrapbooking techniques can be used to create imagery that shares disabled experiences. I utilise my knowledge and experiences as a disabled person through an autoethnographic approach to address and communicate my story through image-making techniques. This scrapbook-publication aims provide non-disabled people with a better understanding of what it means to be disabled. Single Handed" es un proyecto práctico que investiga cómo pueden utilizarse las publicaciones de álbumes de recortes para comunicar las perspectivas de los discapacitados. Situado en el contexto de la cultura de la discapacidad y las artes de la discapacidad, donde la discapacidad se utiliza para describir las barreras en la sociedad para las personas con discapacidad, Single Handed explora cómo las técnicas de álbum de recortes se pueden utilizar para crear imágenes que comparten experiencias con discapacidad. Utilizo mis conocimientos y experiencias como persona discapacitada a través de un enfoque autoetnográfico para abordar y comunicar mi historia mediante técnicas de creación de imágenes. El objetivo de este álbum de recortes es que las personas no discapacitadas comprendan mejor lo que significa ser discapacitado.Single Handed' é um projeto conduzido pela prática que investiga como as publicações em scrapbook podem ser usadas para comunicar perspectivas de deficientes. Situado no contexto da cultura da deficiência e das artes da deficiência, em que a deficiência é usada para descrever as barreiras na sociedade para pessoas com deficiências, o Single Handed explora como as técnicas de scrapbooking podem ser usadas para criar imagens que compartilhem experiências de deficientes. Utilizo meus conhecimentos e experiências como pessoa com deficiência por meio de uma abordagem autoetnográfica para abordar e comunicar minha história por meio de técnicas de criação de imagens. O objetivo dessa publicação de scrapbook é proporcionar às pessoas sem deficiência uma melhor compreensão do que significa ser deficiente
PANGAKO KO, (MY PROMISE): Como o design de publicação pode incentivar a manutenção cultural e a reconexão com a cultura filipina para as futuras gerações
No full text“Pangako Ko” is a piece of work that is centred around the maintenance and acknowledgement of the Filipino cultural identity abroad through publication design. Based on my upbringing through the eyes of immigrant parents, provides nostalgic remembrance towards future enactment of the culture. The project aims to ground and reconnect Filipino individuals through the contextualization and critique of the culture from a second-generation point of view. The project grounds itself around the conceptual significance of family. The basis for this project is to foster and enact practices within the internal and external relationships of the culture through archival design. The methodological framework has a strong emphasis on an auto-ethnographic approach and heuristic inquiry. Resulting in a Z-Bind publication that communicates the framework of a second-generation Filipino through interactive, archival, photographic multi-page spreads.“Pangako Ko” es un trabajo que se centra en el mantenimiento y reconocimiento de la identidad cultural filipina en el exterior a través del diseño de publicaciones. Basado en mi educación a través de los ojos de padres inmigrantes, proporciona un recuerdo nostálgico hacia la futura promulgación de la cultura. El proyecto tiene como objetivo conectar y reconectar a los individuos filipinos a través de la contextualización y crítica de la cultura desde un punto de vista de segunda generación. El proyecto se basa en el significado conceptual de la familia. La base de este proyecto es fomentar y promulgar prácticas dentro de las relaciones internas y externas de la cultura a través del diseño de archivos. El marco metodológico tiene un fuerte énfasis en un enfoque autoetnográfico y una investigación heurística. El resultado es una publicación Z-Bind que comunica el marco de un filipino de segunda generación a través de pliegos fotográficos interactivos, de archivo y de varias páginas."Pangako Ko" é um trabalho centrado na manutenção e no reconhecimento da identidade cultural filipina no exterior por meio do design de publicações. Baseado em minha educação através dos olhos de pais imigrantes, fornece uma lembrança nostálgica para a futura implementação da cultura em design visual. O projeto tem como objetivo fundamentar e reconectar indivíduos filipinos por meio da contextualização e da crítica da cultura a partir de um ponto de vista de segunda geração. O projeto se baseia no significado conceitual de família. A base para esse projeto é promover e implementar práticas dentro dos relacionamentos internos e externos da cultura por meio do design de arquivos. A estrutura metodológica enfatiza a abordagem autoetnográfica e a investigação heurística. O resultado é uma publicação Z-Bind que comunica a estrutura de um filipino de segunda geração por meio de páginas de design gráfico interativo e de arquivo