Publicaciones Digitales - Facultad de Arte (U.N.I.C.E.N.)
Not a member yet
947 research outputs found
Sort by
Autobiografia em arte contemporânea: o caso da dança de Buenos Aires
No full textIn contemporary dance productions of recent years, especially in the last five years, a type of dance work organized around autobiographical themes began to appear in the city of Buenos Aires. In the first instance, the autobiographical has been crystallized as a literary genre; Today it could be looked back as a way of doing that replicates in contemporary artistic productions. This common mode would account for the appearance of certain recurrences in relation to how the speeches are organized, the topics they gather and the communicational situations they help to shape. The present work will focus exclusively on the analysis of this phenomenon in the area of semiotic performance of contemporary art and dance in particular, to subsequently dialogue with the possibility of considering the autobiography as a more comprehensive discursive modality. Oscar Steimberg's proposals on style, as a social classification that distinguishes, places and accounts for features shared by a series of speeches, will be put in dialogue with various authors who study the autobiographical in contemporary times in order to attempt to delimit the possibilities of its reach .En las producciones de danza contemporánea de los últimos años, especialmente en el último lustro en la ciudad de Buenos Aires, comenzó a aparecer un tipo de obra de danza que se organiza en torno a lo autobiográfico. En una primera instancia lo autobiográfico se ha cristalizado como género literario; hoy podría ser revisado como un modo de hacer que se replica en las producciones artísticas contemporáneas. Este modo común daría cuenta de la aparición de ciertas recurrencias en relación a cómo se organizan los discursos, a los temas que convocan y a las situaciones comunicacionales que construyen.El presente trabajo se enfocará exclusivamente en el análisis de este fenómeno en el área de desempeño semiótico del arte y de la danza contemporánea en particular para dialogar posteriormente con la posibilidad de postular a lo autobiográfico como una modalidad discursiva más abarcativa. Las proposiciones de Oscar Steimberg sobre el estilo, como clasificación social que distingue, sitúa y da cuenta de rasgos compartidos por una serie de discursos, se pondrán en diálogo con diversos autores que estudian lo autobiográfico en la contemporaneidad para intentar delimitar las posibilidades de su alcance.Em produções de dança contemporânea dos últimos anos, especialmente na cidade de Buenos Aires, nos últimos cinco anos, emerge um tipo de obra de dança organizada através da aparência autobiográfica. Anteriormente, o tema autobiográfico se estabeleceu como gênero literário; hoje, poderia ser revisitado como uma maneira de fazer que se reproduz nas produções artísticas contemporâneas. Esta maneira comum, manifesta-se habitualmente sobre os temas que essas obras invocam, como organizam o discurso, e a situação comunicacional que constroem. O presente trabalho, fundamenta-se exclusivamente na análises desse fenômeno, no âmbito da prática semiótica da arte em geral e da dança contemporânea em particular, para dialogar no futuro com a possibilidade de requerer o autobiográfico como uma modalidade discursiva mais abrangente. As propostas de Oscar Steimberg, sobre o estilo como uma classificação social que distingue, marca e expressa características compartilhadas por uma serie de discursos, estarão em conversação com diversos autores que estudam a aparência autobiográfica na contemporaneidade, para tentar demarcar as possibilidades da sua abrangência.
Pensamento e dramaturgia kuscheana em relação ao atual teatro argentino
No full textThe results of the work produced by Rodolfo Kusch on the way of being in the world of pre-Columbian man, found limitations in the academic language, which is inscribed in the form of thought coming from the West. For that reason is not the most appropriate language to account for the existence of another conception, such as that which exists in our continent before its badly called "discovery". Kusch, in his writings, used the essayistic genre with preference, to let his thought flow with greater freedom. However, also used other languages such as dramaturgic and audiovisual, in a complementary way in the expression of his thought. This work addresses both Kusch's dramaturgy, especially in Cafetín (homenaje a Discépolo), his last written, as other works of the current theatrical scene, Terrenal, pequeño misterio ácrata by Mauricio Kartun and in Apátrida, 200 años y unos meses, by Rafael Spregelburd with the purpose of identifying the dramatic ones that enable the appearance of a esthetic images of America Profunda in the scene. Mainly, this article is proposed as a contribution to reflection that explores the relationship between the performing arts and the research work of Rodolfo Kusch.El resultado del inmenso trabajo producido por Rodolfo Kusch sobre la forma de estar en el mundo del hombre precolombino, encontró sus limitaciones en el lenguaje académico, que se inscribe en una forma de pensamiento proveniente de occidente, y que por esa razón no es elmás adecuado para dar cuenta de la existencia de otra concepción, como la que existía en nuestro continente antes de su mal llamado “descubrimiento”.Kusch en sus escritos utilizó con preferencia el género ensayísitico, para dejar fluir su pensamiento con mayor libertad. No obstante este autor utilizó otros lenguajes como el dramatúrgico y el audiovisual, de manera de complementar la ex –presion de su pensamiento. Este trabajo aborda tanto la dramaturgia de Kusch, especialmente de Cafetín (homenaje a Discépolo),la última obra escrita por él, como otras dos obras pertenecientes a la escena teatral actual, Terrenal, pequeño misterio ácratade Mauricio Kartun y en Apátrida, 200 años y unos meses, de Rafael Spregelburd con el propósito de identificar procedimientos dramáticos que habiliten la aparición de imágenes estéticas de América Profundaen la escena. Principalmente, el artículo se propone como un aporte a la reflexión que explora la relación entre las artes escénicas y el trabajo investigativo de Rodolfo Kusch. Os resultados do trabalho produzido por RodolfoKusch sobre o modo de estar no mundo do homem précolombianoencontrou limitações na linguagem acadêmica,que vem do modo de pensar do Ocidente, e por essa razãonão é o mais adequado para explicar a existência de outraconcepção, como a que houve em nosso continente antes desua má chamada "descoberta". Kusch em seus escritos usou ogênero ensaístico com preferência, para deixar seu pensamentofluir com maior liberdade. Não obstante ele também usououtras linguagens, como dramatúrgica e audiovisual, de formacomplementar na expressão de seu pensamento. Este trabalhoaborda tanto a dramaturgia de Kusch, especialmenteCafetín (homenaje a Discépolo), sua última escrita, como outrasobras da cena do teatro atual Terrenal, pequeno mistérioácrata de Mauricio Kartun y Apátrida, 200 años y unos meses,de Rafael Spregelburd com o objetivo de identificar os procedimentosdramáticos que permitem a aparição de imagens estéticasda América Profunda na cena. Principalmente, o artigoé proposto como uma contribuição à reflexão que explora arelação entre as artes cênicas e o trabalho de pesquisa de RodolfoKusch
Desarticulação sinalética de "gênero" e diálogo com o sistema heteronormativo nas práticas artísticas muxe de Lukas Avendaño (2014-2018)
No full textIn recent years, feminist critical theory has oriented the debate of gender to the hegemonically reproductive logic that also underlies sexual differentiation.Inserted within the framework of this epistemological displacement, this paper analyzes the aesthetic-artistic production of Lukas Avendaño in which liminal heteronormative identity forms are activated from their own muxe condition -Zapotec category that refers to genetically men people who play a female social role without this implying modifying their biological origin or sexuality- with the aim of inquire their cultural and political implications. From the detection of topics that insist in the idea of a materially moldable body and a perforative sex, it is maintained that its insistence on the subjectively constitutive potential of the sexed body since its “muxeity” would tend to open dialogues with the current heteronormative system to disarticulate the “gender” and leave its regulation, qualification and sociocultural classification without effect. It is expected to demonstrate the socially emotional and culturally formative condition of the artistic practice while reaffirming its politically critical operation in the semiotic dynamics that it causes.En los últimos años, el horizonte de la teoría crítica feminista se ha orientado a la desnaturalización del género en tanto que «signo ideológico». Este enfoque contemporáneo sobre la condición siempre histórica y estructurante de toda producción sígnica advierte la lógica asimétricamente reproductiva que subyace en la diferenciación genérica, buscando superarla. Insertos en este contexto teórico, en el presente trabajo se analiza la producción estético-artística de Lukas Avendaño en la cual se activan formas identitarias otras, situadas en los márgenes de la norma, a partir de su propia condición muxe ―categoría asociada a la cultura zapoteca para referirse a personas genéticamente masculinas que desempeñan un rol social femenino sin que esto implique modificar su origen biológico ni su sexualidad―. Se sostiene que estas prácticas estético-artísticas muxe abrirían diálogos con el sistema heteronormativo genérico diferencialmente binario y con sus efectos culturales redundando en topics asociados a la idea de un cuerpo heterogéneo y moldeable y de un sexo performativo. De esta forma, el presente trabajo tiene como objetivo confirmar la condición socialmente afectiva de la producción sígnica al tiempo de reafirmar la necesaria dinamización semiótica para afianzar la instancia políticamente crítica del enfoque feminista.Nos últimos anos, a teoria crítica feminista orientou o debate sobre o género à lógica reprodutiva que também sustenta a diferenciação sexual. Inserido no marco desse deslocamento epistemológico, este artigo analisa a produção estético-artística de Lukas Avendaño, na qual formas de identidade fora da heteronormatividade são ativadas a partir de sua própria condição de muxe -categoria zapoteca que se refere a indivíduos geneticamente masculinos que desempenham um papel social feminino sem implicar uma mudança em sua origem biológica ou sexualidade- com o objetivo de investigar suas implicações culturais e políticas. A partir da deteção de topics que insistem na ideia de um corpo materialmente moldável e de um sexo performativo, argumenta-se que sua insistência no potencial subjetivamente constitutivo do corpo sexado a partir de sua «muxeidade» tenderia a abrir diálogos com o atual sistema heteronormativo para desarticular o «género» e deixar sem efeito sua regulamentação e classificação sociocultural. Pretende-se demonstrar a condição socialmente afetiva e culturalmente formativa do feito artístico, reafirmando sua operabilidade politicamente crítica na dinamização semiótica que causa
Gabriela Piñero, Ruptura y continuidad. Crítica de arte desde América Latina (Metales pesados, 2019)
No full textA problemática do gênero em Medeia
Get PDFThe purpose of the article is to analyse Medea’s character through her actions, a Greek tragedy written by Euripides, questioning the social patterns of gender. It will be discussed the feminine representations and symbols related to it, as the begetter, lovely, submissive and other associations, through the action of a mother killing her children. It will be proposed a non-masculine insight for the character’s analyses and at the same time we intend to drawn a comparison between past and present, putting forward art and history as part of the human repertoire, demanding a critic point of view about the ideologies involved in the play.En el presente artículo se pretenden estudiar las acciones del personaje Medea, tragedia escrita por Eurípides, cuestionando los padrones sociales de género. Se propone un análisis sobre la representación femenina y los símbolos asociados a ella, como: procreadora, amorosa, sumisa, entre otras características. Todo esto, a partir de la acción del asesinato de los hijos por parte de la madre. Se propondrá una mirada no masculina para la lectura del personaje y, al mismo tiempo que se hace un paralelo entre el pasado y el presente, se utiliza el arte y la historia como herramientas constructoras de repertorio humano, siendo necesaria una visión crítica de las ideologías envueltas en la obra para tal análisis.O intuito do artigo é analisar as ações da personagem Medeia, tragédia grega escrita por Eurípedes, questionando os padrões sociais de gênero. Propomos um olhar sobre a representação feminina e os simbolismos associados a ela, como a procriadora, a amorosa, a submissa, dentre outras caracterizações, a partir da ação da mãe de matar seus filhos. Será proposto um olhar não masculino para a leitura da personagem ao mesmo tempo em que é feito um paralelo entre o passado e o presente, trazendo a arte e a história como construtoras do repertório humano, sendo necessária portanto uma visão crítica das ideologias envolvidas na obra
Composição dramatúrgica e cênica: um evento poético
No full textThe following article proposes a meditation on the poetic language as an aesthetic principle for dramaturgical and scenic composition, considering the theatrical event as a poetic event. From the dramatic writing and staging experience of the author and director, the process of creating the play Sal de Amor is described, as well as theoretical foundations that support this aesthetic conception. Of the coexistence of languages - verbal, bodily, luminous, sonorous - that acquire tone and poetic strength every time the word crosses it through lyricism ... How is this lyrical space created? How is the passage of textual dramaturgy articulated? To the scenic dramaturgy? How do the stage director and the body of the actresses intervene in that poetic construction? What role is given to the viewer? These are some of the questions that structure this work.El siguiente artículo propone una reflexión acerca del lenguaje poético como principio estético para la composición dramatúrgica y escénica, considerando al hecho teatral como un acontecimiento poético. Desde la experiencia de escritura dramática y de puesta en escena de la autora y directora, se describe el proceso de creación de la obra “Sal deAmor". Asimismo, se exponen fundamentos teóricos que dan sustento a esta concepción estética. El hecho teatral resulta de la convivencia de lenguajes - verbal, corporal, lumínico, sonoro – que adquieren tonalidad y fuerza poética cada vez que la palabra lo atraviesa de lirismo. ¿De qué manera se crea ese espacio lírico? ¿Cómo se articula el pasaje de la dramaturgia textual a la dramaturgia escénica? ¿Cómo intervienen la directora de escena y el cuerpo de las actrices en esa construcción poética? ¿Qué lugar se le da al espectador? Estos son algunos de los interrogantes que estructuran este trabajo.Este artigo propõe uma reflexão sobre a linguagempoética como princípio estético da composição dramatúrgicae cênica, considerando o evento teatral como um evento poético.A partir da escrita dramática e a experiência de encenaçãodo autor e diretor, o processo de criação da obra "Sal deAmor" é descrito, bem como fundamentos teóricos que suportamesta concepção estética da coexistência de linguagens -verbais, corporais, luminosas, sonoras- que adquirem tonalidadee força poética toda vez que a palavra cruza através dolirismo. De que maneira é criado aquele espaço lírico? Como éa passagem da dramaturgia textual para a dramaturgia cênicaarticulada? Como intervém na construção poética a diretorade palco e o corpo das atrizes? Que lugar é dado ao espectador?Estas são algumas das questões que estruturam este trabalho
Instalación VEN[IR]
No full textPara la sección multimedia del siguiente número presentamos un resumen que contiene fragmentos de un minuto de los audiovisuales que integraron la video instalación VEN[IR]. La obra se desarrolló en el mes de noviembre en el marco del Festival de Cine de Tandil, y se pudo visitar en la Sala A del Centro Cultural Universitario. Asimismo, exponemos un breve registro que muestra la instalación habitada por espectadoras y espectadores y el texto curatorial que exponen la dinámica que se planificó para un público geosituado (como sucede en un festival de cine) y podemos decir que realizamos esta obra también para intervenir la sensibilidad de un público hacia otras formas audiovisuales que estimulen un acto de mirar y habitar. Y así invitarles a pensar el lenguaje audiovisual fuera de la cinematografía, de manera expandida, conociendo sus bordes y posibilidades de existencia. El punto de partida de la instalación fue despojar la idea de Tandil como postal turística, y no utilizar como materia prima ninguna imagen que hoy está vaciada de sentido por su repetición. Elaboramos una memoria visual ligada a abstraer lo sensorial, a enrarecer y explorar los lugares de Tandil intervenidos y no por las personas. La idea fue trasladar a la imagen registrada la naturaleza de lo observado: una piedra remite a una sierra. En lo sonoro: el viento, el ambiente natural y en lo atmosférico el color, el olor, las texturas duras o blandas, los minerales en el viento. Considerar el paisaje intangible y conceptual que habitamos, miramos, y que el viento erosiona. Pensar el paisaje alterado o intervenido desde lo visual de quien/quienes ven y de esa manera, a partir del montaje de la obra generar una reflexión sobre la humanidad que integra la naturaleza. Las preguntas iniciales fueron: ¿cómo salimos a mirar? ¿qué relación estamos estableciendo con el espacio?¿cómo se hacen ejercicios de memoria o de pensamiento para generar prácticas artísticas performativas? ¿es posible que en esta época pensemos nuestras miradas generadoras de imágenes sin cámaras? Y así también hicimos preguntas a las piezas audiovisuales que producimos, a su época y herramientas para generarlas, a los proyectores y su luz (a la luz interna también), a la oscuridad que tenemos que generar en la sala que nos ofrecieron, etc. En la medida que pudimos ir respondiendo, pudimos seguir indagando y trabajando en la especificidad y en el sitio (y cuestionando y problematizando (en) la especificidad y el sitio). A nuestras espectadoras y nuestros espectadores, les invitamos a una experiencia de habitar, y a partir de esa sensación o certeza de saberes, parte de la naturaleza vivida, observada, y del ambiente tecnológico les propusimos transitar una instalación audiovisual o video instalación. Es decir, imágenes y públicos en movimiento.En nuestra propuesta ideal un espectador/ espectadora ingresa a la sala en la y decide entre tres proyecciones por cuál empezará. En una puede mirar la superficie proyectada o reflejada. En esas se encuentra con su sombra o con su imagen puesto que frente a esta hay un espejo, a medida que se aleja o acerca a cualquiera de las superficies de la imagen, juega con su propia imagen y su sombra. La segunda pantalla es una tela traslúcida con textura, suspendida en el medio de la sala. Y es tanto proyección como tamiz de luz, puesto que la luz también la traspasa, no la absorbe en su totalidad y eso produce otra pantalla adicional hecha de manchas, de indicios, de figuras no definidas. Por último, la pantalla más pequeña o más íntima pone al alcance de dos espectadores una placa para que pueda intervenir el sonido. Estas decisiones de texturas de las pantallas y su multiplicación e interacción con el público continuó la construcción conceptual ligada al espacio que narramos. El equipo realizador estuvo integrado por: Anabel Bonani, Mayra Garcimuño, Daniel Giacomelli, Sebastián Márquez, Matías Petrini, Juan Pablo Pintos, Mariano Schettino y Claudia C. Speranza VEN[IR] La mirada durante el paseo. El desplazamiento, caminar hasta fluir, queriendo ser parte, siendo parte, formando parte, partiendo. [para volver con una cámara porque volvemos a ver el paisaje con nuestros ojos llenos de tecnologia] Paseamos y transitamos espacios naturales en los que la naturaleza también es integrada por seres humanos desde tiempos ancestrales. Y son esas huellas de alguna manera, las que hicieron y hacen esos sitios significativos para nuestra contemporaneidad y memoria, ya sea porque son visibles, invisibles, o visibles vaciados de sentido. Señalizados por presencias y ausencias se revelan a ojos bien abiertos o entrecerrados por el viento de las sierras. Entendemos que el territorio narrado también se mueve y muta, es decir, un espacio puede ser nómade en el momento que es narrado, y si es narrado por un lenguaje, puede poseer traducciones. Así es que ponemos en movimiento un sitio con peso: con la naturaleza tecnológica del lenguaje audiovisual, que nos demanda una contemplación consciente que une quietud y dinámica para poder salir de la postal y observar hasta que manifieste la revelación de esos espacios poderosos. Un territorio en movimiento dentro de imágenes en movimiento dentro de una proyección en movimiento con público en movimiento. VEN[IR] se propone sacar el paisaje y su espacialidad de la postal para construir una posibilidad de sitio específico teniendo en cuenta todas las especificidades de todos los sitios y todos los sitios de las especificidades. Por eso esta video instalación pone imágenes de Tandil en un Festival de Cine que trae para compartir otras imágenes de otros lugares con su público geosituado, y nuestra intención es intervenlir la sensibilidad de este público hacia otras formas audiovisuales que estimulan un acto de mirar y habitar la proyección. Contemplar habiendo olvidado todo lo que sabemos y en cada mirada habitando ese paisaje. VEN[IR] invita a habitar seis posibles superficies en tres habitaciones sin paredes. Finalmente, decir que la naturaleza fue para que nosotros seamos por lo tanto hay un parecido y un diálogo infinito. Y por otro lado está la naturaleza del lenguaje audiovisual, con sus temporalidades implícitas y explícitas, con su luz interna y externa, con sus saturaciones y su sistema zonal. Y todas las naturalezas (incluso la humanal van borrando sus límites, evidenciando su capacidad de regenerarse, adaptarse, reinventarse, recuperarse, narrarse, contemplarse, interven[ir]se. Claudia C. Speranza EQUIPO REALIZADOR Anabel Bonani, Mayra Garcimuño, Daniel Giacomelli, Sebastián Márquez, Matías Petrini Juan Pablo Pintos, Mariano Schettino y Claudia C. Speranza. Integrado porgraduada, estudiante avanzado de intercambio, docentes y trabajadores de la Facultad de Arte de la UNICEN. FACULTAD DE ARTE DIRECCIÓN GENERAL Mariano Schettino y Claudia C. Speranza Fractal: https://www.youtube.com/embed/YxndBKOBS_YReflejos: https://www.youtube.com/embed/m_n8mvRsroMAzucena: https://www.youtube.com/embed/ZPjXNsd6cjsSenderos: https://www.youtube.com/embed/jHCUnVGxdUsMaquinaria: https://www.youtube.com/embed/9vEUBvsII-8Escala de grises: https://www.youtube.com/embed/LzHLgpta578Resumen: https://www.youtube.com/embed/BjrslfjuUR
Habitar, narrar y dimensionar el territorio desde el lenguaje audiovisual: lo experimental, lo poético y las construcciones de la memoria colectiva sobre el sur de Sudamérica.
Get PDFDesde nuestras disciplinas (historia, historia del arte y artes audiovisuales) analizaremos y haremos dialogar en este trabajo las obras El botón de nácar de Patricio Guzmán (Chile, 2015) y La extensión de Christian Delgado y Nicolás Testoni (Argentina, 2014). Ambas obras reflexionan desde lo experimental, poético y conceptual acerca de los territorios que son negados, invisibilizados, que casi se han borrado de nuestra memoria e imaginario