Publicaciones Digitales - Facultad de Arte (U.N.I.C.E.N.)
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Art Cuerpo Plástico: Operaciones plásticas, procedimientos estéticos y figuras retóricas en la producción de vestuario.
No full textEl trabajo a continuación tiene por objeto reflexionar y compartir la experiencia pedagógica desarrollada en el espacio curricular Taller Básico de Escenografía II de la Facultad de Artes de la UNLP. Se retoma para este breve ensayo, la enseñanza y producción del Proyecto de Trabajo N°1 llevado a cabo durante el primer cuatrimestre del ciclo 2022. El mismo consistió en diseñar un vestuario para fotografía de moda, enmarcado en una locación específica; entendiendo al mismo como un objeto escénico y, a su vez, posibilitando la visualización de un cuerpo plástico en escena. A lo largo de esta presentación se intentará dar cuenta de las operaciones plásticas puestas en juego al momento de producir el vestuario; los procedimientos estéticos que atraviesan la producción de los trabajos; y las figuras retóricas consideradas por cada estudiante a la hora de definir una estética y poética propia
Art La importancia del ensayo en las estrategias de composición escenográficas
No full textLa composición de la puesta en escena contiene en su singularidad una configuración que se inaugura en cada producción de manera única, la convivencia de disciplinas que se entraman para el acontecimiento escénico desde el sentido de la puesta, se ocupan de generar un dispositivo activo que se transforma temporalmente. Este arte-facto audiovisual se compone a partir de las estrategias de cada hacedor y desde sus diversos roles trabajan en convivencia dependiendo de las decisiones, intenciones e intereses poéticos que finalmente se fusionan con el espectador en el tiempo del acontecimiento.Por lo cual el escenógrafo a cargo de la puesta debe concebir su obra en esta particularidad de fenómeno interdisciplinar. Esta reflexión procura entender los mecanismos que allí se articulan a partir del ensayo como herramienta
Tensegridad y entranamiento actoral - STAGE TENSEGRITY: THE RESILIENT ARCHITECTURE OF ACTING PRESENCE.: Un modelo metodológico desde la Potencia Deleuziana y la Liminalidad para la integración holística de cuerpo, voz y emoción en el entrenamiento actoral contemporáne- A methodological model based on Deleuzian Potential and Liminality for the holistic integration of body, voice, and emotion in contemporary acting training.
No full textEste ensayo explora cómo el concepto de tensegridad, proveniente de la arquitectura y la biología estructural, puede aplicarse al entrenamiento actoral para comprender la interacción entre cuerpo, voz y dramaturgia. A partir de mi experiencia en la obra Woyzeck y del estudio de métodos biodinámicos, analizo cómo las tensiones físicas, acústicas y emocionales configuran la escena como un sistema interdependiente. Se destacan aportes de maestros como Meyerhold, Barba y Lecoq, así como investigaciones sobre patrones efectores emocionales y la voz como extensión del cuerpo. La integración de tensegridad permite un enfoque holístico que redefine la preparación del actor y abre nuevas líneas de investigación en la educación escénica.
Abstract:
This paper proposes Tensegrity as a physical and philosophical paradigm to revolutionize actor training. The actor and the stage are conceived as a dynamic tensegrity system, where stability emerges from the balance between continuous tension and discontinuous compression. The methodology, inspired by Deleuzian Potency (Body without Organs) and scenic Liminality, seeks to free the interpreter from habitual rigidities to achieve total availability. By integrating Argentine praxis (Bartis, Serrano), it is demonstrated that Tensegrity optimizes energetic efficiency and redefines actor presence as a state of adjustable resilience essential for contemporary theatre.
Keywords: tensegrity; resilience; presence; liminality.
DOMINIO ARK: https://id.caicyt.gov.ar/ark:/s30087562/qvmb1c5yk
Res Prueba de vestuario: diseñadores y vestuaristas en el cine argentino
No full textEn este libro publicado en el año 2021 (editorial Ampersand) la autora, Victoria Lescano, examina de forma profunda pieza por pieza el vestuario cinematográfico argentino, la evolución de la moda en el cine y cómo se constituyen reflejo cultural y estético fuera de la pantalla. La autora plantea un recorrido desde los mismos inicios del cine nacional, hasta lo contemporáneo, pasando por los vestidos de flapper usados por Tita Merello en “TANGO” (1933), Niní Marshall con los estilos de Cándida y de Catita, y las colaboraciones de Paco Jaumandreu5 vistiendo a Isabel Sarli6 en los films de sexplotation de Armando Bó, hasta los gestos antimoda de los personajes de Graciela Borges
Lanchino, Hayde (editora) y Matos, Lucía (editora). Danza, trabajo, creación y precariedad. : ISBN: 9786073063043. Editorial: Difusión cultural UNAM – Dirección de danza, 2022.
No full text
Esp Les Mamelles de Tirésias
No full textEste artículo presenta una reinterpretación escenográfica de Les Mamelles de Tirésias (Apollinaire/Poulenc), realizada en el marco del DPEA Scénographie en la ENSA Nantes. El proyecto investiga la traducción cultural desde una perspectiva argentina, incorporando referencias locales -como Caminito- para reescribir la ópera francesa a través de imágenes, dispositivos lumínicos y narrativas políticas. La propuesta articula croquis, collages, maquetas y storyboards que construyen un diálogo entre Argentina y Francia, y que transforman el ejercicio académico en un proceso de búsqueda identitaria y de creación escénica. 
Dança e arquivo. Alguns debates sobre o corpo, o tempo, a história: Algunos debates sobre el cuerpo, el tiempo, la historia
No full textAbstract
This article aims to establish a state of the art regarding the concept of the archive, focusing specifically on its relationship with dance. It draws on what researchers in the performing and scenic arts have problematized concerning this notion and its possible connections to embodied knowledge or knowledge from or about the body. Addressing the question of the archive from Dance Studies as a discipline brings a broader debate about what we understand by "history" and what we mean by "dance." Initially, we propose that these two instances or practices should not be seen as antagonistic or separate. Furthermore, we invite a reconsideration of the permanence associated with History (with a capital H), which encompasses the history of texts that are signed and affirmed in writing and thus can be archived, as opposed to the perceptions of the ephemeral—those things that do not last or that disappear—qualities often associated with dance, with bodies in motion, and with choreographic practice. In this sense, the question of the archive constitutes a pivotal point of debate; therefore, we will outline a brief overview of the term and its uses, particularly from its delineation as an object of a specific disciplinary field stemming from archival science in the 19th century, before engaging with the discussions surrounding the archive that have emerged specifically in relation to the performing and scenic arts.Resumen
Este artículo propone establecer un estado de la cuestión acerca del concepto de archivo, haciendo foco específicamente en su relación con la danza, a partir de lo que investigadores de las artes escénicas y performáticas han problematizado en torno a esta noción y sus posibles vínculos con el conocimiento corporizado o el conocimiento desde o sobre el cuerpo. Abordar la cuestión del archivo desde los Estudios de Danza como disciplina trae consigo un debate más amplio acerca de qué entendemos por "historia" y qué por "danza". En principio, proponemos que estas dos instancias o prácticas no tendrían por qué ser entendidas como antagónicas o separadas. Por otra parte, invitamos a cuestionar el carácter de permanencia asociado con la Historia con mayúscula, la historia de los textos que se firman y afirman en la escritura y que, entonces, serían susceptibles de ser archivados, en oposición a las percepciones de lo efímero, de aquello que no dura o que desaparece, como cualidades asociadas a la danza, a los cuerpos en movimiento y al quehacer coreográfico. En este sentido, la cuestión del archivo se constituye como un punto de debate nodal, con lo cual, trazaremos un breve recorrido por el término y sus usos, especialmente desde su delimitación como objeto de un campo disciplinar determinado a partir de la archivística en el siglo XIX, para luego poder acercarnos a las discusiones en torno al archivo que han surgido específicamente en relación a las artes escénicas y performáticas.
Resumo
Este artigo propõe estabelecer um estado da questão sobre o conceito de arquivo, com foco especificamente em sua relação com a dança, a partir do que pesquisadores das artes cênicas e performáticas têm problematizado em torno dessa noção e seus possíveis vínculos com o conhecimento corporificado ou o conhecimento a partir ou sobre o corpo. Abordar a questão do arquivo a partir dos Estudos de Dança como disciplina traz consigo um debate mais amplo sobre o que entendemos por "história" e o que entendemos por "dança". Inicialmente, propomos que essas duas instâncias ou práticas não precisam ser entendidas como antagônicas ou separadas. Por outro lado, convidamos a questionar o caráter de permanência associado à História (com H maiúsculo), a história dos textos que são assinados e afirmados na escrita e que, portanto, seriam suscetíveis de serem arquivados, em oposição às percepções do efêmero, daquilo que não dura ou que desaparece, como qualidades associadas à dança, aos corpos em movimento e ao fazer coreográfico. Nesse sentido, a questão do arquivo se constitui como um ponto de debate nodal, com o que traçaremos um breve percurso pelo termo e seus usos, especialmente a partir de sua delimitação como objeto de um campo disciplinar determinado a partir da arquivística no século XIX, para então nos aproximarmos das discussões em torno do arquivo que surgiram especificamente em relação às artes cênicas e performáticas
Motosserra e liquidificador: un triunfo na batalha cultural libertária
No full text: In the 2023 presidential campaign, candidate Javier Milei, current president of the nation, used the metaphor of the chainsaw to exemplify his economic policy proposal. The term chainsaw was quickly and uncritically adopted by public opinion, not only by supporters, but by the entire spectrum of politicians, journalists and economists in the country and even foreigners, to expose and debate issues related to the adjustment of a large part of society. Both verbally and visually, a tool evoking terrifying narratives managed to firmly establish itself in the collective imagination, while, complementarily, the blender did so to a lesser extent, but also effectively. Such figures, and others that were added over time, make up a brief repertoire of thematic axes that function as symbolic weapons in the cultural battle that Milei is carrying out, as the influencer of an intense minority, that of the libertarian space, in order to win minds and hearts for the cause of "freedom."
We understand that it was in these new images that Argentine society easily adopted that one could glimpse the violence currently exercised against it, experienced as a sacrifice or an unavoidable step towards well-being.
It is from the emblematic case of the chainsaw that one can see what Eliseo Verón (1995) calls the power of discourses. It is in this sense that we focus on three works written at the same time as the rise, growth and fall of Nazism and published at the end of the Second World War, which illuminate, with the differences of the case, aspects of the libertarian cultural battle against the progressive or woke ideology, a battle that has its battering ram in verbal and visual language - words, phrases and images that convey often novel meanings - and that crosses mass and network media in a dizzying circulation. Works that warn of a possible authoritarian drift of the libertarian government and of society as a whole.En la campaña presidencial 2023, el candidato Javier Milei, actual presidente de la Nación, acudió a la metáfora de la motosierra con el fin de ejemplificar su propuesta de política económica. El término motosierra fue rápida y acríticamemente adoptado por la opinión pública, no solo por adeptos, sino por el arco completo de políticos, periodistas y economistas del país e incluso extranjeros, para exponer y debatir cuestiones relativas al ajuste de gran parte de la sociedad. Tanto a nivel verbal como visual, una herramienta evocadora de narrativas terroríficas logró instalarse firmemente en el imaginario colectivo, al tiempo que, complementariamente, la licuadora lo hizo en menor medida, pero también de modo eficaz. Tales figuras -y otras que fueron agregándose con el tiempo: guillotina, ejecutar-, integran un repertorio breve de ejes temáticos que funcionan como armas simbólicas en la batalla cultural que lleva adelante Milei, en tanto influencer de una minoría intensa, la del espacio libertario, en pos de ganar mentes y corazones para la causa de la “libertad”.
Entendemos que era en esas nuevas imágenes que la sociedad argentina adoptó con facilidad donde podía vislumbrarse la violencia ejercida contra ella actualmente, vivida como sacrificio o paso ineludible hacia el bienestar.
Es a partir del caso emblemático de la motosierra que puede advertirse lo que Eliseo Verón (1995) denomina el poder de los discursos. Es en tal sentido que hacemos foco en tres obras escritas contemporáneamente al ascenso, auge y caída del nazismo y publicadas a fin de la Segunda Guerra Mundial, que iluminan, con las diferencias del caso, aspectos de la batalla cultural libertaria contra la ideología progresista o woke, batalla que tiene su ariete en el lenguaje verbal y visual -palabras, sintagmas e imágenes que vehiculizan sentidos a menudo novedosos- y que atraviesa medios masivos y en red en una circulación vertiginosa. Obras que alertan sobre una posible deriva autoritaria del gobierno libertario y de la sociedad en su conjunto.Na campanha presidencial de 2023, o candidato Javier Milei, atual presidente do país, usou a metáfora da motosserra para exemplificar sua proposta de política econômica. O termo motosserra foi adotado de forma rápida e acrítica pela opinião pública, não apenas por seus seguidores, mas por todo o espectro de políticos, jornalistas e economistas do país e até do exterior, para expor e debater questões relacionadas ao ajuste de grande parte da sociedade. Tanto verbal quanto visualmente, uma ferramenta que evoca narrativas aterrorizantes conseguiu se firmar no imaginário coletivo, enquanto, de forma complementar, o liquidificador o fez em menor grau, mas também de forma eficaz. Essas figuras, e outras que foram sendo acrescentadas ao longo do tempo, compõem um breve repertório de eixos temáticos que funcionam como armas simbólicas na batalha cultural que Milei está travando, como influencer de uma minoria intensa, a do espaço libertário, para conquistar mentes e corações para a causa da “liberdade”.
Entendemos que foi nessas novas imagens que a sociedade argentina facilmente adotou que se pôde vislumbrar a violência atualmente exercida contra ela, vivida como um sacrifício ou um passo inadiável em direção ao bem-estar.
É a partir do caso emblemático da motosserra que podemos perceber o que Eliseo Verón (1995) chama de potência dos discursos. É nesse sentido que nos detemos em três obras escritas ao mesmo tempo da ascensão, crescimento e queda do nazismo e publicadas no final da Segunda Guerra Mundial, que iluminam, com as diferenças do caso, aspectos da batalha cultural libertária contra a ideologia progressista ou woke, uma batalha que tem seu aríete na linguagem verbal e visual — palavras, frases e imagens que transmitem significados muitas vezes inéditos — e que atravessa a mídia de massa e a mídia em rede numa circulação vertiginosa. Obras que alertam para uma possível deriva autoritária do governo libertário e da sociedade como um todo
Volver a Casa. Seminario de Teatro sobre la técnica de la fuerza ausente. Dictado por Pompeyo Audivert. Una reseña de lo vivenciado: Return Home. Theater seminar on the technique of absent force. Taught by Pompeyo Audivert. A review of an experienced
No full textEn la siguiente reseña se intenta trasmitir la experiencia vivenciada en “Volver a Casa”. Seminario de Teatro sobre la técnica de la fuerza ausente, dictado por Pompeyo Audivert. Una propuesta que permite ponerse en contacto con un largo recorrido de búsqueda: las máquinas teatrales, el procedimiento escénico creado, desarrollado y en desarrollo en el Estudio de Teatro “El Cuervo” desde su fundación, en 1988.
Abstract:
The purpose of this review is to share the experience throughout “Volver a casa”, a theater seminar on the absent force technique imparted by Pompeyo Audivert. This proposal allows for making contact with a long searching process: the theater machine, the theatrical procedure which was created, developed and continues to develop whitin the drama studio and theater hall “El Cuervo” since its creation in 1988.
DOMINIO ARK: https://id.caicyt.gov.ar/ark:/s30087562/45muiqme