Vista - Revista de Cultura Visual
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Comics As a Tool for Research on Gender Violence. Interview With Nayanika Mookherjee on the Graphic Novel Birangona. Towards Ethical Testimonies of Sexual Violence During Conflict (2019)
Full text linkComics and the recently emerged graphic novel format are among the art forms that researchers have chosen to disseminate and provide a visual representation of their work. This relationship between comics and research, which is part of a practice labelled as “arts-based research”, has been facilitated by comics’ recognised narrative and didactic abilities. Research on gender-based violence has not been deaf to the call of comics art, and, in some rare but interesting cases, it has exploited the features of the medium to visualise and circulate research findings. An example is the graphic novel Birangona (Mookherjee & Najmun Nahar, 2019 Durham University), authored by the researcher Nayanika Mookherjee and by the comics artist Najmun Nahar Keya, which was circulated, both in an online and paper version, with the aim of popularizing a set of guidelines on how to conduct oral history data collection with survivors of wartime rape. This interview with Professor Nayanika Mookherjee, the co-author of the graphic novel and the anthropologist who conducted the research with wartime rape testimonies from which the guidelines were taken, has the objective of presenting the arts-based research project Birangona and discussing, in a scholarly fashion, the implementation of visual arts methodologies (and comics-based methodologies in particular) to research gender violence.A banda desenhada e o recente formato de romance gráfico estão entre as formas de arte que os investigadores escolheram para divulgar e fornecer uma representação visual do seu trabalho. Esta relação entre banda desenhada e a investigação, que faz parte de uma prática rotulada como “investigação baseada nas artes”, tem sido facilitada pelas reconhecidas capacidades narrativas e didáticas da banda desenhada. A investigação sobre a violência baseada no género não tem sido indiferente ao apelo da banda desenhada, e, em alguns casos raros, mas interessantes, explora as características do meio para visualizar e fazer circular os resultados da investigação. Exemplo disso é o romance gráfico Birangona (Mookherjee & Najmun Nahar, 2019; Durham University), da autoria da investigadora Nayanika Mookherjee e da artista de banda desenhada Najmun Nahar Keya, distribuído em versão digital e em papel, para popularizar um conjunto de orientações para conduzir a recolha de dados de história oral junto de sobreviventes de violação em tempos de guerra. Esta entrevista com a Professora Nayanika Mookherjee, coautora do romance gráfico e antropóloga que conduziu a investigação com testemunhos de violações em tempos de guerra dos quais foram retiradas as orientações, pretende apresentar o projeto de investigação baseado nas artes Birangona e discutir, a nível académico, a implementação de metodologias de artes visuais (metodologias baseadas em banda desenhada em particular) para investigar a violência de género
O Referente Esteve Lá. O Referente Como Carne
Full text linkParte-se da constatação de que, apesar da mediação que implica e define os modos de relacionamento entre indivíduos e real, a realidade é incontornável. No entanto, e tendo em conta a diluição da importância do referente enquanto forma de legitimação da produção de imagens na passagem do século XIX para o século XX, e apesar da emergência da fotografia enquanto meio que implica a presença do referente, defende-se que a relação entre indivíduos e imagens se funda, em grande medida, numa relação entre estas duas entidades, que prescinde do referente, e que é esta relação, quando específica, que pode justificar aproximações como a do punctum, de Roland Barthes. Nesta aceção, existe um espaço, proposto pela imagem, que permite que, para lá dela, o sujeito se possa projetar, e que existe como definição da imagem enquanto superfície e profundidade. Como contraponto, aproxima-se a situação das imagens à situação do corpo e, através desta comparação, defende-se que a importância e realidade do referente, como “coisa em si”, existe quando a imagem não consegue controlar o excesso que o referente é, tal como o corpo, quando não consegue controlar a carne, a torna visível. A imagem está para o corpo como o referente para a carne. As imagens de entes queridos, ou de atrocidades de guerra, são tidas como exemplo desta emergência do referente, como sintoma.We set out from the observation that, even though mediation involves and defines the modes of relationship between individuals and the real, reality is unavoidable. However, considering the diluting importance of the referent to legitimizing image production between the 19th and the 20th century, and despite the emergence of photography as a medium involving the referent's presence, the relationship between individuals and images is argued to be largely grounded on a connection between these two entities. These do not need the referent, and this relationship, when specific, may justify approximations such as Roland Barthes' punctum. Thus, the image provides a space that allows the subject to project itself beyond it. That space stands as a definition of the image as surface and depth. In contrast, the situation of the images is brought closer to the body's condition. Through this comparison, the importance and reality of the referent, as a "thing in itself", is argued to exist when the image cannot control the excess the referent is, just as the body, when it cannot control the flesh, makes it visible. The image is to the body as the referent is to the flesh. The images of loved ones or war atrocities exemplify this emergence of the referent as a symptom
Thick Description and Embodied Analysis of Digital Visual Artefacts: The Visual Repertoire of #SisterIDoBelieveYou
Full text linkIn this work, we explore the relationship between affect and the use of aesthetics by feminist digital activists to communicate their ideas and protest against sexual violence. Our focus, therefore, lies on the visual culture of digital protest. We consider visual artefacts a visual repertoire of protest (Jenzen et al., 2020, p. 420) that can both be articulated in a specific local context whilst simultaneously echoing global sentiments. In this paper, we analyse the visual repertoire of protest of Spanish feminist digital activism against sexual violence. To do so, we analysed 696 visual artefacts linked to the hashtag #HermanaYoSíTeCreo (#SisterIDoBelieveYou) shared on Twitter between May 1, 2018, and August 31, 2020. Our methodological framework incorporates a collaborative triangled analysis based on social semiotics (Ledin & Machin, 2018; Van Leeuwen, 2005), socio-hermeneutic analysis (Knoblauch & Schnettler, 2012; Serrano Pascual & Zurdo Alaguero, 2010), hashtag ethnography (Bonilla & Rose, 2015), and interpretative thick description (Geertz, 1973, pp. 3–30). Additionally, we also developed an ethnographic sensibility towards the corpus, which engaged us in a constant dialogue to overcome the positivist trend of data-driven visual digital analysis.
Our work here addresses the understanding of how visual discourses can create the affective unification of social media users (Stage, 2013) as a key feature of feminist politics and online activism (Keller et al., 2018). We analysed the use of visual artefacts by the "virtual" community of sisterhood and concluded that these processes served as a basis for (a) establishing distinctive while versatile visual branding; (b) weaving an affective community; (c) articulating the desire to connect and to gather through love, hope, outrage and disgust; and (d) linking past and present as well as geographically distant feminist struggles.Neste trabalho, exploramos a relação entre o afeto e o uso que ativistas feministas digitais fazem da estética para comunicar as suas ideias e protestar contra a violência sexual. Assim, o nosso foco incide sobre a cultura visual do protesto digital. Entendemos os artefactos visuais como um repertório visual de protesto (Jenzen et al., 2020, p. 420) que pode ser articulado num contexto local específico e, simultaneamente, ecoar sentimentos globais. Neste artigo, analisamos o repertório visual de protesto do ativismo digital feminista espanhol contra a violência sexual. Para tal, foram analisados 696 artefactos visuais associados ao hashtag #HermanaYoSíTeCreo (#IrmãEuAcreditoEmTi) partilhado no Twitter entre 1 de maio de 2018 e 31 de agosto de 2020. O nosso quadro metodológico incorpora uma análise triangular colaborativa baseada na semiótica social (Ledin & Machin, 2018; Van Leeuwen, 2005), na análise sócio-hermenêutica (Knoblauch & Schnettler, 2012; Serrano Pascual & Zurdo Alaguero, 2010), na etnografia hashtag (Bonilla & Rose, 2015) e na descrição densa interpretativa (Geertz, 1973, pp. 3–30). Desenvolvemos ainda uma sensibilidade etnográfica em relação ao corpus, o que nos envolveu num diálogo constante para superar a tendência positivista da análise visual digital a partir de dados.
Este nosso trabalho aborda a perceção de como os discursos visuais podem criar a unificação afetiva dos utilizadores das redes sociais (Stage, 2013) como uma característica chave da política feminista e do ativismo online (Keller et al., 2018). Analisámos o uso de artefactos visuais pela comunidade "virtual" de irmandade e concluímos que estes processos serviram como base para (a) estabelecer uma marca visual distinta e versátil; (b) tecer uma comunidade afetiva; (c) articular o desejo de se conectar e de se reunir através do amor, esperança, ultraje e repugnância; e (d) ligar o passado e o presente, bem como lutas feministas geograficamente distantes
Migração e Conflito Sírio: A Narrativa por Trás da Imagem
Full text linkThis article aims to reflect on migratory flows and the political role of the image using the war in Syria as a reference. Hamza Al-Ajweh's photograph titled "A Syrian child walks down a street past the rubble of destroyed buildings in the rebel-controlled city of Douma in the Eastern Ghouta enclave outside Damascus", taken on March 8, 2018, and published for the first time at the Los Angeles Times, will be used as a point of reference for the discussion and analysis proposed here. The complexity of displacements in this specific context of war leads us to design Syrian mobility after the beginning of the war in 2011, understanding that this complexity goes far beyond the formal definitions used by international agencies. For a closer understanding of the debate, we designed the discussion in three parts: a brief contextualization of the conflict in Syria, which began with the Arab Spring and continues until today. This socio-political contextualization serves here as a backdrop for discussing not only generic migratory categories but to help better understand people, movements and the demand for new categories and visual reflections that go beyond current perspectives. And in the last part, we will discuss how the image of the photographer Hamza Al-Ajweh helps us think about multiple political and transformative aspects of the picture.Este artigo visa pensar os fluxos migratórios e o papel político da imagem utilizando como referência a guerra na Síria. A fotografia de Hamza Al-Ajweh intitulada “Uma criança síria caminha por uma rua passando por escombros de edifícios destruídos na cidade controlada pelos rebeldes de Douma no enclave Ghouta Oriental, nos arredores de Damasco”, tirada em 8 de março de 2018 e publicada pela primeira vez no Los Angeles Times, servirá como ponto de referência para a discussão e análise aqui proposta. A complexidade dos deslocamentos neste contexto específico de guerra nos encaminha para a necessidade de conceituação da mobilidade síria após o início da guerra em 2011, entendendo que esta complexidade vai muito além das definições formais utilizadas pelos órgãos internacionais. Para um entendimento mais preciso do debate, estruturamos a discussão em três partes, apresentando primeiramente uma breve contextualização sobre o conflito na Síria, que teve início com a Primavera Árabe e que prossegue até a atualidade. Esta contextualização sociopolítica serve aqui como pano de fundo para discutirmos não somente categorias migratórias genéricas, mas também para melhor auxiliar o entendimento sobre pessoas, movimentos e a demanda por novas categorias e reflexões visuais que ultrapassam as perspectivas já estabelecidas. No final, discutiremos como a fotografia do fotógrafo Hamza Al-Ajweh nos auxilia a pensarmos múltiplos aspectos políticos e transformadores da imagem
Doing Away With Borders: Jornal de Borda Goes Beyond the Frontiers of Art
Full text linkAs publicações dos artistas são frequentemente utilizadas em estudos de arte contemporânea nas discussões sobre publicações impressas. No entanto, estas publicações vão para além das suas nomenclaturas e do seu lugar nas instituições de arte. As fronteiras das artes visuais estão cada vez mais difusas, e as discussões sobre as obras de arte tornam-se mais potentes quando vistas dentro do espectro mais amplo da cultura visual. A estética tem o poder de produzir conhecimento e de estabelecer relações com as formas de viver e de estar no mundo e através da história. As publicações, como tal, são lugares sociais que podem mediar as relações entre as pessoas, especialmente quando envolvem questões como o feminismo, o capitalismo e a descolonização. O Jornal de Borda, jornal de cultura visual anarquista que circulou na América Latina em português e espanhol entre 2015 e 2021, é um exemplo de expressão artística em publicação impressa. Estabelece estrategicamente o nome de corpos dissidentes — referidos como "corpas" — no contexto da arte dentro da cultura visual; estabelece as relações entre estes corpos e o anarquismo dentro do contexto latino-americano; e a estética relaciona-se diretamente com outros jornais do século passado, tais como A Plebe, honrando a história e, simultaneamente, fazendo história.Artists' publications are often used in contemporary art studies in discussions about the printed page. However, these publications go beyond their nomenclatures and place in art institutions. The boundaries of visual arts are increasingly blurred, and discussions of works of art become more potent when viewed within the broader spectrum of visual culture. Aesthetics have the power to produce knowledge and establish relations with ways of living and being in the world and throughout history. Publications, as such, are social places that can mediate these relationships between people, especially when it involves issues like feminism, capitalism, and decoloniality. The Jornal de Borda — an anarchist visual culture newspaper circulated in Latin America in Portuguese and Spanish between 2015 and 2021 — is an example of artistic expression through printing. It strategizes the name of dissenting bodies — referred to as “corpas” — in the context of art within visual culture; it establishes relations between these bodies and anarchism within the Latin American context; and the aesthetic relates directly to other newspapers from the last century, such as A Plebe, honoring history as it makes history
O Real em Cena: Uma Cenografia Para Lá da Representação
Full text linkEste artigo pretende problematizar a ideia da cenografia como representação de lugares para a cena e na cena. As criações espaciais/visuais no contexto do palco ainda são de forma sistemática pensadas como respostas a um referente, instalando no domínio do cenográfico um agrilhoamento à identificação e à realidade como modelo. O texto procura analisar alguns modelos onde esta aparente natural relação é discutida, comentando o crescimento da realidade não referencial na cena contemporânea. Organiza-se em três argumentos, que conduzem à possibilidade de abandono do conceito de representação para informar o modus operandi da criação cenográfica no contexto das artes de palco. O primeiro veicula os cenários como representações desejavelmente realistas, na esteira do desenvolvimento da cultura ocidental, para que o segundo possa colocar a hipótese de um outro entendimento da realidade na cena. Esta transformação, produzida por uma vontade de abdicar da representação, comentada na segunda parte, evidencia inclusivamente um possível desfasamento entre os habituais cenários e um outro conceito de cenografia assente na importância da materialidade tangível em cena. O terceiro argumento, conduzido por desafios relativos a modelos normativos de entender a realidade, propõe-se destabilizar modelos semióticos e a conduzir a cenografia para uma interpretação assente na experiência individual dos lugares corpóreos, promovendo assim a ascensão de um certo tipo de real na cena, para lá da representação.This article intends to problematize scenography as a representation of other places for and inside the stage. Spatial and visual creations in the stage context are still systematically thought of as responses to a referent, establishing a tie to identification and reality as a model in the realm of scenography. The text seeks to analyse some models where this apparent natural relationship is discussed, observing the growth of non-referential reality in the contemporary scene. It is structured in three theses which consider the possibility of abandoning the concept of representation to inform the modus operandi of scenographic creation in the context of the performing arts. The first conveys set design as desirably realistic representations in the wake of the development of western culture so that the second can introduce the hypothesis of another understanding of reality on stage. This transformation, produced by a desire to give up the representation discussed in the second part, even shows a possible gap between the usual set design and another concept of scenography, based on tangible materiality on stage. The third approach, driven by challenges to normative models of understanding reality, suggests destabilizing semiotic models and leading the scenography to an interpretation based on the individual experience of corporeal places, thus promoting the rise of a certain type of real on stage beyond representation
Lucia Marcucci: Visual Poetry Against Social Violence
Full text linkO artigo oferece uma leitura original de algumas das obras mais famosas de Marcucci entre o início dos anos 60 e o final dos anos 70, escolhidas como exemplos de uma especificidade de género situada da poética da artista. Apesar do distanciamento autodeclarado das posições neofeministas, Marcucci brilha pela originalidade e polémica nos temas e práticas de criação no seu panorama contemporâneo, maioritariamente dominado por artistas masculinos. Por um lado, observamos a atuação artística e cultural de Marcucci numa Itália no meio de um boom económico, mas que ainda sofria com a natureza retrógrada do pensamento fascista ainda desviadamente dominante, em conjunto com o fanatismo da igreja católica, relativamente à emancipação da mulher. Por outro lado, também observamos a singularidade produtiva de Marcucci no contexto da contracultura sua contemporânea, que não se tinha libertado — embora o pregasse — das dinâmicas sexistas de poder. O artigo visa apresentar uma lente feminista (do olhar masculino à auto-objetificação) não como a única e absoluta forma de interpretar os poemas verbo-visuais de Marcucci, mas como útil para destacar as qualidades específicas da investigação e poética de Marcucci. Através da análise de "Il Fidanzato in Fuga" (O Noivo em Fuga; 1964), "Noxin" (1970), "AH!" (1972), "Aa Bb Cc" (1977) e "Culturae" (1978), será feita uma tentativa de oferecer um percurso de investigação viável que não isole a obra de Marcucci da dos seus contemporâneos masculinos, mas que considere a sua especificidade situada como uma posição necessária.The article offers an original close reading of some of Marcucci's most famous works between the early 60s and late 70s, chosen as examples of a situated gendered specificity of the artist's poetics. Despite the self-declared distance from neo-feminist stances, Marcucci shines for originality and controversy in the themes and practices of creation in her contemporary landscape, mostly dominated by male artists. On the one hand, we observe Marcucci’s artistic and cultural operation in Italy amid an economic boom but still suffered from the retrograde nature of the still deviously dominant fascist thinking, in conjunction with the bigotry of the catholic church, concerning women’s emancipation. On the other hand, we also observe Marcucci’s productive singularity in the context of her contemporary counterculture, which had not freed itself at all — although preaching it — from sexist power dynamics. The article aims to present a feminist lens (from male gaze to self-objectification) not as the absolute and only way of interpreting Marcucci’s verbal-visual poems, but as useful in highlighting the specific qualities of Marcucci’s research and poetics. Through the analysis of “Il Fidanzato in Fuga” (The Runaway Bride; 1964), “Noxin” (1970), “AH!” (1972), “Aa Bb Cc” (1977), and “Culturae” (1978), an attempt will be made to offer a viable course of inquiry that does not isolate Marcucci’s work from that of her male contemporaries but considers its situated specificity as a necessary stand
Dos Muros Para o Ecrã: Arte Urbana, Quotidiano e Experiência Estética no Museu Virtual da Lusofonia
Full text linkNesta pesquisa, propomos analisar as tensões entre a arte do quotidiano, os processos de visibilidade e invisibilidade da arte urbana e a experiência estética em ambiente virtual. Este estudo tem como corpus duas exposições: As Vozes Silenciosas das Paredes de Coimbra e "Não Há Muro em Branco Que Eu Não Possa Pintar", ambas em cartaz permanente no Museu Virtual da Lusofonia, na plataforma Google Arts & Culture. Tendo o Museu Virtual da Lusofonia uma composição interativa, imersiva e híbrida, que une fotografias, sons, vídeos e elementos de geolocalização (Google Street View), é objetivo secundário pensar a imagem enquanto lugar de experiência que possui a potencialidade de romper com um regime representativo da arte em prol de um regime estético.This research focuses on the tensions between everyday art, the processes of visibility and invisibility in street art and the aesthetic experience in the virtual environment. The corpus of this study regards the exhibitions: The Silent Voices on Coimbra's Walls and "There Is No Blank Wall I Cannot Draw", both on permanent display in the Virtual Museum of Lusophony on the Google Arts & Culture platform. The Virtual Museum of Lusophony has an interactive, immersive and hybrid structure, merging photographs, sounds, videos and geolocation elements (Google Street View). The secondary goal is to consider the image as a place of experience potentially disruptive of a representative regime of art on behalf of an aesthetic regime
Hans Erdmann’s Music in the Film Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (Friedrich Murnau, 1922)
Full text linkThe text focuses on the study of the musical soundtrack by the composer Hans Erdmann, made for the German film Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, the Vampyre; 1922) by the director Friedrich Murnau. Its methodology combines the qualitative technique of case studies with the latest trends in the musicological analysis of film soundtracks. Research shows the stylistic elements, structural resources, musical influences, references to composers and the instruments used in this musical composition. The romantic creation by Erdmann also has influences of baroque style, classicism, and impressionism. It constitutes an innovative contribution in the area as musical and film studies of the nature that is presented in this contribution cannot be easily found.Este artigo centra-se no estudo da banda sonora musical do compositor Hans Erdmann, feita para o filme alemão Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, o Vampiro; 1922) pelo realizador Friedrich Murnau. A metodologia combina a técnica qualitativa do estudo de caso com abordagens recentes na análise musicológica de bandas sonoras de filmes. Esta investigação destaca os elementos estilísticos, recursos estruturais, influências musicais, referências de compositores e orquestração instrumental da partitura. A criação romântica de Erdmann é também influenciada pelo estilo barroco, classicismo e impressionismo. Este artigo constitui um novo contributo na área, uma vez que não foram encontrados estudos musicais ou cinematográficos com o tratamento aqui oferecido