Taideyliopisto: Taju
Not a member yet
5000 research outputs found
Sort by
Human voice and instrumental voice : an investigation of voicelikeness
No full textThis artistic research explores the relationships between human
and instrumental voice (in the case of string instruments), seen from an
embodied and performative point of view. The question originates from my
experience of violinist and composer.
Voice is a unique mark of human identity: if this is particularly true for vocal
timbre, something similar is at play in the ‘instrumental voice’, as a unique
expression of personal and musical identity. This research aims to uncover
the importance of this vocal and instrumental relationship, acknowledging
their common embodied nature and shared origins. As utterances directed
at the ‘other’, both human and instrumental voice are deeply relational.
From 2016 to 2022, I investigated the question of the voicelikeness
between a musician’s voice and their own instrument through five multidisciplinary
art projects: in Imaginary Spaces fragments of individual and
collective voice inhabited a performative environment shared by
musicians and audience; The end of no ending focused on the relationships
between two female voices and their mutable surroundings; Between
word and life explored the multiple relationships of voice and instrument
in an electroacoustic space, de-multiplied by bringing in dance and video;
Sounding Bodies gathered human and mechanical bodies to explore an
unconventional space, inviting the audience to follow their path; Medusa
was a music theatre work putting into perspective the question of voicelikeness
by evoking Italian Early Baroque music, visual art, and dance.
This artistic research was carried out through an artistic process,
with supporting methods such as grounded theory, ethnography, and
autoethnography, creating a virtuous cycle between practice and theory,
with some interesting and unexpected changes taking place in my artistic
journey. The research outcomes consist of a written part combined with a
collection of traces, sounds, images, and video examples presented in the
Research Catalogue.
The theoretical framework for this inquiry includes recent studies
in palaeoanthropology, human development, music psychology, and
embodiment. Cavarero’s philosophy of voice, Arendt’s philosophy of the
‘in-between’, various philosophies of the ‘other’, as well as other contributions
from psychoanalysis are put in mutual dialogue with my artistic
practice.
Among the research outcomes are the re-evaluation of vocal layers
in personal and musical identity, considering music making as a relational
practice, and an exploration of the porous boundaries between the roles
of composer, performer, and listener. In this perspective, the new terms to
‘in-hear’ and to ‘co-hear’ respectively denote an attention to inner sounds,
and towards one another in a community of listeners.fi=ei tietoa saavutettavuudesta|sv=okänd tillgänglighet|en=unknown accessibility
Metamorphoses of living and dying paintings
No full textMy Masters degree work [ The structural colour paintings ] were showcased at the Academy of Fine Arts annual degree show: KUVAN KEVÄT ’23. The work consisted of three large-scale paintings.
In this written part, I delve into how this body of work came to be, and my fascination with the iridescence produced by a petroleum oil slick upon water. This ethereal colour echos the environmental changes, as well as being entangled in other calamities of our moment in time.
I have been searching for a new language of painting that responds to our contemporary experience of a changing environment. I felt frustrated with landscape painting, and how maddeningly out of touch it feels considering our ecological realities. I want my paintings to embrace the real, the now. I am interested in the scientific process, and in using colour as a bioindicator revealing invisible changes.
My Master’s studies enabled me to shift towards experimental materiality and a practice that combined chemistry with art. I detail the long nights spent in the laboratory and the challenges of transforming traditional painting mediums into these intensely orgasmic colours. Materiality expresses growth and decay of all matter in nature. It invites us to contemplate our own impermanence. The structural colour paintings alter their appearance depending on their environment. Reacting to light, weather, time, space, gravity, and the reflections and movements of living beings to weave a kaleidoscope of colour and moving shadow forms across the canvas. They shimmer and morph like living entities. I have come to realise the importance of how we interact with these paintings – how the experience confronts the observer with their own presence and involvement in the environment. We see ourselves in these living and dying paintings. In this metamorphosis, we may come to grips with our own transience
Musical Vocabularies : creating a framework for meaningful intercultural musical dialogue
No full textIn this arts-based research I draw on the approaches of autoethnography and artistic research to uncover findings emerging from my artistic and pedagogical navigation through traditional and contemporary folk and global musics. I explore the processes of my own interpretations and understandings of music-making in intercultural contexts through composing, co-creating, and interacting with musicians from different musical and cultural backgrounds.
The title of musical vocabularies refers to the process of gathering and understanding musical aesthetics from diverse and unfamiliar musics as a non-native, and how to integrate and transmit these elements artistically and ethically in my performing and teaching practices. Through exploring musical dialogues and collaborations in this research, I discover different ways of music-making and music-thinking, which involve a variety of pedagogical methods and perspectives.
In the first sections of this work, I discuss my positionality by briefly unfolding my artistic and educational background, as well as unpack the core methods applied in this arts-based research. On the basis of three selected artistic case studies, I explore new and unfamiliar musical cultures together with their related pedagogical approaches and thinking. I unfold the working methods used and discuss the compositional processes, which involve co-creating and interacting in an intercultural environment, resulting in three main artistic outcomes, including a duo with a musician from the Faroe Islands, collaborations with musicians in Hungary, and an intercultural trio formed for my master’s concert.
Through these case studies, I explore the artistic possibilities of intercultural music-making and how hands-on experience can be translated to teaching practice, suggesting a framework for meaningful intercultural musical dialogue. Key findings include that intercultural musical dialogues require multiple ways of music-thinking and pedagogical approaches. Furthermore, immersion into different cultural contexts, including day to day experiences of the culture and hands on collaboration with musicians from inside each culture are essential elements. Finally, I reflect on possible future directions for intercultural musical dialogue and discuss its complexities and current issues
En kör för alla: Körledaren som främjare av inklusivitet och tillgänglighet
No full textI denna uppsats har jag undersökt körledarens roll som den som i sina ensembler främjar en inkluderande och tillgänglig miljö. Jag har närmat mig frågan kring körledning utgående från olika ledartyper för att fokusera på körledarens funktion som gruppledare. Jag har undersökt hur körledaren kan lösa olika frågor kring inklusivitet, bl.a. frågor kring ett könsneutralt körarbete och hur kören som grupp kan fungera som ett redskap för integrering av personer från andra kulturer. Vidare har jag undersökt frågor kring tillgänglighet, hur körsång kan göras mer tillgänglig för personer med inlärningssvårigheter eller särskilda behov som kan orsaka praktiska svårigheter vid övningar och uppträdanden.
Uppsatsen är en litteraturöversikt där jag genom ett hermeneutiskt tillvägagångssätt undersökt litteratur om ledarskap i musikaliska ensembler samt litteratur som behandlar de olika aspekter på inklusivitet och tillgänglighet jag sett som mest relevanta för körledare. Min förförståelse var att körledaren genom sin personlighet, sitt ledarskap och sitt bemötande av körmedlemmarna påverkar den interna stämningen i kören.
En körledares roll som ledare för sin ensemble är mångfacetterad. För att hantera situationer av olika slag kommer körledaren behöva alterera mellan olika ledarstilar. För att detta ska lyckas behöver hen vara lyhörd för vilken ledarstil den ifrågavarande situationen kräver. Arbetet med kören kommer behöva göras könsneutralt för att bättre inkludera personer som inte passar in i en heteronormativ eller binär könsidentitet eller sexualitet, till exempel genom en uppdatering av språkbruket vid övningarna och en ickebinär körklädsel. Att nå en större tillgänglighet i körarbetet betyder att körledaren måste ta hänsyn till personer med begränsad kunskap i notläsning eller inlärningssvårigheter och tillhandahålla hjälpredskap som underlättar inlärningen. För att nå större tillgänglighet behöver personer med särskilda behov tas till hänsyn vid valet av övnings- eller konsertlokaler. Körledarens attityd och exempel i dessa frågor kommer påverka hela gruppens inställning
"Miten se voi välittää sitä muille?" : laadullinen tutkimus tunneilmaisun opettamisesta pop/jazz-laulun ammattiopinnoissa
No full textTässä tutkimuksessa tarkastellaan, mitä kolme ammattiopiskelijoita opettavaa pop/jazz-laulupedagogia kertovat tunneilmaisun opetuksestaan. Tarkoituksena oli selvittää, opettavatko he kertomansa mukaan ammattiopiskelijoilleen tunneilmaisua, ja jos opettavat, millaisia keinoja he kertovat käyttäneensä tunneilmaisun opetuksessa.
Tutkimuksen teoreettinen viitekehys koostuu ilmaisun, tunneilmaisun ja tulkinnan määrittelystä sekä muutaman rytmimusiikin ammattioppilaitoksen opetussuunnitelmista. Peilaan tunnetyötä myös näyttelijäntyön näkökulmasta.
Tutkimus on laadullinen tapaustutkimus. Aineisto on kerätty haastattelemalla kolmea suomalaisessa rytmimusiikin ammattioppilaitoksessa (ammattikoulu, ammattikorkeakoulu sekä yliopisto) opettavaa laulupedagogia. Aineistonkeruun menetelmänä oli puolistrukturoitua haastattelua muistuttava teemahaastattelu.
Tutkimuksessa ilmeni, että kaikki kolme haastateltavaa opettavat jollakin tavalla tunneilmaisullisia asioita opiskelijoilleen. On kuitenkin opettajakohtaista, kuinka paljon tai perusteellisesti tämä opettaa tunneilmaisua. Opettajan oma tausta, kiinnostus, työkokemus ammattiopiskelijoiden parissa, perehtyneisyys emotionaaliseen ilmaisuun ja aktiivisuus sen keinojen kehittämisessä vaikuttivat siihen, kuinka paljon ja millä tavalla he opettavat tunneilmaisullisia asioita. Tulososan loppuun on koottu yhteenvetona haastateltavilta opettajilta esiin tulleita keinoja tunneilmaisun opetukseen
Sävelten tyttäret : Säveltävät naiset Suomessa 1800-luvulta 1900-luvulle
No full textNaiset ovat aina luoneet musiikkia. Säveltävät naiset ovat kuitenkin jääneet piiloon sukupuolensa takia. Miltä Suomen musiikin historia näyttää naisten näkökulmasta?
Sävelten tyttäret esittelee 126 historiallista suomalaista säveltäjänaista. Nämä unohduksiin jääneet naiset olivat aikanaan tunnettuja tai muuten kiinnostavia musiikin tekijöitä, ja moni kuului kulttuuri- ja vaikuttajasukuihin Edelfeltistä Nervanderiin. Suurinta osaa heistä ei silti ole koskaan aiemmin huomioitu musiikin historiankirjoituksessa.
Laajaan arkistotutkimukseen perustuva teos avaa ennennäkemättömän kuvan säveltämisen ja naisten soivaan historiaan. Samalla se korjaa naisten säveltämistä koskevia virheellisiä käsityksiä ja nostaa esiin suomalaisten säveltäjänaisten perinnön.
”Olen soittanut pianoa kuusivuotiaasta alkaen, joten miksi en olisi oppinut myös säveltämään.”
- Ester Melande
On The Search for a More Sustainable Stage : Mapping the Perspectives of a Performance Designer
No full textThis article outlines the concept of performance design, dealing with the transformative work of performance designers and exploring it through contemporary concepts and artistic means. The article considers where the performance designer has an updated place in the geography of performing arts, what kind of encounters the designer experiences, and what kind of socio-cultural adaptation and learning the work may require and offer. The article discusses the topic with the photographs from the author’s site-sensitive memos and proposes an alternative method of performance design
Orkesteriohjelmisto Pietarin konservatorion kapellimestarikoulutuksessa 1979–2019
No full textTässä artikkelissa tarkastellaan Pietarin (Leningradin) konservatorion kapellimestarikoulutuksessa vuosina 1979–2019 käytettyä orkesteriohjelmistoa konservatorion suomalaisalumnien kokemusten pohjalta. Tutkimuksen aineistona ovat viiden kapellimestarin haastattelut ja kirjoittajan omat opiskeluaikaiset muistiinpanot, joiden pohjalta tutkitaan orkesteriohjelmiston pedagogista luonnetta ja sen suhdetta orkesterimusiikin kaanoniin, sekä vertaillaan suomalaisalumnien opiskelu- ja oppimiskokemuksia. Huolimatta siitä, että haastateltavat opiskelivat konservatoriossa osin eri aikoina ja eri opettajilla, löytyy yhtäläisyyksiä niin ohjelmiston, kuin kokemustenkin osalta. Esiin nousee Beethovenin ja Tšaikovskin teosten merkitys ohjelmistossa, venäläisen ohjelmiston suhteellisen suuri osuus, sekä modernin ohjelmiston niukkuus. Ohjelmisto korreloi kuitenkin hyvin esimerkiksi suomalaisorkestereiden suosiman repertoaarin kanssa, samalla kun se tarjoaa hyvän pohjan johtamistekniikan kehittymiselle
KOKEMUSTA RIKKAAMPI, Armottomuus, epävarmuus, itsekriittisyys.
No full textTässä opinnäytteessäni käsittelen monipuolisesti kokemuksiani kameratyöstä ja teatterinalalta ammattikentältä. Vertailen niitä toisiinsa ja pohdin mitä olen oppinut ja minkälaisten asioiden kanssa työskentelen edelleen. Avaan omaa armottomuuttani ja itsekriittisyyttä työskentelyssäni.
Luvussa kaksi kerron minkälaista oli päästä tekemään ensimmäinen ammattiproduktioni kentällä, TV-sarjassa. Aloitan kertomalla koekuvaussessiosta, jonka jälkeen siirryn itse kuvaustilanteisiin.
Luvussa kolme käyn läpi, minkälaista oli tehdä elämäni ensimmäinen teatteriproduktio ammattikentällä. Avaan, minkälainen oli harjoituskausi ja pohdin koronan vaikutusta itse esitykseen ja esityskauteen.
Luvussa neljä käsittelen, minkälaista oli saada tämänhetkisen urani isoin rooli ja mitä valmistautumiseen vaadittiin. Käsittelen roolitukseen liittyviä leimaantumisen pelkoja ja miten se lisäsi muun muassa epävarmuutta julkaisun aikana. Avaan myös kokemuksiani pressitilaisuudesta ja miten selvisin roolityöhöni liittyvistä peloista.
Luvussa viisi käsittelen melko uusien tulokkaiden kanssa työskentelyä, kun taas luvussa kuusi avaan kokemustani lyhyestä työkeikastani pitkään jatkuneessa sarjassa. Pohdiskelen myös tunteiden esittämistä ja rooliin valmistautumista näissä produktioissa.
Luvussa seitsemän esittelen koulussa tekemääni demoa ja tuon esille sen tuomia epävarmuuksia ja rohkeutta kohdata pelottavatkin asiat. Luvuissa kahdeksan ja yhdeksän esittelen tekstin opetteluni tekniikoita ja vertailen kokemuksiani kamera- ja teatterityössä
Vasta opinnäytetyötäni kirjoittaessa olen huomaamattani ymmärtänyt kuinka armottomuus ja itsekriittisyys on vaikuttanut tähänastiseen työskentelyyn. Tämän asian tiedostaminen on ollut tärkeää, ja olen opinnäytteeni lopuksi pohtinut mistä armottomuuteni johtuu ja miettinyt ratkaisuja tämän taltuttamiseen
Memory Field
No full textThis written component of the MA thesis addresses self-censorship that derives collective trauma that has been silenced. It enters through the memory of the 6 October Massacre at Thammasart University in 1976. Referring to Thongchai Winichakul, a historian and researcher who was also a victim of the traumatic incident, and who coined the term 'unforgetting'. He highlighted that memories of political atrocities can lead to a memory impasse in society. It examines the condition of unforgetting within the symptom of silencing that has persisted among the Thai people for generations.
The thesis also explores self-censorship during the artistic process and how collaborative and participatory methods help to overcome this issue in making of the artistic work, the memory field performance. Additionally, I have also incorporated the concept of memory field by anthropologist Daniel T. Linger to help me examine the interweaving of my personal and social memories within the framework of this thesis together with the notions of recollecting and recalling that resonate with my artistic approach.
A close examination of and inspiration from Doris Salcedo's work "Noviembre 6 y 7" (2002) in dialogue with Mieke Bal's analysis in the book, Of what one cannot speak: Doris Salcedo's Political Art, has shaped my thinking and artistic approach. In the section on collective action, I discuss how to engage participants using memories and reflect on the tools and approaches I have developed throughout my research. Ultimately, I explore and explain how I design collaborative processes to address and overcome the issue of self-censorship that I have encountered