Il Castello di Elsinore (E-Journal)
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Memories that will not die – Roberta Carreri in "Flowers for Torgeir"
Full text linkThis essay charts Roberta Carreri’s performance Flowers for Torgeir, a solo performance, dedicated to her partner in life and art. Torgeir Wethal died in 2010. The performance is a co-creation together with the German-Italian video-artist, Stefano Di Buduo and the Danish dramaturg, Anne Middelboe Christensen. Flowers for Torgeir had its official premiere on 4 September 2020. Through the prism of the diapason between light and darkness, the essay throws another light on the performance Flowers for Torgeir. It is perceived as an interweaving of not only a staged professional biography as a theatrical scope of life but also performing memories of a co-creativity in the performance history of Odin Teatret. Torgeir Wethal was cofounder of Odin Teatret together with the theatre director, Eugenio Barba in Oslo in 1964
Vincenzo Tieri, between theatre and politics in Italy in the first half of the twentieth century
Full text linkL’articolo propone un rinnovato sguardo interpretativo su Vincenzo Tieri, figura non secondaria del teatro italiano del Novecento. Dalle prime esperienze, nel giornalismo e nel teatro amatoriali, alla piena maturità artistica a Roma. Qui il debutto nella scrittura teatrale, cui seguì un decennio dedicato alla critica. Poi il successo, con Taide, la sua commedia più fortunata, nel 1932. A seguire, l’attività di sceneggiatore e l’impegno politico nel Fronte dell’Uomo Qualunque di Giannini e nell’Assemblea Costituente. Gli incarichi istituzionali, quale componente della commissione per la vigilanza sulle radiodiffusioni e presidente della SIAD, presidente dell’IDI e commissario della Sezione Dor della SIAE. Nel dopoguerra si misurò con la regia e diresse il Piccolo teatro di Palermo nel biennio 1955-’57. Nel 1959, riprese l’attività giornalistica come critico teatrale e televisivo, su «Telesera» e «Il Tempo», sino alla morte, sopraggiunta il 4 gennaio 1970.The article offers a renewed interpretative gaze on Vincenzo Tieri, a not secondary figure of the Italian theater of the twentieth century. From the first experiences, in amateur journalism and theater, to full artistic maturity in Rome. Here the debut in theatrical writing, which was followed by a decade dedicated to criticism. Then the success, with Taide, his most fortunate comedy, in 1932. To follow, his work as a screenwriter and political commitment in Giannini’s Fronte dell’Uomo Qualunque and in the Assemblea Costituente. Institutional positions, as a member of the broadcasting supervision commission and chairman of the SIAD, chairman of the IDI and commissioner of the Dor Section of the SIAE. After the war he measured himself with directing and directed the Piccolo Teatro di Palermo in the two-year period 1955-57. In 1959, he resumed journalistic activity as a theater and television critic, on «Telesera» and «Il Tempo», until his death on January 4, 1970
On the Actor’s Side: immaterial direction in the second half of the 19th century
Full text linkIl contributo propone alcune riflessioni sul concetto di regia in relazione alla pratica interpretativa del grande attore, che solo per uno schematismo di comodo può essere descritta come antitetica all’avvento dei metteurs en scène in Europa. Attraverso l’analisi di alcuni passi dell’acting edition dell’Othello di Shakespeare pubblicata da Charles Albert Fechter, Sandra Pietrini mostra come si tratti di una operazione di riscrittura scenica degna di un audace regista. Nell’edizione a stampa si eliminano infatti alcune scene e battute, ma si inserisce anche una grande quantità di didascalie indicative di movimenti, atteggiamenti ed espressioni mimiche, che alterano pesantemente il senso dell’originale. La concezione del personaggio così delineata mette allora in luce una tendenza diffusa a metà Ottocento, che vede nell’interpretazione del testo da parte dell’attore una parte imprescindibile dell’ideazione globale dello spettacolo, e, in questo, i prodromi del concetto stesso di regia.Within the composite process of affirmation of theatre directing, actors plays a fundamental role, as confirmed by the most accurate studies on the subject. Actors were not only privileged mediators between the play and its interpretation through the characters. At least until the beginning of the XXth century, they acted in fact as directors ante litteram, re-interpreting the text to the point of subvert- ing its meaning, as Frédéric Lemaître did, and in some cases taking care of the overall staging. This phenomenon does not concern only the great Italian actors. It is particularly striking if we analyze some acting editions, such as the one of Charles Fechter’s Othello published in 1861. Seeking for verisimilitude, the edition suggests a reductive explanation to the Moor’s jealousy, going well beyond the text and proposing a very questionable re-interpretation of the character
Sarah Bernhardt and Eleonora Duse seen in the light of rivalry
Full text linkCirca un secolo dopo le loro rispettive scomparse è ancora possibile aggiungere qualcosa riguardo questo antagonismo al contempo leggendario e classico che non sia già contemplato nella gigantesca bibliografia e iconografia relative alle due attrici ? Se nulla predisponeva queste due commedianti a una rivalità teatrale, tutto, al contrario, avrebbe contribuito a trasformare il parallelismo delle loro carriere in un crocevia di incontri artistici, seppure spesso a distanza. La storia di questa concorrenza, reale o esagerata che fosse, non è in primis che il risultato di un confronto mediatico per così dire obbligato – il culto delle divine. Senza riscrivere il racconto troppo famoso del loro percorso professionale, questo studio intende proporre una diversa narrazione di questa pseudo rivalità nella quale l’evento artistico si fa luce attraverso il suo inserimento nel complesso condizionamento socio-artistico del fine OttocentoAlmost a century after their departure from life, is there anything else to add to this rivalry, at the same time both legendary and pioneering, which has not already been considered in the massive bibliography and iconography concerning the two actresses? Although nothing brought these two actresses to the- atrical competition, everything was actually going to contribute to converting the comparison between their careers into a crossroads of artistic encounters, often even from afar. The history of this antagonism, be it real or pretended, is mainly the result of a “forced” media confrontation – the worship of the two divine women. Without retelling the well-known story of their professional career, the present study considers a different description of this pseudo-rivalry, where the artistic event is clarified through its inclusion in the complexity of the socio-artistic conditioning of the late nineteenth century
Mimesis and diegesis in solo performers: the «teatro di narrazione» and the seul en scène of Philippe Caubère
Full text linkL’articolo approfondisce il particolare rapporto tra mimesi e diegesi che si ritrova, con segni opposti, in due tipologie di performance teatrale ad unico interprete. Il primo caso preso in esame è quello del teatro di narrazione italiano, nel quale varie tecniche interpretative sono utilizzate all’interno di una struttura prevalentemente narrativa. Il secondo caso è invece costituito dagli spettacoli seul en scène di Philippe Caubère, un attore-autore francese che realizza una sorta di “racconto mimetico”, dove l’aspetto diegetico sottostà alla componente imitativa.The article focuses on the peculiar relationship between mimesis and diegesis that characterizes (with different effects) two kinds of theatrical solo performance. The first example is the Italian “teatro di narrazione”, in which different acting techniques are utilized within the frame of a narrative-based structure. The second example is constituted by the seul en scène shows of Philippe Caubère, a French author and actor who creates a sort of “mimetic storytelling”, where the diegetic aspect underlies the mimetic one
The lesser-known Avant-garde of the Off-Off Broadway’s playwriting
Full text linkA partire dal 1960, nel momento di diffusione del Nuovo Teatro, a New York nasce il movimento Off-Off Broadway, promosso da piccoli teatri ospitati in caffè, chiese e gallerie d’arte. Obiettivo condiviso è la produzione delle opere dei giovani drammaturghi che non sono considerati nell’ambiente più istituzionale del teatro Off-Broadway e di Broadway. Il saggio introduce questo nuovo e peculiare tipo di drammaturgia influenzata dalla Pop Art, dal Jazz, dal fumetto e dalle altre forme artistiche che si diffondono a New York nello stesso periodo. Una drammaturgia che trova un prezioso riferimento anche nel dramma europeo dell’assurdo e nelle teorie di Artaud. Attraverso l’analisi di Motel, atto unico di Jean-Claude van Itallie, drammaturgo che collabora con il Cafè La MaMa, l’autrice illustra il particolare stile di questa nuova drammaturgia specifica dell’area newyorkese e che fiorisce nel pieno degli anni Sessanta parallelamente all’avanguardia teatrale.At the beginning of the Sixties, during the diffusion of the New Theatre, a new movement named Off- Off-Broadway was born in New York City. It was promoted by little theatres located in coffeehouses, churches and galleries. The main and common objective was to produce the new plays of the young playwrights who did not have access to the institutional Off-Broadway and Broadway scenes. The article presents this new dramaturgy, influenced equally by the American Pop Art, Jazz, Beat poetry, Comics and mass culture, the European dramaturgy of the Absurd and Artaud’s theories. These influences gave birth to a new playwriting’s genre. Its peculiar style was due to the specific moment, the East Village’s milieu and the dimension of the caffees’ stages. Through the analysis of Motel, a one-act play written by Jean-Claude van Itallie, a playwright linked to Cafè La MaMa, the author illustrates the structure and the style of writing that was exclusive of the New York’s theatre
The enigma of "Tartuffe". Molière, two steps from the libertine club Les Chandelles
Full text linkThe essay takes its cue from the important notes of Claude Bourqui about the existence, in the Tartuffe, of a dense network of “dirty words”, obviously disguised, to put at the center of the comedy not the character of Tartuffe, but the couple of spouses in crisis. Elmira stages a very dangerous erotic game to find out who has become her husband, who neglects her, interested only in Tartuffe. A contemporary reading of the work, as when a broken couple enters a libertine club, during a soirée trio. The title alludes to the fact that the statue of Molière, in Paris, is 30 meters away from the most exclusive libertine club in the French capital, Les Chandelles
Chekhov, “Uncle Vanja”, the suffering of women
Full text linkIl saggio di Roberto Alonge sposta il fuoco dell’attenzione dalla coppia di personaggi perdenti (zio Vanja e sua nipote), su cui la critica solitamente ha molto insistito, per fissarla sul personaggio della ventisettenne Elena, l’infelice consorte di un professore universitario in pensione, troppo vecchio e pertanto sessualmente impotente. La “vibrante sessualità inappagata” di Elena (per dirla con le parole di Ripellino) spinge la donna, sin dal primo atto, a un acceso gioco di seduzione del dottor Astrov, eroe per così dire pre-ecologico, difensore dei diritti della Natura, in nome dei quali sollecita la piena liberazione sessuale della protagonista, che, per parte sua, sembra desiderare il dottore più di quanto lui desideri lei. La rottura del vincolo coniugale non è consumata entro i limiti temporali della commedia, ma solo per mere ragioni accidentali, risultando di fatto semplicemente rinviata, spostata al futuro prossimo, sebbene la tradizione critica non se ne sia accorta, compreso il pur acuto Ripellino.Alonge’s essay shifts the focus from the couple of loser characters (uncle Vanja and his niece), on which critics have insisted a lot, to fix on the character of twenty-seven-year-old Elena, the unhappy wife of a retired university professor, too old and therefore sexually impotent. Her “vibrant unsatisfied sexuality” (as Ripellino says) pushes her from the start to a close game of seduction towards Doctor Astrov, pre-ecological hero, defender of Nature, in whose name he solicits the full sexual liberation of the protagonist, who seems to want the doctor more than he wants her. For purely coincidental reasons, the breaking of the conjugal bond is not consummated within the temporal limits of the comedy, but is only postponed to the near future, although the critics have not noticed it, including the worthy Ripellino
«L’eletta schiera of actors in front of my lens». Attilio Badodi, an Italian portrait-photographer in early twentieth century
Full text linkAd oggi poco nota e ancora largamente inesplorata, la produzione fotografica di Attilio Badodi si può considerare una sorta di epitome storica del teatro italiano di inizio Novecento in virtù dell’eccezionale numero di personaggi del mondo dello spettacolo transitati dinanzi al suo obiettivo, tra attori e attrici, registi e drammaturghi, compositori e musicisti. Il saggio si propone di ricostruire il profilo biografico inedito di uno dei foto-ritrattisti dell’epoca più legati al mondo della scena e di delineare la sua parabola espressiva, fondata su di una cifra elegantemente autentica e su un registro narrativoorientato verso un’indagine identitaria del soggetto. Nei ritratti d’attore realizzati da Badodi si riverbera un’intera generazione di donne e uomini del teatro, che riconoscono nel palcoscenico della fotografia lo spazio di rivelazione delle loro molteplici nature.Still largely unexplored, the photographic production of Attilio Badodi can be considered a sort of historical epitome of the Italian theater of the early twentieth century by virtue of the exceptional number of characters from the world of theatre who passed in front of his lens, between actors and actresses, directors and playwrights, composers and musicians. The essay aims to reconstruct the unpublished biographical profile of one of the photo-portraitists most linked to the world of the scene at that time and to outline his expressive parable, based on an elegantly authentic figure and on a narrative register oriented towards an identity investigation of the subject. In the portraits of actors made by Badodi, an entire generation of theatre’s women and men reverberates, and recognize in the stage of photography the space of revelation of their multiple natures