Il Castello di Elsinore (E-Journal)
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Early comic intermezzos. Five particular cases (1665-1703)
Full text linkMediante l’esame della Circe d’Ivanović (1665), di Elena rapita da Paride (1681), del Re infante (1694), della Fede ne’ tradimentie (1697) e dell’Aminta di Zeno (1703) si osservano alcuni fenomeni relativi alla nascita dell’intermezzo.Through the examination of Ivanović's Circe (1665), of Elena rapita da Paride (1681), of Il re infante (1694), of La fede ne' tradimenti (1697) and of Zeno's Aminta (1703) some phenomena are observed relating to the birth of the comic intermezzo
Un romanzo malgré tout: L’Immortalité di Milan Kundera. A resilient novel: L’Immortalité by Milan Kundera
No full textL’articolo analizza la partitura di un romanzo che della diversità e della dispersione fa la sua cifra caratteristica. Tema principale declinato in molteplici varianti è l’estraneità del testo a se stesso ma anche il sentimento di estraneitàesistenziale dei singoli personaggi, che si dispiega in una critica devastante della realtà contemporanea, governata dagli imagologues.The article analyses the structural composition of a novel which characteristic feature is to be built on diversity and dispersion. The main theme, recurring in multiple forms, is at the same time, the text being estranged from itself, and the existential feeling of being estranged of the characters, displaying a devastating critic of today reality, directed by the imagologues
Ivan Pupo's latest Pirandellian book and the IA red rescue
Full text linkUna lunga recensione dell’ultimo libro firmato da uno dei più brillanti studiosi pirandelliani, Ivan Pupo, di cui in passato Roberto Alonge ha già avuto modo di recensire precedenti contributi. Lo studioso in questione è da sempre interessato alla critica intertestuale, che mette in relazione due diversi autori. Alonge ricorda un memorabile saggio di Pupo, risalente a una ventina di anni fa, che confrontava due drammi, rispettivamente di Pirandello e di Bernstein, con una scaltrita capacità di mettere a fuoco le contraddizioni pirandelliane. Rispetto a quell’esempio di scandaglio, Alonge non riesce a nascondere che quest’ultimo libro di Pupo presenta esiti meno memorabili, per esempio nell’analisi del dramma pirandelliano “Non si sa come”. Chiude il suo intervento osservando in modo un po’ provocatorio che la Intelligenza Artificiale sostituirà presto gran parte dei docenti universitari, impegnati in studi sostanzialmente divulgativi; resteranno pochi, i soli – secondo Alonge – capaci di lavorare nella direzione della close reading. Ivan Pupo potrebbe essere sicuramente uno di questi pochi.A long review of the latest book written by one of the most brilliant Pirandello scholars, Ivan Pupo, whose previous contributions Roberto Alonge has already had the opportunity to review. The scholar in question has always been interested in intertextual criticism, which connects two different authors. Alonge recalls a memorable essay by Pupo, dating back to about twenty years ago, which compared two plays, by Pirandello and Bernstein respectively, with a shrewd ability to focus on Pirandello's contradictions. Compared to that example of sounding, Alonge is unable to hide that this latest book by Pupo presents less memorable outcomes, for example in the analysis of Pirandello's drama "Non si sa come". He closes his speech by observing in a somewhat provocative way that Artificial Intelligence will soon replace the majority of university professors, who know how to work essentially in the direction of dissemination, rather than in the direction of interpretative originality; there will be few left, the only ones – according to Alonge – capable of working in the direction of close reading. Ivan Pupo could certainly be one of these few
A Well-Tempered Absolutism: Political Theology in Measure for Measure
Full text linkIl saggio propone una lettura della figura del Duca in Measure for Measure, traendo spunto dalle riflessioni di Schmitt sulla categoria del ‘politico’ quale teologia secolarizzata e dalle indagini sulla cultura e la drammaturgia barocca condotte da Walter Benjamin e Antonio Maravall. Il saggio mira a dimostrare come Measure for Measure rappresenti il definitivo tramonto dell’immagine sacrale della sovranità. L’assolutismo del Duca e la sua decisione sullo stato di eccezione simboleggiano un’idea di teologia politica del tutto secolarizzata, che utilizza strumentalmente strategie del consenso tipiche delle pratiche religiose controriformiste (in particolare la confessione) per manipolare e controllare le coscienze, allo scopo di consolidare il suo potere, così come prescrivono i trattati coevi sull’arte politica. Il finale irrisolto, tuttavia, getta un’ombra sulla riuscita dell’intento del Duca, ovvero instaurare, quale ultimo atto della sua teologia politica, il Regno terreno nella città di Vienna. Le sue decisioni discutibili e la reazione ambigua di Angelo e Isabella evidenziano piuttosto limiti e contraddizioni di tale progetto politico.This essay analyses the figure of the Duke Vincentio in W.Shakespeare’s Measure for Measure, by drawing on Carl Schmitt’s concept of the ‘political’ as secularized theology, as well as Walter Benjamin’s and José Antonio Maravall’s works on Baroque literature and culture. I contend that Measure for Measure represents the eclipse of the idea of sacred sovereignty. The Duke’s absolutism, his decision on the exception, are the symbol of a completely secular political theology. The protagonist tries to accomplish his project by fraudulently making use of highly refined religious instruments of consent, such as the Counter-reformed practice of confession. His aim is to manipulate and control his subjects’ consciences, in order to consolidate and reinforce his power, as it was prescribed by the new, baroque arts of goverment. The dark finale of the play, however, calls into question the success of his effort to establish, as a last stage of his political theology, a messianic Reign in the city of Vienna. His final decisions and the puzzled reactions of Angelo and Isabella rather highlight the limits and the contradictions of his political project
"La figlia di Iorio": patriarchal society, the artist and the independent woman, between bourgeois drama and melodrama
Full text linkL’articolo analizza il testo mediante diversi strumenti critici. Mette in luce come il protagonista Aligi rappresenti metaforicamente la figura dell’artista che si estrania dal contesto sociale, in cui rifiuta di inserirsi per la sua insuperabile diversità. Il suo corrispettivo è la donna sessualmente libera, che l’arcaica società patriarcale emargina ingiustamente come prostituta. D’Annunzio da un lato sente il fascino dei due diversi, che entrano in conflitto con l’ordine sociale, ma d’altro lato finisce per celebrare la famiglia tradizionale, in cui fa rientrare l’eroe, dopo l’autoeliminazione del corpo estraneo, la donna. Questa soluzione certo contribuì al grande successo della pièce presso il pubblico borghese, insieme al fascino dell’esotico rappresentato da un Abruzzo primordiale. Ma, dietro l’esotico, il pubblico ritrovava le linee note e rassicuranti del dramma borghese e del melodramma: la vicende di Aligi e Mila ricorda molto quella della Traviata.The article analyzes the text with various critical instruments. It points out how Aligi, the protagonist, metaphorically represents the figure of the artist that becomes stranged from social context, into which he refuses to fit with his incomparable diversity. His equivalent figure is the woman who is sexually free, unfairly ostracized as a prostitute by archaic patriarchal society. On one hand, d’Annunzio is fascinated by the two characters who come into conflict with the social order; on the other hand, he ends up by celebrating the traditional family the hero comes into, after the self-exclusion of the woman. This solution certainly helped the play to be successful with the bourgeois public, together with a touch of exoticism represented by a primordial Abruzzo. Yet, behind this exotic charm, the public recognized the reassuring notes of bourgeois play and melodrama: the vicissitudes of Aligi and Mila are quite similar to those of La Traviata
The Biomechanical Vocation in Twentieth-Century Theatre. A Brief Historical Excursus
Full text linkIl saggio sviluppa una proposta teoretica in una concezione estetica sfaccettata, intrecciando teorie filosofiche e pratiche teatrali spazianti da Aristotele a Mejerchol’d e Barba, attraversando Descartes, Diderot, Kleist, Craig e i Futuristi. Così procedendo, si cerca di offrire alcune istantanee di come la dialettica di organico-meccanico, corpo-spirito, uomo-macchina – dualismi essenziali nella storia del pensiero occidentale – permeino e condizionino l’idea del teatro e dell’attore attraverso i tempi.The essay puts forward a theoretical proposal, that interpenetrates philosophical theories and theatrical practices in a multifaceted aesthetic vision, from Aristotle to Meyerhold and Barba, going through Descartes, Diderot, Kleist, Craig and the Futurists. Thus, it tries to offer some snapshots of how the organic/mechanical, body/spirit, man/machine dialectics – cornerstones of the history of Western thought – inhabit and condition the ideas of theatre and the actor throughout the ages
Turin chronicles: Braunschweig e Leonardo Lidi
No full textUna lunga recensione di due spettacoli prodotti nel 2024 dal Teatro Stabile di Torino, La vita che ti diedi di Pirandello, messinscena del regista francese Stéphane Braunschweig, e Medea di Euripide, regia di Leonardo Lidi, giovane regista del Teatro Stabile torinese. Il regista francese è uno dei pochi, se non l’unico, ancora vivente e attivo, della grande tradizione dei metteurs en scène cui si deve la fondazione della regia nell’Europa del secondo Novecento, da Strehler a Ronconi. Autore di spettacoli ibseniani mirabili e anche di alcune felici realizzazioni pirandelliane. Meno riuscito invece quest’ultima prova, in parte per la debolezza del testo del drammaturgo siciliano, molto cerebrale e didascalico, ma un po’ anche per i limiti di un cast che non sempre è riuscito a tradurre le indicazioni di una regia interessata ad accostare il testo al filone pirandelliano del cosiddetto teatro nel teatro. Molto interessante e provocatorio l’impianto scenografico della Medea, ma meno convincente la drastica riscrittura del testo, soprattutto nella parte finale, e lo spostamento di asse interpretativo, un po’ gratuito, a mera tragedia d’amore, affidata peraltro a due attori caratteristi di notevole valore, ma impiegati in ruoli primari che non ne esaltano le qualità professionali.A long review of two shows produced in 2024 by the Teatro Stabile of Turin, La vita che ti diedi by Pirandello, staged by the French director Stéphane Braunschweig, and Medea by Euripide, directed by Leonardo Lidi, young director of the Teatro Stabile of Turin. The French director is one of the few, if not the only one, still alive and active, of the great tradition of metteurs en scène who was responsible for the foundation of direction in late twentieth century Europe, from Strehler to Ronconi. Author of wonderful Ibsenian shows and also of some successful Pirandellian creations. This last attempt, however, was less successful, partly due to the weakness of the text by the Sicilian playwright, very cerebral and didactic, but also partly due to the limitations of a cast that was not always able to translate the indications of a director interested in combining the text in the Pirandellian vein of the so-called theatre within the theatre. The scenographic structure of Medea is very interesting and provocative, but less convincing is the drastic rewriting of the text, especially in the final part, and the somewhat gratuitous shift of the interpretative axis to a mere love tragedy, also entrusted to two character actors of considerable value, but employed in primary roles that do not enhance their professional qualities
The representation of senescence and loss in Beckett’s "Waiting for Godot" and "Endgame"
Full text linkI drammi di Samuel Beckett Waiting for Godot ed Endgame furono pubblicati entrambi dopo la Seconda Guerra Mondiale, in un periodo dominato dal modello della pièce-bien-faite. Attingendo ricche fonti d’ispirazione da Jean-Paul Sartre e dalle avanguardie (Genêt, Adamov, Ionesco), Beckett offre un tipo di teatro non convenzionale, che rompe in modo radicale con il passato, incentrandosi sulla condizione liminale di quante e quanti non sono più giovani, ma le cui esistenze non sono ancora concluse, sospese in un limbo caratterizzato dall’incertezza e il grigiore esistenziale. Questo saggio analizza come in Waiting for Godot ed Endgame Beckett concepisca la vecchiaia come un periodo di transizione e vulnerabilità a cui è impossibile sfuggire, poiché tutti, entro certi limiti, siamo destinati al dolore e alle fragilità legate al declino.Samuel Beckett’s plays Waiting for Godot and Endgame were both published after the Second World War, in a period dominated by the model of the pièce-bien-faite. Drawing fruitful inspiration from Jean-Paul Sartre and the avant-gardes (Genêt, Adamov, Ionesco), Beckett offers an unconventional form of drama, which radically breaks with the past, focusing on the purgatorial condition of those who find themselves in the “nether region” – neither young nor yet dead, suspended in an in-between state characterized by uncertainty and existential greyness. This essay examines how in Waiting for Godot and Endgame Beckett conceives old age as a grey zone, a transitional stage from which it is impossible to escape, as we were all born, to some extent, to endure the pain and infirmities of decline
