Revues électroniques université Paris Ouest Nanterre La Défense
Not a member yet
365 research outputs found
Sort by
Savante passion
Get PDFDans l'Europe moderne, la « vérité-d'après-nature » est l'objectif des atlas savants qui cherchent l'universel dans des taxons. Le pathos n'a donc pas droit de cité au sein de cette culture du logos qui le frappe d'interdit épistémique. Pourtant, les passions refoulées du chercheur survivent et se manifestent dans les nombreuses traces graphiques qui jonchent ses notes privées. En suivant ces indices dans les carnets de mécanique de Roger North, juriste anglais du tournant du XVIIIème siècle et versé dans la philosophie naturelle, nous nous proposons de tracer le jeu des passions savantes. Ces espaces de papier sans loi ni géométrie nous révèleront alors les désirs, les plaisirs mais aussi les peurs et les hésitations du philosophe à l'œuvre. Un savoir pathique se dessine, produit d'une raison mue par les passions, un véritable « gai savoir inquiet ». À mi-chemin entre art et science, nous tentons ici d'esquisser les linéaments d'une poétique de l'enquête savante à l'époque moderne.Learned PassionIn Early Modern Europe, "truth-to-nature" is the objective of savant atlases which seek the universal in taxons. Pathos is therefore not tolerated within this culture of logos which strongly forbids it on epistemological grounds. However, the scholar's repressed passions survive and manifest themselves in the numerous graphic traces scattered across his or her private notes. Following these clues in the mechanical notebooks of Roger North, an English jurist of the turn of the 18th century well-versed in natural philosophy, I propose to trace the interplay of savant passions. These paper spaces, void of laws and geometry, reveal the desires and pleasures but also the fears and hesitations of the philosopher at work. A pathic knowledge takes shape, figment of a reason moved by passions, a genuine "anxious gay science". Halfway between art and science, I try to sketch here the lineaments of a poetics of Early Modern savant enquiry
“You Yourself are Here Now Looking over my Shoulder as I Write”: Emotional Dialogue and the Construction of a Shared Intimate Space in First World War Letters.
Get PDFThe First World War was a time when public events inserted themselves brutally into the private emotional lives of its participants. While the history of emotions is difficult to access, wartime exchanges of letters between couples offer a way of considering how, in this particularly fraught context, individuals expressed emotion in writing as they attempted to transcend extreme physical and experiential separation. The language of letters lets us into an otherwise unavailable emotional world, and offers insight into both the subjective experience of war and how individuals share and express emotion. This discussion examines letter exchanges between young men and women to show how intense connections were forged and sustained in spite of distance and transformative experiences on both sides. The shared emotion through which intimacy is developed is both carried in, and takes us beyond, the more obvious connections forged by letters and parcels to imagined spaces where a shared emotional narrative transcends the individual confines of the present time and space. « Tu regardes au-dessus de mon épaule alors que j’écris cette lettre » : dialogue sentimental et construction d’un espace intime commun dans la correspondance de la Première Guerre mondiale Les évènements liés à la Première Guerre mondiale se sont répercutés de façon brutale dans la vie sentimentale des personnes touchées par cette guerre. Les obstacles à la rédaction d’une histoire des sentiments au cours de cette période sont compensés dans une certaine mesure par l’accès à la correspondance entre couples, qui permet de montrer la manière dont les individus exprimaient leurs émotions en tentant de transcender une extrême séparation physique et expérientielle. Ces lettres offrent une perspective unique sur un univers émotif concentré sur l’expérience subjective de la guerre ainsi que la façon dont les individus expriment leurs sentiments. Cet article porte sur la correspondance entre jeunes hommes et jeunes femmes, afin de mettre à jour les liens étroits qui se sont formés et ont subsisté malgré la distance et les expériences transformatrices de part et d’autre. Le partage de sentiments, qui donne naissance à des rapports intimes, est transmis dans les échanges de lettres et de colis. Il donne également lieu à la création d’espaces imaginaires qui échappent aux contraintes spatiales et temporelles auxquelles ces jeunes hommes et femmes sont confrontés en temps de guerre
Can Realism Speak of Affect?
Get PDFCan realism speak of affect? The question may at first appear surprising: why, after all, should the codes and tropes of a specific literary tradition necessarily prevent the exploration of an entire aspect of subjective life? The interrogation takes on greater meaning if we understand the notion of affect according to the acceptation, framed in the libidinal philosophy of Jean-François Lyotard, which poses affect as that part of conscious experience which ceaselessly escapes the awareness of the feeling subject. In these versions of the concept, affect not only resists outward presentation in the form of language or descriptive signs, but escapes representation of the self to itself. The feeling subject is not only unable to express or describe such affect to others – for it is, by definition, outside of any representative impulse – it is unable to represent it to itself even at the initial level of conscious awareness. What happens then if we are to apply this modern comprehension of affect – as that which, as Brian Massumi puts it, is “not ownable or recognizable” – to the functioning of literary realist modes? Does the ideal to better “speak of” affect in literary form imply the adoption of consciously anti-realist modes?Le réalisme peut-il parler de l’affect ? Le réalisme peut-il parler de l'affect ? La question peut surprendre : en quoi les codes et tropes d'une tradition littéraire spécifique pourraient-ils empêcher l'exploration de tout un pan de la vie subjective ? L’interrogation cependant prend son sens si nous comprenons la notion d'affect à la lumière de l'acceptation, forgée dans la philosophie libidinale de Jean-François Lyotard, posant l’affect comme la dimension de l'expérience consciente qui échapperait sans cesse à la connaissance du sujet. Dans cette perspective, non seulement l’affect résiste à une présentation d’ordre extérieur sous la forme du langage ou des signes descriptifs, mais elle échappe encore à la représentation intérieure de soi à soi. Incapable d'exprimer ou de décrire un tel affect à d’autres – en ce qu’il est, par définition, au dehors de toute impulsion représentative, le sujet est alors incapable de se le représenter à lui-même, au premier degré même de la connaissance subjective. Que se passe-t-il dès lors si nous appliquons cette compréhension moderne de l'affect – ce qui, comme l’affirme Brian Massumi, ne peut être « ni possédé ni reconnu » – au fonctionnement des modes réalistes littéraires ? L'idéal de mieux « parler de » l’affect dans une forme littéraire implique-t-il l'adoption de modes consciemment anti-réalistes ?
'In some rare and sacred dead time...., there is a miracle of silence" On Not Lifting the Veil in McGregor's and Cusk's Novels
Get PDFThe following paper will analyse how British writers McGregor and Cusk represent new forms of subjective crisis through disconnection, by laying the emphasis on that which constantly escapes language, that which cannot be said indeed. The characters fail to bond with each other, and readers are plunged into this disruptive communication thanks to a syntax that is marked by interruption and obsessive repetition (McGregor), or saturated with uncanny conceits (Cusk). These introspective, stylistic effects are in sharp contrast with the clichés that characters resort to in dialogues. If Nobody Speaks of Remarkable Things and Arlington Park focus on the plight of individuals lost in the seemingly ordered space of (sub)urban life, where they can find nobody to confide in. Their characters form a loose community (expressed in the disconnected narrative) whose common ground is the city they inhabit, or towards which they gravitate. Both novels open on a moment of pause, “a suspension of disbelief”, before the narrative probes into the characters’ subjective experience that is characterised by inhibition, which this paper will analyse as a form of reserve: a young woman finding it impossible to tell her mother that she is about to become a single mother; suburban, educated women on the verge of nervous breakdowns when they realise how patriarchal society has crushed their desires. Like Woolf whose character in The Voyage Out wanted to “write a novel about Silence… the things people don’t say”[1], Cusk and McGregor’s interest in silence lies in their knowledge that it is the trace of something else that remains unsaid, whether it is held back or impossible to articulate. Thereby, they show that there is no secured place for the subject in language (Lacan): this is how the cityscape comes to be read as an ironic backdrop. The characters’ lack of appropriation of space actualises the experience they have when trying to locate their being within language, as in the following example: “In that moment Amanda knew that her kitchen was too large. She would not have thought such a thing was possible, but entering it now she knew that it was true. They had knocked through until they had created not space but emptiness.” (AP 63-64) Both authors prolong Woolf’s work into the 21st century by working on creating characters out of voices and poetry out of the quotidian. In psychoanalytical terms, reserve is one of the signs of the subject’s inhibition, which is correlated to the impossibility for him/ her to grab the object of his / her desire (the object a in Lacan’s theory). Reserve in these novels can thus be analysed as the signifying effect of the presence of something that cannot be fully articulated, i.e. the wandering nature of the subject in language and its impossible localisation. Both novels emerge out of a menacing silence that is granted great, signifying power (placed as it is in the opening pages) and yet forces the characters to devise new ways of connecting with others. The paper will thus see how stylistic effects are signs of that which lies hidden behind the character’s reserve and why it is essential that it should remain undisclosed: language both reveals and covers the characters' ontological emptiness. [1] V. Woolf, The Voyage Out, 229, ch. 16
La Haine et la traduction : une lecture à l'affect de Joyce
Get PDFLa haine joycienne, affect labile et dynamique, résiste à la saisie des émotions comme unités stables, et résiste aussi à sa clôture en un nom unique énoncé en une seule langue. L'écriture joycienne peut être appréhendée comme le produit stylisé d'une haine de la langue maternelle, qui se joue de l'identité des langues par des processus de traduction, et en faisant du déplacement de la lettre N une autre manière de signer la défiguration linguistique par une haine à entendre plusieurs fois, et en plus d'une langue.Hatred and Translation: An Affective Reading of Joyce.Joyce's hatred is a supple and dynamic affect which refuses to be contained in emotional categories and resists enclosure in a single noun belonging to one language only. Joyce's writing may be understood as the stylistic product of hatred of the mother tongue, snubbing the identity of languages by drawing on translation, and by making the letter N voyage through the text, such that it becomes the signature of hatred's linguistic defiguration, to be heard several times, and in more-than-one language/no-more-one language.
Othello or Jealous Fury
Get PDFThis article examines Othello as the mythical incarnation of jealous passion amplified to the point that it becomes fury. In Shakespeare's tragedy about this character, he stages the catastrophe of desire, which is played out simultaneously as:- a gnostic drama displaying the division of the Unique under the pressure of desire, thereby developing a variation on the biblical phrase “I am that I am”- a psychological drama in which Iago takes on the subject function of Othello, whose desire he betrays (that is, reveals);- a tragi-comic drama of erotic desire, the plaything of obscure psychological instances, whose object, Desdemona, disgusts Othello’s ideal love, and which is caught up in the mazes of perversion, in this case of a homosexual or even necrophilic nature;- a drama of jouissance, that is, of an abject jouissance, constitutive of jealousy, where love and desire blindly converge to fuel Othello’s “jalouissance”, granting him, by way of his very abjection and grotesque nature, the heroic grandeur of tragic fury. Othello ou la fureur jalouseCet article étudie le personnage d'Othello comme incarnation mythique de la passion jalouse poussée jusqu'à la fureur. Dans la tragédie qu’il lui consacre, Shakespeare met en scène la catastrophe du désir, qui se joue à la fois comme : - un drame gnostique présentant la division de l'Unique sous la force du désir et se déroulant ainsi qu’une variation à partir de la formule biblique : I am that I am ;- un drame psychique dans lequel Iago assume la fonction de sujet d'Othello dont il « trahit » (dans le sens où il le révèle) le désir ;- un drame tragi-comique du désir érotique, jouet d'obscures instances psychiques, dont l'objet (Desdémone) répugne à l'amour idéal d’Othello et qui se perd dans les méandres de la perversion - homosexuelle, en l'occurrence, voire nécrophile ;- un drame de la jouissance, enfin, d'une jouissance abjecte, constitutive de la jalousie, vers quoi convergent aveuglément l'amour et le désir, pour nourrir la « jalouissance » d'Othello et lui donner, par son abjection et son grotesque mêmes, la grandeur héroïque d'une fureur tragique
"A Striking Bore" : le style affectif de l’ennui dans Parts of Some Sextets (1965) d’Yvonne Rainer
Get PDFUne appréhension du réel qui met l’accent sur le détail ordinaire, le rien ou le pas grand‑chose, les petites actions banales. Un temps qui dure, qui s’étend, qui pèse, qui n’évolue pas. Un flux gestuel qui se déploie dans une continuité plate, sans inflexions. Nivelant les saillances affectives, favorisant des états toniques atones et étales, dans les années 1960, l’œuvre chorégraphique de la danseuse, chorégraphe, cinéaste, poète et théoricienne américaine Yvonne Rainer fait émerger une tonalité émotionnelle très particulière. Nous proposons de rapporter cette forme d’expérience kinesthésique à l’émergence d’une nouvelle sensibilité dans le champ de l’avant-garde à New York : dans le sillage de Marcel Duchamp et de John Cage, la décennie 1960 voit en effet s’imposer l’ennui à la fois comme stratégie esthétique et comme style affectif, façonné par les normes et les valeurs partagées par cette communauté artistique. Dans l’œuvre de Rainer, la tonalité émotionnelle de l’ennui devient prégnante, et influe sur la fabrique même du geste dansé, à partir de la pièce Parts of Some Sextets (1965): tous les matériaux constitutifs de la danse y semblent imprégnés d'ennui. Simple coloration affective ou véritable stratégie d’avant-garde, comment interpréter le recours à l’ennui dans Parts of Some Sextets ? Au-delà, que nous enseigne ce dispositif sur le rapport au matériau émotionnel dans la danse de Rainer ? "A Striking Bore": the Affective Style of Boredom in Yvonne Rainer's Parts of Some Sextets (1965) A perception of reality emphasizing ordinary detail, nothingness and small mundane actions. Time which lasts, draws on, weighs down, and does not evolve. A flow of movement that progresses in flat continuity, without inflections. Equalizing affective saliences, foregrounding blank, flat and still states, the work of the American dancer, choreographer, filmmaker, and writer Yvonne Rainer in the 1960s brought out a very singular emotional tonality. This article links this kind of kinesthetic experience to the rise of a new sensibility in the New York avant-garde: indeed, in the wake of Marcel Duchamp and John Cage, boredom increasingly came to the fore in the artistic practices of this period, both as an aesthetic issue and an affective style, shaped by the shared standards and values of this artistic community. In Rainer's work, the emotional tonality of boredom first became significant in Parts of Some Sextets (1965), affecting the way the movement itself was fabricated and pervading the dance material. How are we to interpret the use of boredom in Parts of Some Sextets? As simply an emotional coloring or as a truly avant-garde strategy? And beyond that, what can this choreographic apparatus teach us about the relation to emotional material in Rainer's work?
Le Plaisir et la joie dans Home at Grasmere de Wordsworth
Get PDFCet article analyse le poème de William Wordsworth Home at Grasmere en rapport avec les débats critiques autour du statut de l’affect positif. Home at Grasmere, écrit en 1806, publié de manière posthume en 1880, est un long poème en vers libre qui parle du retour du poète dans le Lake District en Angleterre, donnant lieu à l’émergence d’un langage du plaisir et de la joie. Ces thèmes ont souvent été suspectés d’être les symptômes d’une anxiété plus profonde dans le poème, par exemple dans les interprétations de William Minto, Stephen Gill et Sally Bushell. Cet article procède à une exploration de la question de l’épicurisme dans le poème à la lumière des aspirations anti-épicuristes de Coleridge pour le projet de The Recluse dans son ensemble, et à la lumière des références de Wordsworth à Lucrèce, y compris un bref résumé des discussions des idées d’Epicure et de De Rerum Natura, pendant la période romantique. L’article propose l’idée que Home at Grasmere présente certaines des complexités morales et politiques en latence dans l’idéal épicurien d’ataraxie, ou absence de perturbation. À travers une lecture détaillée, l’article étudie la dichotomie entre la phénoménologie du plaisir comme satisfaction et tranquillité, et celle du plaisir comme désir et stimulation, en explorant les références miltoniennes du poème, et aussi ce que Kenneth Johnston a identifié, il y a longtemps, comme étant la nature circulaire du poème. L’article compare le plaisir sans désir du poème avec les récits sur le bonheur écrits au XVIIIème siècle, avec la pensée utilitaire émergente, ainsi qu’avec l’analyse de l’utilité menée plus tard par George Bataille. Enfin, l’article plaide en faveur du pouvoir que Home at Grasmere a d’ébranler les simplifications modernes de la catégorie de plaisir.Pleasure and Joy in Wordsworth’s Home at Grasmere This article analyses William Wordsworth’s poem Home at Grasmere in relation to critical debates about the status of positive affect. Home at Grasmere (written in 1806, published posthumously 1880) is a long blank verse poem about returning to England’s Lake District, which foregrounds a language of pleasure and joy. These themes have often been interpreted suspiciously as symptomatic of a deeper anxiety in the poem, as, for instance, in the interpretations of William Minto, Stephen Gill and Sally Bushell. The article goes on to explore the question of the poem’s Epicureanism in terms of Coleridge’s anti-Epicurean aspirations for the Recluse project as a whole, and in terms of Wordsworth’s references to Lucretius, incorporating a brief summary of Romantic-period engagements with Epicurus and De rerum natura. It argues that Home at Grasmere can be seen to demonstrate some of the moral and political complexities latent in the Epicurean ideal of ataraxia, or absence of disturbance. Through a close reading, the article investigates the dichotomy between the phenomenology of pleasure as satisfaction and stillness, and that of pleasure as desire and stimulation, exploring the poem’s Miltonic references and what Kenneth Johnston long ago observed to be the poem’s circular quality. The article compares the poem’s undesirous delight with eighteenth-century accounts of happiness and emerging utilitarian thought, as well as with George Bataille’s later analysis of utility. Ultimately, the article argues for Home at Grasmere’s on-going power to trouble modern simplifications of the category of pleasure
Touche/échappe : émouvoir, d'après T. S. Eliot
Get PDFLa question des émotions, celles du poète et celles du lecteur, est intimement liée, dans la poétique de T. S. Eliot, à la notion d’impersonnalité théorisée notamment dans son essai « Tradition and the Individual Talent ». Le processus de création poétique viserait à « laver » le poème de toute émotion personnelle en retravaillant les émotions premières en tant que matériaux poétiques, afin de susciter chez le lecteur des émotions propres à l’œuvre elle-même. La méfiance vis-à-vis de l’émotion dans son rapport à la représentation depuis Platon, les éventuelles réticences à l’égard d’un lyrisme par trop personnel, ont souvent incité le critique à interroger la pertinence de l’émotion comme composante de la lecture et comme outil herméneutique. La théorie éliotienne de l’impersonnalité de l’ « émotion de l’art » nous invite à « situer » la naissance du mouvement de l’é-mouvoir ailleurs que dans un référent extérieur à l’œuvre ou une quelconque origine de l’énonciation. Le recours fréquent au drame dans les essais d’Eliot lorsque celui-ci tente d’appréhender l’émotion nous invite à interroger le lien entre action dramatique et action poétique, entre scène dramatique et scène d’écriture, comme moteurs et lieux d’émergence de l’émotion artistique. Mettant ainsi l’accent sur l’action et sur le mouvement, nous tenterons de définir la nature de ce(s) mouvement(s) du poète au poème, du poème au lecteur, du lecteur au poème, mouvement(s) complexe(s) de cet émouvoir que l’article se propose d’appréhender à la lumière des écrits théoriques de T. S. Eliot.Hit and miss: T.S. Eliot on EmotionIn T. S. Eliot’s poetics, the question of emotions – the poet’s and the reader’s – is closely related to the notion of impersonality theorized in his essay “Tradition and the Individual Talent”. Poetic creation is seen as a process which removes all traces of personal emotion from the poem by “working them up into poetry”, in order to create new emotions born of the poem itself, emotions that will, in turn, affect the reader. The history of distrust that surrounds emotion and representation, starting with Plato, the reluctance to embrace or accept excessively personal forms of lyricism, have often led critics to question the relevance of emotion as a component of the reading process and as a hermeneutic tool. Eliot’s theory of the impersonality of the “emotion of art” urges us to “locate” the birth of the movement of é-mouvoir (moving) not in any referent outside the poem, nor in any origin of enunciation, but elsewhere. The fact that Eliot often refers to drama in his essays when dealing with emotion, invites us to question the link between dramatic action and poetic action, between the scene/stage of drama and the scene/stage of writing, as causes and matrixes of artistic emotion. Focussing on action and movement, we will try to define the nature of the motion(s) from poet to poem, from poem to reader, from reader to poem, the complex motion(s) of the “émouvoir” that this article sets out to apprehend in the light of T. S. Eliot’s theoretical writings