Revues électroniques université Paris Ouest Nanterre La Défense
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"Singularity in its Mineral Actuality”: The Texture of Moral Life in Iris Murdoch’s The Sea, The Sea (1978)
No full textThis paper looks at the way Iris Murdoch’s moral particularism—her vision of morality as a perception of particulars transcending general rules and classification—shapes her works of fiction, more specifically her 1978 Booker Prize winning novel The Sea, The Sea. Told from the perspective of Charles Arrowby, an egotistical theatre director who has withdrawn from the world in the seaside town of Narrowdean, the novel describes the different steps in Charles’s incomplete spiritual journey, from a self-centred world-view, based on the intimate conviction of his own exceptionality as an artist, to a partial awareness of the plurality of moral experience, from the limitations of a state of moral exception, based on his psychological ascendancy over others, to a partial acceptance of singularity (“singularité quelconque”). The liminal coastal scenery and the constantly shifting seascape, which at once isolate the character and open him up to the vast contingency of the world, embody this tension between the exceptionality of the egotistical self and the complexity of a sea of particulars
Wodwo ou l'errant : risquer l'être et risquer le langage
Get PDFIn Wodwo, Ted Hughes condemns the men of the modern age who thought that they were at the centre and the top of a world created for them, who exploited and destroyed everything. The poet depicts doomed souls and spectral figures haunted by shadows that have become more powerful and consistent than them. The motif of the katabasis, which is central in Hughes’s collection, sheds light on a necessary conversion of all values. As he turns around, not to take a narcissistic look at himself but, like Orpheus, to meet Eurydice's eyes, the human subject faces the ‘presence of his infinite absence’ and discovers what makes him truly singular. Ted Hughes’s poetic vision and the poetry of Maurice Blanchot’s ideas seem to coincide on this point: the experience of death is the core of the poetic work and its infiniteness, which is the infiniteness of being and of the poetic word itself. Wodwo, a wild, half-human, half-animal creature, is the ‘wanderer, the one always astray,’ who ‘risks’ being and language. When Wodwo speaks, he utters words that are foreign and unstable, words that take man’s singularity and individuality back to an invisible reflection, an intimate but unknowable otherness. Wodwo and his language are one with the natural world: in them rises the inaudible music which resonates when the wind rustles but whose ‘meaning will not part from the rock.’ This is the truth of the wanderer and of the total rhythm of the natural world: in the ‘tension of an infinite beginning,’ they pave the way for the renewal of being and language. Dans Wodwo, Ted Hughes critique les hommes de la modernité qui, estimant qu’ils étaient au centre et au sommet d’un monde créé pour eux, ont abusé de tout et ont tout détruit. Le poète décrit des âmes damnées, des figures spectrales, sans relief ni reflet, hantées par des ombres plus puissantes et plus consistantes qu’eux. Le motif de la catabase, central dans le recueil, annonce une nécessaire conversion de toutes les valeurs. Lorsque du fond des enfers, le sujet humain se retourne, non plus pour contempler son vain reflet, mais, tel Orphée, pour croiser le regard d’Eurydice, il découvre ce qui fonde sa véritable singularité et la « présence de son absence infinie ». La pensée poétique de Ted Hughes et la poésie de la pensée de Maurice Blanchot semblent se rejoindre en ce point : l'épreuve imposée par la mort devient condition de l’œuvre et de son infini, infini qui est celui de l'être et de la parole poétique. Ainsi, Wodwo, est l’errant qui « risque » l’être et le langage. Sa parole, instable et étrangère, renvoie la singularité et l’individualité de l’homme à un reflet invisible, à une altérité intime mais inconnaissable. Wodwo et son langage ne font qu’un avec le monde naturel : en eux, résonne une musique inaudible qui bruit dans le vent et dont le sens demeure « ancré dans la roche ». La vérité de l’errant s’accorde au rythme total de la nature, dans la « tension d’un infini commencement » qui ouvre encore davantage les chemins du renouveau de l’être et du langage
Unfolding and De-linking Agency in Dionne Brand’s A Map to the Door of No Return
Get PDFThis article looks at the strategies deployed by Dionne Brand in order to map out subaltern agency against a background of post-plantation loss, rootlessness and disempowerment. It follows the modes in which an impossible writing of the past is diverted into practices of shaping a new imaginary space for all “the other dwellers of the door” to which Map to the Door of no Return is dedicated. Referentiality is re-cast as an address to future selves rather than a reference to any past identities and stories. I contend here that Brand’s poetical agenda makes for a decolonial de-linking of literary discourse from the imperatives of Western realistic “representation” in order to re-centre enunciation on the poetic persona. This enunciation is not individualized but mediated through the emergence of forms of collective re-memory.Le présent article s'intéresse aux stratégies déployées par Dionne Brand afin de cartographier les agentivités subalternes dans un contexte de perte, de déracinement et de désautonomisation qui est propre à la post-plantation. J'entreprends de repérer les modalités selon lesquelles une impossible écriture du passé évolue vers la création d'un imaginaire spatial nouveau, campé à l'intention de "tous les autres habitants de la porte", à qui le texte de A Map to the Door of no Return est dédié. La référentialité est, dans ce texte hybride, infléchie en direction d'existences futures, et déliée de références à toute histoire ou identité passée. Je défends la thèse selon laquelle l'intention poétique de Brand est décoloniale et vise à affranchir son projet littéraire des impératifs de la représentation occidentale réaliste, ceci afin de recentrer l'énonciation sur le sujet poétique. Cette énonciation n'est plus individualisée, mais se voit au contraire médiée par l'émergence de formes de re-mémoire collective.  
Singularity, Individuality and the Delimitation of Life
Get PDFThis article seeks to develop some of the critical implications of the notion of “singularity”, once it is distinguished from that of “individual” with which it is often confused. The singular is construed here as an “aporetical” (Derrida) notion insofar as it can only be experienced through a dissemination and pluralization that excludes any sort of simple self-identity. Its complex relationship to notions of “I” (ego), “self”, and alterity are considered both from a historical perspective and from a conceptual one. The article draws from Walter Benjamin’s discussion of Luther in his book on the Origins of the German Mourning Play, in order to explore some of its consequences for the contemporary political situation, in particular in the United States
Literature Singular Plural: A Retraction of God, A Scene of Forgiveness, A Retreat of the Political
Get PDFThis paper rethinks the boundaries and conceptions of literature by putting Jacques Derrida's “Literature in Secret” in conversation with Jean-Luc Nancy's “Being Singular Plural”. Both Derrida and Nancy upset the usual understanding of what is literary: the former by tracing it to the Abrahamic tradition and specifically the story of Abraham's sacrifice of Isaac; the latter by claiming that literature is exemplary of an ontology of “Being-with”. Derrida claims that literature always hides a secret, and it is this hiding of a secret that gives a text its literary force. Nancy too—with his thinking around the repetition of the origin of the world—asks us to observe how literature demands the necessity of a singular ex-scription. Given that both Derrida and Nancy assert a kind of paradoxical relation between inherited repetition and original secrecy, my paper emphasizes the way that these thinkers transform the very form one should expect literature to take while simultaneously transforming its classical source (authorship). Additionally, both thinkers assign a political value to their rethinking of literature, where literature itself marks a possibility of a democracy-to-come and the possibility of a community beyond capital. Derrida and Nancy, famously friends, are not always in agreement, and I place their sometimes similar and sometimes contradictory thoughts in a productive tension to affirm the value of these literary reconsiderations
Justice of the Singular : Socrates’ Apology and Deconstruction: A Reading of Plato's Apology
No full textThe question of justice in Western philosophy finds its humble beginnings in the interplay of life and death. I am referring here to Plato’s Apology. The Apology is not only a text tracing the fate of the great philosopher Socrates by recounting his final speech before the judges of Athens, but it is also a text that, on a more subtle level, announces the advent of a promising justice that is birthed from death, or, to be more precise, from a specific kind of death. Socrates, here, develops a justice that does not surge from the defence of one’s determination as a singular accused, or from the reconciliation of the criminal singularity into the ethical social body through pardon or punishment, but which rather derives from a negation, a radical annihilation of the category of pure singularity. Socrates does not defend himself as an accused who is determinately and definitively singular, but rather affirms the fact that, in some sense, there is no such singular to be defended, that he is not even one (οὐδείς), less than one, nothing. It is, precisely, in this affirmation of a negative, in this opening of a chasm, that a radically other conception of justice and its relation to the singular is subtly proposed. By pushing the singular to the margins of its possibility, by challenging, bending, pushing the question of the singular and its defence to its outmost limit, Socrates redeploys justice not as a remedying balance, but as the abysmal economy of the bottomless question, a fall into the void, in which life, death, the singular and justice co-incide to burst all definitive determination, substantial opposition and the possibility of establishing a firm ground for any such categories to hold as such. In gradually shedding off the substantial presuppositions of his singularity (knowledge, self-relation and relation to others), he unleashes a modality of the singular which deploys a kind of justice, a wholly other justice, which has shaken the tradition ever since, and, as this article will seek to show, reverberates again in what Jacques Derrida called deconstruction
“One must speak through lips different from one’s own” : la poétique de l’intertextualité et la question de la singularité du texte chez Oscar Wilde
Get PDFOscar Wilde a souvent été accusé d’un manque de singularité et d’originalité par ses contemporains. Ses écrits critiques, notamment, seraient une synthèse des écrits de John Ruskin, Walter Pater ou encore Charles Baudelaire, voire du plagiat pur et simple. Pour un pan de la critique littéraire wildienne, ce manque de singularité dans l’œuvre de l’écrivain serait synonyme d’une moindre qualité littéraire et intellectuelle et d’un pillage illégitime. Les pratiques d’écriture de Wilde révèlent en effet que de nombreux intertextes sont présents dans le texte, et ce sous diverses formes, selon la typologie établie par Gérard Genette dans Palimpsestes, allant de l’allusion à la citation directe. Il semblerait que chez Wilde, l’intertextualité soit en réalité érigée en principe poétique revendiqué ; véritables palimpsestes, ses textes critiques, journalistiques et fictionnels se construisent en intégrant, recyclant et superposant des hypotextes et intertextes divers, parfois transformés. S’ils ont déjà reçu une attention considérable de la critique, les pratiques de réutilisation caractérisant ses publications journalistiques, en revanche, ont longtemps été négligées. L’examen des méthodes d’écriture de celles-ci permet de rendre compte d’une continuité entre le journalisme de Wilde et ses essais critiques, considérés comme l’aboutissement de ses théories esthétiques. Notre propos sera ainsi d’analyser cette poétique de l’intertextualité afin de mettre au jour le discours qu’elle véhicule au sujet de la nature du texte. Wilde semble en effet remettre en question la notion de singularité voire d’unicité de l’œuvre littéraire, et reconnaître et porter à son comble le caractère palimpsestique de tout texte. En outre, ce sont les notions d’autorité et d’auteur qui sont remises en question. En cela, Wilde véhicule un discours théorique qui anticipe la critique littéraire du XXème siècle, telle que la critique structuraliste. Enfin, cette poétique est en concordance avec l’idéal de l’inspiration interartistique prônée par Wilde, qui intime à l’artiste de s’inspirer de l’art, et non de la vie, scellant ainsi l’autonomie et l’autoréférentialité de l’œuvre littéraire et artistique
“The Second Person Singular”: the (Impossible) “Being-With” in Djuna Barnes’s Nightwood
Get PDFThis article argues that being singular—both one of a kind and alone—is at the heart of Djuna Barnes’s Nightwood. In this novel that resists classification, Barnes ostensibly explores the implications of being sui generis in relation to both gender and genre. She rejects the heteronormative pressures of bourgeois society, bringing to the foreground a group of queer, marginal beings. Yet, she does not transform then into an alternative community, making the possibility of amorous and spiritual union between them problematic. A figure of mute, enigmatic singularity and “monstrous” solitude, Robin Vote leaves the other characters in a frustrated longing for erotic and emotional union with her. An unsettling cross between feminine and masculine, human and animal, she emerges as the emblem of the novel’s baroque singularity. With her solitary wandering, she leaves the other characters enmeshed in a collective dream of yearning for her. Through this figure that eludes both the heterosexual and the homosexual couple, the novel questions the need of the individual to bond with another as an essential aspect of the human condition, a search for meaning and fixity that proves illusory and has a devastating impact on the integrity of the self. The solitary, androgynous doctor, whom the characters turn to in search of consolation, is both the double and the opposite of Robin, who remains deaf to the suffering she causes. The doctor’s monologues, initially meant to console and create a spiritual union, foreground instead the limits of empathy, and the futility of communication and human existence as a whole. He voices the existential anguish of being radically singular, becoming the mouthpiece of Barnes’s queer existentialism. Cet article émet l’hypothèse qu’être singulier—à la fois unique en son genre et seul—est au cœur de Nightwood de Djuna Barnes. Dans ce roman qui résiste la classification, Barnes semble explorer l’idée du sui generis dans une double optique genrée et générique. Elle rejette la pression hétéronormative de la société bourgeoise, en mettant au premier plan un groupe de personnages non-normatifs, sans cependant les transformer en communauté alternative ; au contraire, elle met en doute l’idée même d’une union amoureuse ou spirituelle entre eux. Figure d’une singularité muette, énigmatique et d’une solitude « monstrueuse », Robin Vote provoque un désir ardent de se lier à elle. Mélange troublant entre féminin et masculin, humain et animal, elle devient l’emblème la singularité baroque du roman. Avec son errance solitaire, elle embrouille les autres personnages dans un rêve collectif de désir pour elle. A travers cette figure qui s’échappe indomptablement, brisant à la fois le couple hétérosexuel et homosexuel, le roman met au premier plan le désir de se lier à l’autre, dimension essentielle de la condition humaine. Cette quête de sens et de fixité à travers l’autre s’avère illusoire et a des effets désastreux sur l’individu. Tout aussi androgyne et solitaire, le docteur est à la fois le double et l’inverse de Robin : alors qu’elle reste sourde envers la souffrance qu’elle inflige, c’est vers lui que les personnages se tournent en quête de consolation. Pourtant, au lieu de consoler en créant une union spirituelle, les monologues du docteur mettent l’accent sur les limites de l’empathie, de la communication et du langage, ainsi que sur la futilité de l’existence humaine. Il donne une voix à l’angoisse existentielle qu’entraîne le fait d’être radicalement singulier, devenant le porte-parole d’un existentialisme queer.  
Le Ventre de Rebecca. Ou de l’hétérocryption du descriptif
Get PDFAccording to Philippe Hamon, the descriptive, much more than saying reality, gives us a guess at another reality. The descriptive’s attention to detail digs into referentiality to unearth some latent knowledge. I argue that the detective novel, a rather neglected sub-genre of the realist novel, allows us to best articulate this conjunction of the descriptive and the “decryptive”, as Hamon calls it, while at the same time inviting us to “queer” the implicit assumptions of Hamon’s essay.
My reading of Rebecca, a novel I consider as the very prototype of modern detective writing, endeavors to identify these descriptive operations whereby referentiality swells, bulges with its buried knowledge, and becomes a belly. The descriptive goes into “labor,” as Hamon says, by which I understand that it literally becomes a uterus, a gestation pouch, thus breaking with the tradition of a descriptive pen which would also be a penis, to use Sandra Gilbert and Susan Gubar’s famous comparison. No longer an instrument of violent inscription, the pen is made by Du Maurier into a “pennant” – flag, banner, ensign, mark, and as we shall also see, “buoy” or beacon. The pen marks – remarks – reality as a body pregnant with embryonic knowledge, a pouch always aborted of its secret, and suddenly returned to its function. At the bottom of the pouch, or pocket, thanks also to it, occurs Rebecca’s rebirth, the dead woman’s untimely return, in the form of a properly grammatical trace, defying oblivion despite its status as scrap, refuse, waste. Appearing everywhere in the novel, the letter arrives to recall the dead.Le descriptif aurait ceci de particulier selon Philippe Hamon qu’il donnerait à deviner une autre réalité, beaucoup plus qu’il ne dirait la réalité. L’attention au détail du descriptif creuserait la représentation d’un savoir non tant en reste qu’en latence. Je propose de voir dans le roman d’enquête, ou roman de détective, ce sous-genre du roman réaliste qui nous permet d’articuler au mieux l’un sur l’autre le descriptif et le « décryptif » dont parle Hamon, tout en nous menant aussi à queerer quelque peu le parti pris implicite de ce célèbre essai.
Ma lecture de Rebecca, comme prototype même de l’écriture détective, s’attache à repérer ces opérations descriptives où la référentialité se boursoufle, grossit de son savoir enfoui, se fait ventre. Le descriptif est une mise en « travail », comme dit Hamon, par quoi je comprends qu’il se fait littéralement utérus, poche de gestation, rompant de la sorte avec la tradition d’un pen qui serait aussi un pénis, pour reprendre la célèbre comparaison de Sandra Gilbert et Susan Gubar. D’instrument d’inscription violente, le pen se fait plutôt pennant, flamme, fanion, pavillon, marque, et comme on le verra aussi, bouée ou balise. La plume marque, remarque la réalité comme enceinte d’un savoir embryonnaire, comme poche toujours avortée de son secret, et soudain rendue à sa fonction. Au fond de la poche, grâce aussi à cette poche, se produit alors la renaissance de Rebecca, son retour intempestif, sous forme d’une trace proprement grammaticale, capable de défier l’oubli, malgré son statut de scrap, de rebut, de déchet. Partout se présentant, la lettre arrive pour rappeler la morte
L'enthousiasme et la philosophie de l'art
Get PDFNous interrogeons dans ce travail la notion « d'enthousiasme » à partir de l'usage qu'en fait Platon dans le dialogue Ion. La première partie de notre propos, nourrie des lectures et des interprétations contemporaines du texte, tâche d'en restituer la teneur ; elle a pour objet l'enthousiasme entendu comme persiflage, comme moquerie contournée dirigée contre la rhapsodie, et par ricochet contre la poésie. Dans la seconde partie, nous tentons de démontrer que la portée de la notion « d'enthousiasme » excède le cadre qui lui est initialement assigné par Platon. En effet, d'ironie anti-rhapsodique et anti-poétique, l'enthousiasme se mue en concept inaugural du questionnement philosophique sur l'art, concept qui non seulement ouvre un champ de réflexion, mais encore prescrit à ce champ son geste fondamental ou sa trame secrète, ce que nous appelons « l'absentement de l'artiste ». En dépossédant le poète de son activité créatrice, en l'assimilant à un serviteur sans poids du divin, Platon indistinctement fonde la philosophie de l'art et efface l'artiste, ou plutôt fonde la philosophie de l'art sur cet effacement. À partir du Ion, le philosophe aborde le phénomène artistique en-deçà ou au-delà de l'artiste, ou bien à partir d'une entité supérieure (dieu, la nature, l'être) qui en vient à créer avant ou à travers l'artiste instrumentalisé et mythifié, ou bien depuis l'œuvre d'art, toujours déjà créée et s'offrant à la contemplation d'un spectateur.Enthusiasm and Philosophy of Art. In this paper, I question the notion of “enthusiasm” as it is used by Plato in the dialogue Ion. The first part, nourished by contemporary readings and interpretations, attempts to render the content of the text; its object is enthusiasm understood as a raillery, as an ironical mockery directed against rhapsody, and indirectly against poetry. In the second part, I try to demonstrate that the significance of the notion of “enthusiasm” exceeds Plato’s initial perspective. Indeed, from its anti-rhapsodic and anti-poetic function, enthusiasm turns into the inaugural concept of the philosophical questioning about art, a concept that not only opens a field of reflection, but also prescribes to this field its fundamental gesture or its secret plot, what I call “the erasing of the artist”. By dispossessing the poet of his creative activity and assimilating him to a weightless servant of the god, Plato at the same time founds the philosophy of art and erases the artist, or bases the philosophy of art on this erasure. After Ion, the philosopher considers the artistic phenomenon below or beyond the artist, either from a superior entity (god, nature, being) that comes to create before or through the instrumented and deified artist, or from the work of art, always already created and offering itself to a spectator