Revues électroniques université Paris Ouest Nanterre La Défense
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Phantom reflections
Get PDF‘The Mark on the Wall’ and ‘The Lady in the Looking-Glass: A Reflection’, two of Virginia Woolf’s short stories with striking structural similarities, explore the relationship of the self to the exterior world. This article engages in a parallel reading of these two texts, in order to examine the different modes of apprehending the world and the self they stage. This reading attempts to show that the self is represented in a perpetual state of creation, which makes subjective reflexivity not only impossible, but also a potential risk for the self and for fiction. Deux nouvelles de Virginia Woolf, « The Mark on the Wall » et « The Lady in the Looking-Glass: A Reflection », partagent des structures narratives similaires, et explorent les rapports entre le soi et le monde extérieur. Le présent article tente une lecture parallèle de ces deux nouvelles, afin d’examiner les différents régimes de la saisie du monde que celles-ci mettent en scène. Nous tentons de montrer que le soi est représenté dans un état de création perpétuelle de lui-même, ce qui rend la réflexivité subjective non seulement impossible, mais aussi un risque, et pour le soi et pour la fiction.Deux nouvelles de Virginia Woolf, « The Mark on the Wall » et « The Lady in the Looking-Glass: A Reflection », partagent des structures narratives similaires, et explorent les rapports entre le soi et le monde extérieur. Le présent article tente une lecture parallèle de ces deux nouvelles, afin d’examiner les différents régimes de la saisie du monde que celles-ci mettent en scène. Nous tentons de montrer que le soi est représenté dans un état de création perpétuelle de lui-même, ce qui rend la réflexivité subjective non seulement impossible, mais aussi un risque, et pour le soi et pour la fiction.‘The Mark on the Wall’ and ‘The Lady in the Looking-Glass: A Reflection’, two of Virginia Woolf’s short stories with striking structural similarities, explore the relationship of the self to the exterior world. This article engages in a parallel reading of these two texts, in order to examine the different modes of apprehending the world and the self they stage. This reading attempts to show that the self is represented in a perpetual state of creation, which makes subjective reflexivity not only impossible, but also a potential risk for the self and for fiction
L’Art ventriloque : origines vocales des arts visuels britanniques contemporains
Get PDFVocal sounds in contemporary British art are less a novelty derived from the greater variety of mediums used by artists today than a return to source. From Conversation Pieces to video art, voices have both motivated creative impulses and allowed for a dialogue between different moments of the history of art. David Goldblatt's definition of ventriloquy is introduced here as a notion which allows for an understanding of the different forms voice can take.L'élément vocal dans l'art contemporain britannique est moins une nouveauté permise par une plus grande variété des supports actuels qu'un retour aux sources. En effet, des Conversation Pieces aux travaux vidéos, la voix est à la fois moteur des oeuvres et dialogue entretenu entre les artistes à travers les époques. La notion de ventriloquie telle que la définit David Goldblatt sert ici à comprendre la voix artistique dans toutes ses acceptions
“A Universal Hubbub Wild of Stunning Sounds and Voices all Confused”
Get PDFIn Infancy and History, Giorgio Agamben describes infancy as a leap across the divide which seperates phōnē from logos, or voice from discourse. Language is made possible by this very division, a fracture that man himself introduces as he emerges from infancy to become the speaking subject. Infancy thus represents the original dimension of humanity. A similar conception of infancy lies at the heart of John Milton’s Paradise Lost. But where Agamben theorizes on the origins of language, Milton describes the degeneration of voice and discourse. With Satan’s plunge into chaos, he fathoms the destruction of the very foundations of human language and culture, an utter breakdown of the logos into animal noise and affect.In Infancy and History, Giorgio Agamben describes infancy as a leap across the divide which seperates phōnē from logos, or voice from discourse. Language is made possible by this very division, a fracture that man himself introduces as he emerges from infancy to become the speaking subject. Infancy thus represents the original dimension of humanity. A similar conception of infancy lies at the heart of John Milton’s Paradise Lost. But where Agamben theorizes on the origins of language, Milton describes the degeneration of voice and discourse. With Satan’s plunge into chaos, he fathoms the destruction of the very foundations of human language and culture, an utter breakdown of the logos into animal noise and affect. Dans Enfance et histoire, Giorgio Agamben décrit l’enfance comme le passage de phoné à logos, de la voix au discours. Le langage naît de cette division, cette fracture que l’homme crée lui-même lorsqu’il sort de l’enfance pour devenir le sujet parlant. L’enfance représente donc la dimension originelle de l’humanité. Une conception similaire de l’enfance se trouve au cœur de Paradise Lost de John Milton. Mais là où Agamben théorise sur la genèse du langage, Milton nous décrit la dégénération de la voix et du discours. Avec la chute de Satan dans le chaos, il explore la destruction des fondations mêmes du langage et de la culture, lorsque le logos se dissout dans le bruit et la passion animaux
Voix et conformismes, conformité de la voix
Get PDFPaul Muldoon's Moy Sand and Gravel (2002) ends with the long poem entitled 'At the Sign of the Black Horse, September 1999' in which individual and collective voices mingle for a while, during the flood caused by Hurricane Floyd. Voices from beyond the grave – the traces of religious or family legacies, blent with Yeats's literary heritage – give various orders, that are refused or accepted by the poet's singular voice, in a combination of repetitions, variations and humour. The question of the poet's singularity comes to the fore, considered in its tension with an alienating collective speech. Choosing to evoke Fanny Brice, the famous Jewish singer, is another means for Muldoon to tackle the relationship between popular old tunes and singular voices, refusing the Romantic myth of a poet embodied by his inspired voice; here, the poet's voice stands in the margins, playing ventriloquists and using autobiographical references, blurring both the sources of enunciation and the addressees of these discourses.Le recueil de Paul Muldoon intitulé Moy Sand and Gravel (2002) se termine par un long poème, 'At the Sign of the Black Horse, September 1999', qui fait la part belle aux voix singulières et collectives, entremêlées le temps de la crue du fleuve voisin. Des voix collectives d'outre-tombe – marques des héritages familiaux, religieux ou littéraire avec les citations de Yeats – donnent ordres et préceptes variés, que la voix singulière du poète réfute ou endosse, mêlant humour, répétitions et variations. La question d'une identité donnée par la voix émerge ainsi, dans la tension avec un discours collectif souvent aliénant. L'évocation de la chanteuse juive Fanny Brice permet elle aussi de poser la voix entre rengaine populaire et timbre singulier, refusant l'image romantique du poète habité par sa voix – celle-ci est ici décalée, distancée, dans un jeu de ventriloquie et de références autobiographiques permettant de brouiller sources d'énonciation et destinataires
La voix au cinéma : divorces et retrouvailles
Get PDFThis study of voice in the cinema opposes two traditions in film theory: on the one hand, André Bazin celebrated the way the Seventh Art preserves a twofold trace of faces (pictures) and voices (sound); on the other hand, Rudolf Arnheim’s more formalist approach insisted on the specificity of two “incompatible” languages (pictures / sound) in what he considered specific modes of artistic creation. This couple (voices/faces) suggests metaphors of marriage and separation: the article begins with absent bachelor voices reconstructed by visual means; it then deals with technical devices (playback…) and, above all, with the way divorces are organized between voices and faces, before it leads to the comedy of remarriage of voices with their visual counterparts. A short presentation of two antagonistic approaches in Casablanca and Pepe le Moko concludes the study.Cette étude de la voix au cinéma recoupe deux traditions de la théorie du septième art : d’une part, la conception d’André Bazin insiste sur le fait que le cinéma imprime et restitue une double trace des visages (image) et des voix (son) ; d’autre part, la tradition plus formaliste de Rudolf Arnheim affirme la spécificité – voire l’incompatibilité – des deux langages (image / son) dans la création artistique. Le couple voix-visages suggère une métaphore conjugale : l’article décrit d’abord l’absence de la voix reconstruite par la seule image ; puis les artifices techniques (playback…) et, surtout, les divorces (visage / voix) organisés en écriture, avant de célébrer les retrouvailles des visages et des voix… Deux exemples extrêmes (Casablanca et Pepe le Moko) illustrent les possibilités ouvertes par deux ontologies du cinéma (c’est justement ce concept qui fait problème ici) réputées incompatibles
Vertige de l'essai dans les autoportraits christiques de Fred Holland Day
Get PDFSummary After having fasted for weeks and gone through a real ordeal to acquire all the elements needed for an authentic Christic passion, Fred Holland Day started taking pictures of his starved body on the crucifix in july 1898. Which unattainable goal was he trying to reach in these 250 photographs ? We propose to analyse the different essays of his Christic self portraits —The Seven Last Words of Christ, Crucifixion, The Entombment, Resurrection from the Tomb— using the tactile micro analysis, a technique inspired by historian Carlo Ginsburg and art historian Aloïs Riegl, close to the participatory objectivation of Bronislaw Malinowski. This method consists in reading a photograph by starting from the photograph itself, analysing the conscious or unconscious issues at stake, and establishing a close connection between the production, the aesthetic research and the circles or professional networks the photographer belonged to. We will first consider how Fred Holland Day used the already existing Christic practice of self portraiture, and will then evoke the link with serial photography used at that time by other photographers like Edweard Muybridge. We will see Day’s efforts to transcent the limits of the genre by defending nudidy in photography. We will see his numerous references to classical sculptures (Laocoon), to German painting (Holbein) and romantic poetry (Keats). We will at last analyse how these Christic self portraits are deviated from their first objective when used in the numerous installations F. H. Day made for his exhibitions. They then acquire a new meaning and constitute a photographic trail defending free love and the beauty of the male body close to the ideals of his literary friends (Oscar Wilde). We will conclude by showing how these Christic self portraits which still receive many criticisms must paradoxically be considered as the swan song of pictorialism and, because of of these new aspects, as a mise en abyme of a revolutionary practice of photography.Résumé En juillet 1898, Fred Holland Day après avoir jeûné des semaines et traversé une véritable épreuve pour acquérir tous les composants d’une authentique passion christique expose son corps amaigri au martyr de la crucifixion. Quel insaisissable essaie-t-il d’atteindre en en faisant 250 clichés? Nous nous proposons d’analyser ses divers essais d’autoportraits christiques — The Seven Last Words of Christ, Crucifixion, The Entombment, Resurrection from the Tomb— en utilisant la micro analyse tactile inspirée de Carlo Ginsburg en histoire et d’Aloïs Riegl en histoire de l’art et proche de l’objectivation participante de Bronislaw Malinowski. Cette méthode consiste à procéder à une lecture de la photographie en partant de l’image elle-même, en recherchant les enjeux conscients et inconscients qui s’y développent, et en établissant des correspondances étroites avec la production, la recherche esthétique et les cercles ou réseaux professionnels dans lesquels le photographe s’insérait ou développait sa pratique. Nous verrons dès lors comment Fred Holland Day s’ancre dans la pratique de l’autoportrait christique et celle de la série photographique pratiquée à la même époque par d’autres photographes (Muybridge). Nous constaterons ses efforts pour franchir les limites du genre en défendant l’usage de la nudité en photographie par ses références nombreuses à la sculpture classique (Laocoon), à la peinture allemande (Holbein) et à la poésie romantique (Keats). Nous analyserons également comment ces essais christiques sont déviés de leur objectif premier en s’insérant dans les différentes installations que Fred Holland Day fit pour des expositions. Ils acquièrent alors un nouveau sens et constituent désormais un véritable parcours photographique défendant l’amour libre et la beauté du corps masculin proche des idéaux de ses amis lettrés (Oscar Wilde). Nous conclurons en montrant que ces autoportraits christiques qui continuent de susciter de multiples critiques sont à considérer paradoxalement comme le chant du cygne du pictorialisme et par ses aspects novateurs comme une mise en abyme d’une pratique photographique révolutionnaire. Summary After having fasted for weeks and gone through a real ordeal to acquire all the elements needed for an authentic Christic passion, Fred Holland Day started taking pictures of his starved body on the crucifix in july 1898. Which unattainable goal was he trying to reach in these 250 photographs ? We propose to analyse the different essays of his Christic self portraits —The Seven Last Words of Christ, Crucifixion, The Entombment, Resurrection from the Tomb— using the tactile micro analysis, a technique inspired by historian Carlo Ginsburg and art historian Aloïs Riegl, close to the participatory objectivation of Bronislaw Malinowski. This method consists in reading a photograph by starting from the photograph itself, analysing the conscious or unconscious issues at stake, and establishing a close connection between the production, the aesthetic research and the circles or professional networks the photographer belonged to. We will first consider how Fred Holland Day used the already existing Christic practice of self portraiture, and will then evoke the link with serial photography used at that time by other photographers like Edweard Muybridge. We will see Day’s efforts to transcent the limits of the genre by defending nudidy in photography. We will see his numerous references to classical sculptures (Laocoon), to German painting (Holbein) and romantic poetry (Keats). We will at last analyse how these Christic self portraits are deviated from their first objective when used in the numerous installations F. H. Day made for his exhibitions. They then acquire a new meaning and constitute a photographic trail defending free love and the beauty of the male body close to the ideals of his literary friends (Oscar Wilde). We will conclude by showing how these Christic self portraits which still receive many criticisms must paradoxically be considered as the swan song of pictorialism and, because of of these new aspects, as a mise en abyme of a revolutionary practice of photography
Claiming Antigone? The character as epistemological "différend" in Judith Butler's "Antigone's Claim" and Jacques Lacan's "The Ethics of Psychoanalysis".
Get PDFThis paper addresses both the points of contact manifested by the treatment of the character of Antigone in Jacques Lacan’s The Ethics of Psychoanalysis and Judith Butler’s essay Antigone’s Claim and the forms of the différend it generates. Antigone’s singular position « between life and death » gives way to radically different conceptual elaborations whose epistemological, ethical and political dimensions are explored. The character of Antigone furthermore proves to be a fecund site for the examination of her construction as image, speech, discourse or figure. The epistemological différend which emerges then opposing cultural theories of subjectivity and the psychoanalytical theory of the subject of desire finds in the literary text and the play of its letter as « character » one site of its insistence calling for its formulation to be constantly renewed
Qui est le subalterne de l’histoire indienne ? Ou comment le personnage participe d’une relecture historiographique dans The Glass Palace (2000) d’Amitav Ghosh
Get PDFA partir du roman d'Amitav Ghosh, The Glass Palace (2000), cet article montre comment une fiction contribue à la réévaluation de personnages au statut controversé au sein des courants historiographiques qui ont commenté la fin du raj britannique en 1947. En mettant sur le devant de la scène des soldats et sous-officiers indiens de l'Armée britannique des Indes confrontés au choix de l'enrôlement dans une armée de libération (la Indian National Army), le roman pose la question des différentes représentations de ces « subalternes » et leur donne accès à une prise de parole littéraire inédite, elle-même prise dans un contexte de réception tant académique que politique. Focusing on Amitav Ghosh's novel The Glass Palace (2000), this paper shows how fiction may partake of the reassessment of characters who have been the butt of much controversy among supporters of the various historiographic trends discussing the way the British Raj came to an end in 1947. As the novel chooses to put to the fore Indian soldiers and Indian noncommissionned officers who enrolled in the British Indian Army but are later confronted to the possibility of siding with a dissenting army (i.e. the Indian National Army), Amitav Ghosh questions the different ways of representing those "subalterns" by offering them an original literary stage and mode of address, which are undeniably framed by a both political and academic context.
(Uncle) Vanya de Howard Barker : le personnage dé-joué
Get PDF(Uncle) Vanya de Howard Barker : le personnage dé-joué (Uncle) Vanya théorise la notion de personnage selon un double processus de mise à distance : la distanciation spectaculaire entre monde représenté et monde réel y fait l'objet d'une mise en exergue métathéâtrale ; l'intertextualité de la récriture implique une distanciation par rapport à un personnage source et donc la mise en question de la nature même du personnage et des présupposés qui la définissent communément et tendent à confondre personnage et personne. Dans (Uncle) Vanya, la recherche d'une poétique du personnage s'articule à une exploration de sa théâtralité. Vanya participe du théâtre de la catastrophe barkérien en ce qu'il opère un renversement des idées reçues, subvertit un modèle source pré-existant mais aussi le dialogue dramatique qu'il déjoue dans une démarche qu'on pourrait qualifier de maïeutique. La notion de personnage serait donc liée chez Barker au concept de vérité, mais moins à sa vérité psychologique (comme personne) qu'à sa vérité discursive (comme « devenir-personnage ») ; aussi se théorise-t-elle comme spécifiquement théâtrale, le théâtre étant le lieu qui parvient à faire coexister le vrai et le faux non comme une contradiction mais comme un artifice, une instabilité tenue, où le discours fonctionne comme une imposture - « you imposter » (331), lance Chekhov à Vanya - permettant de reformuler la question du personnage : non plus comment le dire, mais comment le dé-dire, comment il se dé-dit, non plus comment le nommer, mais comment le dé-nommer, comment il se dé-nomme, entre récriture et désécriture. (Uncle) Vanya by Howard Barker : the unwritten persona (Uncle) Vanya re-theorizes the notion of character through two distanciation techniques: first, it highlights the alienation effect which characterizes any form of theatre through various metatheatrical devices; then, as rewriting implies some critical distance from the original Uncle Vanya in Chekhov's play, it questions the very notion of persona and its conventional definition as somewhat similar to "person". In (Uncle) Vanya, the exploration of a poetics of persona is articulated to an exploration of its theatricality. Vanya partakes to Barker's Theatre of Catastrophe as it subverts its own pre-existing model in Chekhov's Uncle Vanya as well as the dramatic dialogue of Barker's rewriting in a maieutic way. It then appears that in (Uncle) Vanya the notion of persona is related to the concept of truth - not psychological truth (the persona would then not be distinguished from a person) but discursive truth (the persona, to paraphrase Deleuze, would then be "becoming-persona"). The notion of persona is theorized as specifically theatrical, as theatre is the place where truth and falseness coexist, not as opposites but as artifice, as irresolute yet efficient instability, where discourse is able to function as imposture - "you imposter" (331), Chekhov tells Vanya -, which allows a reformulation of the question of persona: the persona is no longer defined as a character who is spoken, but unspoken, who is no longer defined by a name, but de-nominated in a perpetual tension between rewriting and unwriting.
Signer Bartleby : le devenir-personnage de la philosophie
Get PDFCet article traite des rapports que la philosophie entretient avec la littérature à partir d'un exemple : la lecture que Gilles Deleuze fait de « Bartleby » — et, en même temps, de Bartleby. Il examine les démêlés de la philosophie avec le concept de personnage (et, singulièrement, de personnage principal) dans l'usage même de la notion, introduite par Deleuze et Guattari, de personnage conceptuel. Il suggère que le concept de personnage est l'un des éléments qui retient l'approche deleuzienne (et la critique en général) de se tourner vers l'impensé de la création littéraire, illustré par l'énigmatique agencement énonciatif de la nouvelle de Melville. Based on the singular example of Deleuze's reading of “Bartleby” — or, rather, Bartleby — this paper deals with philosophy's complex relationship to literature. It focuses on the problematic use of the concept of character at the heart of Deleuze and Guattari's notion of conceptual character (personnage conceptuel), suggesting that it is a theoretical blind spot diverting Deleuze's reading from the issue of literary creation which the story's particular enunciative frame points to