Revues électroniques université Paris Ouest Nanterre La Défense
Not a member yet
365 research outputs found
Sort by
“The delicate threads of romance” : communauté affective américaine et romance dans l’œuvre de Chimamanda Ngozi Adichie
Get PDFThis paper focuses on the influence of romance on Chimamanda Ngozi Adichie's novel Americanah (2013) and short story collection The Thing Around Your Neck (2009). We posit that it is the common nature of the genre as a hypothetical foundation for a feminine and popular culture which allows Adichie to interrogate the fractures of American society at the beginning of the twenty-first century. In several ways, the author reexamines romance as a "commonplace" and questions the limits of the union it implies. First, she probes the ability of this fictional genre to repair the cracks in the American national community through the portrayal of interracial love affairs that do not transcend social hierarchies. She challenges the "feminine" commonality that would naturally emerge from the text, in a relationship of irenic concord and pleasure transmitted to an ideal reader. By insisting on the disunions and misunderstandings of the relationships she depicts, the disjunction between Ifemelu's experience and the romantic matrix in which it is inscribed, she also examines "commonplaces" understood as banalities, those which suggest that love is blind or that one should love one’s country. By treating these clichés in a literal way, she endows them with a polemical charge. What happens to a passion that truly suffers from blindness? What if the country to which we devote our affection does not love us in return?
Keywords : romance, feminism, affect, marriage, immigration, race, nation, genderCet article s’intéresse à l’influence du genre de la romance sur le roman Americanah (2013) et le recueil de nouvelles The Thing Around Your Neck (2009) de Chimamanda Ngozi Adichie. Nous postulons que c’est la nature commune du genre comme fondement hypothétique d’une culture féminine et « populaire » qui permet à Adichie de questionner les fractures de la société américaine au début du vingt-et-unième siècle. C'est à plusieurs titres que l’autrice réexamine la romance comme « lieu commun » et interroge les limites de l'union qu'il suppose. Elle sonde tout d'abord la faculté dont disposerait ce genre fictionnel à réparer les fissures de la communauté nationale états-unienne par le portrait d'amours interraciales qui ne transcendent pas les hiérarchies sociales. Elle remet en cause le commun « féminin » qui émergerait naturellement du texte, dans un rapport de concorde irénique et de plaisir transmis à une lectrice idéale. En insistant sur les désunions et les mésententes des relations qu'elle dépeint, la disjonction entre l'expérience d'Ifemelu et la matrice romantique dans laquelle elle s'inscrit, elle examine aussi le « lieu commun » compris comme banalité, celui qui voudrait que l'amour soit aveugle ou celui qui supposerait que l'on aime son pays. En traitant ces poncifs de manière littérale, elle leur confère une charge polémique. Que devient une passion qui souffre véritablement de cécité ? Que faire si le pays auquel l'on voue notre affection ne nous aime pas en retour ?
Mots-clés : romance, féminisme, affect, mariage, immigration, race, nation, genr
Éthique de l'ordinaire : la philosophie du langage ordinaire au prisme de The Salt Path de Raynor Winn
Get PDFThis article puts into dialogue various theoretical texts characteristic of Ordinary Language Philosophy (OLP) and a contemporary, largely autobiographical narrative that relates a journey on foot, at the level of other hikers, natural elements and other ordinary actants of a degraded social environment. It seeks to show how literary narrative engages attention to the ordinary and sharpens readers' perceptions. Based on a reading of Wittgenstein, Diamond, Murdoch, Moi, Lovibond, but also Le Blanc, Pelluchon, Laugier, Ferrarese, or Citton and Morizot, it proposes to look at the modalities of attention to the invisible, then to the visible, in order to identify the emergence of a particularist ethics that sets out to define what is right by starting to determine what counts, what is important, in other words what matters.
Keywords: attention – inquiry – ethics – importance – invisible – OLP – ordinary – perception – visible – what mattersCet article met en dialogue divers textes théoriques relevant de la philosophie du langage ordinaire et un récit contemporain, largement autobiographique, qui relate un voyage à pied, à hauteur des autres randonneurs, des éléments naturels et autres actants ordinaires d’un environnement social dégradé. Il s’attache à montrer combien le récit littéraire sollicite l’attention à l’ordinaire et aiguise les perceptions des lecteurs. Se fondant sur une lecture de Wittgenstein, Diamond, Murdoch, Moi, Lovibond, mais aussi Le Blanc, Pelluchon, Laugier, Ferrarese, ou encore Citton et Morizot, il propose de s’intéresser aux modalités de l’attention à l’invisible, puis au visible, afin de cerner l’émergence d’une éthique particulariste qui s’attache à définir le juste en commençant par déterminer ce qui compte, ce qui est important, en d’autres termes, what matters.
Mots-clés : attention – enquête – éthique – importance – invisible – OLP – ordinaire – perception – visible – what matter
Disappearing in Plain Sight: James Agee, Walker Evans and the Urban Commonplace
Get PDFThis paper attempts to provide a transdisciplinary outlook on the questions of common spaces and the commonplace, through the works of a photographer, Walker Evans, and a writer, James Agee. In 1939, these two artists worked on separate documentary projects depicting different aspects of New York City: Evans’s portraits, captured in the subway using a concealed camera, are published in the photobook Many Are Called, while Agee’s essay about Brooklyn, adapted from a rejected Fortune magazine manuscript, was later turned into a book entitled Brooklyn Is. Better known for their collaboration on the documentary book Let Us Now Praise Famous Men, the writer and the photographer aim at recentering the documentary genre and the viewer’s gaze not on the extraordinary or the newsworthy, but on the commonplace and the ordinary, redefining the limits of the visible and the invisible in the process. Their emphasis on the everyday steers the documentary genre away from its original aims of social reform and help redefine it as a genre that concerns itself with acknowledging what deserves to be visible. Cet article propose un point de vue transdisciplinaire sur la question des lieux communs, à travers les travaux d’un photographe, Walker Evans, et d’un écrivain, James Agee. En 1939, ces deux artistes ont travaillé sur des projets individuels mettant en valeur divers aspects de la ville de New York: les portraits d’Evans, réalisés dans le métro à l’aide d’un objectif dissimulé, sont publiés dans le livre photographique Many Are Called, tandis que l’essai d’Agee sur Brooklyn adapté d’un manuscrit refusé par le magazine Fortune, devient un court livre intitulé Brooklyn Is. Plus connus pour leur collaboration sur l'ouvrage documentaire Let Us Now Praise Famous Men (1941), l’écrivain et le photographe semblent animés d’une volonté commune de recentrer le genre documentaire non pas sur l’extraordinaire ou sur l’actualité, mais sur l’ordinaire et sur le quotidien. Ce faisant, ils bouleversent les hiérarchies établies entre le visible et l'invisible, et l’attention particulière qu’ils portent à l’ordinaire contribue à écarter le documentaire de ses objectifs habituels. Loin d’un genre destiné à convaincre son lecteur de la nécessité de réformes sociales, il devient alors le lieu d’une interrogation, profondément politique sans être toutefois partisane, sur le visible et sur la reconnaissance de formes de vie singulières
Penser l’être-avec : hôtes et parasites dans la fiction d’Ali Smith
Get PDFWhile Ali Smith’s entire œuvre conducts a reflection on “our communal existence” (Smith), this article proposes to examine the prominent role it gives to the parasite, a figure that offers a complex approach to what Jean-Luc Nancy calls our “being-with”. Contrary to the mere visitor, the parasite involves the notion of a wrong that challenges an entirely peaceful conception of sharing. As she revisits the topos (mainly in The Accidental and There but for the) Smith foregrounds the “interruption” that the parasite produces – a key notion in Michel Serres’s analysis of the parasite as well as in the reflection on community developed by Jean-Luc Nancy and Jacques Rancière. In a way, the parasite underscores the “tension between what is shared and what is impossible to share” (Rancière) always present in the “in-common”. An “accident” or an agent that interrupts relations, the parasite also sheds light on the permanent basis of these relations – on what is already there, even if one keeps forgetting it. Place thus becomes a starting point to think the “in-common”. In Smith’s text, this place is not just a house or a dinner-table, it is the habitat made up of words where Smith’s characters live side by side. More than a simple character, the parasite becomes a figure of the text: it is to be found in an overall form that can be called hospitable and unleashes itself as a force that potentially undoes and renews at every step the sharing of meaning.Si toute l’œuvre d’Ali Smith constitue une pensée du commun, il s’agit dans cet article d’examiner le statut privilégié que l’écrivaine donne au parasite, figure qui interroge de façon complexe ce que Jean-Luc Nancy nomme l’« être-avec ». Contrairement au simple visiteur, le parasite véhicule avec lui la notion d’un tort ou d’un abus qui bouscule toute conception entièrement pacifique du partage. Dans sa réécriture du topos (principalement dans The Accidental and There but for the) Smith met en avant la fonction d’interruption du parasite, interruption qui se retrouve au premier plan dans les analyses de Michel Serres, mais aussi dans la réflexion sur le commun et la communauté que mènent Jean-Luc Nancy ou Jacques Rancière. D’une certaine façon le parasite souligne ce qui, dans le commun, est toujours « rapport tendu […] entre du partagé et de l’impartageable » (Rancière). Alors même qu’il est l’accident ou l’agent interrupteur, le parasite fait surgir le fond de la relation – ce qui est déjà là, en partage, quand bien même on ne cesse de l’oublier. Le lieu se donne alors comme point de départ pour penser l’en-commun. Chez Smith, ce lieu n’est pas simplement la maison ou la table du repas, il est le bain d’une langue dans lequel chacun est immergé au même titre. Plus qu’un simple personnage, le parasite devient une figure du texte : il se loge dans une forme que l’on peut dire hospitalière et se déchaîne comme une force qui défait et renouvelle potentiellement à chaque instant le partage du sens
L' Invention du lieu commun : l'écriture des banlieues dans les nouvelles de John Cheever
Get PDFCet article s’intéresse aux modalités d’écriture de l’un des lieux communs les plus diffus du paysage géographique et culturel nord-américain : les banlieues résidentielles. Si elles ne suscitaient jusqu’alors guère plus que l’indifférence ou le mépris, les banlieues deviennent, sous la plume de John Cheever, un lieu de la littérature nord-américaine des années 1950. Partant de la force de rassemblement que l’ancienne rhétorique prêtait au lieu commun, l’article interroge les modes de mise en discours d’un espace qu’inattentions et lectures collectives du réel tendent à réduire à une vaste évidence partagée. Ainsi, l’analyse s’attachera d’abord à définir un discours collectif qui enferme l’espace dans une proximité prévenant le jaillissement de toute forme de saillance. L’étude du descriptif interrogera ensuite les hésitations d’une écriture confrontée à un espace où il n’y aurait, selon la formule récurrente des personnages, « rien à voir ». Enfin, la discrète force poétique des banlieues sera mise au jour : en dérangeant les lieux communs qui saturent le discours des banlieues, l’écriture vise moins la critique du modèle qu’elle n’en invente les modes d’espacement
Ethan Frome et la Nouvelle-Angleterre : écriture du lieu commun
Get PDFMaking a stand against the allegedly superficial local color tradition, Edith Wharton's Ethan Frome (1911) aims at confronting the harshness of New England rural life. By appropriating a set of topoi, the narrative seemingly takes up, and subverts, the hackneyed regionalist tradition. In the guise of a New England tale, it questions the region's ability to give shape to a common space and configurate a community defined by human relations rather than submission to a common law. Relying on Jacques Rancière's study of the common, this essay examines how the narrative investigates the common to bring out the uncommon and unshared that is inherent in it. It argues that by articulating a naturalist perspective with modernist strategies, Ethan Frome nonetheless reconfigures the place to make it the site of a new community. The narrative thus reshapes the region and articulates it with the nation’s « imagined community » (B. Anderson), while defining beyond a dialogical common space – simultaneously narrative, poetic and pictural – that gives shape to a transnational aesthetic community.Avec Ethan Frome (1911), Edith Wharton veut combler les lacunes de la tradition de la couleur locale en se confrontant aux rudesses de la vie rurale de Nouvelle-Angleterre. Par le détournement d’un corpus de lieux communs, le récit vient se placer sur le terrain même d’une tradition régionaliste désormais désuète pour interroger la capacité de la région à se constituer en espace commun, c'est-à-dire à configurer une communauté qui soit de l'ordre du lien et non de la soumission à une loi commune. Prenant appui sur les travaux de Jacques Rancière, l'article montre comment Ethan Frome vient se situer au cœur même du commun pour dégager la part de non-commun et de non-partagé qui lui est inhérente. En articulant une perspective naturaliste avec des stratégies modernistes, l’écriture cependant reconfigure le lieu pour donner corps à une nouvelle forme de communauté. Le récit fait ainsi jouer les contours de la région et l’articule avec cette « communauté imaginée » (B. Anderson) qu'est la nation, tout en créant au-delà un nouvel espace commun, espace dialogique simultanément narratif, poétique et pictural où se fonde une communauté esthétique d’envergure transnationale
Des œuvres contextuelles pour réfléchir le (lieu) commun
Get PDFÀ travers l'étude de deux œuvres contemporaines, une lecture performée du poète Charles Pennequin et un « conte-documentaire » de l'artiste Till Roeskens, cet article analyse des pratiques contextuelles qui annexent la réalité, à la lumière des théories sur l'art de Paul Ardenne. Les œuvres étudiées sont issues de l'expérience d'un lieu public qui est leur objet et duquel elles tirent leur forme. Prenant place dans l'espace de la communauté, elles portent une ouverture sociale et politique. Mais cette dimension contextuelle transforme aussi les pratiques artistiques en accordant de la valeur à l'expérience, ce qui se traduit par une intensification de la relation et de l'attention devant la production d’un artefact artistique. Ainsi, au-delà des différences entre les champs créatifs de ces deux auteurs, il s'agit d'observer des pratiques de création dans leur lieu d'émergence et dans leur rapport à l'espace public, afin d'interroger la manière dont la question d'un “en commun” y est appréhendée et dont l'ethos de l'artiste y est engagé à travers une conduite créatrice ou une “poïéthique” qui s'impose comme forme de vie
Les Apories de la référentialité dans Orlando: A Biography de Virginia Woolf
Get PDFOrlando: A Biography was published in 1928, in the midst of intense debates regarding the referentiality of painting and photography. As such, it remains Virginia Woolf's most elaborate exploration of the ability of these different types of languages to represent life. In this mytho-poetic or fictional biography of Vita Sackville-West, she tried to capture the spirit of her friend in a text that is as heterogenous as the illustrations that were carefully chosen to accompany it. Woolf was both trying to revolutionise the genre of biography and to pay homage to her friend: the result is a mixture of parody and satire that undermines the photographer's, the painter's and the biographer's claims to veracity. Indeed the images (be they photographs of Vita or historical portraits of her ancestors) very rarely match their legends just as they very rarely bring any light upon the text they most often fail to “illustrate”. Woolf explores such notions as mimesis and invention, creativity and duplication only to show the fundamental instability of signs. Woolf challenges the reader's assumptions about representation in a bold, inventive text that is only superficially light: deep down she tries to educate our eyes and our minds to read and decipher signs beyond their obvious meaning. Her modernist text teaches us that vacillating between the feminine and the masculine and between different arts (as her heroine does) may well be the only means to fully grasp her text and the world around us.Paru en 1928 dans le contexte particulièrement riche de l'émulation entre les arts anciens et les arts nouveaux, à savoir la peinture et la photographie, l'iconotexte qu’est Orlando: A Biography est la tentative sinon la plus aboutie, du moins la plus complexe et la plus sophistiquée de Virginia Woolf pour penser la question de la référentialité de manière globale. Cette mytho-biographie ou biographie fictionnelle de son amie Vita Sackville-West associe texte foisonnant et « illustrations », dans une tentative plurielle et hétérogène de saisir la vie de Vita sur le vif. Cet article retrace les conditions dans lesquelles l'œuvre fut écrite, montrant à quel point le projet initial associait intimement représentation picturale, photographique et linguistique. Biographie ludique, Orlando fut aussi le creuset de la théorie de la Nouvelle Biographie que Woolf édifia en même temps, donc texte sérieux s'il en est. Pourtant ce sont bien la satire et la parodie qui président aux relations entre texte et image : les liens entre les images proposées et les légendes qui leur sont associées, ou le texte qu'elles sont censées « illustrer », relèvent le plus souvent du hiatus. L'iconotexte joue sur les notions de mimétisme et d'invention, de ressemblance et de dissemblance pour imposer finalement un régime de référentialité où l'instabilité, l'hybridité et la fragmentation sont reines, inscrivant en cela Orlando à l'avant-garde du modernisme. Le questionnement sur la référentialité se fait ici prolongement de réflexions ontologiques sur les genres (littéraire et sexuel) qui s'expriment en termes de vacillation
Ab ovo or in medias res? Rewriting History for the Early Modern Stage Or, How Elizabethan History Plays Collapsed Referentiality
Get PDFShakespeare’s representations of history often have replaced history itself in the popular imagination: Julius Caesar, Margaret of Anjou, Henry V, Richard III — popular recollections of their lives and deaths are intimately linked with Shakespeare’s account of their stories, despite the playwright’s deviations from historical fact. In order to “make” history through the power of words, as suggested by the Prologue of Henry V, Elizabethan history plays continuously altered history, deviating both from historical facts and classical rules of dramatic writing. This contribution will discuss the several referential crises created and embodied by Elizabethan history plays, showing how the flaunting of mimetic rules inherited from Aristotle, and from the rules of historiographic writing, allowed Shakespeare and his contemporaries to rival and challenge God’s Creation — much to the dismay of Puritan antitheatricalists. Elizabethan history plays made and unmade history, providing competing accounts of the past, using anachronism to express their nostalgia for a past which, despite its ability to relive on stage, remains but an “airy nothing”.Les représentations de l’histoire par Shakespeare ont souvent remplacé l’histoire elle-même dans l’imagination populaire : Jules César, Marguerite d'Anjou, Henri V, Richard III… Les souvenirs les plus connus de leur vie et mort sont intimement liés aux récits de Shakespeare, malgré ses déviations par rapport aux faits historiques. Afin de « faire » l’histoire par le truchement des mots, comme le suggère le Prologue de Henry V, les « Histories » élisabéthaines se plaisent à continuellement modifier l’histoire, s’écartant des faits historiques et des règles classiques de l’écriture dramatique. Cette contribution traitera des différentes crises référentielles créées et incarnées par les pièces historiques élisabéthaines, montrant comment l’application des règles mimétiques héritées d’Aristote et des règles de l’écriture historiographique ont permis à Shakespeare et à ses contemporains de concurrencer la Création divine, au grand dam des puritains théâtrophobes. Les pièces historiques élisabéthaines font et défont l'histoire, fournissant des récits concurrents du passé, utilisant l’anachronisme pour exprimer une nostalgie pour un passé qui, même lorsqu’il revit sur scène, demeure un « néant aérien »
Retour au poème ? Écritures modernistes et référentialité
Get PDFThis article examines the way modernist poets have questioned the relation between the poem and its supposed referent. By producing their own referent and freeing language and the poem itself from the necessity to signify from some « outside », thus making sense out of their internal linguistic relationships, some of the texts written in the early 20th century lead us to ponder upon the asymetrical interaction between the literary work and the world of reference in which it seems to be grounded. Starting from a reflection on the status of the written sign as it was defined by Saussure and somehow reconsidered by modernist poets, this article seeks to address the question of the autonomy of the poem. Relying on close readings (Ezra Pound, Marianne Moore), it aims to show how the poem builds its own referent in lieu of the object, which is always already erased by the sign.Cet article s’intéresse à la manière dont certains poètes modernistes ont permis de remettre en question le lien entre poème et référent. En se donnant à eux-mêmes leur propre référent, en émancipant la langue et le poème d’une nécessité de signifier à partir de leur « dehors », en faisant émerger le sens non plus seulement à partir du lien entre signe et référent, mais des liens entre les signes, ces textes nous invitent à envisager la relation asymétrique entre l’œuvre littéraire et l’univers référentiel dans lequel celle-ci semble s’inscrire. A partir d’une réflexion sur le statut du signe écrit tel que l’a défini Ferdinand de Saussure et tel qu’il a pu être repensé, au début du 20eme siècle, grâce aux poètes, il s’agit de voir en quoi le poème peut être dit autonome. En s’appuyant sur quelques micro-lectures (Ezra Pound, Marianne Moore) l’article tente de montrer comment le poème élabore son propre référent « au lieu » d’un objet toujours déjà effacé par le signe