Portal de Periódicos UDESC (Universidade do Estado de Santa Catarina)
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Escuta aí: considerações sobre o lugar da escuta na arte
Full text linkIn this text, we intend to reflect on the term “listening” in the field of art, bringing together and putting into dialogue four distinct, non-exclusive perspectives. The first addresses the limits between the arts, highlighting their mobility, according to Pareyson and authors linked to comparative aesthetics (Souriau, Bosseur, Dénizeau, Freitas). The second brings the notion of “synesthesia”, from the perspective of science (Bergantini, Sacks) and phenomenology (Merleau-Ponty, Caznok) and how it can apply to the artistic context, especially in the relationships between hearing and vision. Next, we focus on the meaning of “image”, as a common denominator of varied sensory experiences, based mainly on Iazzetta. Finally, the particularities in Szendy’s understanding of listening, such as “writing” and “arrangement”, are exposed. These perspectives – which call upon different concepts and meanings – complement each other in the hope of reinforcing a broader understanding of listening and, who knows, fostering new research and artistic creations.Dans ce texte, nous entendons réfléchir au terme « écoute » dans le champ de l’art, en réunissant et en faisant dialoguer quatre perspectives distinctes et non exclusives. La première aborde les limites entre les arts, mettant en avant leur mobilité, selon Pareyson et des auteurs liés à l'esthétique comparée (Souriau, Bosseur, Dénizeau, Freitas). La seconde amène la notion de « synesthésie », du point de vue de la science (Bergantini, Sacks) et de la phénoménologie (Merleau-Ponty, Caznok) et comment elle peut s'appliquer au contexte artistique, notamment dans les relations entre audition et vision. Ensuite, nous nous concentrons sur la signification de « l’image », comme dénominateur commun d’expériences sensorielles variées, basées principalement sur Iazzetta. Enfin, les particularités de la compréhension de Szendy de l’écoute, telles que « l’écriture » et « l’arrangement », sont exposées. Ces perspectives – qui font appel à des concepts et des significations différentes – se complètent dans l’espoir de renforcer une compréhension plus large de l’écoute et, qui sait, de favoriser de nouvelles recherches et créations artistiques.Neste texto, pretende-se refletir sobre o termo “escuta” no domínio da arte, reunindo e colocando em diálogo quatro perspectivas distintas não excludentes. A primeira aborda os limites entre as artes, sublinhando sua mobilidade, de acordo com Pareyson e autores ligados à estética comparada (Souriau, Bosseur, Dénizeau, Freitas). A segunda traz a noção de “sinestesia”, pelo viés da ciência (Bergantini, Sacks) e da fenomenologia (Merleau-Ponty, Caznok) e como esta pode se aplicar ao contexto artístico, em especial nas relações entre audição e visão. Em seguida, enfoca-se uma acepção de “imagem”, como denominador comum de variadas experiências sensoriais, baseado sobretudo em Iazzetta. Por fim, expõe-se as particularidades no entendimento de escuta de Szendy, como “escrita” e “arranjo”. Estas perspectivas – que convocam diferentes conceitos e acepções – complementam-se na expectativa de enfatizar uma compreensão ampliada de escuta e, quem sabe, fomentar novas pesquisas e criações artísticas
Em direção ao ruído: loop de desaparecimentos ao rés do corpo
Full text linkThis article is dedicated to an analysis of the album Isto (2019), a work by Cildo Meireles performed with the voice of Íris Lettieri. Just as in Isto the artist used a loop to bring together, sonically and subtly, both sides of the record, the writing of this article is done in a loop, not structured in subchapters or parts, but in a continuous flow, presenting the context of the creation of the work and then immediately dedicating itself to listening to the work crossed by theoretical aspects that overlap and transpose, such as the height of the speaker’s voice in Isto. The article includes interviews given by Cildo Meireles to the author and, based on the artist’s interest in Topology, articulates investigations into high dimensions with the notion of loop. It thus proposes the sonorous as a possibility of a perceptual dimension in the arts in which listening takes place in the body as a whole through poetry.Este artículo está dedicado al análisis del disco Isto (2019), obra de Cildo Meireles interpretada con la voz de Íris Lettieri. Del mismo modo que en Isto el artista recurrió al bucle para unir sonora y sutilmente las dos caras del disco, la escritura de este artículo se realiza en bucle, no estructurada en subcapítulos o partes, sino en un flujo continuo, presentando el contexto de creación de la obra para, a continuación, dedicarse inmediatamente a la escucha de la obra atravesada por aspectos teóricos que se superponen y transponen, como la altura de la voz del locutor en Isto. El artículo incluye entrevistas concedidas por Cildo Meireles al autor y, a partir del interés del artista por la topología, articula las investigaciones sobre las altas dimensiones con la noción de bucle. Propone así lo sonoro como una posible dimensión perceptiva en las artes en la que la escucha tiene lugar en el cuerpo como un todo a través de la poesía.Este artigo se dedica a uma análise do disco Isto (2019), obra de Cildo Meireles realizada com a voz da locutora Íris Lettieri. Assim como em Isto o artista recorreu ao loop para reunir, sonoramente e sutilmente, ambos os lados do disco, a escrita deste artigo se faz em loop, não sendo estruturada em subcapítulos ou em partes, mas propondo-se em um fluxo contínuo, apresentando o contexto de criação da obra para, imediatamente em seguida, se dedicar a uma escuta da obra atravessada por aspectos teóricos que se sobrepõem e se transpõem como a altura da voz da locutora em Isto. O artigo conta com entrevistas concedidas por Cildo Meireles à autora e, partir do interesse do artista em topologia, articula investigações sobre dimensões altas com a noção de loop. Propõe, assim, o sonoro como uma possibilidade de dimensão perceptiva nas artes na qual a escuta se dá no corpo como um todo através da poesia
Monstera: folha verde, folha de (a) notar ondas sonoras
Full text linkThe text interweaves the author's personal experience with the Monstera plant (commonly known as the Swiss Cheese Plant) with Donna Haraway's concept of "making kin," searching to think about the interdependence between humans and other species.The author describes the process of creating her musical album "Monstera," using the plant as a starting point for sonic experimentation. This process goes beyond a literal translation between plant and subject, trought "a language of the sensible." The author seeks to rethink an anthropocentric worldview, establishing a horizontal relationship of care with other life forms. The text presents itself as an autobiographical account interwoven with discussions of contemporary theories about the Anthropocene and the role of art in constructing new ways of thinking and acting in the world. Through her musical experience and her relationship with the plant, the author invites us to reconsider our relationship with the natural world and seek new forms of coexistence.
Le présent texte articule l’expérience personnelle de l’auteur avec la plante Monstera avec le concept de “making kin” de Donna Haraway, et cherche à réfléchir sur l’interdépendance entre les humains et les autres espèces. L’au-teur décrit le processus de création de son album musical “Monstera”, con-sidérant la plante comme un point de départ pour l’expérimentation sonore. Ce processus se déroulerait au-delà d’une traduction littérale entre plante et sujet, se connectant à “un langage du sensible”. À travers l’expérience du jardinage de la Monstera et la lecture de Haraway, l’autrice cherche à rep-enser une vision anthropocentrique, en établissant une relation horizontale et de soin avec d’autres formes de vie. Le texte se configure comme un récit autobiographique qui s’entrelace avec la discussion des théories contempo-raines sur l’anthropocène et le rôle de l’art dans la construction de nouvelles manières de penser et d’agir dans le monde. L’auteur, à travers sa expérien-ce musicale et sa relation avec la plan-te, nous invite à repenser notre relation avec le monde naturel et à rechercher de nouvelles formes de coexistence.
Le présent texte articule l'expérience personnelle de l'auteur avec la plante Monstera avec le concept de "making kin" de Donna Haraway, et cherche à réfléchir sur l'interdépendance entre les humains et les autres espèces. L'auteur décrit le processus de création de son album musical "Monstera", considérant la plante comme un point de départ pour l'expérimentation sonore. Ce processus se déroulerait au-delà d'une traduction littérale entre plante et sujet, se connectant à "un langage du sensible". À travers l'expérience du jardinage de la Monstera et la lecture de Haraway, l'autrice cherche à repenser une vision anthropocentrique, en établissant une relation horizontale et de soin avec d'autres formes de vie. Le texte se configure comme un récit autobiographique qui s'entrelace avec la discussion des théories contemporaines sur l'anthropocène et le rôle de l'art dans la construction de nouvelles manières de penser et d'agir dans le monde. L'auteur, à travers sa expérience musicale et sa relation avec la plante, nous invite à repenser notre relation avec le monde naturel et à rechercher de nouvelles formes de coexistence.O presente texto articula a experiência pessoal da autora com a planta Monstera (popularmente conhecida como Costela de Adão) com o conceito de "fazer parentes" de Donna Haraway, e busca pensar a interdependência entre humanos e outras espécies. A autora descreve o processo de criação do seu álbum musical "Monstera", considerando a planta como um ponto de partida para a experimentação sonora. Tal processo se daria para além de uma tradução literal entre planta e sujeito, conectando-se com “uma linguagem do sensível”. Através da experiência com o cultivo da Monstera e da leitura de Haraway, a autora busca repensar uma visão antropocêntrica, ao estabelecer uma relação horizontal e de cuidado com outras formas de vida. O texto se configura como um relato autobiográfico que se entrelaça com a discussão de teorias contemporâneas sobre o antropoceno e o papel da arte na construção de novas formas de pensar e agir no mundo. A autora, através da sua experiência musical e da sua relação com a planta, nos convida a repensar nossa relação com o mundo natural e a buscar novas formas de coexistência
Análise morfológica do panejamento de Veiga Valle: um estudo de caso
Full text linkOne of the central issues of baroque artistic lies in the morphological complexity of its devotional sculptures (Lefftz, 2002; 2006). Historically, both the artistic and cultural representativity of the Baroque in Brazil has been monopolized by artists based on the hegemonic axis of northeast-southeastern research. From the Cidade de Goiás, the sacred imagery of José Joaquim da Veiga Valle (1896-1874) stands out. His singularity is revealing of his stylistic heterogeneity, boasting marked baroque codification in the manner in which not only draping is fashioned but also in the sculptural gestures and the movement of the clothing (Salgueiro, 1983). This article explores the morphological configurations of the image of Our Lady of Conception, in the Babilônia Farm Chapel, located in the rural zone of Pirenópolis (GO), drawing on the typologies proposed by Lefftz. Bibliographical research was used in addition to the in loco investigation of the Inventário de Bens Móveis e Integrados of the 14th Regional Superintendence of the Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional of Goiás (IBMI/IPHAN/GO), by taking photographs. We consider this analysis relevant to complement the formal and stylistic descriptions of religious images, because it can contribute to the epistemological field of investigations around sacred imagery. Therefore, the study of the configurations theorized by Lefftz offers valuable clues about the origin and evolution of the artistic styles of Veiga Valle's works, which is articulated as a symbol of the heritage, artistic and cultural relevance of Goiás.Une des questions centrales de l’art barroque s’installe dans la complexité morphologique des sculptures dévotionelles (Lefftz, 2002; 2006). Historiquement, la representativité artístique-culturelle autour du Barroque au Brésil met l’accent sur les artistes situés aux centres hegemoniques associés à la production du patrimoine culturel, notamment de l’axe de recherche nord-est et sud-est. Dans la ville brésilienne de Cidade de Goiás se font remarquer les sculptures sacres de José Joaquim da Veiga Valle (1896-1874), dont la singularité est due à son hétérogénéité stilystique douée d’une marquante codification barroque à la fois chez le drapage, chez les gestes sculpturaux et chez le mouvement des vêtements (Salgueiro, 1983). Cette étude porte sur les configurations morphologiques chez le drapage de l’image de Notre Dame de la Conception, abritée dans la Chapelle de la Ferme Babilônia, située dans la zone rurale de Pirenópolis (GO). La méthodologie adoptée ici s’oriente par les typologies conçues par Lefftz. La recherche était de nature bibliographique, et s’utilise de la verification in loco de l’ Inventário de Bens Móveis e Integrados da 14a Superintendência Regional do Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional de Goiás (IBMI/IPHAN/GO), et des registres photographiques. Cette analyse est pertinente pour la complementation des descriptions formelles et stylistiques, car elle peut contribuer au champ epistemologique des recherches autour des images sacres. Donc, l’étude des configurations théorisées par Lefftz nous accorde des indices valables sur l’origine et l’évolution des styles artistiques de l’ensemble de l’oeuvre de Veiga Valle, un symbole patrimonial, artíistique et culturel de Goiás.Uma das questões centrais da arte barroca reside na complexidade morfológica das suas esculturas devocionais (Lefftz, 2002; 2006). Historicamente, a representatividade artístico-cultural sobre o Barroco no Brasil privilegia artistas oriundos dos centros hegemônicos da produção do patrimônio cultural, notadamente do eixo de pesquisa nordeste-sudeste. Da Cidade de Goiás, projetaram-se as esculturas sacras de José Joaquim da Veiga Valle (1896-1874), cuja singularidade morfológica reside na sua heterogeneidade estilística, com marcante codificação barroca não só nos drapeados, mas também, nos gestos escultóricos e no movimento das vestes (Salgueiro, 1983). Nossa pesquisa investiga as configurações morfológicas no panejamento da imagem de Nossa Senhora da Conceição, abrigada na Capela da Fazenda Babilônia, situada na zona rural de Pirenópolis (GO). A metodologia aplicada para este estudo se orientou pelas tipologias propostas por Lefftz. Recorreu-se à pesquisa bibliográfica, à investigação in loco do Inventário de Bens Móveis e Integrados da 14a Superintendência Regional do Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional de Goiás (IBMI/IPHAN/GO) e à realização de registros fotográficos. Consideramos relevante esta análise para a complementação de descrições formais e estilísticas, uma vez que ela pode contribuir para o campo epistemológico das investigações em torno da imaginária sacra. Portanto, o estudo das configurações teorizadas por Lefftz oferece rastros valiosos sobre a origem e a evolução dos estilos artísticos do conjunto de obras de Veiga Valle, que se articula como um símbolo de relevância patrimonial, artística e cultural de Goiás
Tradição e contradição: ensaio sobre as tenacidades da beleza
Full text linkThe biography of beauty goes to a long road, which we decided to reconstruct from the point of view of Western historicity and epistemology (theory of knowledge). It was born in the pre-Socratics, with notions that link beauty to (im)permanence. Its most loquacious record appears for the first time in Plato (2021) and, diverging or complementing his master, in Aristotle (2008). Since then, based on the central concept of Logos, we can see that beauty is inextricably linked to the idea of abstraction, purity, divinity. In the Renaissances (Italian and Nordic), beauty shows in a clearer way that oppositions cannot actually survive at its core, as it approached the absolute. The Baroque, resuming medieval powers, reinserts darkness and ugliness to highlight the beautiful (Caetano, 2024b). Romanticism takes up Aristotle and brings him back, based on Kant (1998), taking a “logic of beauty” (Baumgarten, 2007), which, however, needs to be communicated to all people. Whatever it may be, beauty, in its most obvious manifestation, which is art, precedes the need to contextualize the human being in its historical, cultural and anthropological spheres, as demonstrated by the Psychoanalyses of Freud (2011) and Jung (2011a, 2011b).Die Biographie der Schönheit hat einen langen Weg zurück, den wir aus der Sicht westlicher Geschichtlichkeit und Epistemologie (Wissenstheorie) rekonstruieren wollten. Es entstand in der Vorsokratische Zeit mit Vorstellungen, die Schönheit mit (Un-)Beständigkeit verbanden. Die geschwätzigste Aufzeichnung erscheint erstmals bei Platon (2021) und, abweichend oder ergänzend der Meister, bei Aristoteles (2008). Basierend auf dem zentralen Konzept des Logos lässt sich seitdem erkennen, dass Schönheit untrennbar mit der Idee von Abstraktion, Reinheit und Göttlichkeit verbunden ist. In der Renaissance (italienisch und nordisch) die Schönheit deutlicher begann zu zeigen, dass sie in ihrem Kern keine konsistenten Gegensätze fand, da sie sich dem Absoluten näherte. Der Barock, der seine mittelalterliche Macht wiedererlangt, fügt Dunkelheit und Hässlichkeit wieder ein, um das Schöne hervorzuheben (Caetano, 2024b). Die Romantik wiederum greift Aristoteles auf und bringt in Anlehnung an Kant (1998) eine Logik des Schönen (Baumgarten, 2007) mit, die jedoch allen Menschen vermittelt werden muss. In jedem Fall, Schönheit geht ein offensichtlichsten Manifestation, der Kunst, der notwendigen Kontextualisierung des Menschen in seinen historischen, kulturellen und anthropologischen Sphären voraus, wie die Psychoanalysen von Freud (2011) und Jung (2011a, 2011b) zeigen.A biografia do belo percorre uma estrada longa, que decidimos reconstruir do ponto de vista da historicidade e da epistemologia (teoria do conhecimento) ocidentais. Ela nasce nos pré-socráticos, com noções que atrelam a beleza à (im)permanência. Seu registro mais loquaz se apresenta pela primeira vez em Platão (2021) e, divergindo ou complementando sem mestre, em Aristóteles (2008). Desde então, a partir do conceito central de Logos, o que se percebe é que o belo está ligado indissoluvelmente à ideia de abstração, pureza, divindade. Nas Renascenças (italiana e nórdica), o belo começou a mostrar de modo mais nítido que não encontrava em seu âmago oposições consistentes, uma vez que se aproximava do absoluto. O Barroco, retomando potências medievais, reinsere a obscuridade e a fealdade para realçarem o belo (Caetano, 2024b). Por sua vez, o Romantismo retoma Aristóteles e traz, a partir de Kant (1998), uma “lógica da beleza” (Baumgarten, 2007), que, entretanto, precisa ser comunicada a todas as pessoas. Como quer que seja, o belo, em sua manifestação mais patente, que é a arte, precede a necessária contextualização do ser humano nos seus âmbitos histórico, cultural, antropológico, como demonstraram as Psicanálises de Freud (2011) e Jung (2011a, 2011b)
Biografias negociadas: verdade, falsidade e ficção nas memórias de criminosos itinerantes do século XX
Full text linkThis paper takes as its starting point the memoirs of two counterfeiters, produced in interaction with journalists during the first half of the twentieth century. In an era marked by the widespread adoption of writing practices, the rise of detective novels, and narratives of itinerant criminals, these biographies should be read in light of a reading experience that intertwined anxieties about the boundaries between truth and falsehood with a fascination for long-distance travel. Published in the cities of Mexico and Rio de Janeiro, these memoirs offered accounts of a world connected by transatlantic ships, telegraph lines, and the circulation of information, goods, and people. They were, however, marked by a fundamental paradox. These were narratives about subjects in motion, produced by narrators confined within the restricted space of prisonEste trabajo toma como punto de partida las memorias de dos falsificadores de dinero producidas en interacción con periodistas durante la primera mitad del siglo XX. En un período signado por la masificación de las prácticas de escritura, el auge de las novelas policiales y de las ficciones de delincuentes itinerantes, sus biografías deben ser leídas a la luz de una experiencia de lectura que entrelazaba la inquietud sobre las fronteras entre lo verdadero y lo falso con la fascinación por los desplazamientos de larga distancia. Publicadas en las ciudades de México y Río de Janeiro, estas memorias ofrecían relatos de un mundo conectado por trasatlánticos, hilos telegráficos, circulación de información, mercancías y personas. Estaban, sin embargo, atravesadas por una paradoja fundamental. Eran narrativas sobre sujetos en movimiento producidas por narradores que estaban detenidos en el espacio circunscrito de la prisiónEste artigo toma como ponto de partida as memórias de dois falsificadores de dinheiro produzidas em interação com jornalistas durante a primeira metade do século XX. Num período marcado pela massificação das práticas de escrita, pelo auge dos romances policiais e das ficções de criminosos itinerantes, as suas biografias devem ser lidas à luz de uma experiência de leitura que entrelaça a preocupação com as fronteiras entre o verdadeiro e o falso com o fascínio pela viagens de longa distância. Publicadas nas cidades do México e do Rio de Janeiro, essas memórias contavam histórias de um mundo conectado por transatlânticos, fios telegráficos, circulação de informações, mercadorias e pessoas. Estavam, no entanto, marcadas por um paradoxo fundamental: eram narrativas sobre sujeitos em movimento produzidas por narradores que estavam detidos no espaço circunscrito da prisã
A cultura material escolar nas escolas paulistas oitocentistas
Full text linkThis article presents a quantitative balance of the material provision of primary schools in the Province of São Paulo during the 19th century. Using a historical approach and anchored in the constructs of Cultural History, different aspects constituting the meaning of documents were analyzed from a discursive and dialogical point of view, such as laws, decrees, inventories of materials and reports from teachers, inspectors and presidents of the Province, which made it possible to identify the furniture, equipment and teaching materials that were offered to schools in São Paulo in the 19th century. With this, the material conditions of these schools are problematized, discussing the artifacts that teachers and education inspectors requested from the government in order to put São Paulo's elementary instruction into practice.Este artículo presenta un balance cuantitativo de la dotación material de las escuelas primarias de la Provincia de São Paulo durante el siglo XIX. Con un enfoque histórico y anclado en los constructos de la Historia Cultural, se analizaron desde un punto de vista discursivo y dialógico diferentes aspectos que constituyen el significado de documentos, tales como leyes, decretos, inventarios de materiales e informes de docentes, inspectores y presidentes de las Provincia, que permitió identificar los muebles, equipamientos y materiales didácticos que se ofrecían a las escuelas de São Paulo en el siglo XIX. Con esto, se problematizan las condiciones materiales de estas escuelas, discutiendo los artefactos que profesores e inspectores de educación solicitaron al gobierno para poner en práctica la instrucción primaria paulista.Cet article présente un bilan quantitatif de l'allocation matérielle des écoles primaires de la province de São Paulo au cours du XIXe siècle. Avec une orientation historique et ancrés dans les constructions de l'Histoire culturelle, différents aspects qui constituent le sens des documents, tels que les lois, les décrets, les inventaires matériels et les rapports des enseignants, des inspecteurs et des présidents, ont été analysés d'un point de vue discursif et dialogique de la Province, qui a permis d'identifier le mobilier, les équipements et le matériel pédagogique offerts aux écoles de São Paulo au XIXe siècle. C'est pourquoi les conditions matérielles de ces écoles sont problématisées, en discutant des artefacts que les enseignants et les inspecteurs de l'éducation ont demandé au gouvernement pour mettre en pratique l'enseignement primaire de São Paulo.Neste artigo apresenta-se um balanço quantitativo da provisão material das escolas de primeiras letras da Província de São Paulo no decurso do século XIX. A partir de abordagem histórica e ancorada nos constructos da História Cultural, foram analisados leis, decretos, inventários de objetos e relatórios dos professores e presidentes da Província, o que permitiu identificar os mobiliários, equipamentos e utensílios pedagógicos que eram oferecidos às escolas paulistas. Com isso, problematiza-se sobre as materialidades dessas escolas discorrendo sobre os artefatos que os professores solicitavam ao governo a fim de colocarem em prática a instrução elementar paulista no decorrer dos Oitocentos
Estar docente na educação: experiências estéticas formacionais e as múltiplas linguagens
Full text linkEste trabalho surge a partir de uma experiência na formação inicial de professores, focando nos processos criativos na educação e se configura como a análise de um processo formativo vivido pelos autores. Surge a problemática: o que a formação estética do(a) professor(a) pedagogo(a) reverbera na prática pedagógica com crianças? Investiga-se como a formação estética do(a) educador(a) pode influenciar na educação com as crianças na perspectiva das diferentes linguagens (OSTETTO, 2017). A justificativa do estudo está na importância de promover uma educação estética e crítica através das imagens, que contribui para a construção de uma visão ampliada do mundo imagético, considerando que todas as formas visuais têm um papel educativo. A metodologia consiste em pesquisa qualitativa-teórico-exploratória. Os resultados abarcam as possibilidades de ser docente que produz o imaginário simbólico de cada sujeito ao criar, ao inventar, ao artistar e ao professorar a partir das visualidades e as experiências com as infâncias (CUNHA, 2014). Logo, as múltiplas linguagens podem provocar outras formas de aprender a partir da visualidade
Corpo-invólucro na escrita e crítica contemporâneas
Full text linkThis article aims at discussing the relationship between body and writing on the contemporary scene, emphasizing the notion of envelope body. The corpus of analysis is Meu Nome: Mamãe, by Aury Porto, directed by Janaina Leite and dramaturgy by Claudia Barral. The analysis is based on the memorial experience of someone who attended the performance (the enunciator of this article) in interlocution with theoretical contributions on archives and documents within the scope of the performing arts and their intersection with semiotic studies, more precisely in their dialog with Jacques Fontanille's book Corps et sens (2011). In this book, the author states that the body is the substrate of semiosis.Este artículo tiene por objeto debatir la relación entre el cuerpo y la escritura en la escena contemporánea, acentuando la noción de envoltura corporal. El corpus de análisis de este artículo es la obra Meu Nome: Mamãe, de Aury Porto, dirigida por Janaina Leite y dramaturgia de Claudia Barral. El análisis se basa en la experiencia memorialística de alguien que asistió al espectáculo (el enunciador de este artículo) en diálogo con aportes teóricos sobre archivos y documentos en el ámbito de las artes escénicas y su intersección con los estudios semióticos, más concretamente en su diálogo con el libro de Jacques Fontanille Cuerpo y sentido (2011), en el que este autor afirma que el cuerpo es el sustrato de la semiosis.
Este artigo tem por objetivo discutir relações entre corpo e escrita na cena contemporânea, acentuando a noção de invólucro corporal. O corpus de análise é Meu Nome: Mamãe, de Aury Porto, direção de Janaina Leite e dramaturgia de Claudia Barral. A análise parte da experiência memorialística de quem assistiu ao espetáculo (enunciador deste artigo) na interlocução com aportes teóricos sobre arquivo e documento no âmbito das artes cênicas e sua intersecção com os estudos semióticos, mais precisamente, em seu diálogo com o livro Corpo e Sentido (2011) de Jacques Fontanille. Nesse livro, o autor afirma que o corpo é o substrato da semiose.