Portal de Periódicos UDESC (Universidade do Estado de Santa Catarina)
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Costureiras de bairro e a vida multicostura
Full text linkThis article aims to address generalized types of sewing techniques—industrial, artisanal, and domestic—to discuss the possibility of multisewings in a world dominated by industrial monosewing. Based on a dialogue between the theories of Heidegger (2006 [1953]) and Hui (2020) on technique in the modern world, and research investigating seamstresses in Brazil, this work puts the technical role of this craft into perspective. This exercise leads to reflection on the possibility of “home-based seamstresses” practicing multiple sewing techniques simultaneously, considering their practices heterogeneous, developed throughout their trajectories, mainly because it is not an institutionalized profession. We consider the practices of “home-based seamstresses” an important object of study in relation to technique in fashion and clothing. The study suggests that a non-linear time perspective on sewing techniques, as presented in most bibliographical references in the fashion field, such as haute couture > prêt-à-porter > fast-fashion, is capable of rescuing other sewing practices.Este artículo aborda técnicas de costura generalizadas, industriales, artesanales y domésticas, para discutir la posibilidad de las multicosturas en un mundo dominado por las monocosturas industriales. A partir de un diálogo entre las teorías de Heidegger (2006 [1953]) y Hui (2020) sobre la técnica en el mundo moderno, y la investigación sobre las costureras en Brasil, este trabajo pone en perspectiva el rol técnico de este oficio. Este ejercicio lleva a la reflexión sobre la posibilidad de que las costureras a domicilio practiquen múltiples técnicas de costura simultáneamente, considerando sus prácticas heterogéneas, desarrolladas a lo largo de sus trayectorias, principalmente por no ser una profesión institucionalizada. Consideramos las prácticas de las costureras a domicilio un importante objeto de estudio en relación con la técnica en la moda y la confección. El estudio sugiere que una perspectiva temporal no lineal sobre las técnicas de costura, tal como se presenta en la mayoría de las referencias bibliográficas en el campo de la moda, como alta costura > prêt-à-porter > fast-fashion, es capaz de rescatar otros modos de costura.
Este artigo tem como objetivo abordar tipos generalizados de técnicas de costura, industrial, artesanal e doméstica, para discutir a possibilidade de existência de multicosturas em um mundo dominado por uma monocostura industrial. A partir do diálogo entre as teorias de Heidegger (2006 [1953]) e Hui (2020), sobre a técnica no mundo moderno, e de pesquisas que investigam costureiras no Brasil, este trabalho coloca em perspectiva o lugar técnico deste ofício. Este exercício leva a reflexão sobre a possibilidade de “costureiras de bairro” exercerem múltiplas técnicas de costura simultaneamente, considerando suas práticas heterogêneas, desenvolvidas em suas trajetórias, principalmente por não ser uma profissão institucionalizada. Julga-se as práticas das “costureiras de bairro” um importante objeto de estudo em relação a técnica na moda e no vestuário. O estudo sugere que uma perspectiva de tempo não linear acerca das técnicas de costura, como se apresenta na maioria das referências bibliográficas do campo da moda, como alta-costura > prêt-à-porter > fast-fashion, seja capaz de resgatar outros modos de costura
Estilo, genealogia e tradição performática: vozes do legong em Bali. Uma entrevista com Anak Agung Gede Oka Dalem sobre o legong de Peliatan
No full textThe interview with Anak Agung Gede Oka Dalem offers an in-depth overview of the formation and consolidation of the Peliatan style of legong, from its arrival from Sukawati to its international dissemination. The testimony highlights the fundamental roles of masters such as I Wayan Lotring, Gusti Biang Sengog, and Anak Agung Gde Mandera, emphasizing the technical and expressive elements that define the local identity. Oka underscores the continuity of the style and the responsibility of preserving the inherited lineage in the face of sociocultural and educational changes.La entrevista con Anak Agung Gede Oka Dalem ofrece una visión detallada sobre la formación y consolidación del estilo legong de Peliatan, desde su llegada desde Sukawati hasta su difusión internacional. El testimonio destaca el papel fundamental de maestros como I Wayan Lotring, Gusti Biang Sengog y Anak Agung Gde Mandera, subrayando los elementos técnicos y expresivos que definen la identidad local. Oka enfatiza la continuidad del estilo y la responsabilidad de preservar la línea heredada en un contexto de transformaciones socioculturales y educativas.L'entretien avec Anak Agung Gede Oka Dalem offre un aperçu approfondi de la formation et de la consolidation du style de Legong de Peliatan, depuis son arrivée de Sukawati jusqu'à sa diffusion internationale.
Le témoignage met en lumière le rôle fondamental de maîtres tels que I Wayan Lotring, Gusti Biang Sengog et Anak Agung Gde Mandera, soulignant les éléments techniques et expressifs qui définissent l'identité locale.
Oka insiste sur la continuité du style et la responsabilité de préserver la lignée héritée dans un contexte de changements socioculturels et éducatifs.A entrevista com Anak Agung Gede Oka Dalem oferece um panorama aprofundado sobre a formação e consolidação do estilo de legong de Peliatan, desde sua chegada a partir de Sukawati até sua difusão internacional. O depoimento resgata o papel fundamental de mestres como I Wayan Lotring, Gusti Biang Sengog e Anak Agung Gde Mandera, destacando os elementos técnicos e expressivos que definem a identidade local. Oka enfatiza a continuidade do estilo e a responsabilidade de preservar a linhagem herdada no contexto de mudanças socioculturais e educacionais
Alegoria de água e luz: um espetáculo pirotécnico no rio Reno em Düsseldorf em 1585
Full text linkThe "Julian Wedding" celebrations held in Düsseldorf in 1585 constituted an opportune occasion to spectacularly stage the assertion of power of a duchy in crisis — governed by the von Jülich-Kleve-Berg family — through symbols of authority aimed at strengthening relations with the Empire. In this context, the recourse to aesthetic models and masters linked to the Italian Renaissance reveals itself as a deliberate political strategy, supported by the use of encomiastic allegory. A precious source for the reconstitution of these events is the contemporary account by Theodor Gramineus (Dietrich Gras), practically ignored by historiography.Las celebraciones de la "Boda Juliana" realizadas en Düsseldorf en 1585 constituyeron una ocasión propicia para escenificar, de modo espectacular, la afirmación del poder de un ducado en crisis — gobernado por la familia von Jülich-Kleve-Berg — por medio de símbolos de autoridad destinados a reforzar las relaciones con el Imperio. En ese contexto, el recurso a modelos estéticos y a maestros vinculados al Renacimiento italiano se revela como una estrategia política deliberada, apoyada en el uso de la alegoría encomiástica. Una fuente preciosa para la reconstitución de estos acontecimientos es el relato contemporáneo de Theodor Gramineus (Dietrich Gras), prácticamente ignorado por la historiografía.Les célébrations du « Mariage Julien » tenues à Düsseldorf en 1585 ont constitué une occasion propice pour mettre en scène, de manière spectaculaire, l'affirmation du pouvoir d'un duché en crise — gouverné par la famille von Jülich-Kleve-Berg — au moyen de symboles d'autorité destinés à renforcer les relations avec l'Empire. Dans ce contexte, le recours à des modèles esthétiques et à des maîtres liés à la Renaissance italienne se révèle être une stratégie politique délibérée, soutenue par l'usage de l'allégorie encomiastique. Une source précieuse pour la reconstitution de ces événements est le récit contemporain de Theodor Gramineus (Dietrich Gras), pratiquement ignoré par l'historiographie.As celebrações do “Casamento Juliano” realizadas em Düsseldorf, em 1585, constituíram uma ocasião propícia para encenar, de modo espetacular, a afirmação do poder de um ducado em crise — governado pela família von Jülich-Kleve-Berg — por meio de símbolos de autoridade destinados a reforçar as relações com o Império. Nesse contexto, o recurso a modelos estéticos e a mestres vinculados ao Renascimento italiano revela-se como uma estratégia política deliberada, apoiada no uso da alegoria encomiástica. Uma fonte preciosa para a reconstituição desses acontecimentos é o relato contemporâneo de Theodor Gramineus (Dietrich Gras), praticamente ignorado pela historiografia
Reconstruir o que o mundo desmonta
Full text linkThis text presents the 32nd edition of Móin-Móin - Journal of Animated Form Studies, themed “The stage of celebration: Puppet Theater, ritual, festivity, and community”. It details its composition context, the questions that challenged the authors, and an invitation to read the published articles.O texto apresenta a edição n. 32 da Móin-Móin - Revista de Estudos Sobre Teatro de Formas Animadas, com o tema “O palco da celebração: Teatro de Animação, ritual, festividade e comunidade”, seu contexto de composição, as questões que provocaram os autores e o convite à leitura dos artigos publicados
Bumba Meu Boi: como e quando o ritual se manifesta
Full text linkThis work analyzes the diverse ritualistic dimensions of the Bumba Meu Boi cultural practices from Maranhão, recognized as Intangible Cultural Heritage of Humanity by UNESCO. The study distinguishes the various ritual instances that compose the Boi's annual cycle, from the Festa Junina period until its "death" and closing in August. The research demonstrates that the ritualization of the Boi extrapolate strictly religious relations, manifesting complex syncretism and sociocultural negotiations in dialogue with the present time. To critically analyze the processes of continuity and transmission of these practices, the framework of Taylor (2003) regarding archive and repertoire is revisited, grounded in experiences of participant observation.Este trabalho analisa as diversas dimensões ritualísticas das práticas culturais maranhenses do Bumba meu Boi, reconhecido como Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO. O estudo distingue as diversas instâncias rituais que compõem o ciclo anual do Boi, desde o período junino até sua "morte" e encerramento em agosto. A pesquisa monstra que as ritualizações do Boi extrapolam as relações estritamente religiosas, manifestando complexos sincretismos e negociações socioculturais em diálogo com o tempo presente. Para analisar criticamente os processos de continuidade e transmissão dessas práticas, o referencial de Taylor (2003) sobre arquivo e repertório é retomado, fundamentado em experiências de observação participante.
Quebras: A pintura travesti como ato de (re)existência na Amazônia paraense: xxxxxx
Full text linkThis article examines the series of paintings Quebras, by travesti artist Rafael Matheus Moreira, as an act of (re)existence in the Amazon region of Pará. The artistic production in question challenges the Western canon by re-signifying classical painting genres, placing travesti bodies as protagonists, in contrast to historically fetishized or marginalized representations. Inspired by the popular movement Raio que o Parta, which used broken tile fragments to create modernist facades, the artist employs the metaphor of the “break” to symbolize the deconstruction of cisgender gazes and the reconstruction of travesti identities through art. The study aims to reflect on painting as a political gesture of insurgency and celebration of trans existence, addressing themes such as collective memory, resistance, and the subversion of hegemonic narratives. Methodologically, the research is grounded in an autobiographical and ethnographic approach, articulating theoretical references from queer art, gender studies, and social memory. The results highlight that the artist’s trajectory and institutional recognition — with exhibitions in venues such as MASP and awards like the Arte Pará — constitute fissures in the normative art system, affirming painting as a practice of healing, recording, and re-existence. It is concluded that the Quebras series functions as a visual and affective archive, opening spaces for the visibility and reinvention of possible futures for trans people in the Amazon and beyond.Este artículo analiza la serie de pinturas Quebras, de la artista travesti Rafael Matheus Moreira, como un acto de (re)existencia en la Amazonía de Pará. La producción artística en cuestión cuestiona el canon occidental al ressignificar géneros clásicos de la pintura, insertando cuerpos travestis como protagonistas, en contraposición a las representaciones históricamente fetichizadas o marginalizadas. Inspirada en el movimiento popular Raio que o Parta, que utilizaba fragmentos de azulejos para componer fachadas modernistas, la artista emplea la metáfora de la “ruptura” para simbolizar la deconstrucción de miradas cisgénero y la reconstrucción de identidades travestis mediante el arte. El estudio tiene como objetivo reflexionar sobre la pintura como gesto político de insurgencia y celebración de la existencia trans, abordando temas como memoria colectiva, resistencia y subversión de narrativas hegemónicas. Metodológicamente, la investigación se ancla en un enfoque autobiográfico y etnográfico, articulando referencias teóricas del arte queer, estudios de género y memoria social. Como resultados, se evidencia que la trayectoria y el reconocimiento institucional de la artista — con exposiciones en espacios como el MASP y premios como el Arte Pará — configuran fisuras en el sistema normativo del arte, afirmando la pintura como práctica de cura, registro y reexistencia. Se concluye que la obra Quebras opera como un archivo visual y afectivo, abriendo espacios para la visibilidad y la reinvención de futuros posibles para personas trans en la Amazonía y más allá.xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxEste artigo analisa a série de pinturas Quebras, da artista travesti Rafael Matheus Moreira, como um ato de (re)existência na Amazônia Paraense. A produção artística em questão questiona o cânone ocidental ao ressignificar gêneros clássicos da pintura, inserindo corpos travestis como protagonistas, em contraposição às representações historicamente fetichizadas ou marginalizadas. Inspirada no movimento popular Raio que o Parta, que utilizava cacos de azulejos para compor fachadas modernistas, a artista emprega a metáfora da “quebra” para simbolizar a desconstrução de olhares cisgêneros e a reconstrução de identidades travestis por meio da arte. O estudo tem como objetivo refletir sobre a pintura como gesto político de insurgência e celebração da existência trans, abordando temas como memória coletiva, resistência e subversão de narrativas hegemônicas. Metodologicamente, a pesquisa ancora-se em uma abordagem autobiográfica e etnográfica, articulando referências teóricas da arte queer, estudos de gênero e memória social. Como resultados, evidencia-se que a trajetória e o reconhecimento institucional da artista — com exposições em espaços como o MASP e premiações como o Arte Pará — configuram fissuras no sistema normativo da arte, afirmando a pintura como prática de cura, registro e reexistência. Conclui-se que a obra Quebras opera como um arquivo visual e afetivo, abrindo espaços para a visibilidade e a reinvenção de futuros possíveis para pessoas trans na Amazônia e além
Afrofabulações da elegância: das tecnologias da negritude às técnicas do dandismo
Full text linkThis article aims to examine Black male elegance, drawing on the concept of technology of blackness and the technical nuances of dandyism. It seeks to investigate the structuring of the regime of visibility of the Black dandy, as well as to outline the constitution of his ethical-poetic formation. To this end, we use the notion of Afrofabulation as a theoretical tool to reflect on the expressive value of bodily gestures and the individuation of nuance through artefacts and technical devices. In the context of the intersections between Blackness and dandyism, we adopt an interdisciplinary operational approach that allows us to think about the relations involving fashion, aesthetics, history, and anthropology. The first section of the analysis is dedicated to the exploration of gesture and bodily techniques, with the aim of integrating strategies of body stylization into the dynamic model of Blackness. For this examination, we draw on the writings of Marcel Mauss (2021), André Leroi-Gourhan (1964), Yves Citton (2012), Marielle Macé (2016), Albert Camus (2012) and Abdias Nascimento (1982). In the second section, we focus on the processes of reception, transmission and historical transgression of dandyism in diasporic manifestations. Based on sartorial anarchy, we investigate the subversion of colonial subjugation strategies, revisiting the meanings of fabulation and ethnicity to reflect on the concept of “Afro-fabulation,” with reference to Gilles Deleuze (2012), Achille Mbembe (2014) and Stuart Hall (2006). Our purpose is to think about the formation of the ethos of the elegant black man, understanding his identity construction based on the heroic action of modelling appearance, conceived as an act of civic freedom.El presente artículo se propone examinar la elegancia masculina negra, basándose en los conceptos de tecnología de la negritud y en las sutilezas técnicas del dandismo. Su objetivo es investigar los procesos que estructuran el régimen de visibilidad del dandy negro, así como delinear la constitución de su formación ético-poética. Para ello, retomamos la noción de afrofabulación como instrumento teórico para reflexionar sobre el valor expresivo de los gestos corporales y la individualización del matiz mediante el uso de artefactos y artificios técnicos. En el ámbito de las intersecciones entre la negritud y el dandismo, adoptamos una dinámica operativa interdisciplinaria, que nos permite pensar las relaciones entre moda, estética, historia y antropología. La primera sección del análisis se dedica a la exploración del gesto y las técnicas corporales, con el fin de integrar las estrategias de estilización del cuerpo al modelo dinámico de la negritud. Para este análisis, nos basamos en los textos de Marcel Mauss (2021), André Leroi-Gourhan (1964), Yves Citton (2012), Marielle Macé (2016), Albert Camus (2012) y Abdias Nascimento (1982). En la segunda sección, prestamos atención a los procesos de recepción, transmisión y transgresión histórica del dandismo en las manifestaciones diaspóricas. A partir de la anarquía sartorial, investigamos la subversión de las estrategias de sometimiento colonial, retomando los sentidos de fabulación y etnicidad para reflexionar sobre el concepto de “afrofabulación”, con referencia a Gilles Deleuze (2012), Achille Mbembe (2014) y Stuart Hall (2006). Nuestro propósito consiste en pensar la formación del ethos del hombre negro elegante, comprendiendo su construcción identitaria a partir de la acción heroica de modelar la apariencia, concebida como un acto de libertad cívica.O presente artigo propõe examinar a elegância masculina negra a partir das concepções de tecnologia da negritude e das sutilezas técnicas do dandismo. Objetiva-se investigar os processos que estruturam o regime de visibilidade do dândi negro, bem como delinear a constituição de sua formação ético-poética. Para tanto, retoma-se a noção de afrofabulação como instrumento teórico para refletir sobre o valor expressivo dos gestos corporais e a individuação da nuance por meio do uso de artefatos e artifícios técnicos. No âmbito das intersecções entre negritude e dandismo, adotamos uma dinâmica operatória interdisciplinar, que nos permite pensar as relações entre moda, estética, história e antropologia. A primeira seção da análise dedica-se à exploração do gesto e das técnicas corporais, com o intuito de integrar as estratégias de estilização do corpo ao modelo dinâmico da negritude. Para essa análise, recorre-se aos escritos de Marcel Mauss (2021), André Leroi-Gourhan (1964), Yves Citton (2012), Marielle Macé (2016), Albert Camus (2012) e Abdias Nascimento (1982). Na segunda seção, volta-se aos processos de recepção, transmissão e transgressão histórica do dandismo em manifestações diaspóricas. Com base na anarquia sartorial, investiga-se a subversão das estratégias coloniais de subjugação, revisitando os significados de fabulação e etnicidade para refletir sobre o conceito de “afrofabulação”, com referência a Gilles Deleuze (2012), Achille Mbembe (2014) e Stuart Hall (2006). O objetivo é pensar a formação do ethos do homemnegro elegante, compreendendo sua construção identitária a partir da ação heroica de modelar a aparência, concebida como um ato de liberdade cívica
Resenha do livro de Daniela Capona “eu os levaria para uma illha… estratégias para a aparição da subjetividade queer na cena teatral chilena” ou “você gosta de brincar”
No full textA una isla los llevaría… Estrategias de aparición de la subjetividad marica en la escena teatral chilena (I’d Take Them to an Island… Strategies for the Appearance of Queer Subjectivity in the Chilean Theatrical Scene), by Daniela Cápona, offers a critical reconstruction of six decades of theatre history from the perspective of sexual dissidence. Through a combination of theory, testimony, and archival material, the author rescues memories marginalized by official History and dismantles dominant narratives that have omitted or distorted queer presence. The “island” operates as an ambivalent metaphor: a space of pleasure and subversion, but also of confinement, torture, and disappearance, linking theatre to contexts of dictatorial repression, persecution, hiv/aids, and neoliberalism. The text spans from the adoption of international plays to the emergence of cabaret, brothel, and variety shows as strategies for visibility and resistance. Works and artists such as Ramón Griffero, Andrés Pérez, Hija de Perra, Blue Ballet, and El Gran Circo de Timoteo shape a map of artistic practices that politicize desire, reclaim humor as a tool, and frame the monstrous as a critical force. The aim of this book is to reconstruct genealogies of queer subjectivity in Chilean theatre, highlighting its aesthetic and political strategies in dialogue with the historical contexts that sought to erase them, in order to affirm its place in cultural memory and confront the gaps of official history.A una isla los llevaría… Estrategias de aparición de la subjetividad marica en la escena teatral chilena, de Daniela Cápona, propone una reconstrucción crítica de seis décadas de historia teatral desde las disidencias sexuales. A través de una mezcla entre teoría, testimonio y archivo, la autora rescata memorias marginadas por La Historia y desarticula narrativas oficiales que han omitido o distorsionado la presencia marica. La “isla” opera como metáfora ambivalente: espacio de goce y de subversión, pero también de reclusión, tortura y desaparición, vinculando el teatro a contextos de represión dictatorial, persecución, vih/sida y neoliberalismo.El texto recorre desde la adopción de textos internacionales hasta la irrupción del cabaret, el prostíbulo y el espectáculo de variedades como estrategias de visibilidad y resistencia. Obras y creadores como Ramón Griffero, Andrés Pérez, Hija de Perra, Blue Ballet y El Gran Circo de Timoteo conforman un mapa de prácticas artísticas que politizan el deseo, reivindican el humor como herramienta e instalan lo monstruoso como potencia crítica. El objetivo de este libro es reconstruir genealogías de la subjetividad marica en el teatro chileno, visibilizando sus estrategias estéticas y políticas en diálogo con los contextos históricos que intentaron borrarlas, para afirmar su lugar en la memoria cultural y confrontar los vacíos de la historia oficial.A una isla los llevaría… Estrategias de aparición de la subjetividad marica en la escena teatral chilena (Eu os levaria para uma ilha… Estratégias para a aparição da subjetividade queer na cena teatral chilena), de Daniela Cápona, propõe uma reconstrução crítica de seis décadas de história teatral a partir das dissidências sexuais. Combinando teoria, testemunho e material de arquivo, a autora resgata memórias marginalizadas pela História oficial e desmonta narrativas dominantes que omitiram ou distorceram a presença queer. A “ilha” funciona como metáfora ambivalente: espaço de prazer e subversão, mas também de reclusão, tortura e desaparecimento, vinculando o teatro a contextos de repressão ditatorial, perseguição, hiv/aids e neoliberalismo. O texto percorre desde a adoção de textos internacionais até o surgimento do cabaré, do prostíbulo e do espetáculo de variedades como estratégias de visibilidade e resistência. Obras e criadores como Ramón Griffero, Andrés Pérez, Hija de Perra, Blue Ballet e El Gran Circo de Timoteo compõem um mapa de práticas artísticas que politizam o desejo, reivindicam o humor como ferramenta e colocam o monstruoso como potência crítica. O objetivo deste livro é reconstruir genealogias da subjetividade queer no teatro chileno, destacando suas estratégias estéticas e políticas em diálogo com os contextos históricos que buscaram apagá-las, a fim de afirmar seu lugar na memória cultural e enfrentar as lacunas da história oficial
Das técnicas de costura às técnicas de si : inventando moda com Michel Foucault
Full text linkThis work investigates the relationships between fashion, technique, and philosophical thought, based on the development of an authorial collection composed of twenty looks, divided into four conceptual families, inspired by the work of Michel Foucault. The objective of this article is to present the development of this collection and to reflect on how fashion, as a language and technical practice, can incorporate theoretical and conceptual discourses, in this case, regarding Foucault’s concepts of power, control, panopticism, discipline, subjectivity, resistance, truth, and parrhesia. This is possibly the first authorial fashion collection to use Michel Foucault’s work as a conceptual and aesthetic axis, proposing an unprecedented dialogue between Foucaultian thought and creative processes in the fashion field. The methodology adopted follows the principles proposed by Doris Treptow for the development of fashion collections, combining trend research, target audience definition, color palette, material selection, and garment construction. The analyses were conducted using photographs of the looks created, allowing us to observe how Foucaultian concepts were translated into form, texture, and modeling using fashion techniques. The results indicate that fashion can act as a critical and expressive medium, capable of destabilizing social conventions, fostering the emergence of new subjectivities, and engendering aesthetic experiences committed to thought. Thus, the study contributes to expanding the possible connections between theory and practice, inserting fashion creation into the realm of conceptual elaborations and debates about the techniques that constitute it.Este trabajo investiga las relaciones entre moda, técnica y pensamiento filosófico, a partir del desarrollo de una colección de autor compuesta por veinte looks, divididos en cuatro familias conceptuales, inspirada en la obra de Michel Foucault. El objetivo de este artículo es presentar el desarrollo de esta colección y reflexionar sobre cómo la moda, como lenguaje y práctica técnica, puede incorporar discursos teóricos y conceptuales, en este caso, sobre los conceptos foucaultianos de poder, control, panoptismo, disciplina, subjetividad, resistencia, verdad y parresía. Esta es posiblemente la primera colección de moda de autor que utiliza la obra de Michel Foucault como eje conceptual y estético, proponiendo un diálogo sin precedentes entre el pensamiento foucaultiano y los procesos creativos en el ámbito de la moda. La metodología adoptada sigue los principios propuestos por Doris Treptow para el desarrollo de colecciones de moda, combinando la investigación de tendencias, la definición del público objetivo, la paleta de colores, la selección de materiales y la confección de las prendas. Los análisis se realizaron mediante fotografías de los looks creados, lo que permitió observar cómo los conceptos foucaultianos se tradujeron en forma, textura y modelado mediante técnicas de moda. Los resultados indican que la moda puede actuar como un medio crítico y expresivo, capaz de desestabilizar las convenciones sociales, fomentar el surgimiento de nuevas subjetividades y generar experiencias estéticas comprometidas con el pensamiento. Así, el estudio contribuye a ampliar las posibles conexiones entre la teoría y la práctica, insertando la creación de moda en el ámbito de las elaboraciones conceptuales y los debates sobre las técnicas que la constituyen.Este trabalho investiga as relações entre moda, técnica e pensamento filosófico, a partir da elaboração de uma coleção autoral composta por vinte looks, dividida em quatro famílias conceituais, inspiradas na obra de Michel Foucault. O objetivo deste artigo é apresentar o desenvolvimento da referida coleção e refletir sobre como a moda, enquanto linguagem e prática técnica, pode incorporar discursos teóricos e conceituais, neste caso, no que tange aos conceitos foucaultianos de poder, controle, panoptismo, disciplina, subjetividade, resistência, verdade e parresía. Trata-se, possivelmente, da primeira coleção de moda autoral a tomar a obra de Michel Foucault como eixo conceitual e estético, propondo um diálogo inédito entre o pensamento foucaultiano e os processos criativos no campo da moda. A metodologia adotada segue os princípios propostos por Doris Treptow para o desenvolvimento de coleções de moda, articulando pesquisa de tendências, definição de público-alvo, cartela de cores, escolha de materiais e construção das roupas. As análises foram realizadas a partir das fotografias dos looks confeccionados, permitindo observar como os conceitos foucaultianos foram traduzidos em forma, textura e modelagem a partir das técnicas da moda. Os resultados apontam que a moda pode atuar como meio crítico e expressivo, capaz de desestabilizar convenções sociais, fomentar a emergência de novas subjetividades e engendrar experiências estéticas comprometidas com o pensamento. Dessa forma, o estudo contribui para expandir as articulações possíveis entre teoria e prática, inserindo a criação de moda no campo das elaborações conceituais e nos debates sobre as técnicas que a constituem