Publicaciones Digitales - Facultad de Arte (U.N.I.C.E.N. - Universidad Nacional del Centro de la Provincia de Buenos Aires)
Not a member yet
925 research outputs found
Sort by
Cambios en los perfiles del ingresante a carreras audiovisuales. El caso de la Facultad de Arte
Get PDFEn el presente artículo se abordan los cambios que se han registrado enlas trayectorias de los ingresantes a la carrera de Realización Integral enArtes Audiovisuales desde los inicios de esta carrera en el 2004 a losúltimos años, cuestiones que se han materializado en la actual revisióndel plan de estudios durante 2012. Tomaremos distintos indicadores ydesde allí plantearemos, a modo de hipótesis, posibles líneas de análisisy sus atravesamientos en el dispositivo formador.Como hipótesis inicial, sostenemos que los ingresantes realizarán unproceso de integración de sus prácticas previas al ingreso a la carrera,que las mismas adquirirán sentidos diversos en la medida que laformación académica las registre, las interpele y produzca una mejora envistas al perfil profesional que se intenta formar. Así planteado, tantojóvenes como Universidad poseen prácticas que entran en juego, secontraponen, se superponen, se distancian, se complementan, seenriquecen
Un hombrecito extraordinario
Get PDFUn Hombrecito Extraordinario cuenta la historia de Julio y Maga quienes esperan el nacimiento de su primer hijo. Para ello se han mudado a su nueva casa, su casa de tres. Mientras ordenan, limpian y pintan se encuentran con un ejemplar de el libro "El Principito".Maga y Julio se sumergiran en el mundo fantastico, poetico y esperanzador que propone Saint- Exupery.Humor, ternura, canciones, planetas, aviones, dibujos y más son los ingredientes de esta historia que quedara en la memoria de chicos y grandes."Un Hombrecito Extraodianrio" propone recordar y rescatar el valor de la amistad, el amor a otro y, por sobre todas las cosas, no olvidar el niño que alguna vez fuimos
Las distintas funciones universitarias como procesos relacionales
Get PDFEl objetivo de este trabajo es exponer la manera en la cual se fueron relacionando, a lo largo de los años, las diferentes funciones que desarrollo en la Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro: la docencia, la investigación y la extensión.Esta interrelación, que puede pensarse como algo natural, fue producto de romper con cierta linealidad de acción y de entender que ninguna función tiene mayor relevancia que otra. Este desarrollo de una identidad múltiple emergente (que implica el entrecruzamiento de problemáticas propias del campo pedagógico, el artístico y el científico) me enfrentó a diversos cuestionamientos teóricos y metodológicos que serán desarrollados en este trabajo
O poder do falso: símbolo de expressão do cinema de Alain Robbe-Grillet
No full textAlain Robbe-Grillet films broke with classic cinema in the 60’s. They emerge from the period known as Nouvelle Vague, whose most notable representatives: François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer, Claude Chabrol, were linked to the Cahiers du Cinéma magazine. In contrast, Robbe-Grillet, Chris Marker, Marguerite Duras, Agnés Vardá, Alain Resnais, were close to the Positif magazine, whose referents were literary vanguards. We have focused our analysis on the emblematic Robbe-Grillet film L’homme qui ment (1968). To perform this analysis we follow the lead of Deleuze (2009) and his time-image concept. We will take an ontological point of view on images which, in turn, will enables us to think about the close link between cinema and philosophy. This assertion comes from the fact that this work of fiction deal with a problem so dear to philosophy: the true-false dichotomy. In nietzschean reflection these concepts play a key role. It is Nietzsche (1869-1899) who breaks with the past philosophies of rationalism. He considers that we live in a world where truth is just a fiction, a construct of the subject. The power of the false is not related to the simple concept of lies, but with their influence on life itself. We need these fictions to affirm life, because there are no indubitable truths.Resumen: El cine de Alain Robbe-Grillet fue uno de los que produjo, en la década del 60´, una ruptura con el cine clásico. Pertenece a la época de la aparición de la Nouvelle Vague cuyos representantes más notables: François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer, Claude Chabrol, estaban ligados a la revista Cahiers du Cinéma. En cambio, Robbe-Grillet, Chris Marker, Marguerite Duras, Agnés Vardá, Alain Resnais, se hallaban cercanos a la revista Positif, cuyos referentes eran las vanguardias literarias. Nosotros hemos centrado nuestro análisis en la emblemática película de Robbe-Grillet L’homme qui ment., porque consideramos que a través de la construcción de esta ficción podemos descubrir problemáticas que inquietan a muchos pensadores. Para este análisis hemos tomado como hilo conductor a Giles Deleuze y su concepto de imagen-tiempo. Esto nos lleva a tener una mirada ontológica de las imágenes y observar cómo el cine tiene un estrecho vínculo con la filosofía. Asimismo es posible encontrar otro elemento, que no ha dejado de preocupar a los grandes pensadores, como es la dicotomía mentira-verdad. En la reflexión nietzscheana estos conceptos ocupan un papel central. Es Nietzsche quien produce una ruptura con las filosofías precedentes del racionalismo. Él considera que vivimos en un mundo donde lo verdadero es sólo una ficción, una construcción del sujeto. La potencia de lo falso no está relacionaa con la vulgar concepción de la mentira, sino con la fuerza que ejerce sobre la vida. Necesitamos de esas ficciones para afirmar la vida, dado que, no hay verdades indubitables. O cinema de Alain Robbe-Grillet produziu na década de 1960, uma ruptura com o cinema clássico. Ele pertence ao tempo do aparecimento da "Nouvelle Vague" cujos representantes mais notáveis: François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer, Claude Chabrol, estavam ligados à revista "Cahiers du Cinéma". Em vez disso, Robbe-Grillet, Chris Marker, Marguerite Duras, Agnés Varda, Alain Resnais, estavam perto da revista "Positif", cujos referentes foram a vanguarda literária. Nós nos concentramos nossa análise sobre o filme emblemático de Robbe-Grillet "L'homme qui ment" (1968). Para esta análise empregamos o conceito de "tempo-imagem" de Deleuze (2009). Isso nos leva a ter uma visão ontológica das imagens e, por sua vez, permite-nos a refletir sobre como filme tem uma estreita ligação com a filosofia. Esta afirmação surge a partir dessa ficção aborda outro problema, tão cara à filosofia, a dicotomia mentira-verdade. Em Nietzsche (1869-1899) esses conceitos desempenham um papel central. Ele produz uma ruptura com as filosofias racionalistas. Acredita que vivemos num mundo onde a verdade é apenas uma ficção, uma construção do sujeito. A potência do falso não está relacionada com uma concepção vulgar das mentiras, porém com uma força que faz sobre a vida. Precisamos dessas ficções para afirmar a vida, já que não há verdades irrefutáveis
Surgimento da imagem eletrônica em meados da década de 1980 e traços de sua consolidação. Abordagens Deleuzianas do Body Double, Paris, Texas y Minimum-Maximum
No full textThis article presents two cinematographic pieces released in 1984, a year before Gilles Deleuze published his second film study, The Time-Image. The question of the emergence of a new image, the electronic image, was raised in that study, which would be further developed in future studies. Body Double, by Brian De Palma, fill be the first of the films that fill be analyzed, asking once again, at the moment of its emergence, the deleuzian question about the electronic image. The theme of the body double, a specifically cinematographic trade, appears in this film. The double body is a paradigmatic case of false raccord and, in that sense, of what Deleuze called the indiscernibility of the pure optical image and the hyalosigns. The second film is Paris, Texas, by the German filmmaker Wim Wenders. It shows how the figure of the false raccord not only applies to images but also to the concept of telling a story, although that story, in the age of the electronic image, can only be a vivisected history. Then, the notion of unthinkable cinematographic thought associated with the video clip format, on the rise during this decade, fill be analyzed. By the analysis of the set of these forks and formats, we will arrive to the idea that afirms that the electronic image is characterized by its robotic one-sidedness and that this is multiplied by digital mass reproduction. Finally, the Minimum-Maximum concert by the pioneering electronic music group Krafferk fill be analyzed, in relation to the notion of electronic information, and a number of conclusions fill be reached.Este artículo presenta dos piezas cinematográficas estrenadas en 1984, un año antes de que Gilles Deleuze publicara su segundo estudio sobre cine, La imagen-tiempo. En aquel estudio, había quedado planteada para desarrollar en un futuro la cuestión del surgimiento de una nueva imagen, la imagen electrónica. Body Double, de Brian De Palma, será el primero de los films que se analizarán retomando, en el momento de su surgimiento, la pregunta deleuziana por la imagen electrónica. En esta película aparece la temática del doble de cuerpo, oficio específicamente cinematográfico. El doble de cuerpo es un caso paradigmático de falso raccord y, en ese sentido, de lo que Deleuze llamó indiscernibilidad de la imagen óptica pura y los hialosignos. La segunda película es Paris, Texas, del alemán Wim Wenders. En ella se aprecia cómo la figura del falso raccord no sólo se aplica a las imágenes sino también al concepto de contar una historia aunque esa historia, en la época de la imagen electrónica, sólo podrá ser una historia viviseccionada. Luego, se analizará la noción de pensamiento impensable cinematográfico asociado al formato video clip, en ascenso durante esta década. Por el análisis del conjunto de estas obras y formatos, se arribará a la idea que afirma que la imagen electrónica se caracteriza por su unilateralidad robótica y que ésta se multiplica por la reproducción masiva digital. Finalmente, se analizará el concierto Minimum-Maximum del grupo pionero en género musical electrónico Kraftwerk, en relación a la noción de información electrónica y se llegará a un número de conclusiones.Este artigo apresenta dois filmes estreados em 1984, um ano antes que Gilles Deleuze publicara seu segundo estudo sobre o cinema, A imagem-tempo. Nesse estudo, estava planejada para desenvolver num futuro a questão do surgimento duma nova imagem, a imagem eletrónica. Body Double de Brian De Palma, é o primeiro filme que se analisa retomando, no momento de seu surgimento, a pergunta deleuziana pela imagem eletrónica. Neste filme aparece a temática do duplo de corpo, um caso paradigmático de falso raccord e, do que Deleuze chamo indiscernibilidade da imagem ótica pura e os hialosignos. O segundo filme é París, Texas, do alemán Wim Wenders. A forma do falso raccord nesse filme se aplica as imagens e também ao conceito de contar uma histó- ria ainda que essa história, na época da imagem eletrónica, somente poderá ser uma história vivisecada. Logo, se analisará a noção do pensamento impensável cinematográfico associado ao formato do videoclipe, muito presente na década de 1980. Pelo análise do conjunto das obras e seus formatos, se chega a ideia que a imagem eletrónica se caracteriza por sua unilateralidade robótica e que ela se multiplica pela reprodução massiva digital. Finalmente, se analisará o concerto Minimum-Maximum do grupo pioneiro em género musical eletró- nico Krafferk, em relação a noção de informação eletrónica
As aventuras do visível: Dziga Vertov, cineasta materialista
No full textLa temprana concepción documental de Dziga Vertov del cine como arte que permite registrar el movimiento real de la vida puso de relieve la preocupación por crear un cine “puro” hecho de nada más (y nada menos) que materia y movimiento, capaz de superar los moldes narrativos en los que yacía entrampado hasta entonces –heredados de la literatura y el teatro– y de capturar el despliegue de las fuerzas y energías sociales de su tiempo histórico en una cartografía audiovisual. En el presente trabajo nos centraremos en al análisis de El hombre con la cámara, acaso su obra mayor. Aquí la búsqueda de una verdad a través de la escritura mecánica de la luz en el celuloide convive paradojalmente con una mirada autoral auto-consciente del artificio del cinematógrafo en todas sus dimensiones. La película puede ser pensada como la convergencia de dos líneas de fuerza heterogéneas que vertebran tanto el rodaje como la decisiva concepción del montaje en tanto arte de los intervalos: por un lado, el cine-ojo como máquina capaz de conectar todos los movimientos de los seres en el comunismo materialista de una danza rítmica llevada hasta el paroxismo; por otro, un meta-cine que remarca los artificios de la puesta en escena y el ilusionismo del montaje, haciendo oscilar indefinidamente los polos objetivo/documental y subjetivo/ficcional, a partir de una sistemática puesta en abismo de las condiciones materiales, técnicas, artísticas y sociales de su propia realización.A precoce concepção documental do cinema de Dziga Vertov como arte que permite registrar o movimento real da vida acentuou a preocupação por criar um cinema “puro” feito de nada mais (e nada menos) que matéria e movimento, capaz de superar as formas narrativas nas quais estava preso ate então –herdadas da literatura e do teatro– e de capturar o desdobramento das forças e energias sociais em uma cartografia audiovisual de seu tempo histórico. No presente trabalho nos centraremos na análise de “Um homem com uma câmera”, provavelmente sua grande obra. A procura de uma verdade pela escrita mecânica da luz em celuloide convive aqui, paradoxalmente, com um olhar autoral autoconsciente do artifício do cinema em todas as suas dimensões. O filme pode ser pensado como a convergência de duas linhas de forças heterogêneas que estruturam a filmagem e a decisiva concepção da montagem como arte dos intervalos: por um lado, o cine-olho como máquina capaz de conectar todos os movimentos dos seres no comunismo materialista de uma dança rítmica levada até o paroxismo; por outro, um meta-cinema que destaca os artifícios da encenação e o ilusionismo da montagem, fazendo oscilar indefinidamente os polos objetivo/ documentário e subjetivo/ficção, a partir de uma sistemática “mise en abyme” das condições materiais, técnicas e sociais da sua própria realização
A dimensão criativa no trabalho de ator. Mirella Pascual em Whisky
No full textWhisky was both Mirella Pascual’s first featurelength film and the film that sealed her reputation as an actress, as she was praised by international film critics for her leading role. This essay explores the creative and artistic side of Pascual’s acting in the aforementioned film without falling into the “rhetoric of realism”, which judges actors’ performances on the basis of “honesty” and “truth”. Instead, the ways in which a person positions him or herself as an actor (Mauro, 2016) and the intimate and contextual level of acting (Meldolesi, 2006) are studied, allowing an examination of what Maltby (1995) calls “the double-consciousness paradox”, that is, the co-presence of two identities in one single body. In this way, the notion of the actor as a mere interpreter is superseded, shedding light on how the striking nature of Pascual’s acting stems from her creativity in the process of her becoming a creator and an artist.Whisky (Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, 2004) fue el film inaugural y al mismo tiempo la consagración de la actriz Mirella Pascual, quien recibió el reconocimiento de la crítica internacional por su rol protagónico. El objetivo del presente estudio es abordar la dimensión creativa y artística de su actuación sin reducir la perspectiva analítica a la “retórica del realismo” que se vale de categorías como la “sinceridad” o la “verdad” para juzgar la performance de los actores en cine. Lejos de ello, el recorrido trazado contempla las diferentes instancias en las que el sujeto se posiciona como actriz (Mauro, 2016) y también el nivel íntimo y el nivel contextual (Meldolesi, 2006) que permiten indagar en lo que Maltby denomina “la paradoja de la doble conciencia” (383, 1995), esto es, la co-presencia de dos identidades en un mismo cuerpo. De esta forma, el presente estudio supera la idea de actor entendido como mero intérprete y evidencia que la visibilidad de la actuación de Mirella Pascual deviene de la construcción creativa que le aportó a su rol en particular y al film en general, constituyéndose en un sujeto creador y artista.Whisky foi um filme que inaugurou e também consagrou à atriz Mirella Pascual, que recebeu o reconhecimento da crítica internacional por seu papel protagônico. O presente estudo tem como objetivo abordar a dimensão criativa e artística de seu desempenho sem reduzir a perspectiva analítica à "retórica do realismo" que usa categorias tais como "sinceridade" ou a "verdade" para julgar o desempenho dos atores no cinema. Longe disso, o caminho traçado contempla as várias situações em que o sujeito se posiciona como Ator (Mauro, 2016) e também o nível íntimo e contextual (Meldolesi, 2006) permitindo investigar o que Maltby (1995) chama "o paradoxo da dupla consciência", isto é, a copresença de duas identidades num só corpo. Assim, o estudo aqui apresentado supera a ideia do ator entendido como um mero intérprete e evidencia que a visibilidade da atuação da atriz Mirella Pascual vem da construção criativa que contribui para seu papel (interpretação) em particular e do cinema em geral, tornando-se criadora e artista
Usos y apropiaciones de las tecnologías en jóvenes ingresantes a carreras artísticas. Vinculación con su escolaridad anterior.
Get PDFEl trabajo que se presentará a continuación tiene como fin desarrollar unproblema que atañe a las carreras artísticas de grado que se cursan en laFacultad de Arte de la ciudad de Tandil, específicamente Profesorado deTeatro y Realización Integral en Artes Audiovisuales.A partir de grupos de discusión desarrollados con veinte jóvenes querecientemente habían culminado la escuela secundaria, se llega a laconclusión que respecto a las tecnologías, en general no han cambiadosus usos sino que han incorporado otros y, en algunos casos presentanuna lectura más crítica respecto a lo que hacen y/ o miran.Por otro lado se observa que de los ingresantes a carreras de artística nohay ninguno proveniente de escuelas secundarias con orientaciones enese sentido del distrito de Tandil. Se atribuye esta particularidad aque, de acuerdo a lo manifestado por los jóvenes, dichasinstituciones podrían presentar condiciones institucionales que nofavorecieran la elección de carreras artísticas
Kozak, Claudia (ed.) Tecnopoéticas argentinas. Archivo blando de arte y tecnología. Buenos Aires, Caja Negra Editora, 2012. 288 páginas
Get PDFTecnopoéticas Argentinas se presenta como resultado delproyecto de investigación “Poéticas/políticas tecnológicas en laArgentina (1910/2010)” dirigido por Claudia Kozak en elInstituto de Investigaciones Gino Germani de la Facultad deCiencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires entre 2008 y2010