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Adapter l'opéra au cinéma, entre création et reproduction : étude sociologique de "La Flûte enchantée" de Bergman
Get PDFLa version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal www.bib.umontreal.ca/MU)."La Flûte enchantée" (1975), téléfilm d’Ingmar Bergman, pose, dans une perspective
sociologique, la question de l’adaptation de l’oeuvre alliée aux intentions esthétiques de son auteur. En quoi Bergman est-il parvenu à adapter "La Flûte enchantée" à la société,
principalement suédoise, de 1975 à laquelle son film est destiné ? Comment développe-t-il sa contribution esthétique entre le respect de l’oeuvre, tant sur le plan de son contenu dramatique que sur le plan de sa réception, et l’innovation qui est à la base de son approche cinématographique ? De par son mode de diffusion télévisuel, le film de Bergman rend l’opéra accessible au plus grand nombre. De par ses réarrangements du livret, traduit en suédois, il réactualise l’oeuvre de Mozart. De par ses traits esthétiques, il exprime une vision de son auteur sur la représentation même d’un opéra sur scène et marque de son empreinte l’histoire des mises à l’écran d’opéras."The Magic Flute" (1975) is a television film directed by Ingmar Bergman which, from a
sociological perspective, raises the question of an opera’s film adaptation paired with the
aesthetic endeavours of filmmaking. How does Bergman succeed in adapting "The Magic Flute"
to a contemporary, mainly Swedish, 1975 audience to whom his film is intended? How does he develop his aesthetic contribution as he comes face to face with the difficult choice between owing respect to the opera, in terms of the libretto’s content and of its reception, and envisioning a work of its own? Through its telecast, Bergman’s film makes the opera accessible to the public at large. By rearranging the libretto, translated into Swedish, it attunes Mozart’s work to contemporary issues. It also bears aesthetic traits which express Bergman’s ideas about the theatrical performance of an opera and has left its imprint on the history of
operas on screen
Nouvelles perspectives sur la scène techno montréalaise : du populaire à l’underground, entre unité et cohabitation
Get PDFDepuis les années 1970 et l’époque du disco, Montréal jouit d’une réputation de ville de fête où la dance music1 occupe une place importante de la vie culturelle nocturne. Autour de ce phénomène musical se sont développées des scènes qui s’inscrivent plus globalement dans une culture locale et transnationale. Les recherches sociomusicologiques portant sur la réception des musiques électroniques populaires underground, notamment la techno qui connait une popularité grandissante, sont peu nombreuses lorsqu’on sort du cadre des festivals, des free et des rave parties et qu’on s’intéresse aux pratiques urbaines « ordinaires ». Ce mémoire de maitrise s’intéresse à la scène techno montréalaise et à ses publics.
Les enquêtes sur les pratiques culturelles ont tendance à dépeindre les publics comme homogènes, idée que vient nuancer ce travail. En considérant la techno comme une scène plutôt que comme une sous-culture, notre réflexion permet de rendre compte de la diversité des pratiques et des dynamiques qui existent entre les différents acteurs et objets qui constituent cet espace en mouvement constant.
Afin d’en apprendre plus sur la façon dont la techno évolue à Montréal, nous fréquentons la scène depuis 2014 et avons entamé une période d’observation participante avant la pandémie. Nous avons diffusé un questionnaire sur Internet (n= 336). Au terme de quinze entretiens semi-dirigés réalisés à l’automne 2020, au cours desquels nous avons utilisé le procédé de photo-élicitation, nous avons approché les représentations sociales d’amateur-trices de techno sur la scène par l’image. Nous avons fait le même exercice avec la musique pour saisir le sens que les auditeur-trices lui donnent.
Cette première percée au coeur de la scène techno montréalaise nous a permis d’interroger la définition de la techno, de cartographier ses lieux de diffusion, de découvrir les publics montréalais et leurs pratiques. Nos résultats nous amènent à penser qu’il n’existe pas une seule scène techno mais plusieurs.Since the 1970s and disco, Montreal has enjoyed a reputation as a party city where dance music has been an important part of the cultural nightlife. Around this musical phenomenon, scenes have developed, being a part of a more global local and transnational culture. Socio-musicological research on the reception of popular underground electronic music - particularly techno, which is enjoying increasing popularity - is scarce when one leaves the framework of festivals, free parties and rave parties and looks at "ordinary" urban practices. This thesis focuses on the Montreal techno scene and its audiences.
Surveys on cultural practices tend to portray audiences as homogeneous, but this work allows us to nuance this idea. By considering techno as a scene rather than a subculture, it allows us to account for the diversity of practices and the dynamics that exist between the different actors and objects that make up this constantly moving space.
In order to learn more about how techno takes root in Montreal, we have been frequenting the scene since 2014 and began a period of participant observation prior to the pandemic. We distributed a questionnaire on the Internet (n= 336). At the end of fifteen semi-structured interviews conducted this fall, during which we used the photo-elicitation process, we approached the social representations of techno fans on the scene through images. We have done the same exercise with the music to grasp the meaning that the listeners give to it.This breakthrough in the Montreal techno scene allowed us to question the definition of techno, to map its places of diffusion, to discover the Montreal public and their practices. Our results lead us to believe that there is not one techno scene but many
Adapter l'opéra au cinéma, entre création et reproduction : étude sociologique de "La Flûte enchantée" de Bergman
No full textLa version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal www.bib.umontreal.ca/MU)."La Flûte enchantée" (1975), téléfilm d’Ingmar Bergman, pose, dans une perspective
sociologique, la question de l’adaptation de l’oeuvre alliée aux intentions esthétiques de son auteur. En quoi Bergman est-il parvenu à adapter "La Flûte enchantée" à la société,
principalement suédoise, de 1975 à laquelle son film est destiné ? Comment développe-t-il sa contribution esthétique entre le respect de l’oeuvre, tant sur le plan de son contenu dramatique que sur le plan de sa réception, et l’innovation qui est à la base de son approche cinématographique ? De par son mode de diffusion télévisuel, le film de Bergman rend l’opéra accessible au plus grand nombre. De par ses réarrangements du livret, traduit en suédois, il réactualise l’oeuvre de Mozart. De par ses traits esthétiques, il exprime une vision de son auteur sur la représentation même d’un opéra sur scène et marque de son empreinte l’histoire des mises à l’écran d’opéras."The Magic Flute" (1975) is a television film directed by Ingmar Bergman which, from a
sociological perspective, raises the question of an opera’s film adaptation paired with the
aesthetic endeavours of filmmaking. How does Bergman succeed in adapting "The Magic Flute"
to a contemporary, mainly Swedish, 1975 audience to whom his film is intended? How does he develop his aesthetic contribution as he comes face to face with the difficult choice between owing respect to the opera, in terms of the libretto’s content and of its reception, and envisioning a work of its own? Through its telecast, Bergman’s film makes the opera accessible to the public at large. By rearranging the libretto, translated into Swedish, it attunes Mozart’s work to contemporary issues. It also bears aesthetic traits which express Bergman’s ideas about the theatrical performance of an opera and has left its imprint on the history of
operas on screen
La poïétique d’Yves Daoust : entre représentation socioculturelle et questionnement identitaire
No full textCet article consacré à la poïétique d’Yves Daoust a pour objectif de délimiter un terrain heuristique et herméneutique pour appréhender son oeuvre musicale. À travers une investigation musicologique et sociologique de la présence de références historiques et d’artefacts sonores au sein de l’oeuvre de Daoust, il s’agit de questionner les processus poïétiques que met en place le compositeur pour favoriser une association à des lieux communs et la reconnaissance de repères symboliques pour les mélomanes partageant une expérience socioculturelle similaire. Il sera possible ensuite de se demander en quoi ce travail se révèle significatif du point de vue individuel et dans quelle mesure un sens précis s’en dégage à l’écoute. La notion d’identité deviendra essentielle à ce moment pour saisir pleinement la dialectique qui se joue dans son oeuvre entre mémoire et distance, entre identification et dépassement critique face aux lieux et événements interpellés. De sorte qu’à la fin de l’article, le lecteur pourra avoir une meilleure idée des niveaux de compréhension auxquels renvoie la musique de Daoust et du questionnement identitaire qui fonde son oeuvre tout en la transportant dans des avenues riches de sens.This article outlines a heuristic and hermeneutic space in which to situate the music of Yves Daoust. Through an inquiry, both musicological and sociological, into the historical references and sound objects found in Daoust's work, the author examines the poetic processes whereby the composer associates himself with his audiences through references to symbolic landmarks and through the evocation of a common sociocultural experience. From there, it will possible to question the status of the work's authenticity in relation to the individual, and to determine the extent to which this is audible in the music. The notion of identity is essential to the understanding of the dialectic between memory and distance, and between identification and critical departure, in the face of the works' allusions to specific locations and events. The reader will gain a sense of the different levels of understanding one can bring to Daoust's music, as well as an appreciation for the questioning of identity underlying his works, leading to a richer sense of the music
Stravinsky and France: Reception, interactions and legacy
No full textWidely regarded as the greatest composer of the twentieth-century, Igor Stravinsky shot to international fame following the Paris premieres of his 1910-13 Russian ballet trilogy that culminated with The Rite of Spring. With France more than any other country playing a decisive role in launching his career, Stravinsky became the undisputed icon of the Parisian avant-garde, exploiting an unparalleled mediatic flair for self-promotion at a time when media, communications, and networking exploded. This might explain the breadth of his significance for French music and why, more than any other of his prestigious colleagues, he gives way to a dizzying array of interconnections of various modes and in various milieux. Taking stock of recent developments in Stravinsky and twentieth-century French music research, this substantial volume offers a new critical assessment of Stravinsky’s multifaceted relationships with French culture and society, as well as the response of French culture to his music, during the years he gravitated around France (1910-1939). Twenty essays by internationally recognised and emerging scholars are brought together by contributing editors François de Médicis, Caroline Rae and Danick Trottier to present new perspectives on the composer’s reception, interactions and legacy in France
Compte rendu : Elliott Carter. A Centennial Portrait in Letters and Documents, Felix Meyer et Anne C. Shreffler (2008), Paul Sacher Foundation, Woodbridge, Boydell Press. 367 p. ISBN-13 : 978-1-84383-404-5 et ISBN-10 : 1-84383-404-9 (couverture rigide)
Get PDFDe l’utilité de la philosophie chez le compositeur : Le cas exemplaire de Schoenberg héritier de Schopenhauer
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Catherine Rudent. 2011. L’album de chansons. Entre processus social et oeuvre musicale. Juliette Gréco, Mademoiselle K, Bruno Joubrel. Paris : Honoré-Champion, collection « Musique-Musicologie ». 274 p. ISBN 978-2-7453-2279-1 (couverture souple)
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