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Going Beyond Counting First Authors in Author Co-citation Analysis
Get PDFThe present study examines one of the fundamental aspects of author co-citation analysis (ACA) - the way co-citation
counts are defined. Co-citation counting provides the data on which all subsequent statistical analyses and mappings
are based, and we compare ACA results based on two different types of co-citation counting - the traditional type that
only counts the first one among a cited work's authors on the one hand and a non-traditional type that takes into
account the first 5 authors of a cited work on the other hand. Results indicate that the picture produced through this non-traditional author co-citation counting contains more coherent author groups and is therefore considerably clearer. However, this picture represents fewer specialties in the research field being studied than that produced through the traditional first-author co-citation counting when the same number of top-ranked authors is selected and analyzed. Reasons for these effects are discussed
The surviving aural spaces : auditory awareness and the sonar-body's practices of space
No full textDans le chaos de la vie contemporaine, il faut de plus en plus apprendre à écouter ; écouter les gens, la nature, mais aussi les lieux, les espaces, leurs parois. Les murs n’ont pas que des oreilles : ils parlent. Ils parlent d’un récit in-ouïe de l’humanité, d’espaces vibrants et chuchotant. Dans le fracas de nos souvenances, il faut tendre l’oreille pour prendre conscience de notre univers, de nos espaces sonores. Ma pratique artistique a pour centre d’intérêt le son et la perception de l’espace sonore. Je crée des parcours, des méditations, des situations, des enregistrements de terrain, des témoignages et des récits qui sondent la ténuité du silence et la résonance des zones d’écoute. A l’écoute du bruit de fond et de l’écho qui remplissent les lieux, je me déplace pour tenter d’exposer la survivance des espaces sonores. Au cœur d’un monde sonore, plusieurs artistes contemporains engagent des dynamiques de renvoi de l’écoute et du corps. La survivance prend forme dans des traces, des résidus et des fossiles sonores, qui sont autant de témoignages de nos traversées que de paysages résistant a leur propre disparition. Pour entendre ces résidus sonores, pour voir la survivance des espaces sonores, je fais appel à des participants qui découvrent leur conscience auditive et performent le mouvement d’un corps-sonar, un mouvement en résonance entre le corps, l’espace et la collecte d’informations provenant du passé. Le corps‐sonar, qui entre en contact avec l’invisible, touche l’écho des espaces, révélant par le fait même notre imaginaire touché. Cette thèse raconte mon parcours dans l’univers du son, la traversée de ma pratique personnelle, de mes œuvres comme de mes récits. Elle donne également le rôle principal aux œuvres décrites et étudiées sous l’angle de la conscience auditive et de la survivance des espaces sonores. Elle traverse les créations de plusieurs artistes, de John Cage à Brandon Labelle, en passant par Pauline Oliveros et Alvin Lucier. Elle parcourt aussi la pensée de nombre de théoriciens, dont Didier Anzieu, Raymond Murray Schafer, Georges Didi-Huberman et Michel Serres. Écoutons-les, pour voir.In the chaos of contemporary life, it is more and more necessary to learn how to listen: listening to people, to nature, but also to places, to spaces, to their walls (parois). Walls do not only have ears; they speak. They speak of an unheard (in-ouïe) about humanity, about vibrating and whispering spaces. In the clash of our remembering, it is necessary to stretch the ear in order to become conscious of our universe, or our aural spaces. My art practice focuses on sound and aural spatial awareness. I create sound journeys, meditations, situations, field recordings, testimonies and stories that explore the silence’s tenuousness and the resonance of listening areas. While listening to the background noise and the echo that fill in the places, I am moving in an attempt to expose the Surviving Aural Spaces. At the heart of a sonic world, various contemporary artists are engaged in dynamics of referencing (renvoi) to the listening and to the body. The surviving takes form in sound traces, sound residues and sound fossils, that all witness our journeys as well as landscapes resisting to their own disappearance. In order to hearing those sound residues, to seeing the surviving of aural spaces, I am making use of participants whom discover their auditory awareness and perform a sonar-body movement, a movement that resonates between the body, the space and the information collected from the past. The sonar-body contacts the invisible, touches the echo of spaces, thus revealing our touched imaginary. The present thesis relates my journey in the universe of sound, the crossing of my personal practice, of my works as well as my narratives. It also gives the leading role to the works, described and studied from the angle of auditory awareness and the surviving of aural spaces. It goes through the creation of various artists, from John Cage to Brandon Labelle, via Pauline Oliveros and Alvin Lucier. It also browses the thinking of many theorists, including Didier Anzieu, Raymond Murray Schafer, Georges Didi-Huberman and Michel Serres. Let’s listen to them, to see
Vidéo Femmes : fragments d'un héritage féministe (1973-1993) : une recherche-création pour réactiver et mettre en récit les archives cinématographiques féministes en ligne
Get PDFSi les nombreux travaux féministes en histoire du cinéma ont contribué à dénoncer les inégalités de genre dans le champ de la critique et de la production cinématographique au Québec (Carrière, 1983; Denault, 1997; Lamartine, 2010, Armatage & al., 1991, Marchessault, 1995; Contogouris, Ravary-Pilon, 2022; Saint-Pierre, 2022; Maule, 2023), rares sont les recherches qui se sont intéressées à la production vidéographique féministe et particulièrement aux legs laissés par ces nombreux collectifs de vidéastes. Au début des années 1970, la vidéo est considérée comme un « instrument », à la fois témoin et acteur d’une époque riche sur les plans historique, culturel et artistique. C’est un outil dont les utilisations sont particulièrement variées, mais qui deviendra rapidement un médium de prédilection pour les femmes et les féministes souhaitant revendiquer un espace de création politisé et s’émanciper d’une industrie cinématographique alors largement dominée par les hommes (Duguet, 1981; Ross, 1984; Marchessault, 1995; Fleckinger, 2011). Cette recherche-création consiste en une réactivation numérique d’un corpus d’archives cinématographiques peu reconnu par l’histoire nationale. Cette diffusion d’archives a pris la forme d’un dossier thématique en ligne publié sur la plateforme numérique de la Cinémathèque québécoise (CQ). Le dossier thématique « Vidéo Femmes : fragments d'un héritage féministe (1973-1993) » (disponible également en version anglaise) présente au public une mise en récit des premières années de Vidéo Femmes (VF) à partir de certaines des archives du collectif (œuvres vidéo, extraits de films, retranscriptions d’entretiens avec les réalisatrices, photographies et affiches). Cette recherche met en lumière, l’importance historique des œuvres produites par Vidéo Femmes (1973-2015), dont l’immense catalogue trop peu connu témoigne des luttes féministes et plus largement des explorations formelles et créatives des femmes au Québec. Misant sur une méthodologie de recherche-création (Sawchuk et Chapman, 2012) ancrée dans une pratique de collecte de sources orales (Baillargeon, 1993) mise en relation avec une théorie féministe sur les archives numériques (Juhasz, 2006 ; Bociurkiw, 2018 ; Wernimont, 2019), cette recherche participe à approfondir notre réflexion sur le potentiel critique des archives cinématographiques féministes et a pour ambition de favoriser, plus largement, l’émergence de nouvelles formes de réflexivité dans un contexte patrimonial.A growing body of feminist film history research has critically analyzed gender inequalities in film criticism and production in Quebec (Carrière, 1983; Denault, 1997; Lamartine, 2010, Armatage & al., 1991, Marchessault, 1995; Contogouris, Ravary-Pilon, 2022; Saint-Pierre, 2022; Maule, 2023). However, the legacy of feminist video production, and more specifically women’s video collectives, has received far less attention. From the early 1970s, video was considered an “instrument” that was both witness and agent in a dynamic political and cultural moment in Quebec. While early video was a used for multiple purposes across varied contexts, the medium was rapidly taken up by women seeking to forge a creative space apart from the Quebec film industry widely dominated by men at the time (Duguet, 1981; Ross, 1984; Marchessault, 1995; Fleckinger, 2011). This research-creation thesis brings together a creative digital reactivation of the archive of Video Femmes (a women’s video collective established in Quebec City in 1973), with a written thesis. The creative project takes the form of a thematic dossier published on the digital platform of the Cinémathèque Québécoise (CQ) since June 2024. Entitled « Vidéo Femmes: fragments d'un héritage féministe (1973-1993), » the dossier addresses the early years of Vidéo Femmes (VF) through selected archives including video works and excerpts, transcriptions of interviews with the filmmakers, photographs and posters. My research highlights the historical importance of the works produced by Vidéo Femmes (1973-2015), notably the collective’s extensive and little-known catalogue that engages with second wave feminist activism in Quebec and attests to the formal and thematic explorations of early women’s video in Quebec. Developed through a research-creation approach (Sawchuk et Chapman, 2012), this thesis is grounded in oral sources that are set in relation with feminist scholarship and practices of digital archiving (Juhasz, 2006 ; Bociurkiw, 2018 ; Wernimont, 2019). This study contributes to research on the critical potential of feminist cinematic archives, and has the broader ambition of encourage new practices of reflexivity in relation to cultural archives
Variations on the Author
Get PDF“Variations on the Author” discusses two of Eduardo Coutinho’s recent films (Um Dia na Vida, from 2010, and Últimas Conversas, posthumously released in 2015) and their contribution to the general question of documentary authorship. The director’s filmography is characterized by a consistent yet self-effacing form of authorial self-inscription: Coutinho often features as an interviewer that rather than express opinions propels discourses; an interviewer that is good at listening. This mode of self-inscription characterizes him as an author who is not expressive but who is nonetheless markedly present on the screen. In Um Dia na Vida, however, Coutinho is completely absent form the image, while Últimas Conversas, on the contrary, includes a confessional prologue that moves the director from the margins to the center of his films. This article examines the ways in which these works stand out in the filmography of a director who offers new insights into the notion of cinematic authorship
From movie theatre to exhibition and beyond : appropriation and reinterpretation of cinema by visual artists 1986-2016
No full textDans les années 1980-1990, le cinéma devient une stratégie majeure dans les pratiques artistiques autant pour des raisons de changements technologiques que des effets de génération. Des questions, dès lors, se posent, notamment celle de savoir ce que le cinéma fait à l'espace d'exposition. Le cinéma et l'exposition sont des espaces différents, régis par des règles de fonctionnement distinctes. À l'appui d'un corpus international couvrant la période 1986-2016 et en revenant sur l'historiographie de ces pratiques, la thèse se propose d'étudier les effets de ce déplacement du cinéma dans les pratiques artistiques. Des modifications portées à l'espace d'exposition par l'importation du dispositif cinématographique (écran, projecteur, salle de cinéma, séance) aux changements opérés dans le passage d'un spectateur de cinéma à celui du visiteur d'exposition, on remarque qu'il ne s'agit pas de reproduire le cinéma à l'exposition, mais au contraire de s'en servir pour reconsidérer le rapport à l'œuvre. S'observe enfin, chez ces mêmes artistes, après un déplacement du cinéma vers l'exposition, un mouvement vers l'espace public : le développement d'un travail hors de l'institution culturelle, vers un public différent, posant la question de la portée sociale de l'œuvre. L'enjeu est aussi de replacer ces travaux dans une histoire interdisciplinaire de l'art au croisement des pratiques performatives, des travaux des premiers vidéastes, mais aussi du cinéma expérimental.Due to technological changes and the rising generation of the 80s and 90s, cinema became a main strategy in visual arts, while impacting and transforming the exhibition space. Then some questions may be asked. Particularly, what cinema does to the exhibition space? Cinema and exhibition are two different spaces with distinct ways of functioning. This thesis, focusing on an international corpus from 1986 to 2016, goes back over the historiography of this subject and analyses the effects of the gradual bursting of cinema in the visual arts, such as modifications in the exhibition space (and the moving of the cinematic device - screen, projector, movie theatre, screening, etc.), changes of the viewer's outlook (from spectator to visitor), etc. These artists do not try to reproduce cinema in the exhibition, but on the contrary, intend to question its relationship to the artwork. In the end, the shift from cinema to exhibition reveals a desire to reach the public space, and, outside the cultural institutions, to enthrall a different audience. Such practices lead to consider the social impact of the artwork. This thesis also aspires to replace the works of these artists into an interdisciplinary history of art, at the junction of performing arts, the works of the first video artists and experimental cinema
Appropriate Similarity Measures for Author Cocitation Analysis
Get PDFWe provide a number of new insights into the methodological discussion about author cocitation analysis. We first argue that the use of the Pearson correlation for measuring the similarity between authors’ cocitation profiles is not very satisfactory. We then discuss what kind of similarity measures may be used as an alternative to the Pearson correlation. We consider three similarity measures in particular. One is the well-known cosine. The other two similarity measures have not been used before in the bibliometric literature. Finally, we show by means of an example that our findings have a high practical relevance.information science;Pearson correlation;cosine;similarity measure;author cocitation analysis
Imprecise itineraries and its possible images : elements toward an aesthetics of mobility
No full textCette thèse de doctorat examine comment la mobilité peut devenir la base d’un processus de création dans le champ de l’image en mouvement. Je propose un cadre de travail dans lequel l’ouverture d’esprit caractéristique de la mobilité volontaire est associée à une ouverture du langage artistique. En tant qu’ensemble de déplacements physiques et mentaux entre différentes géographies et entre différentes cultures, langues et traditions, la mobilité peut déterminer à la fois une expérience personnelle et une production artistique directement liées à l’improvisation et au hasard. Cette forme de pensée nomade, ouverte à l’improvisation, à l’imprévisibilité et au risque affecte aussi les formes des œuvres, également ouvertes à divers modes d’exposition et différentes interprétations. L’étude nous révèle comment les frontières géopolitiques et artistiques se stimulent et s’affectent mutuellement et dialectiquement. Elle nous incite à réfléchir sur la question de la mobilité en même temps qu’elle participe à l’élargissement des frontières de l’image en mouvement. Autour des notions de mobilité et de création en contexte, j’examine dans cette recherche basée sur ma pratique et celle d’autres artistes quels sont les enjeux des différentes étapes du travail, depuis la conception jusqu’à la présentation finale des œuvres, qu’il s’agisse de films, de vidéos et d’installations. En articulant les dispositifs de création et de diffusion dans le but de combiner simultanément le processus de réalisation de l’œuvre et l’expérience du déplacement, une esthétique particulière émerge, basée sur la mobilité et l’expérience directe du monde.This doctoral dissertation examines how mobility can become the basis for creative process in the field of moving image. I propose a framework where the open-mindedness characteristic of voluntary mobility is associated with an openness of artistic language. As a set of physical and psychic displacements among different geographies as well as among different cultures, languages and traditions, mobility can shape both personal experience and artistic production directly related to improvisation and chance. This nomadic form of thinking, open to improvisation, unpredictability and risk, also affects the forms of artworks that are in turn open to several ways of display as well as different interpretations. This study reveals how geopolitical and artistic borders stimulate and affect each other reciprocally and dialectically. It encourages us to reflect on the issue of mobility while simultaneously participating in the expansion of the moving image’s boundaries. Through a practice-based research around notions of mobility and creation in context, I examine embedded elements of different stages of film, video and installation production, using personal artworks and a body of references. By articulating certain devices for creation and display in order to simultaneously combine the process of the artwork’s production with the experience of the displacement, a particular aesthetic emerges, based on mobility and a direct experience of the world.Esta tese de doutorado examina como a mobilidade pode se tornar a base para um processo criativo no campo da imagem em movimento. Eu proponho um contexto de trabalho em que a abertura de espírito característica da mobilidade voluntária é associada a uma abertura da linguagem artística. Como um conjunto de deslocamentos físicos e mentais entre diferentes geografias, bem como entre diferentes culturas, línguas e tradições, a mobilidade pode determinar tanto uma experiência pessoal quanto uma produção artística diretamente relacionadas à improvisação e ao acaso. Esta forma de pensar nômade, aberta à improvisação, à imprevisibilidade e ao risco também afeta as formas das obras, igualmente abertas a vários modos de exposição e diferentes interpretações. O estudo revela como as fronteiras geopolíticas e artísticas se estimulam e se afetam reciprocamente e dialeticamente. Ele nos encoraja a refletir sobre a questão da mobilidade, ao mesmo tempo em que colabora para expandir os limites da imagem em movimento. Em torno das noções de mobilidade et de criação em contexto, nessa pesquisa prático-teórica, eu examino quais são os elementos incorporados nas diferentes fases de produção de filmes, vídeos e instalações a partir de obras pessoais e de um conjunto de referências. Ao articular os dispositivos criação e de difusão com o objetivo de combinar simultaneamente o processo de realização da obra e a experiência do deslocamento, uma estética particular emerge, baseada na mobilidade e na experiência direta do mundo
Who speaks? : poetics and politics of enunciation in the Age of the Anthropocene
No full textLa question d’une politique de l’énonciation et des dispositifs formels qui la rendent possible structure de nombreux débats contemporains sur l’art. En 1972, Gilles Deleuze disait à Michel Foucault « vous nous avez enseigné l’indignité qu’il y a à parler pour les autres », ouvrant avec d’autres, le grand questionnement féministe, queer et postcolonial qui se tiendrait jusqu'à nous aujourd'hui. Lorsque l’on se demandait alors « qui parle ? », une série d’enjeux s’ouvraient, interrogeant l’histoire du cinéma documentaire, les écritures pronominales, les mécanismes du regard, autant que les instances qui structurent la parole démocratique, la légitimité du chercheur, les politiques identitaires, les sciences et ses procédures, la psychanalyse, etc. Aujourd’hui, c’est la voix silencieuse du monde qui nous rattrape, alors qu’avec l’ère de l’Anthropocène, des dispositifs d’inclusion des non-humains (animaux, végétaux, objets, etc.) se multiplient, qui en appellent à des procédés de traduction, d’éco-diplomatie, d’attention, de porte-parolat. Comment prendre en compte ce qu’ils ont à nous dire ? Et en d’autres termes, que fait l'Anthropocène aux épistémologies du point de vue et à la question « Qui parle ? ». Depuis ces questions travaillées par le biais des œuvres (principalement des images en mouvement et issues du tournant assembléiste de l’art) et depuis l’horizon d’une démocratie plus qu’humaine, ce cheminement nous amènera à envisager l’espace de l’art comme le lieu privilégié depuis lequel reformuler une politique de l’énonciation qui ne reposerait plus seulement sur une morale du minoritaire, mais sur une politique du silence et des incommensurables.The issue a politics of enunciation and the formal devices that make it possible, structures many debates about art. In 1972, Gilles Deleuze said to Michel Foucault, "you have taught us the indignity of speaking for others," opening with others the vast feminist, queer and postcolonial questioning that still stands until today. When we then wondered "who speaks", a series of issues opened up, questioning the history of documentary cinema, pronominal writings, the mechanisms of the gaze, as well as the instances that structure democratic speech, the legitimacy of the researcher, identity politics, science and its procedures, psychoanalysis, and so on. Nowadays, it is the silent voice of the world that catches up with us, whereas with the Anthropocene era, devices of inclusion of non-humans (including animals, plants, objects, etc.) proliferate, calling for translations, eco-diplomacy, attention, spokesmanship. How can we take into account what they have to say to us? In other words, what does the Anthropocene do to standpoint epistemologies and to the question "Who speaks". From these questions worked through many artworks (mainly moving images and the assembleist turn of art) and from the horizon of a democracy more than human, this path will lead us to consider the space of art as the privileged space from which to reformulate a politics of enunciation that would no longer be based solely on a morality of the minority, but on a policy of silence and of immeasurable
The space between [body/machine] : the Princess and her Mac
No full textPar le conte d’une Princesse et son Mac, écrit avec le réseau social Facebook pendant trois ans, nous voyagerons à travers ce que ces personnages représentent dans cette zone instable et mobile de leurs rencontres. La Princesse et son Mac désigne un personnage de fiction, un corps réel et des machines. La Princesse ouvre sur un point de vue féminin, jouant un devenir. Le Mac renvoie autant à la marque Apple qui vend des ordinateurs Macintosh qu’à l'abréviation argotique française. Nous tenterons de poser l'hypothèse que l'art semble matérialiser des espaces particuliers, entre corps et machines. Ce titre L’entre [corps/machine] caractérise ces espaces que nous nommons flottants, en référence au moucharabieh et au Ma Japonais. La compréhension de l’organisation spatiale et la conception orientale des espaces-temps semblent un moyen d‘envisager cet entre corps/machine comme espace de résistance. Surtout, il favoriserait la compréhension de notre place dans le monde pour agir sur le monde. A partir d’une pratique artistique personnelle nous interrogerons les nécessités d’espaces flottants et en extension. Seules nos présences entre corps et machine rendent visible les liens relationnels ”entre” les informations et les trajets opérés, ”entre” nos corps et nos identités. Cette recherche s’attache à montrer que la force des réseaux, dans ma pratique artistique, consiste à accompagner les variabilités du corps et de nos perceptions en temps réel. L’entre [corps/machine] rend possible des temps d’imprégnation et de rencontres. Le rythme entre corps et machine, devient élément vital, cellule dans laquelle nous devons désormais apprendre à puiser.For the tale of the adventures of a princess and her Mac, written with the social network Facebook for three years, we travel through what these characters represent in this volatile and moving area of their meetings. The Princess and her Mac includes both a fictional character, a real body and machines. The Princess opens with a female point of view, playing a becoming. The Mac refers as much to the Apple brand that sells Macintosh computers at the French slang abbreviation. We will try to hypothesize that art seems to materialize particular spaces between body and machine. This title Between [body / machine] characterizes these spaces we call ”floating” with reference to the notions of moucharabieh and japenese Ma. Indeed, the understanding of the spatial organization and the oriental conception of space-times appear a way to consider this ”between” body / machine as a space of resistance. Above all, it would promote understanding of our place in the world to act on the world. From a personal artistic practice we will question the emerging needs of spaces, floating and extension. Indeed, only our presence make visible relational links "between" the information and journeys, "between" our bodies and identities. This research attempts to show that the strength of the networks, in my artistic practice is to accompany the variability of body and our perceptions in real time. Art materializes these spaces between as a form of resistance, in front of the proliferation of connected objects. The between [body / machine] makes possible impregnation time and meetings. The rhythm between body and machine becomes vital, cell in which we now have to learn to draw
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