Revista Iberoamericana

Morales Hernández, Jesús Eduardo

Gustav o Forero Quintero, ed. Fronteras del crimen: globalización y literatura. Medellín: Editorial Planeta, 2015.

Vázquez, Karina Elizabeth

1264 Reseñas
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ritual implica traer de vuelta la figura evocada. Es lo que retrata el poema de Montejo: 
Bolívar en tanto que esencia inatrapable y siempre evasiva. La posición del autor es 
que, con Chávez, se rompe ese carácter para dar lugar a una forma más corpórea y 
encarnada de apropiación; el barco deja de flotar en el río para anclarse en la tierra. 
Por último, en el capítulo de Luis Duno-Gottberg, Bolívar aterriza, o se transforma, 
en sus restos y la atención está en la exhumación realizada por Chávez. El autor describe 
a sus huesos como objetos de disputa y performance. Según su óptica, la investigación 
sobre si esos huesos realmente eran de Bolívar representa una forma del Estado de 
legitimarse y reafirmar su autoridad; yo Estado chavista, revolucionario, decido si esos 
huesos son de Bolívar, me legitimo ante ellos y ellos me otorgan autoridad. 
La presente entrega representa un nuevo episodio del camino que inició Carrera 
Damas en torno a la desmitificación de Bolívar. Considero su lectura clave para todo tipo 
de audiencias interesadas en una rica y compleja comprensión del Libertador y toda su 
elasticidad como significante privilegiado pero constantemente evasivo. El prólogo es 
del mismo autor de El Culto a Bolívar y, en él, agradece el libro y sostiene que promete 
entregar interpretaciones amplias. Solo me resta sumarme a este agradecimiento y 
reafirmar su potencial detonador de pensamiento. 
Carlos G. Torrealba 
Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (Flacso México) 
fErnando rosEnbErg. After Human Rights. Literature, Visual Arts, and Film in 
Latin America, 1990-2010. Pittsburgh: University of Pittsburgh Press, 2016. 
ISBN: 978-0822-964-162.
El trabajo de Fernando Rosenberg analiza el modo en que la literatura y las artes 
visuales han dado cuenta de los cruces entre el lenguaje emancipador de los derechos 
humanos y la lógica neoliberal aniquiladora de los derechos básicos de los individuos. 
En su estudio, el autor señala que, ya sea como modo de intervención directo desde el 
poder o como mecanismo de réplica crítica, las representaciones simbólicas reafirman o 
cuestionan las convenciones o los códigos de interpretación mediante la manipulación 
de los regímenes sensoriales. Su interrogante sobre la justicia no surge de la necesidad 
pragmática de una definición, sino de la revisión de un corpus diverso de obras que 
recorren la historia cultural latinoamericana, en el que se pueden identificar los principios 
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jurídicos en torno a los derechos. De este modo, Rosenberg hace un movimiento de 
orden intelectual-perceptivo similar al de Nelson Goodman en Languages of Art (1976), 
quien no se pregunta “qué” es el arte, sino “cuándo” algo es arte. La propuesta crítica 
de Rosenberg trasciende la mirada universalista sobre la justicia al poner frente a los 
lectores las condiciones y convenciones a partir de las cuales surgen los derechos.
La tesis central que estructura el volumen sostiene que tanto el sentido común 
neoliberal, como la lógica de los derechos humanos tienen un sustrato común que 
les permite avanzar de manera ilimitada y opuesta. Se trata de un imaginario social 
cuyas convenciones surgen de escenarios históricos cambiantes y de un sensorium que 
genera tanto un ethos de sumisión, como un lenguaje de resistencia. En este sentido, 
Rosenberg sostiene que –ante el desmantelamiento de un imaginario político centrado 
en nociones de Estado, nación y soberanía–, la lógica desmembradora de la economía 
global deja espacios de necesidad, material y simbólica. En esos “vacíos”, el discurso 
de los derechos humanos asume un papel articulador compensatorio de la conexión 
entre justicia, seguridad y bien común. 
A lo largo de siete capítulos, el autor estudia las formas en que la literatura y las 
artes visuales exponen este complejo equilibrio/desequilibrio entre el derecho y el 
avasallamiento, entre la existencia y la extinción. En el primer capítulo, analiza el marco 
conceptual relacionado con la justicia, las nociones de ley y formaciones culturales 
latinoamericanas, a partir del cual se analizan textos literarios y artefactos visuales. 
El autor parte de la fotografía de Martín Chambi y retoma distintas propuestas sobre 
la formación de los imaginarios jurídicos que surgen a la par de la construcción de 
los Estado-Nación y de la cultura hegemónica. Recupera trabajos de León Rozitchner 
y Ángel Rama, que problematizan la figura del sujeto socialmente excluido y en 
permanente búsqueda de la justicia. Rosenberg extiende esta mirada crítica al cruzarlas 
con la reticularidad de los discursos heteronormativos.
El análisis de los capítulos segundo y tercero se ocupa de dos grupos de 
ficciones. Por un lado, narraciones que abordan la idea de comunidad imaginada y sus 
delimitaciones de clase, etnia, género. En obras como Pedro Páramo, de Juan Rulfo, La 
multitud errante, de Laura Restrepo, y La virgen de los sicarios, de Fernando Vallejo, 
Rosenberg observa un espectro del imaginario de los derechos humanos anclado entre la 
territorialidad y la aniquilación de todo derecho, e identifica el pasaje desde las figuras 
errantes en búsqueda de justicia hacia espacios menos definidos en el plano jurídico. 
Ve en este pasaje una performatividad que rompe con las fronteras semánticas y una 
maximización de la noción de derecho que resulta de la ausencia de tribunales. El 
segundo grupo de ficciones corresponde a lo que ha sido denominado como novelas 
de la verdad y la reconciliación, publicadas entre 1990 y 2000, tales como La hora 
azul, del peruano Alonso Cueto, El desierto, del chileno Carlos Franz, Insensatez, 
del salvadoreño Horacio Castellanos Moya, y El material humano, del guatemalteco 
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Rodrigo Rey Rosa. Rosenberg señala que la imposibilidad casi visceral de nombrar el 
horror se materializa bajo la forma de archivo probatorio que abre la posibilidad para 
la reconfiguración de un discurso y un espacio para la justicia.
La representación del desaparecido, la reformulación de la pregunta sobre la 
justicia en el documental y la hipervisibilidad en las artes visuales son los temas 
trabajados por Rosenberg en los capítulos cuarto, quinto y sexto. El autor propone que 
las representaciones de la ausencia y la violencia en la obra de Nicolás Guagnini, Óscar 
Muñoz, José Padilha y Francis Alÿs, se encuentra en diálogo con regímenes sensoriales 
donde las convenciones simbólicas con las que se dirime el derecho están en competencia 
con las que dictamina la lógica neoliberal del ciudadano-consumidor. Sobre “30,000”, 
de Nicolás Guagnini, Rosenberg sostiene que, aunque el museo ofrezca una experiencia 
sensorial, tal interpelación se produce en continuum con los mercados de imágenes 
en los que predomina la representación de lo que ha desaparecido (una re-aparición), 
ingresando así en una lógica transaccional del sufrimiento. De allí que su observación 
sobre “Proyecto para un memorial”, de Óscar Muñoz, y la obra de José Padilla resulte 
atractiva. Si lo que se proyecta visualmente ya no es la presencia probatoria del otro 
que ha quedado excluido del territorio físico, imaginario y emocional del derecho, sino 
que la imagen que se exhibe es la del acto de desaparición, la experiencia sensorial 
se dirige al campo de la complicidad civil con la eliminación de los derechos. Por 
otro lado, en la obra del mexicano Francis Alÿs, el autor identifica una visualización 
intencional, pero no paródica, de la ausencia del Estado mediante la representación 
descolocada de la gestualidad policial. Rosenberg ve allí gestos que pierden el track y 
quedan en el vacío, pero que por tal razón conservan cierta efectividad semántica; se 
trata de una hipervisibilidad que se encuentra entre el entretenimiento y la denuncia. 
En After Human Rights. Literature, Visual Arts, and Film in Latin America, 
1990-2010, Fernando Rosenberg propone entonces pensar las gestualidades frente a 
la manipulación de los regímenes sensoriales y ver en ellas la corporalización de la 
tensión entre la imposición de las pautas del neoliberalismo y la manifestación vital 
de los derechos. Como señala inquisitivamente Michel Serres en Variations on the 
Body (1999), ¿qué son los gestos sino memorias encarnadas? Rosenberg recorre los 
discursos visuales y verbales prestando atención a los sistemas de percepción, la carne 
de las memorias que constituyen a los individuos, y problematiza la cuestión de los 
derechos de otra manera en un presente político regido por las entelequias mediáticas 
y la inestabilidad de los marcos jurídicos: la cuestión no es definir qué es la justicia, 
sino cuándo algo es justicia.
Karina Elizabeth Vázquez
University of Richmond


Spanish

Fernando Rosenberg. After Human Rights. Literature, Visual Arts, and Film in Latin America, 1990-2010.

Notas sobre literatura, escritura y arte contemporáneo

Dávila Gonçalves, Michele C.

Cristina Herrera y Paula Sanmart ín, eds. Reading/Speaking/Writing the Mother Text: Essays on Caribbean Women’s Writing. Canada: Demeter Press, 2015.

Rudas-Burgos, Gabriel

855Reseñas
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A pesar de las limitaciones anteriormente señaladas, el trabajo de José María 
Martínez nos ayuda a reflexionar productivamente sobre un aspecto del modernismo 
hasta este momento obviado por la crítica: el público lector femenino. Su análisis 
de las sinergias discursivas entre el escritor modernista y el público lector femenino 
sugiere la centralidad del modernismo en el desarrollo de prácticas letradas claramente 
femeninas en la cultura de Fin de Siglo. A través de su análisis de la sociabilidad 
literaria en Darío y Nervo, la representación de la figura de la lectora en Nájera, y la 
recepción del modernismo entre las escritoras del post-modernismo, Martínez nos 
invita a repensar las dinámicas de circulación y consumo de los textos modernistas 
desde el prisma de la dinámica de género.          
Brais D. Outes-León
Queens College, CUNY
AnDreA FAntA cAStro. Residuos de la violencia. Producción cultural colombiana, 
1990-2010. Bogotá: Editorial Universidad del Rosario, Escuela de Ciencias 
Humanas, 2015. 166 pp. ISBN 978-958-738-544-1.
La producción cultural colombiana, así como las interpretaciones críticas sobre esta, 
han gravitado por décadas alrededor de la pregunta por las representaciones estéticas 
de la violencia política y económica, y, más recientemente, de la descomposición 
social producto del narcotráfico. Con Residuos de la violencia: producción cultural 
colombiana, 1990-2010, Andrea Fanta busca revisitar estos temas. El libro es una 
aproximación a los productos culturales colombianos con mayor reconocimiento 
comercial e institucional, a finales del siglo XX y principios del XXI, a partir de su 
relación con la violencia y la economía de las drogas. 
Partiendo de las tesis de Jean Baudrillard sobre la relación entre cultura y producción 
de desechos materiales en el capitalismo tardío, la autora propone pensar las obras de 
las que se ocupa desde dos ángulos: primero, como representaciones de los sujetos 
que, al ser marginados, se convierten en desechos corporales. Segundo, como formas 
de recuperación de la historia que ha sido desechada en la construcción de discursos 
oficiales. El narcotráfico funcionaría como una manifestación hiperbólica tanto de 
la cultura capitalista como su producción de residuos humanos e ideológicos. Fanta 
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propone que las novelas, películas e instalaciones que analiza toman estos residuos 
como material estético: a partir de las memorias y los cuerpos marginales, se crean 
productos que se enfrentan a los discursos oficiales sobre la historia y la violencia, pero 
que también buscan incorporarse a una lógica de mercado obsesionada por convertir 
lo marginal en objeto de consumo.
Esta tesis se pone a prueba sobre todo en el primer capítulo del libro: una 
interpretación de las novelas La virgen de los sicarios, de Fernando Vallejo (1994), 
Perder es cuestión, de método, de Santiago Gamboa (1997), Rosario Tijeras, de 
Jorge Franco (1999), y Satanás, de Mario Mendoza (2002), y de sus adaptaciones 
cinematográficas (dirigidas por Barbet Schroeder, 2000; Sergio Caberera, 2005; Emilio 
Mailé, 2005; y Andy Baiz, 2007, respectivamente). Según Fanta, estas narraciones dan 
cuenta de una deformación hiperbólica de las relaciones sociales producto de la cultura 
del narcotráfico y el sicariato. Las novelas y películas representan la economía de las 
drogas en su faceta de exceso material, pero también de exceso vital (es decir, de la 
percepción del tiempo, las experiencias, los cuerpos). Las historias que narran estas 
novelas exploran la abundancia económica desmedida y el frenesí, tanto de placer 
como de violencia, de la vida de los sicarios en los barrios marginales. Los personajes 
se convierten entonces en una especie de celebración del exceso producto de la vida 
del crimen, así como en una metáfora de lo que el narcotráfico ha hecho en la sociedad 
colombiana. Al mismo tiempo, la autora señala que la exaltación de la vida de estos 
personajes da paso a la representación de sus cuerpos como productos a ser sacrificados 
por la lógica capitalista desmesurada en la que están inmersos. Los cuerpos de los 
sicarios, que parecían ser celebrados como formas hiperbólicas de belleza, erotismo 
y vitalidad, al final son consumidos y desechados por el sistema que los produce. Los 
lectores y espectadores participan vicariamente de la explotación de los cuerpos de 
los jóvenes marginales al consumir imaginariamente sus cuerpos, tanto el momento 
de la celebración como del sacrificio. 
En el segundo capítulo, la autora propone que hay una lógica de dinámicas paralelas 
y en tensión, oficiales y para-oficiales que se replicaría en distintas instancias de la 
sociedad colombiana: la guerra, la política, la economía y finalmente, las artes. Para 
ello, juega con el prefijo para, entendido en su sentido literario (textos por fuera de, 
o separados de, los textos principales), pero también a partir de la resonancia política 
que ha adquirido en Colombia con el auge de los ejércitos paramilitares de ultraderecha 
que, en alianza con el estado, han causado la mayor crisis humanitaria de las últimas 
décadas en el país. El argumento, sin embargo, no es desarrollado más allá del juego 
de palabras (paramilitar, paratexto, parahistoria), y solo se insinúa en el análisis en el 
que se centra el capítulo: una relación entre la novela Scorpio City, de Mario Mendoza 
(1998), y las instalaciones Atrabiliarios (1996) y Unland (1998), de la escultora Doris 
Salcedo. Fanta encuentra que Mendoza y Salcedo toman como material para su trabajo 
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estético los lugares y personas que han sido eliminados de la historia, sea porque han 
sido ignorados y excluidos, o porque han sido literalmente masacrados. 
Este capítulo, aunque interesante por la relación audaz entre novelas policiacas e 
instalaciones escultóricas, se debilita por la mencionada falta de desarrollo del concepto 
central, así como por un uso descontextualizado de varias teorías. Por ejemplo, Fanta 
lee las descripciones que hace Mendoza de un pintor inspirado, o de la violencia como 
un problema colectivo, como manifestaciones al pie de la letra del devenir y el rizoma 
de Deleuze. También extrapola sin una adecuada explicación la palabra “espectro” 
–que la autora usa para referirse a los asesinados y desaparecidos colombianos– con 
los “espectros” de Marx en la lectura del Jaques Derrida tardío (quien usa este término 
para rastrear las lógicas subyacentes a los postulados éticos marxistas, las dificultades 
del marxismo para definir lo que escapa al valor de cambio, y el “fantasma –espectro– 
del comunismo” que todavía recorre Europa en la época del triunfalismo neoliberal 
de los noventa). 
En todo caso, es interesante que Fanta encuentre que tanto Salcedo como Mendoza 
proponen formas fragmentadas e indirectas de representación de la sociedad. La 
escultora y el escritor estarían fraccionando el lenguaje para abordar un pasado que 
ha sido destruido por la violencia del país y señalar la incapacidad de reconstruirlo. 
Este es también el eje del tercer capítulo, que se ocupa de las novelas relativamente 
autobiográficas Vida feliz de un joven llamado Esteban, de Santiago Gamboa (2000), 
El olvido que seremos, de Héctor Abad Faciolince (2006), y Todo pasa pronto, de Juan 
David Correa (2007). Luego de hacer un recorrido por las teorías más importantes sobre 
la novela total latinoamericana y la Bildungsroman europea, la autora propone que 
las tres novelas se construyen sobre estos modelos narrativos pero que, sin embargo, 
los desestructuran. Por un lado, al igual que en las novelas totales del Boom, los tres 
autores abarcan amplios períodos históricos y múltiples aspectos sociales y políticos 
de la historia nacional. Sin embargo, no hay en las novelas que analiza Fanta una 
ambición de coherencia ni de resolución estructurada de comprensión de la historia 
y de la cultura. Por otro lado, como en las Bildungsroman, las novelas parecerían 
tratar momentos claves de los personajes en su formación vital personal y social, pero 
Gamboa, Abad y Correa se resisten a darle sentido articulado a los recuerdos. Así, los 
autores presentan de forma fragmentada las vidas de los sujetos y los aspectos más 
importantes de la historia nacional, sin que se llegue a una coherencia ni se use la 
narrativa para evocar un orden totalizador.
Aunque el lector termine con la sensación de que es un libro desigual, sobre 
todo en su uso de la teoría, en los mejores momentos del libro, Fanta plantea lecturas 
interesantes que incitan la expansión de líneas de análisis que están todavía por hacerse 
en Colombia. Valdría la pena, por ejemplo, hacer un seguimiento a novelas de infancia 
o memorias que han seguido publicándose sin interrupción desde 2010, y entenderlas 
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a la luz de su relación con la Bildungsroman, acertadamente señalada por Fanta. Estos 
momentos justifican la lectura de Residuos de la violencia.
Gabriel Rudas-Burgos
Stony Brook University
oSWAlDo zAVAlA. La modernidad insufrible: Roberto Bolaño en los límites de la 
literatura latinoamericana contemporánea. Chapel Hill: U.N.C. Department of 
Romance Studies, 2015. 262 pp. ISBN 978-1-4696-2715-1.
Decir que la literatura crítica en torno a Roberto Bolaño aumenta de manera 
exponencial es, a estas alturas, un lugar común. La modernidad insufrible, no obstante, 
logra presentarnos perspectivas originales en torno al legado bolañano y estimular 
debates frente a temáticas que parecían cerradas. El libro de Oswaldo Zavala, uniéndose 
a la creciente lista de monográficos dedicados a la obra del escritor chileno, analiza la 
narrativa, ensayística, poesía e incluso trabajo póstumo de Roberto Bolaño en vistas de 
desmenuzar sus mecanismos de resistencia frente a centros de poder de variada índole. 
Un buen punto de partida para empezar a hablar sobre el presente libro es, 
justamente, la idea de modernidad mencionada en el mismo título. Ésta se basa en 
una doble dimensionalidad teorizada por Bolívar Echeverría, la cual está marcada, en 
primer lugar, por la proyección abstracta de un ideal de civilización armónica (cimentada 
en conceptos tales como la razón o el progreso); y en segundo, por los intentos de 
precisamente materializar dicha utopía en nuestro acontecer histórico. El libro hace 
énfasis en la segunda arista: las consecuencias materiales de la implementación de 
lo “moderno” que han incidido en la erección de circuitos hegemónicos totalitarios 
–circuitos cuyo ejercicio del poder, cabe destacar, ha sido históricamente violento, 
tanto en un nivel material como simbólico–. 
Ahora bien, frente a estas fuerzas jerarquizadoras y totalitarias, la obra de Bolaño, 
según Zavala, constituiría un gesto subversivo gracias a la conformación de alianzas 
intertextuales que difuminarían las abstracciones arbitrariamente impuestas por lo 
moderno. Dichas alianzas, asimismo, serían posibles gracias al reconocimiento de una 
ética compartida entre distintos agentes periféricos, los cuales establecerían lazos de 
amistad que simbólicamente cancelarían las imposiciones violentas provenientes de 
dichos centros hegemónicos. Ejemplos de lo anterior en la narrativa bolañesca sobran 


Andrea Fanta Castro. Residuos de la violencia. Producción cultural colombiana, 1990-2010. Bogotá: Editorial Universidad del Rosario, Escuela de Ciencias Humanas, 2015.

Irwin, Robert McKee

TRAYECTORIAS FRONTERIZAS MÁS ALLÁ DEL BOOM

Russ, Elizabeth

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invitación a pensar en los nuevos modos de hacer política en un contexto signado por 
lo pos-, por la consolidación de las redes sociales como campo de acción política y 
del carácter mediático que determina la política actual.
Adlin de Jesús Prieto Rodríguez
Universidad de Las Américas-Ecuador
Médar sErraTa. La poética del trujillismo. Épica y romance en el discurso de “la 
Era”. San Juan: Isla Negra, 2016. 280 pp. ISBN 978-9945-581-87-4.
En 2003, el Tribunal Constitucional de la República Dominicana dictó la Sentencia 
168-13, la cual despojó de la nacionalidad a todos los residentes del país cuyos padres 
estuvieran en situación de indocumentación. La medida, que se aplicó a todos los 
nacidos en territorio nacional desde el año 1929, afectó desmedidamente a personas 
de ascendencia haitiana. Por esta razón, ha sido condenada tanto por activistas locales 
como por organizaciones internacionales como las Naciones Unidas. Los debates 
internos provocados por la TC 168-13 han sido largos e intensos.
Médar Serrata abre su estudio, La poética del trujillismo. Épica y romance en el 
discurso de “la Era”, con una exploración sucinta de los sentimientos de odio, amor, 
miedo y ansiedad que animan estos debates, los cuales giran en torno de un discurso 
nacionalista hegemónico que define la identidad dominicana como hispanohablante, 
católica y tradicional y que representa la presencia haitiana en la comunidad nacional 
como una amenaza existencial. Inseparable de un antihaitianismo que tiene largas raíces 
históricas, es un discurso que se consolidó durante la dictadura de Rafael Leónidas 
Trujillo, especialmente a partir del año 1937, cuando Trujillo ordenó la matanza de miles 
de haitianos (y dominicanos de ascendencia haitiana) viviendo en la zona fronteriza 
de Haití y la República Dominicana. 
Partiendo así de la premisa que la TC 168-13 “ha sacado a relucir una vez más el 
tema del antihaitianismo y sus profundas conexiones con la dictadura” (13), Serrata se 
dedica a analizar obras escritas por cuatro de los intelectuales más reconocidos de “la 
Era”: Manuel Arturo Peña Batlle (1902-1954), Joaquín Balaguer (1906-2002), Tomás 
Hernández Franco (1902-1952) y Ramón Marrero Aristy (1913-1959). Todos ellos, es 
preciso reconocer, colaboraron durante años o décadas con el gobierno del dictador. En 
su introducción, Serrata afirma la centralidad, en la producción cultural del trujillato, 
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de temas y recursos literarios característicos de la poesía épica occidental para generar 
“una realidad nacional en la que la ‘Era de Trujillo’ representaba el fin de la historia, 
el cumplimiento natural de lo que consideraban el destino de la nación dominicana” 
(22). Basándose en la definición de la épica ofrecida por Thomas Greene, Serrata afirma 
que se caracteriza por: 1) “una imagen totalizante que conecta la historia de un grupo 
humano con un destino universal”; 2) un héroe sobrehumano que dirige el destino de 
la comunidad; 3) un lenguaje que glorifica “sentimientos de respeto y asombro”; 4) 
y una estructura que le da significado histórico a la violencia, así justificándola (23). 
Como consecuencia, como mantiene David Quint, la épica sirve como una estrategia 
discursiva que tiene “la capacidad de asignar significado político a la forma narrativa” 
(30). A diferencia de la épica, el romance (vocablo inglés) se caracteriza por una 
organización episódica y sin dirección fija y una tendencia hacia los finales abiertos. 
Por ende, siguiendo a Quint, Serrata contrasta “la épica de los vencedores” con el 
romance, que denomina “la épica de los vencidos”.
Como el autor mismo reconoce, él no es el primero en destacar la relación entre 
el discurso trujillista y las características literarias de la épica occidental. Por ejemplo, 
Andrés Mateo lo hace repetidamente en su estudio fundacional, Mito y cultura en la 
Era de Trujillo (aunque, como sugiere el título, Mateo se centra en el género del mito, 
no la épica). Tampoco es original la selección de autores que analiza este estudio. En 
especial, se han estudiado exhaustivamente los papeles jugados por Peña Batlle y 
Balaguer en el desarrollo del discurso trujillista. Sin embargo, en los cuatro capítulos 
que analizan las obras de los intelectuales de Trujillo, Serrata ofrece una aproximación 
fresca y provocadora a un tema que sigue siendo, en el contexto más amplio de la 
literatura iberoamericana, relativamente poco estudiado. 
Ha seleccionado, por ejemplo, una combinación refinada y muy bien considerada de 
obras para analizar, incluyendo no solo los textos esperados, como Yelidá de Hernández 
Franco y Over de Marrero Aristy, sino también publicaciones menos conocidas de una 
variedad de géneros, incluyendo ensayos, conferencias, cartas y más. Además, logra 
ofrecer lecturas minuciosas reveladoras. Para dar solo dos ejemplos: en el capítulo 
dos, sobre Balaguer, desarrolla un análisis excelente de las cuatro ediciones (de 1944, 
1969, 1974 y 1992) de Guía emocional de la ciudad romántica, mientras en el capítulo 
tres, sobre Hernández Franco, ofrece una lectura provocativa y novedosa del muy bien 
estudiado poema mulato Yelidá, describiéndolo como una parodia de la épica tradicional 
y por ende una “épica de los vencidos”. 
La contribución más importante del volumen de Serrata, sin embargo, es su reflexión 
penetrante sobre las ambivalencias y ambigüedades, a veces francamente incómodas, 
producidas por las incongruencias ideológicas encontradas en las obras examinadas. 
Aquí, Serrata también participa en un debate crítico más amplio –pienso, por ejemplo, en 
el excelente Escrituras de desencuentro en la República Dominicana (2005) de Néstor 
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E. Rodríguez–. Pero, a diferencia de Rodríguez, Serrata se enfoca exclusivamente en 
figuras asociadas estrechamente con Trujillo. Como Serrata resume en su epílogo, “[l]
a épica trujillista identificó el origen mítico del poder del ‘Jefe’ con el período de la 
colonial española y proyectó ese poder indefinidamente hacia el futuro” (242). Tal vez 
por consecuencia del mismo éxito que ha tenido el uso estratégico del discurso épico, 
la tendencia crítica ha sido destacar, no solamente la “imagen totalizante” creada por 
el discurso del trujillato, sino también el poder totalizante de Trujillo. Serrata, por el 
contrario, insiste en buscar y examinar lo que llama las “fisuras” en el archivo de la 
Era, en las obras de cuatro hombres que abiertamente apoyaban el poder del dictador. 
En el primer capítulo, por ejemplo, traza la trayectoria intelectual de Peña Batlle, 
de revoltoso liberal antiimperialista a arquitecto principal de la agenda conservadora, 
hispanista y antihaitianista de Trujillo. En el último capítulo, examina el caso inescrutable 
de Marrero Aristy, autor de Over, novela que condena la explotación laboral y las 
jerarquías raciales en los centrales azucareros dominicanos. A pesar de su visión crítica 
hacia las injusticias sociales, Marrero aceptó un puesto de Trujillo en 1940, un año 
después de publicar Over, y se mantuvo fiel al dictador, por lo menos públicamente, 
hasta que éste ordenó su asesinato en 1959. Serrata escribe: “Podríamos hacernos 
sobre Marrero las mismas preguntas que se han hecho otros sobre Peña Batlle: ¿Fue su 
conversión sincera? ¿Qué motivos llevaron a un intelectual liberal de su talla a poner 
su talento al servicio de la dictadura? ¿Pensó que podía usar el poder para avanzar su 
propia agenda personal y política?” (233-34). El autor de La poética del trujillismo, el 
cual recibió el Premio Anual de Ensayo Pedro Henríquez Ureña 2018 en junio de este 
año, no nos ofrece respuestas claras porque no las hay. Lo que sí ofrece es un estudio 
que enfrenta con sutileza cuestiones de gran importancia histórica, filosófica y ética, 
para entender, no solamente el pasado, sino también el presente. 
Elizabeth Russ
Southern Methodist University


Médar Serrata. La poética del trujillismo. Épica y romance en el discurso de “la Era”.

Berg, Edgardo H.

EN EL TRANSCURSO. REFLEXIONES SOBRE LITERATURA ARGENTINA CONTEMPORÁNEA

Configuraciones de lo sagrado en la literatura contemporánea del Cono Su

Paz Oliver, María

PASEOS SAGRADOS: CAMINATA Y PEREGRINAJE EN POSTE RESTANTE DE CYNTHIA RIMSKY

Vera-Rojas, María Teresa

313Reseñas
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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
MagdaleNa lópez. Desde el fracaso: narrativas del Caribe insular hispano en el siglo 
XXI. Madrid: Verbum, 2015. 
A partir de sus páginas iniciales, Desde el fracaso: narrativas del Caribe insular 
hispano en el siglo XXI nos invita a participar en un escenario de debates en torno al 
denostado imaginario del fracaso en la literatura del Caribe hispano del siglo XXI. 
A partir de un formidable trabajo de investigación y reflexión, Magdalena López se 
posiciona desde un lugar político que no se regodea en la derrota de las utopías políticas 
y sociales, sino que parte del aprendizaje que sigue al fracaso de estas para, a través 
de la literatura, explicarnos que es posible negociar con el pasado y resignificar la 
fragmentariedad de un presente cuya pérdida de certezas resulta su mayor incomodidad, 
pero también su mayor ventaja. 
Efectivamente, la idea de un fracaso caribeño parece un oxímoron. Para quienes 
el Caribe se reduce a un destino turístico, una luna de miel en Punta Cana o un exótico 
viaje a Cuba, pensar el fracaso de sus proyectos socialistas y modernizadores resultaría 
un agobio y quizás un despropósito. Lo mismo ocurre cuando se piensa en Puerto 
Rico: ¿cómo hablar de derrota cuando las figuras “épicas” que proyecta Puerto Rico 
se reducen a sus conocidos representantes mediáticos, y su situación colonial sigue 
estando opacada por el brillo del baile, el color y la sensualidad con los que todavía 
hoy se venden los atributos de esta isla? 
La mirada colonial sobre el Caribe ha perpetuado las ficciones normativas del 
optimismo y la felicidad, pero sus mismos intelectuales han contribuido también con la 
construcción de relatos épicos que legitiman gestas heroicas y memorias restauradoras. 
Estas miradas son indisociables de la idealización de los orígenes de la Revolución cubana 
y sus estelas latinoamericanas de parte de grupos políticos europeos, que continúan 
negando, ignorando y desatendiendo los fracasos de la izquierda socialista y, por lo 
tanto, repitiendo los errores de sus elites intelectuales. De cara a este escenario, ¿cómo 
problematizar la memoria teleológica de la izquierda? ¿Cómo aprender del fracaso si 
este se continúa negando? ¿Cómo pensar alternativas epistemológicas y políticas para 
del sujeto por parte del poder. La resistencia se encuentra en las prácticas de la memoria, 
que se concentran en el registro gestual de esas prácticas y en la capacidad del cuerpo 
escrito para recrear la memoria tanto en su carácter de individual como de colectivo. La 
literatura es uno de los discursos no oficiales que permiten hacer visible esas prácticas.
UCA, IIEGE (UBA) María José puNte
314 Reseñas
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el Caribe si no se cuestionan las bases épicas sobre las que se han construido sus mitos 
fundacionales y se han borrado las comunidades marginales y los sujetos disidentes? 
Desde el fracaso: narrativas del Caribe insular hispano en el siglo XXI propone 
precisamente una lectura del Caribe que recupera los deshechos de estos relatos épicos 
y de las utopías revolucionarias de las izquierdas universitarias, los movimientos de 
guerrilla, las elites intelectuales y los líderes políticos, y ofrece una aproximación 
alternativa a estos derroteros políticos y discursivos a partir del reconocimiento de 
las derrotas, discontinuidades, traumas y naufragios constitutivos de la memoria del 
Caribe. En su libro, Magdalena López consigue articular diferentes propuestas de 
la narrativa contemporánea caribeña a partir del reconocimiento del fracaso como 
motivo recurrente de un grupo de novelas cubanas, dominicanas y puertorriqueñas 
publicadas a partir del año 2000 que tienen en común el hecho de exponer “un cambio 
de sensibilidad… respecto a la heroicidad con la que se invistieron tanto los discursos 
oficiales o nacionales como muchas de sus propuestas contra-hegemónicas” (30).
Sin anclarse en la pregunta por los orígenes ni reducir su análisis a la reflexión 
sobre la identidad, la colonialidad y la memoria, aunque, evidentemente sin ignorar estas 
categorías, López desarrolla una aproximación a este corpus para demostrar la pertinencia 
de pensar las experiencias de fracaso y derrota como territorios epistemológicos de la 
narrativa caribeña contemporánea, pero además como procesos que, lejos de regodearse 
en la pérdida y en la nostalgia, producen nuevas subjetividades y nuevas formas de 
comunidad que problematizan los paradigmas épicos que permearon las utopías 
fundacionales y revolucionarias del Caribe hispano. Su interés está en “mostrar que 
toda colectividad sustentada en la epicidad está condenada no sólo a su propio fracaso 
sino también al borramiento –simbólico o literal– de otras comunidades” (36).
¿Pero qué entiende López por fracaso y a qué se opone dicho fracaso? ¿Cómo 
desarrolla López esta propuesta? Y, muy importante: ¿hacia dónde nos invita la reflexión 
sobre el fracaso? 
Comencemos por el título. No es fortuito que el libro se titule “desde el fracaso” 
y no, como podía haber sido también, “lecturas del fracaso”. Y es que el título mismo 
señala un punto de partida para la lectura y la reflexión sobre el Caribe: la preposición 
“desde” que antecede a “fracaso” determina un punto de origen, pero además señala 
una direccionalidad que no por ser incierta deja de ser productiva. La tensión entre “un 
movimiento regresivo que procura la certidumbre de la fijeza”, y “un desplazamiento 
incierto hacia nuevos territorios vitales” (219) deviene así en el elemento constitutivo 
de las experiencias de fracaso que atraviesan los textos estudiados por López. Porque 
más que aludir o recoger estas experiencias, en sus reflexiones Magdalena López nos 
habla de la direccionalidad que propone ese fracaso y, desde estas coordenadas, nos 
invita a una reflexión que nos conducirá hacia nuevos derroteros de la memoria, la 
ficción y la política caribeñas de las últimas décadas del siglo XX. 
315Reseñas
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En la “Introducción”, López expone las aristas de estas tensiones: “La experiencia 
de la derrota aparece atravesada por una tensión entre la aniquilación y la fijeza y, la 
apertura y movilidad. Si a lo primero corresponde la disolución total y/o una nostalgia 
conservadora una vez perdido el rumbo originario, lo segundo en cambio, apunta a 
una concepción positiva del desarraigo en el que la pérdida de un centro estructurado 
viabiliza reformulaciones utópicas” (19). 
El texto se inicia con una pertinente distinción: la de replantear el significado ético 
y de diferenciación con el que tradicionalmente se ha intentado distinguir el fracaso 
de la derrota. De manera muy sugerente, fracaso y derrota se conciben indistintamente 
en este libro para señalar en su lugar “una común experiencia de pérdida” (20), una 
experiencia que se desprende del lastre ético de una u otra valorización para más bien dar 
cabida a la “imprevisibilidad, historicidad y multiplicidad” (21) que definen la pérdida. 
Uno de los ejes desde los cuales López aborda estas experiencias de pérdida es desde 
la idea de desarraigo. Lejos de idealizar esta noción, el desarraigo se propone no sólo 
como una “dislocación geográfica o nacional”, sino como una pérdida de certidumbres, 
“De modo que uno de los elementos que frecuentemente resultará desenraizado a lo 
largo de este libro, será el de las teleologías historicistas” (22). Desde esta perspectiva 
aborda, entre otras, la novela Otras plegarias atendidas (2002) de Mylene Fernández 
Pintado, en la que la protagonista y narradora encarnaría un “nuevo tipo de subjetividad 
‘ingrávida’ liberada del sentido progresivo de la historia” (116), una subjetividad que 
se produce como consecuencia del fracaso de la utopía revolucionaria. En tanto que 
contrapartida de la épica, el desarraigo se opone a la reterritorialización de la derrota 
y busca enfatizar el carácter productivo de las experiencias que ésta conlleva: a través 
de las experiencias de la protagonista, el desarraigo se convierte en un “recurso de 
apertura hacia lo heterogéneo y lo relativo… [que le permite] abordar una variedad 
de problemáticas sin caer en la inamovilidad de las verdades absolutas” (118). En 
este texto la utopía no reside en ideologías ni en lugares localizables, sino que se 
traduce en nuevas formas de comunidad, en “comunidades emocionales”, al decir de 
Michel Maffesoli, las cuales se sostienen en la ética de la empatía y se caracterizan 
precisamente por su fugacidad. 
Esta lectura de desarraigo se expande hacia el cuestionamiento de los relatos que 
hicieron del territorio geográfico el asentamiento de la identidad heroica. Por eso, 
buena parte de estos textos enfrenta la épica a su fracaso y construye una conciencia 
de la derrota que, en muchos casos, además de apostar por utopías del presente, 
ofrecen alternativas a la “compulsión por los orígenes” en la que se sostiene lo heroico. 
“La imprevisibilidad de la derrota resulta contraria a la fijeza con la que identifica 
la épica tradicional”, explica López, quien además señala certeramente cómo esta 
autorreferencialidad en hazañas y cultos heroicos de la que se han servido los proyectos 
y regímenes hegemónicos, tanto socialistas como capitalistas del Caribe hispano, ha 
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negado “la presencia constante de la catástrofe y de sus ruinas. Incluso cuando se hace 
imposible evadir la derrota, ésta aparece investida de rasgos heroicos que le restituyen 
su grandeza excepcional a la manera trágica” (23). 
En relación con la novela de Leonardo Padura titulada La novela de mi vida (2002), 
y la novela de Arturo Arango, Muerte de nadie (2004), López reflexiona en torno a 
la producción literaria cubana de las últimas décadas y señala cómo la conciencia 
del fracaso ha conseguido reemplazar la “épica dominante de la literatura de años 
anteriores”, pero, sobre todo, cómo este fracaso ha llevado consigo una “productividad 
ética y política” en tanto que reverso y alternativa al discurso oficial, caracterizado 
este último por apelar al “culto heroico y las narrativas teleológicas triunfalistas para 
identificar a la nación revolucionaria” (39).
Como parte de este contexto y en un gesto muy provocador, López pone a dialogar 
estos textos con otro cuya mirada sobre la épica y el fracaso es radicalmente diferente. 
Me refiero a Simone (2013), del autor puertorriqueño Eduardo Lalo. En esta novela, 
a la derrota del intelectual no le sucede una negociación con el presente de las clases 
populares, sino la restauración de una lógica épica en la que las elites ilustradas refuerzan 
su carácter heroico y resistente frente a la hegemonía cultural y colonial de los Estados 
Unidos. A diferencia de gran de parte de los textos estudiados en este libro, en Simone 
la derrota, como bien demuestra López, restituye la individualidad del escritor y la 
petulancia de su pretendida superioridad moral, para confirmar, una vez más, que “como 
ha sucedido en la historia política e intelectual puertorriqueña, el antiimperialismo no 
implica necesariamente una posición anticlasista o democratizadora” (111).
Finalmente, a la visión dislocada del mundo y al cuestionamiento de los relatos 
heroicos como origen de la comunidad, López propone también una reconfiguración 
de la memoria en la que “el placer no esté sujeto a la finalidad del triunfo, sino que 
se constituy[a] como una constante negociación entre la emancipación individual y 
colectiva” (29).
Así se aproxima, entre otros textos, a la novela Charamicos (2003), de Ángela 
Hernández, en la que los personajes de Trinidad y Ercira encarnan dos modelos de 
disidencia emergentes entre los grupos de izquierda universitaria que se organizaron 
en torno a la espera del líder Francisco Caamaño durante los años del gobierno de 
Balaguer en la República Dominicana. No sólo por ser mujeres y de origen rural, sino 
también por sus conflictos familiares y las diferentes experiencias con el pasado, a 
través de estos personajes Ángela Hernández cuestiona el autoritarismo de las elites de 
izquierda quienes además de establecer distancia con los sujetos populares, demostraron 
que “la modernidad tecnocrática [de Balaguer] fue la constatación irreversible de la 
derrota de una utopía democratizadora”. A este fracaso, Ángela Hernández propone 
en Charamicos una revisión de dicha utopía moderna y dos posicionamientos frente 
a la derrota: “la incorporación a una Historia épica de un sujeto femenino popular… 
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y un agenciamiento crítico ajeno al discurso patriarcal y teleológico dominante que 
trasciende los espectros ideológicos de izquierda y derecha” (199). 
Desarraigo, épica y memoria son así los tres ejes teóricos en torno a los cuales 
López leerá el significado del fracaso y la derrota en la narrativa contemporánea del 
Caribe hispano. Sin embargo, aun a pesar de dividir metodológicamente el libro en 
torno a estos ejes, en Desde el fracaso la narrativa caribeña no se concibe como un 
bloque homogéneo. A partir de un ejercicio crítico que apuesta por el desarraigo, el 
recorrido que realiza López construye una nueva cartografía literaria caribeña que se 
resiste a la individualidad heroica de los proyectos nacionalistas o revolucionarios, así 
como al autoritarismo que imponen las elites intelectuales. En su lugar, rescata de los 
textos otras formas de comunidad mediadas por el afecto, en la que sus protagonistas 
resultan ser sujetos otrora ignorados o desatendidos por las utopías que pretendieron 
atender las necesidades democráticas y los sujetos populares y rurales.
Además de las sugestivas reflexiones teóricas a las que nos invita Desde el fracaso, 
este libro destaca por la erudición y destreza de su autora en el manejo de las abundantes 
referencias literarias y en el exhaustivo trabajo intertextual con el que permite el 
diálogo entre estas novelas. Asimismo, es preciso celebrar la maleabilidad con la que 
establece las relaciones entre estos textos y las tradiciones literarias e intelectuales 
más “canónicas” del Caribe. Los límites de Desde el fracaso se expanden así más allá 
de los límites de los estudios caribeños para inscribirse y dialogar con la más reciente 
producción cultural en torno a la teoría del afecto. Porque el texto de López no se 
limita a la ya difícil tarea de dialogar con la crítica literaria sobre el Caribe, sino que 
además se arriesga sin temor alguno a sacar el Caribe de sus fronteras conceptuales 
y referenciales, para, en su lugar, pensar su producción desde un lugar geográfica y 
epistemológicamente desarraigado. 
Universitat de Lleida María teresa Vera-roJas


Magdalena López. Desde el fracaso: narrativas del Caribe insular hispano en el siglo XXI. Madrid: Verbum, 2015.

Moraga, Sigrid Solano

860 Reseñas
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libro nos invita a revisitar los feminicidios de Ciudad Juárez representados en 2666 
y la muy común mistificación con la cual generalmente se las aborda, privilegiando, 
según el autor, la culpabilidad de cierto machismo inherente a la cultura mexicana en 
desmedro de las condiciones socioeconómicas de las trabajadoras de las maquilas. De 
igual forma, este trabajo propone re-pensar las figuras de Weider y el Lonko Kilapán, 
los cuales, a pesar de su aparente locura (y tenebrosidad en el caso del primero), son 
exitosos en el sentido que se posicionan fuera de los círculos de poder y ocasionan –a 
veces, para su pesar– gestos críticos contra los mismos. Sólo algunos ejemplos que 
podemos encontrar a lo largo de este trabajo crítico, no exentos de cierta polémica, y 
que incitan, nuevamente, a la reflexión, al debate. 
Finalmente, el libro cierra con una reflexión muy pertinente en relación a los 
trabajos póstumos de Bolaño, los cuales han adquirido nuevamente relevancia ante 
la reciente publicación de El espíritu de la ciencia ficción (2016). Zavala marca un 
precedente al profundizar en el contraste entre el proyecto literario que el propio Bolaño 
había concebido y los escritos editados y publicados posteriormente a su muerte, algo 
que sin duda merece seguir siendo considerado a futuro. El Bolaño-bosquejo, o bien 
el Bolaño-laboratorio, se abre frente a nuestros ojos, de eso no hay duda. La pregunta 
emerge, claro está, en si estábamos destinados a conocerlo: si  son orgánicos a la obra 
del Bolaño vivo, del Bolaño escritor. 
Pedro Salas Camus
Slippery Rock University
DiAnA Moro. Sergio Ramírez, Rubén Darío y la literatura nicaragüense. Raleigh: 
Editorial A Contracorriente, 2015. 335 pp. ISBN: 978-0-9909-1913-1.
Rubén Darío (1867-1916) y Sergio Ramírez (1942), separados por casi medio 
siglo entre sus publicaciones, son comparados en este estudio. La trayectoria de ambos 
autores en el mundo de las letras, su repercusión en la literatura centroamericana y la 
necesidad de un diálogo sobre la literatura nicaragüense, guían a Diana Moro para la 
realización de esta obra. 
El tema de lo nacional, establecido en la modernidad, a partir de su consolidación 
en la literatura de Darío y, posteriormente, en Ramírez, es el eje del texto en estudio; 
861Reseñas
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I V,  N ú m .  2 6 4 ,  J u l i o - S e p t i e m b r e  2 0 1 8 ,  8 1 3 - 8 7 2
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por lo que  “construir una hipótesis de lectura acerca de su necesidad y su imperativo 
político de fundar y consolidar una literatura propia” (7) es el objetivo del texto, una 
intención propuesta desde la introducción. 
La relación dialógica existente entre política y literatura es otro de los ejes de 
investigación planteados, ya que no existe literatura sin un sentido pragmático. Es decir, 
la literatura cuenta con una función cultural que ha permitido consolidar un espacio de 
afirmación nacional, de identidad y que ha estado en manos de la intelectualidad en 
Latinoamérica. Sin embargo, en el caso de Nicaragua, la autora define una problemática 
en relación con el proceso de identidades ya que, a pesar de que la literatura del país 
ha sido examinada por la crítica como parte del acervo centroamericano, existe una 
necesidad política de reconocerla desde la concepción de lo nacional. Ante lo anterior, 
se propone situar el debate sobre una identidad nicaragüense durante el periodo 
revolucionario que va de 1979 a 1990, “debido a que condensa y refracta problemas 
culturales” y en este se da la “toma de definiciones ideológicas y políticas respecto 
del problema nacional y de la integración regional” (3). 
En relación a esta situación, la justificación de esta investigación se centra en el 
estudio de la obra y figura de Sergio Ramírez debido a sus líneas de pensamiento que 
problematizan el tema nacional. Del mismo modo, es imposible no tomar en cuenta a 
Rubén Darío por ser el fundador de la literatura moderna nicaragüense y ser considerado 
un ícono cultural. Ramírez se describe como heredero de la obra de Darío y no solamente 
ha construido una conciencia de lo nicaragüense, sino que, además, ha retomado la 
importancia de la figura de Darío en el proceso de instauración de una nación.
El análisis de este corpus literario que se ve amparado por en amplio sustento 
teórico que ayuda a comprender “tres núcleos problemáticos: la tradición, la memoria y 
el archivo” (9). Para las nociones de memoria y memoria colectiva se toma en cuenta al 
semiótico Juri Lotman. Junto a este estudioso, se encuentran Pierre Nora para entender 
“los lugares de la memoria” y Paul Ricoeur para estudiar los procesos que llevan a 
inventar o construir una tradición a partir de lo que se recuerda. Sobre la concepción de 
archivo, vinculado con lo que se debe decir en un período determinado, se consideran 
las discusiones de Michel Foucault y Jaques Derrida.  
El libro cuenta con tres partes, divididas en cuatro capítulos la primera, y en tres 
la segunda y tercera sección. La primera parte de la obra se denomina “Rubén Darío y 
la literatura nicaragüense” y en ella se explora la apropiación de Darío como imagen 
representativa en la construcción de un discurso patrio durante diferentes periodos. Un 
primer momento sucedió en el régimen de Anastasio Somoza García. El político, por 
medio de actos conmemorativos, busca consolidarse en el poder y, a la vez, ganarse el 
apoyo del sector intelectual. Aún con este interés político, lo recalcado en el texto es que 
la figura de Darío sí se convierte en un símbolo y “señala el camino de la autonomía” 
(53) del país centroamericano. 
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Posterior a Somoza, Darío es representado por la vanguardia, donde voces como las 
de Pablo Antonio Cuadra y José Coronel Urtecho recuperan su figura como personaje 
completo por haberse desarrollado en múltiples espacios que abarcan tanto lo estético 
como lo extraliterario. Durante el periodo revolucionario, se explora la injerencia de 
Casa de las Américas, institución cultural cubana, fundada en 1959, como promotora 
tanto del proceso político en Nicaragua como de una dinámica comparativa de Darío 
con Augusto César Sandino como revolucionarios, uno en lo literario y el otro en lo 
político. El ensayo es un ejemplo de esta conceptualización reflexiva de Ramírez sobre 
el acontecer latinoamericano, de ahí que el análisis se realice a partir de varios de ellos, 
como con “Balcanes y volcanes” (1973). 
La segunda parte, “Sergio Ramírez, los comienzos”, se sirve de las nociones de 
“inicio”; por lo que los primeros textos y el contexto político que los alimenta (época 
de 1960), marcan la producción posterior como intelectual comprometido y su rol en 
la política nacional hasta 1990. Sus inicios son coincidentes con la construcción de 
un “nosotros” o de una especie de integración latinoamericana, marcada por el triunfo 
de la Revolución cubana. 
El tercer apartado, denominado “Sergio Ramírez, escritor consagrado”, aborda 
tres ejes temáticos: literatura, historia y nación. Las obras evaluadas en estas sección se 
publican de 1979 a 1990, periodo en que Ramírez se encuentra inmerso en la política, 
lo que implica que dentro de su obra se localizan ciertos símbolos ideológicos; por 
ejemplo, una nación libre, el valor asociado a la idea de revolución desde discursos 
oficiales. Se evalúa, también, el modo en que se hace historia y la creación-reproducción 
de mitos en la literatura que actúan como simientes de una nación.
El género testimonial es tratado como parte de la producción del mismo autor. 
La investigadora examina desde la crítica el significado del testimonio y centra sus 
observaciones en obras como Sombras nada más (2003), de las que debate en relación 
con los términos realidad/ ficción, el yo autoral, la polifonía, así como los episodios 
políticos que alimentan la trama. 
Otros de los subgéneros evaluados en la obra son el ensayo y la autobiografía 
con  Adiós muchachos (1999). Ante la creación de esta obra, Ramírez se coloca como 
ensayista latinoamericano porque “puede operar con las formas de la literatura; formas 
que expresan sentidos sociales e históricos” (279). Es decir, se inscribe al autor como 
una personalidad comprometida que liga sus análisis con las problemáticas, posiciones 
y responsabilidades y con su perspectiva sobre el devenir de la nación y, aun así, esta 
simbiosis de asuntos no aminora el valor estético de su obra. 
El estudio completo logra proponer el concepto de nación a partir de la literatura. 
Sergio Ramírez ha logrado dialogar con la tradición literaria latinoamericana como 
europea, además de mostrar un amplio interés por lo concerniente a la historia nacional, 
la política y el acontecer social retratado alegóricamente en sus obras por medio del 
empleo de diferentes géneros narrativos.
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Otro dato interesante de Sergio Ramírez, Rubén Darío y la literatura nicaragüense 
es que su lectura resulta dialógica ya que ubica el estudio de las obras de acuerdo con 
un detallado contexto histórico y se permite relaciones no solamente con otros procesos 
políticos, sino también con numerosas obras literarias y con los diversos movimientos 
latinoamericanos. Asimismo, logra recordar (si alguien lo hubiera olvidado) el valor 
de la literatura nicaragüense tanto por el rico empleo de subgéneros así como por las 
diversas tramas de índole política y cultural del siglo XX retratadas en la obra de Ramírez. 
Sigrid Solano Moraga
Universidad Nacional de Costa Rica
luiS Duno-gottberg, ed. La política encarnada. Biopolítica y cultura en la Venezuela 
bolivariana. Caracas: Equinoccio, Universidad Simón Bolívar, 2015. 431 pp. 
ISBN 978-9-8023-7375-8.
Realizar una reseña de un libro que trata de hacer justicia a las diversas formas 
en que los cuerpos pueden representarse es un difícil desafío. Esto debido a que es 
inevitable hacer una reducción de sus contenidos que no se perciba como una suerte 
de amputación. En este breve comentario se tratará de explicitar los puntos nodales 
de un cuerpo textual, como el mismo Duno-Gottberg se refiere a su compilación, con 
el objetivo de invitar al lector a dar vida al cuerpo de un libro que no solo muestra 
genialidad en las partes que lo componen sino que, como toda buena lectura, impulsa 
a seguir leyendo sobre esos vivientes que los distintos autores tratan de visibilizar. 
El compilador hace bien en recordar que, aunque se pretenda dar vida a un cuerpo 
textual, esto no quiere decir que los artículos y ensayos estén insertados armónicamente 
o que cada uno pueda ser considerado como un órgano excesivamente coherente con 
el resto del cuerpo.
En el primer capítulo se reúnen los escritos de Roland Denis y Sandra Pinardi. 
El primero resalta el carácter combativo del cuerpo que es sometido al hambre, es 
decir, la potencia movilizadora de este particular sometimiento. Es muy interesante 
su tratamiento del hambre como una noción políticamente cargada, con una potencial 
función de constitución de identidades y la articulación de ésta con un ideal igualitario, 
la rebelión popular y la emancipación de un Estado venezolano que busca regular la 
alimentación mediante diversos dispositivos.


University of Pittsburgh

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