Revista Iberoamericana

Janzen, Rebecca

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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
YolAnDA MArtínez-SAn Miguel, ben SiFuenteS-Jáuregui y MAriSA belAuSteguigoitiA, 
eds. Critical Terms in Caribbean and Latin American Thought: Historical and 
Institutional Trajectories. Nueva York: Palgrave Macmillan, 2016. 299 pp. ISBN 
978-1-137-55429-1.
Yolanda Martínez-San Miguel, Ben Sifuentes-Jáuregui y Marisa Belausteguigoitia 
nos presentan una serie de ensayos necesarios en torno a temas importantes en los campos 
la patologización higiénica de la sexualidad del cuerpo en los discursos nacionales. 
Domínguez Ruvalcaba propone una brillante y poco estudiada conexión en los estudios 
queer sobre Latinoamérica: el desarrollo de una “coloniality of sex”, la transformación 
de un sistema de control teológico durante la colonia hacia un sistema de opresión 
científico, médico y farmacéutico que controla la expresión sexual de los cuerpos 
colonizados. La construcción del cuerpo de la nación se convierte en el problema para 
producir un cuerpo higiénico y moderno (61-64). Este tema abre una perspectiva teórica 
en los estudios culturales para enlazarse con los recientes estudios sobre eugenesia en 
América Latina: algunos ejemplos de esto son las investigaciones de Fabiola López-
Durán, Juan Vianey Tovar, Ana Carolina Vimieiro Gomes, Laura Suárez y López 
Guazo, Andres Reggiani, Nancy Leys Stepan y Beatriz Urías Horcasitas, entre otros. 
Curiosamente, como muestra Domínguez Ruvalcaba, lo queer no sólo fue objeto de 
opresión durante los procesos de modernización, sino que en muchos casos los sujetos 
queer funcionaron como agentes de modernización. En ese sentido, la modernidad 
es, en palabras del autor, “a period of Latin American history in which queerness has 
had a prominent role in transforming social life to the point that it is possible to assert 
that modernization can also be viewed as a process of queering itself” (un período de 
la historia de América Latina en el que lo queer ha tenido un papel prominente en la 
transformación de la vida social al punto de que se podría afirmar que la modernización 
puede ser entendida como un proceso de volverse queer a sí misma) (91). Translating 
the Queer, así, ha de convertirse en una referencia ineludible para los estudios queer 
y sobre sexualidad en Latinoamérica.
Jairo Hoyos Galvis
University of Puget Sound
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de los estudios latinoamericanos y caribeños. Los editores traen perspectivas valiosas, 
enfocadas en temas de poder y prácticas de resistencia. Es más, a parte de sus bases 
académicas en los Estados Unidos y México, los editores defienden colaboraciones 
entre el llamado “norte” y el llamado “sur”. 
Esta compilación se organiza en torno a once temas, y cada tema tiene dos 
interlocutores, que se ocupan de la historia y las intervenciones teóricas y críticas del 
término. Con estas dos perspectivas, concebidas como una sola a través de notas que 
son continuas entre las dos explicaciones de la palabra clave, se crea un diálogo crítico 
pocas veces encontrado en la academia. Es más, hay conexiones no solo entre las dos 
perspectivas en cada capítulo, sino que también hay conexiones entre las discusiones 
de varios términos. 
Las primeras palabras clave introducen el campo de estudios a través de temas de 
poder.  La primera, “Indigenismo,” goza de intervenciones de Marisa Belausteguigoitia 
y María Josefina Saldaña-Portillo, quienes proveen una historia e historiografía 
impresionante del término. Belausteguigoitia subraya el hecho de que un estudio sobre 
personas indígenas debe incluir una respuesta por parte de los estudiados. Es más, en 
este capítulo, se desarrolla un vínculo con el tema del testimonio, desarrollado en el 
penúltimo capítulo de la colección. 
 “Americanismo,” escrito “Americanism/o,” explicado por Juan Poblete y Juan 
Carlos Rowe, juega con el bilingüismo, ya se escribe la palabra con una alusión al 
“americanism” del inglés, el idioma de la colección, y el “americanismo” en español, el 
idioma de buena parte de Latinoamérica y el Caribe, que muestra las conexiones entre 
los dos idiomas y culturas. Poblete provee una conceptualización del “americanism/o” 
que parte de ideas de José Martí y luego, Rowe critica su aporte al subrayar el hecho 
de que el término “americanism/o” tiene que ser expandido para incluir autores 
afroamericanos e indígenas de Estados Unidos. 
Los próximos cuatro capítulos se asemejan al primer capítulo, visto que tratan de 
temas de poder, injusticia y resistencia. En la palabra clave “Colonialismo,” la primera 
de esta serie, intervienen Nelson Maldonado-Torres y Leece M. Lee-Oliver. A pesar 
de ciertos rasgos repetitivos con el capítulo sobre el indigenismo, la perspectiva de 
Lee-Oliver es importante. Desafía la noción utópica de “La Raza,” una aseveración 
vigente en nuestros días que merece un mayor estudio. 
Las perspectivas sobre “Criollismo/Creolization,” el capítulo que sigue, son las 
mayores muestras del diálogo expansivo de la compilación. Son, a mi parecer, las 
perspectivas más importantes del libro porque explican y resumen varios debates en 
los campos de estudios latinoamericanos y caribeños. José Antonio Mazzotti y H. 
Adlai Murdoch relatan la historia de los términos “criollo” y “creole” en todas sus 
variantes culturales y lingüísticas en Latinoamérica, el Caribe y Estados Unidos, para 
combatir la confusión que surge de la falta de comunicación entre distintos campos 
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de estudio. Murdoch en particular subraya las experiencias de las distintas zonas del 
Caribe, un aporte sustancial para los estudios hispánicos que solo en los últimos años 
han concebido al Caribe hispano dentro de un panorama caribeño mayor.
El capítulo sobre “Mestizaje” regresa al diálogo que habían iniciado Poblete y 
Rowe; aquí José F. Buscaglia-Salgado narra la historia del concepto, y Kathleen López 
expande la historia inicial con un énfasis en la falta de inclusión de la presencia asiática 
en las narrativas nacionales del mestizaje. “Transculturación,” la próxima palabra 
clave, continúa el diálogo entre Buscaglia-Salgado y López. Jossianna Arroyo provee 
una historia del sincretismo y transculturación insuperable, y Laura Catelli responde 
a Arroyo con una discusión de la persistencia del racismo, aumentando el nivel ya 
excelente de la discusión. 
En los siguientes capítulos, sobre “Modernidad” y “Nación,” se discuten los siglos 
XIX-XXI. Graciela Montaldo explica la modernidad y el modernismo en Latinoamérica 
en relación con los movimientos vanguardistas europeos y movimientos posmodernos. 
Lo hace de una manera tan clara que será sumamente beneficiosa para los estudiosos 
de este tema. Por su parte, Alejandra Laera complementa esta perspectiva con una 
respuesta corta que complica la historia del término e insiste en incluir el movimiento 
latinoamericano en un contexto mundial. En cuanto a la palabra clave “Nación,” Román 
de la Campa, a través de una lectura profunda y detallada, retorna al estudio canónico 
de Benedict Anderson. Sin embargo, Héctor Hoyos cuestiona la manera en que de la 
Campa entiende la modernidad. Su contribución más significativa, a mi modo de ver, 
es el hecho de que enfatiza que la nación latinoamericana es contemporánea y, tanto 
como las intervenciones sobre el modernismo, insiste en que Latinoamérica existe en 
el mismo momento histórico que otros países y, por lo tanto, no puede ser considerada 
como una región “retrasada”.
A partir de aquí, se discuten temas de género y sexualidad – y se nota que los editores, 
todos especializados en estos temas – permiten que otros académicos intervengan. De 
esta manera, se fomenta un diálogo sumamente productivo. El capítulo sobre “Género” 
es un diálogo entre el análisis perspicaz e interseccional de Lawrence La Fountain-
Stokes y Monsterrat Sagot R., cuya contribución complementa los capítulos anteriores 
sobre el criollismo y mestizaje. Licia Fiol-Matta y Carlos Figari, por su parte, en la 
palabra clave, “Sexualidad,” proveen información importante al mostrar una historia 
de alianzas improbables en la historia de la sexualidad. 
La colección concluye con dos capítulos que muestran la vigencia de estos términos. 
El capítulo sobre el “testimonio” es una manera de insertar la voz de los estudiados, 
señalado en el primer capítulo por Belausteguigoitia, en esta misma compilación. Ana 
Forcinito y Arturo Arias subrayan la naturaleza literaria del término y la importancia 
de tratar historias difíciles de una manera que respete a las víctimas o más bien, a 
los sobrevivientes. Trascienden el campo de la literatura, para mostrar que se puede 
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aplicar lo antemencionado en temas de raza, sexualidad, indigenismo en iteraciones 
de la producción cultural actuales o futuras. Ignacio M. Sánchez Prado y Susan Antebi 
meditan sobre la cultura popular. Sánchez Prado subraya la necesidad de estudiar la 
velocidad de la circulación de la cultura en la época neoliberal. Antebi, por su parte, 
enfatiza la importancia de la cultura digital y de las discusiones de la transculturación; 
se hace eco del planteamiento de Hoyos al enfocar su breve contribución en estudiar 
las manifestaciones locales de la cultura latinoamericana, las diferencias culturales y 
de acceso a la cultura, según la clase social. 
Este libro enriquece los estudios latinoamericanos y caribeños a través de un 
diálogo sumamente productivo. 
Rebecca Janzen
University of South Carolina 
álVAro Antonio bernAl. Bogotá: realidades, delirios y ficciones. Bogotá: Editorial 
Magisterio, 2016. 134 pp. ISBN 978-958-20-1222-9.
La ciudad contemporánea con sus múltiples complejidades ha sido en el último 
tiempo una temática fértil para muchos académicos que se acercan a ella desde diferentes 
perspectivas de estudio y análisis. En este texto en particular, el interés del autor tiene 
que ver con lo que se nombra como la ciudad física y a su vez con sus representaciones 
artísticas. Bogotá es, entonces, el centro de esta investigación y a partir de lo que es y 
ha sido la capital colombiana en las recientes décadas se busca en principio hacer un 
recorrido semiótico por ciertas escenas urbanas que la pintan como un centro urbano 
heterogéneo y colmado de discrepancias. A su vez, y en una segunda instancia, se 
examinan los registros (las representaciones) de esa ciudad en la literatura y el cine 
contemporáneos. 
Esta propuesta que formula el autor, específicamente, es un tour detallado por 
ciertas áreas de la ciudad en las que se examinan algunas situaciones, limitaciones y 
comportamientos de los ciudadanos tales como: la pose arribista y discriminatoria de 
ciertas capas sociales, la ineficacia de los gobiernos en planes de salud o vivienda, 
la falta de infraestructura del transporte público urbano o los aires primermundistas 
o agringados de algunos de sus habitantes dentro de un conglomerado urbano cada 


Spanish

Yolanda Martínez-San Miguel, Ben Sifuentes-Jáuregui y Marisa Belausteguigoitia, eds. Critical Terms in Caribbean and Latin American Thought: Historical and Institutional Trajectories. Nueva York: Palgrave Macmillan, 2016.

Configuraciones de lo sagrado en la literatura contemporánea del Cono Su

Aguilar, Paula

NINGÚN LUGAR SAGRADO: DERROTA, VIOLENCIA Y ESCRITURA EN ROBERTO BOLAÑO

Koczkas, Anca

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quietud, pasividad y desnudez (120-121). Es una lástima que la autora no cuestione 
esta mirada típicamente masculina de Wong, sobre todo en relación con la filosofía de 
del yin-yang, ni tampoco desarrolle una discusión amplia sobre las importantes voces 
femeninas en la creación de literatura chino-latinoamericana. 
El último capítulo se dedica a la perspectiva subalterna de Carlos Francisco 
Changmarín. Este capítulo tiene un tono diferente que los otros porque la escritura 
de Changmarín no tiene ninguna representación de la etnicidad china. Más bien, 
la preocupación central del autor chino-panameño es la condición marginal de los 
campesinos, así como la población indígena y la africana del país. En las palabras de 
Yen, “Changmarín des-orientaliza a los indígenas y los africanos para recuperar la 
autonomía de su identidad cultural” (127). Se podría argüir que el proyecto político 
de Changmarín es mostrar cómo los grupos subalternos han alterado la narrativa 
hegemónica con el fin de construir una identidad nacional de modo alternativo. 
En suma, el trabajo de Yen representa una contribución valiosa al campo creciente 
de los estudios transpacíficos con su enfoque en la influencia asiática. Aunque el 
libro muestra algunos problemas ya mencionados, también abre la puerta a futuras 
investigaciones. No hay duda alguna de que este libro puede servir a cualquier lector 
para apreciar la presencia importante de las personas de ascendencia china en la 
literatura latinoamericana. 
Koichi Hagimoto
Wellesley College
HuMbErTo guErra. Narración, experiencia y sujeto. Estrategias textuales en siete 
autobiografías mexicanas. México: Bonilla Artigas Editores; Universidad 
Autónoma Metropolitana-Unidad Xochimilco, 2016. 301 pp. ISBN 978-607-
8450-63-3.
Si algo nos han enseñado las primeras dos décadas del siglo veintiuno es que los 
discursos subjetivos, es decir aquellos que comienzan por el “yo” han cobrado atención 
en cualquier ámbito. Uno solo tiene que pensar en Facebook, Twitter, la incesante 
obsesión de la humanidad por los selfies, o en el creciente interés de la crítica literaria 
por la autobiografía. ¿Acaso no es este género híbrido y difícil de encajar un tipo de 
fotografía u autorretrato literario, que los escritores dejan a las generaciones posteriores? 
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Por lo menos esto es lo que arguye Humberto Guerra, específicamente cuando nos 
recuerda que el texto autobiográfico, “una vez impreso adquiere un estatus público y 
social innegable equiparándose así con las obras consideradas ‘literarias’” (16).
La cultura mexicana abunda en autobiografías, pero se carece de estudios críticos 
aferentes a éstas. Desde este punto de vista saludamos la llegada de este detallado 
libro, que pone bajo una cuidadosa lente crítica siete obras provenientes del famoso 
proyecto editorial “Jóvenes escritores mexicanos presentados por sí mismos”, dirigido 
por Emanuel Carballo. Aunque la colección abarca once entregas durante un período 
de dos años (desde 1964 a 1966), Guerra se enfoca en siete de ellas, y divide su estudio 
en dos partes. La primera se enfoca en las autobiografías de José Agustín y Carlos 
Monsiváis, mientras que la segunda parte analiza las de Salvador Elizondo, Juan García 
Ponce, Sergio Pitol, Vicente Leñero y Juan Vicente Melo.
Un tanto extenso para el público lector no iniciado, el capítulo introductorio nos 
provee de un detallado repaso teórico. Este recorrido incluye también un debate sobre 
el quizás incierto lugar que ocupa la autobiografía dentro de las ciencias sociales. Como 
bien nos recuerda aquí el autor, la hibridez de la biografía como género da lugar a 
variadas y enriquecedoras lecturas, puesto que su dimensión cognoscitiva y documental 
“contribuye a la dificultad y fascinación de acercarse literariamente a este tipo de 
discurso” (33). De esta forma y para desenredar esta complejidad inherente, Guerra 
sigue la clasificación de James Olney, quien propone tres tipos de acercamientos al 
tema: “bios,” “autos” y “grafé”. Siguiendo con las teorizaciones de Phillipe Lejeune y 
luego Elizabeth W. Bruss, el autor propone como estrategia de estudio una combinación 
entre el autos y el grafé, por ser estos acercamientos más abarcadores de la “realidad 
del texto autobiográfico” (61).
El segundo capítulo es adecuadamente titulado “La existencia como espectáculo” 
y se enfoca en las autobiografías de José Agustín y Carlos Monsiváis. Tal unión entre 
estos dos grandes de la literatura mexicana obedece a una razón genérica, como bien lo 
arguye Guerra, ya que ambos apelan a la narración dramatizada para contar sus vidas 
hasta ese momento. En este orden de ideas, tanto Agustín como Monsiváis apelan a una 
serie de procedimientos y técnicas provenientes del teatro para convertir sus textos en 
una “función” y para hacer que el lector sea “espectador de su propio cuestionamiento” 
(72). Junto con el elemento dramático presente en estas biografías, el crítico también 
analiza la dialogación y el registro del habla, concluyendo que además de muchas 
similitudes, la diferencia fundamental entre los dos escritores es que si bien Monsiváis 
procura embellecer el escenario de su realidad, Agustín desea “mostrar la permanencia 
inmemorial de un escenario siempre favorable para su personaje” (110). Finalmente, 
para concluir este segundo capítulo, se discuten otros dos elementos fundamentales 
cuando de autobiografías se trata: la conciencia de la audiencia, y cómo se configura 
el yo en la autobiografía de corte dramático.
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La tercera y última parte destaca por su oposición al capítulo anterior. Aquí el autor 
analiza las autobiografías de Elizondo, García Ponce, Pitol, Leñero y Vicente Melo, 
por dos razones principales. En primer lugar, todos estos autores utilizan la imagen 
poética como técnica narrativa, sin ser ellos mismo poetas. En segundo lugar, como 
nos recuerda Guerra, el propósito de estas obras no es mostrar una referencialidad 
terminada, sino cómo, al contarnos sus vidas, ellos mismos emprenden un viaje de 
autoanálisis y autoconocimiento. Por lo tanto, además de una detallada lectura enfocada 
en el lirismo que estos escritores cultivan, Guerra discute en este apartado lo siguiente: 
las posibilidades y alcances de este autoconocimiento, la preocupación de estos cinco 
mexicanos por explicar su vocación literaria, y la construcción de la subjetividad al 
hacerlo. A diferencia de la configuración del yo en las autobiografías dramáticas, aquí 
se observa que el yo es construido a “base de la precariedad … su signo prioritario es 
el de la mudanza, para este sujeto no hay nada sagrado” (162). 
El estudio finaliza con una breve conclusión en la que el autor nos recuerda que 
esta colección de autobiografías muestra “la fundamentación de un conflicto que 
alimenta la vida literaria mexicana: el localismo, la colectividad y la oralidad cotidiana 
conviven conflictivamente con la universalidad, la depuración estilística y el imperio 
de lo individual” (281). Se trata de conflictos que se constituyen como pruebas de una 
creciente pluralidad y que el crítico encuentra necesaria para que la sociedad mexicana 
sea más democrática. Es bienvenida, por lo tanto, la publicación de obras críticas como 
la de Humberto Guerra, que destacan por un sólido fundamento teórico y un cuidadoso 
análisis textual. Tales estudios nos convencen de que, por medio de la autobiografía, 
la vida personal de los escritores sí puede convertirse en materia de estudio, ya que da 
lugar a nuevas y enriquecedoras lecturas.
Anca Koczkas
University of West Georgia


Humberto Guerra. Narración, experiencia y sujeto. Estrategias textuales en siete autobiografías mexicanas.

Outes-León, Brais D.

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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
JoSé MAríA MArtínez. Amado Nervo y las lectoras del Modernismo. Madrid: Verbum, 
2015. 254 pp. ISBN: 978-84-9074-146-7.
José María Martínez, editor entre otras obras de la excelente edición comentada 
de Cantos de vida y esperanza (Cátedra, 2002), recopila en este volumen una selección 
de artículos académicos publicados en revistas entre 2001 y 2012 y materiales inéditos 
hasta la fecha sobre diversos temas del modernismo. El libro consta de tres secciones 
independientes: 1) una introducción crítica a la poesía de Amado Nervo; 2) tres ensayos 
sobre la dimensión transatlántica del modernismo; 3) y una colección de ensayos sobre 
el público lector femenino del modernismo. La amalgama de temas tan diversos dista 
de ser armoniosa. “Acomodar todo ello de forma orgánica no ha sido fácil,” reconoce el 
propio Martínez en la introducción, “y es posible que alguna vez se noten las costuras 
que unen todos esos componentes” (15). Las costuras en cuestión comprometen la unidad 
del libro como proyecto intelectual armonioso. Resulta particularmente desconcertante 
encontrar una sección titulada “Apéndice transatlántico” insertada arbitrariamente 
entre la primera y la segunda sección que dan título al volumen. El desconcierto que 
pueda producir en el lector las asimetrías de este “Centauro de los géneros” (para 
emplear la formulación ya clásica de Alfonso Reyes) es compensada en parte en la 
tercera sección del volumen, en la cual Martínez desarrolla un análisis necesario y 
fructífero sobre la centralidad del público lector femenino en el modernismo –un tema 
que, inexplicablemente, no ha recibido hasta ahora la debida atención de la crítica–. 
En las reflexiones de Martínez sobre la lectora del modernismo, se cifra el verdadero 
valor crítico de este volumen. Por ello, en el resto de esta recensión, me centraré en 
esta sección del volumen.  
A través de sendos ensayos sobre Rubén Darío, Manuel Gutiérrez Nájera, Amado 
Nervo, y las poetisas postmodernistas, Martínez reflexiona sobre la recepción del 
señalar como omniscientes culpables de la insalubridad fronteriza a las presiones del 
“primer mundo” sobre el denominado “tercer mundo”. La colección “Medellín Negro”, 
continúa con buen paso su labor informativa sobre la violencia en Latinoamérica y el 
mundo, demostrando en este volumen que la discusión aún no se agota. 
Jesús Eduardo Morales Hernández
University of Pittsburgh
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modernismo entre el público lector femenino, intentando dilucidar “la forma en que 
los autores modernistas y sus lectoras se condicionan, contemplan y leen mutuamente” 
(153). En el primer capítulo de esta sección, el autor desarrolla un análisis historiográfico 
acerca de la poesía de álbum y de salón del poeta nicaragüense como una estrategia de 
socialización y promoción profesional diseñada para ganarse el favor de sus admiradoras 
y mecenas acomodadas. El autor rescata, así, un género poético supuestamente menor 
pero que nos permite reconstruir parcialmente las sinergias de poder y género que 
subyacen a las prácticas letradas del Fin de Siglo. En los capítulos dedicados a Gutiérrez 
Nájera, Martínez reflexiona sobre la figura literaria de la lectora en los escritos en prosa 
del escritor mexicano. La lectora, como representante de las clases acomodadas del 
Porfiriato, y como figura literaria se convierte en un modelo ideal de feminidad con el 
cual las lectoras de Nájera se podían identificar y que contribuye al desarrollo de una 
cultura lectora específicamente femenina. Como analiza certeramente Martínez, de los 
textos de Nájera emerge “un cronotopo de la lectura femenina modernista” (175) que 
convierte los espacios privados de la casa y el jardín en el ámbito simbólico de una 
práctica letrada femenina. En el capítulo dedicado a Amado Nervo, Martínez investiga 
las referencias a un destinatario poético femenino en la poesía del último periodo del 
escritor mexicano enfatizando cómo las alusiones al público femenino conforman una 
estrategia activa para publicitar el vínculo literario entre Nervo y un público femenino 
implícito. El último capítulo del libro lidia con la recepción del modernismo por parte 
de las escritoras de la generación post-modernista. 
Martínez hace gala de un conocimiento minucioso de las fuentes primarias y 
demuestra de forma inequívoca a través de numerosos ejemplos la existencia de una 
cultura letrada femenina fuertemente asociada con la estética modernista. Combinando 
el discurso histórico y la exegética textual, Martínez reconstruye arqueológicamente –la 
hasta ahora poco explorada– importancia de las dinámicas de género en la recepción 
del modernismo por parte de un público lector femenino. Al rastrear las referencias 
a este público lector en la obra de Darío, Nájera, y Nervo, el autor lleva a cabo una 
crucial labor de relectura de los textos modernistas desde el prisma de las dinámicas 
de género implícitas en las prácticas de consumo y producción textual en la cultura 
del Fin de Siglo. Al recuperar esta cultura letrada femenina, Martínez identifica con 
gran acierto la relevancia de un tema hasta ahora casi ausente en los diálogos críticos 
imperantes. Sin embargo, el autor deja numerosas interrogantes en el aire acerca de las 
implicaciones que derivan de su propio análisis para una comprensión más sofisticada 
de las dinámicas de género en las culturas letradas latinoamericanas. A continuación, 
elaboraré sobre tres aspectos críticos del análisis de Martínez que requieren de mayor 
elaboración.    
En primer lugar, Martínez no analiza cómo las relaciones de género entre los 
escritores modernistas y su público lector femenino difieren de las relaciones que se 
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daban en otros movimientos literarios anteriores, contemporáneos y posteriores al 
modernismo. Como sugieren los personajes de Ana Ozores y Emma Bovary, los gustos 
literarios femeninos del siglo XIX no se restringían al ámbito latinoamericano o la 
literatura modernista. Desde una perspectiva historiográfica, el autor no aclara cuál es 
el impacto de la centralidad del público femenino en el modernismo y en el desarrollo 
de una cultura letrada femenina en las primeras décadas del siglo XX. 
En segundo lugar, el análisis de Martínez no profundiza sobre las complejas y 
en ocasiones contradictorias dinámicas de poder simbólico, social y económico, que 
se establecen entre el público lector femenino y los escritores modernistas. El autor 
sugiere que la estrecha relación entre el modernismo y el público femenino estriba 
en la condición marginal de ambos en el contexto socio-cultural del Fin de Siglo. La 
marginación cultural y socio-económica del escritor modernista y de la mujer en las 
sociedades latinoamericanas produce, según Martínez, una corriente de empatía entre 
ambos grupos (222). Esta sugerente tesis no es desarrollada críticamente y parece obviar 
las marcadas diferencias de género y capital simbólico que se dan entre el escritor y su 
lectora. El consumo aparentemente pasivo de los públicos femeninos parece reforzar la 
estrecha identificación que, según Susan Gubar y otras críticas feministas, se ha dado 
históricamente en las culturas occidentales entre creatividad y masculinidad, por un lado, 
y obra de arte y feminidad, por el otro. Sin embargo, si el poder económico del público 
femenino socialmente privilegiado muestra cierta ascendencia sobre la escritura de los 
escritores modernistas (como parece sugerir Martínez), hemos de preguntarnos en qué 
medida el consumo de textos modernistas por parte de un público lector femenino no 
es un acto pasivo, sino una práctica cultural activa. Una practica que sienta las bases 
para la emergencia de una vibrante escritura femenina en las primeras décadas del 
siglo XX encarnada por figuras como Delmira Agustini, Juana Ibarbourou, Gabriela 
Mistral, Juana Borrero y Carmen de Burgos, entre otras.     
En tercer lugar, el volumen no entabla un diálogo académico abierto con la rica 
y variada crítica literaria sobre el modernismo. El proyecto intelectual de Martínez 
muestra claras concomitancias con los proyectos sobre sexualidad y género en el siglo 
XIX desarrollados actualmente por Nancy LaGreca, Lee Skinner y Nathalie Bouzaglo, 
entre otros, y con los trabajos ya clásicos de Sylvia Molloy, Gwen Kirkpatrick y Jean 
Franco. Sin embargo, Martínez no discute ni reconoce el excelente trabajo de estas 
investigadoras. De forma análoga, a pesar de lidiar con las dinámicas de circulación y 
consumo cultural en el Fin de Siglo, el autor tampoco entabla un diálogo académico 
con los trabajos de Ángel Rama, Graciela Montaldo y Aníbal González al respecto. 
Esta desconexión con la crítica contemporánea y pretérita restringe la capacidad del 
lector especializado para situar el trabajo de Martínez en el seno de los debates actuales 
y pasados sobre el modernismo. 
855Reseñas
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I V,  N ú m .  2 6 4 ,  J u l i o - S e p t i e m b r e  2 0 1 8 ,  8 1 3 - 8 7 2
ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
A pesar de las limitaciones anteriormente señaladas, el trabajo de José María 
Martínez nos ayuda a reflexionar productivamente sobre un aspecto del modernismo 
hasta este momento obviado por la crítica: el público lector femenino. Su análisis 
de las sinergias discursivas entre el escritor modernista y el público lector femenino 
sugiere la centralidad del modernismo en el desarrollo de prácticas letradas claramente 
femeninas en la cultura de Fin de Siglo. A través de su análisis de la sociabilidad 
literaria en Darío y Nervo, la representación de la figura de la lectora en Nájera, y la 
recepción del modernismo entre las escritoras del post-modernismo, Martínez nos 
invita a repensar las dinámicas de circulación y consumo de los textos modernistas 
desde el prisma de la dinámica de género.          
Brais D. Outes-León
Queens College, CUNY
AnDreA FAntA cAStro. Residuos de la violencia. Producción cultural colombiana, 
1990-2010. Bogotá: Editorial Universidad del Rosario, Escuela de Ciencias 
Humanas, 2015. 166 pp. ISBN 978-958-738-544-1.
La producción cultural colombiana, así como las interpretaciones críticas sobre esta, 
han gravitado por décadas alrededor de la pregunta por las representaciones estéticas 
de la violencia política y económica, y, más recientemente, de la descomposición 
social producto del narcotráfico. Con Residuos de la violencia: producción cultural 
colombiana, 1990-2010, Andrea Fanta busca revisitar estos temas. El libro es una 
aproximación a los productos culturales colombianos con mayor reconocimiento 
comercial e institucional, a finales del siglo XX y principios del XXI, a partir de su 
relación con la violencia y la economía de las drogas. 
Partiendo de las tesis de Jean Baudrillard sobre la relación entre cultura y producción 
de desechos materiales en el capitalismo tardío, la autora propone pensar las obras de 
las que se ocupa desde dos ángulos: primero, como representaciones de los sujetos 
que, al ser marginados, se convierten en desechos corporales. Segundo, como formas 
de recuperación de la historia que ha sido desechada en la construcción de discursos 
oficiales. El narcotráfico funcionaría como una manifestación hiperbólica tanto de 
la cultura capitalista como su producción de residuos humanos e ideológicos. Fanta 


José María Martínez. Amado Nervo y las lectoras del Modernismo.

Notas sobre literatura, escritura y arte contemporáneo

Arredondo, Erika

Primeras páginas

Madrigal, Elena

1221Reseñas
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I V,  N ú m .  2 6 5 ,  O c t u b r e - D i c i e m b r e  2 0 1 8 ,  1 2 1 9 - 1 2 7 3
ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
On the Edge of the Holocaust es un texto cautivante que cuestiona la hegemonía 
norteamericana y europea que ha predominado en torno a los estudios sobre el Holocausto 
y revindica “lo latinoamericano” como un espacio de estudio legítimo para pensar 
el legado de la Shoá. Producto de varios años de trabajo de archivo en numerosas 
bibliotecas, este es un libro que ha de marcar un nuevo camino en al ámbito de los 
estudios latinoamericanos y de los estudios judaicos.
Alejandro Meter
University of San Diego
ilana dann luna. Adapting Gender. Mexican Feminisms from Literature to Film. 
Albany: State University of New York Press, 2018. 290 pp. ISBN 978-1-4384-
6827-3.
Al no perder de vista la interacción entre la macropolítica mexicana y las 
producciones culturales literarias y cinematográficas que integran su corpora, Ilana 
Dann Luna logra un estudio sólido en ambos terrenos. Metodológicamente, la autora 
elige un número acotado de obras literarias que han sido adaptadas al cine y, a partir de 
sus fechas de escritura y producción, ahonda en los pormenores históricos y políticos 
que afectaron los procesos de creación misma al igual que los tratamientos de los temas, 
los desarrollos de las tramas e incluso las conformaciones de los personajes. En buena 
medida, logra el equilibrio entre cuestiones socioeconómicas y artísticas al tener como 
parámetro las políticas sexenales, con lo que el referente histórico nacional resulta 
asible y pertinente al abordar cuestiones como la maternidad, las oleadas migratorias 
o la diversidad sociosexual.
Consideramos que este rigor procedural y la exhaustividad del estudio se deben, 
en parte, a sus orígenes en la tesis doctoral que Luna presentó bajo la tutoría de Sara 
Poot-Herrera (2011) en la Universidad de Santa Barbara. En cuanto a los conceptos 
que sostienen al estudio hacemos dos señalamientos. El primero, se debe a que Luna 
no considera que, para el caso latinoamericano, la adaptación no puede ser vista 
solo como una entre “una serie ilimitada de lecturas” (96), sino que el quid radica 
en la diferencia entre lector y espectador, uno alfabetizado y el segundo que pudiera 
no estarlo y que excedería, en la mayoría de los casos nacionales, en número a los 
lectores. El otro es que, en el caso de Sabina Berman, estaríamos ante un fenómeno 
de “autotraducción-autoadaptación”.
1222 Reseñas
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Ambas cuestiones pierden peso ante los muchos logros del trabajo, como lo es el 
catálogo de películas a lo largo del libro y en el Apéndice. Asimismo, ante la amplitud 
de perspectiva social que se complementa con una atención puntual a los perfiles de la 
vida y a la obra de las escritoras y de las adaptadoras-realizadoras, todas ellas mujeres, 
a excepción de un caso. Llama la atención la manera en que Luna establece vínculos 
de matrilinealidad –convenientemente anclados en el feminismo–, entre las escritoras, 
las realizadoras y entre ambos sectores, estrategia que propicia que, al final de la 
lectura del estudio, se obtenga un panorama de los retos que estos grupos de mujeres 
han enfrentado y de las soluciones que han logrado desde sus coordenadas históricas 
y culturales y desde sus medios de expresión, sea el literario o el cinematográfico. Al 
respecto, los análisis de las obras fuente son exhaustivos y van encaminados a entender 
las variaciones que surgen en los filmes. En términos generales, Luna subraya las 
maneras en que las personajes logran adueñarse de su destino, siendo la expresión en 
lenguaje directo uno de los mayores logros en su construcción.
El primer ejemplo, objeto del capítulo 2 del libro, es la adaptación de El viudo 
Román (1964) de Rosario Castellanos al cine bajo el título El secreto de Romelia (1988) 
que, desde sus títulos, ya dan cuenta de un cambio fundamental de foco, del personaje 
masculino al femenino. El que entre ambas expresiones hayan mediado veinticuatro 
años permite a Luna hacer dialogar las dos estéticas con las transformaciones del 
pensamiento feminista, de las políticas públicas dirigidas hacia las mujeres –o gestionadas 
por ellas–, y de la vida cotidiana en el entorno familiar.
La rapidez de tales cambios propicia el trabajo de pensadoras y creadoras como 
Sabina Berman, cuya exitosa pieza teatral Entre Villa y una mujer desnuda (1994) es 
filmada por la autora e Isabelle Tardán, su pareja amorosa, coautora y codirectora, con 
una variación en apariencia insignificante en el título: Entre Pancho Villa y una mujer 
desnuda (1996). En el Capítulo 3, Luna asocia el cambio con el hecho de que el cine 
apela a públicos amplios, incluso internacionales, para los que el nombre completo 
del personaje es más fácilmente identificable. En esa medida, insiste Luna, la relación 
entre género e Historia nacional es cuestionada ante un mayor número de espectadores, 
sobre todo en cuanto a los atributos de la masculinidad de los que Villa es epítome. De 
tal suerte, el “guion cultural”, entendido como los comportamientos esperables según 
el heteropatriarcado, se subvierte desde una posición artística sexodiversa y feminista.
Luna dedica el apartado a continuación a Novia que te vea, novela de Rosa Nissán 
(1992) y filme de Guita Schyfter (1993), para subrayar la conformación multicultural 
mexicana a partir de la heterogeneidad del colectivo judío, integrado, como cualquier 
otro grupo, por un abanico de subalteridades, y en relación con las políticas migratorias. 
La opresión hacia las mujeres es vista por Luna desde varios frentes: el de la producción 
artística, el de los espacios domésticos, el de la tradición religiosa judía, y el de las 
tensiones que implica la pertenencia a dos culturas fuertemente heteronormadas. Luna 
consigue su fin de una lectura feminista al detectar los momentos en que las personajes 
1223Reseñas
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I V,  N ú m .  2 6 5 ,  O c t u b r e - D i c i e m b r e  2 0 1 8 ,  1 2 1 9 - 1 2 7 3
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libran sus batallas cotidianas para acceder a la educación y hacer valer otros derechos.
El libro cierra con el contraste entre el cuento “De noche vienes” (ca. 1985) de 
Elena Poniatowska y la película De noche vienes, Esmeralda (1997) de Jaime Humberto 
Hermosillo en un gesto que Luna justifica a partir de dos consideraciones: la primera, 
que el texto de Poniatowska, aunque feminista, no trasciende ciertos cartabones que 
han sujetado a las mujeres y, la segunda, que la mirada “queer” de Hermosillo es la vía 
para desenmascarar la “hipocresía de las políticas identitarias” (203) o para reformular 
los significados del concepto de familia (213). El gesto de Luna irrumpe la armonía de 
su estudio al dejar de lado las discordancias entre los trasfondos ideológicos y políticos 
que animan a un realizador que apela al espectador homosexual nacional principalmente 
y a una escritora con una amplia trayectoria como activista y cuyos foros culturales 
y políticos son de trascendencia internacional. Este punto invita a valorar Adapting 
Gender como un precedente para reconsiderar la performatividad del género como 
herramienta hermenéutica que lleve a entender otros matices de la interacción entre 
creación artística, poder político y situación sociosexual de quienes intervienen en 
estas esferas. Más allá de sus propuestas intelectuales, el análisis de Luna adquiere 
otras dimensiones y convida a ser acaudalado cuando sus palabras finales hacen eco a 
la voluntad de varios sectores de la sociedad por alcanzar una equidad de clase, étnica 
y más que nada genérica en el imaginario cultural mexicano.
Elena Madrigal
El Colegio de México
EnriquE garcía. The Hernandez Brothers. Love, Rockets, and Alternative Comics. 
Pittsburgh: University of Pittsburgh Press, 2017. 175 pp. ISBN 0-8229-6492-9.
Éste es un libro concebido como guía de enseñanza o estudio para la obra de 
los hermanos Hernández. Los Hernández, valga la pena aclarar para quienes no 
sean aficionados a las historietas, son el influyente trío de hermanos –aunque, en 
comparación con Gilbert y Jaime, la participación de Mario, el mayor de los tres, haya 
sido relativamente esporádica– productor desde principios de la década de los ochenta 
de historietas influenciadas por la escena punk alternativa del sur de California. 
El volumen contiene una introducción bien pensada; tres breves viñetas intituladas 
“Spotlight” (en primer plano), cuyo afán es resaltar facetas desconocidas de la obra 


Ilana Dann Luna. Adapting Gender. Mexican Feminisms from Literature to Film.

Dos Santos, Daiana Nascimiento

DESHACIENDO CADENAS: LA EMERGENCIA DE BORRAR LA CARIMBA EN EL IMAGINARIO CONTEMPORÁNEO

Chefjec, Sergio

Revista Iberoamericana, Vol. LXXXIII, Núm. 261, Octubre-Diciembre 2017, 727-732
NOTAS SOBRE STUPÍA, ESTUDIO
por
Sergio ChejfeC
2012, tercer miércoles de julio
Es casi de noche; a esta altura del año no quiere decir que sea demasiado tarde 
en Buenos Aires. Durante años me acostumbré a la luz y al calor de Caracas, tanto 
que las temperaturas fuertes, en especial el frío, como para todos los que viven allí, se 
convirtieron en avatares geográficos, nunca cronológicos: al frío se llega. Y también 
podría decir: aunque de distinto modo, a la noche se llega (después de la tarde, en el 
final del día). Y a diferencia: a la mañana no se llega; las mañanas ocurren, sobrevienen, 
aun cuando se las espere. 
Vengo del taller de Stupía, a donde “llegué” después del mediodía. Creo que 
es correcto decirlo así, “llegué”, porque fue equivalente a asistir a una organización 
particular de cosas. (En el taller hacía un frío de morirse: también podría decir 
entonces que “llegué” a su estudio como si una temperatura más cruda hubiese estado 
esperando). Un invierno encapsulado entre paredes. Al entrar a esa casa inmensa, de 
techos altísimos y ambientes gigantes, recordé la presencia del frío en Buenos Aires 
cuando la calefacción no era habitual y uno vivía inmerso en experiencias parecidas 
a ésta. Un frío como de cámara de conservación, algo frigorífico, con un punto alto 
de humedad muy propicio para hacerlo más intolerable (el frío, pero también el punto 
alto de humedad). 
Cámaras frías: 1) como en el Fairway de la calle 132, con abrigos a disposición 
del cliente que quiera incursionar en el inmenso sector de productos perecederos 
–y cervezas–; o 2) como el antiguo Makro de Caracas, camino a Guarenas, con un 
salón de frío intenso, donde según recuerdo tenían los quesos, también con la opción 
de abrigos. Un día voy a escribir sobre la nostalgia del frío en Venezuela: algo que 
nunca ha pertenecido a la experiencia colectiva y que la gente desea como si una parte 
importante de la realidad le hubiera sido negada. (De nuevo: al frío se llega). 
Según dice Stupía, ese primer piso que ocupa (más bien que comparte con otros dos 
artistas) es tan antiguo (se refiere al edificio, de dos pisos de todos modos) y desde hace 
728 Sergio ChejfeC
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tanto no se usa como vivienda de nadie, que carece de instalaciones para la calefacción. 
Stupía cuenta con un pequeño calefactor eléctrico que frente a esa amplitud parece 
de juguete. Pienso que en ese piso podría trabajar una brigada de artistas, podrían ser 
veinte o treinta y sobraría lugar. Pero es ridículo pensarlo de ese modo: imposible medir 
el espacio que precisa alguien. En general el espacio es asignado; si no directamente 
por alguna autoridad o acuerdo social, por el uso que hacen los demás del mismo 
espacio. No es verdad que uno naturalmente tienda a apropiarse de muchísimo espacio; 
una prueba se verifica en las playas durante el verano. Si llegamos temprano cuando 
todavía no se ha poblado, el sector que imaginariamente definimos como propio es 
absolutamente minúsculo teniendo en cuenta la extensión que nos rodea. Pero a la 
vez, es verdad, las proporciones territoriales se van reduciendo a medida que llega 
más gente, creando nuevos puntos físicos que aumentan la densidad. Entonces podría 
pensar: ¿a qué superficie o sector se vería reducido el espacio de trabajo de Stupía 
si compartiera el piso con quince colegas y no sólo con dos? En realidad, creo que 
dijo “dos” por un curioso pudor de decir que sólo comparte el piso con “uno”. Otro 
ejemplo: los asentamientos populares. Cuando se ocupa un predio lo primero que se 
hace, después de plantar la bandera nacional (defensivo blasón simbólico) es delimitar 
los terrenos individuales a partir de criterios adaptativos respecto del catastro urbano 
convencional. Quiero decir: pese a la ilegalidad o irregularidad, no se reparte la superficie 
entre el número de ocupantes, sino ateniéndose a magnitudes generalmente aceptadas.
Hablando de la ocupación del espacio, el misterio argentino (para decirlo de modo 
altisonante): las inabarcables superficies de tierra pertenecientes a muy pocos individuos. 
El motivo: el tremendo número de ganado feral. Y entonces, cuanta más tierra propia, 
más ganado. Acá uno encontraría desmentida la hipótesis del reparto proporcional del 
espacio, aunque solo a primera vista porque, naturalmente, los animales ocupan el 
territorio según criterios propios, no humanos –y los hombres, se podría decir, cuando se 
inspiran en la conducta animal para estas y otras cosas, evidentemente se barbarizan–. 
Encontré a Stupía y a Julián D’Angiolillo en la panadería de al lado. Un pequeño 
sitio con mesas muy chicas, en una de las cuales apenas cabían ellos dos. Habían dejado 
los abrigos y morrales a un costado; no es que cargaran con muchas cosas, pero de todos 
modos ocupaban la mitad del local. Cuando me acerqué y conseguí asiento, después 
de varios reacomodos colectivos, la empleada debió escucharme a la distancia cuando 
era notorio que un sentido profesional le sugería acercarse para escuchar mi pedido 
–de tal modo estábamos aislados tras nuestras pertenencias y varias mesas vecinas–. 
De hecho, debimos repetir el procedimiento cuando me alcanzó el cortado. Mientras 
lo tomaba comenté a Eduardo y a Julián que me parecía insólito que formáramos una 
isla solitaria en tan pequeño lugar, algo parecido a una rampante y autista ocupación 
del espacio. Quiero decir, una situación inversa a la que, como recién describí, se me 
ocurrió pensar cuando, una vez arriba, vi la impresionante amplitud del taller. Al rato 
subimos. Dejar la panadería significó una pequeña mudanza.
729Notas sobre stupía, estudio
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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
Julián y Eduardo debían trabajar juntos. Se trataba de crear una continuidad de 
imágenes para un audiovisual. Se sentaron, en un rincón de la también gigantesca 
mesa de trabajo, frente a una computadora portátil cuya pantalla estaba saturada 
de las imágenes a seleccionar –con más imágenes detrás y al costado de las que se 
veían, en muchos casos registros parecidos o pertenecientes a motivos o paradigmas 
semejantes– (y también estaba saturada, la pantalla, de íconos de diferente tipo, como 
pude ver después, cuando en un momento Stupía cerró la aplicación). Julián esgrimía 
una cámara de video en silencio (es miembro conspicuo de esa generación de jóvenes 
wittgenstenianos que dicen sólo lo imprescindible); a veces se les ocurría filmar las 
imágenes fijas, un poco maximizadas sobre la superficie de la pantalla –y a veces 
filmaban la sucesión de ellas–.
Me pasó algo curioso mientras los veía trabajar: fue sentir que mi curiosidad 
por sus operaciones no se correspondía con mi responsabilidad. Es decir, advertí que 
posiblemente porque se trataba en parte de mi audiovisual, porque yo estaba formalmente 
implicado en ello, eso me impedía sostener una curiosidad desinteresada y expectante 
hacia las operaciones que emprendían y sus espléndidos desarrollos. Comprobé una 
vez más que lo mío es estar fuera; cuando algo no me apela en términos prácticos me 
siento mucho más comprometido y, sobre todo, curioso.
No estoy completamente seguro, pero ahora, en el silencio de este lugar en la 
calle Arenales, viendo una cantidad reducida de otros departamentos iluminados y 
suponiendo la vida regular y más o menos privada que se desarrolla en cada uno, 
pienso que la curiosidad es lo único que me sostiene. Flaubert decía en una carta algo 
como que no se trata de buscar la felicidad sino de evitar el aburrimiento; puesto así 
parece frívolo, pero en la formulación original, o en su contexto, convencía como una 
de esas máximas desengañadas y sabias al mismo tiempo –y sin embargo, la formuló 
muy joven, como argumento a favor de su viaje a Oriente–. A veces pienso que la 
curiosidad ha ido reemplazando en mí cierto tipo de intereses específicos que antes 
tenía bastante claros; y a la vez, se ha ido convirtiendo en una de las cualidades que 
más valoro en los demás. Pero valoro la curiosidad, obviamente, como una actitud ante 
la vida, no como expresión de la indiscreción. Aunque a la vez soy capaz de entender 
que la indiscreción –ya sea como principio o como concepto– puede ser un motor muy 
eficaz para seguir activo; conozco muchos casos. 
Retomando entonces, el estar concernido por las decisiones de Stupía y las 
propuestas de Julián, hacía que mi interés fuera distinto, paradójicamente más difuso; 
diría: apuntaba más a lo general, a lo paradigmático, y menos a los detalles mientras 
sabía muy bien que de otro modo, de ser ajeno al proyecto, me habría implicado con 
pelos y señales hasta en lo más nimio; pero claro, eso hubiese sido imposible: es ridículo 
pensar que uno pueda intervenir en el nivel profundo de algo que no le pertenece. PA 
está por ser padre, y me dediqué con empeño a la compulsa de nombres para la criatura, 
730 Sergio ChejfeC
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tomándomela en serio, como si fuera a tratarse de un hijo propio –pero debería aclarar, 
de nuevo, que si se hubiera tratado de mi hijo probablemente me habría esforzado de 
otra manera–.
Por eso mismo el hecho no me sorprendió, al fin y al cabo me ocurre siempre; 
conociéndome, había llegado al estudio de Stupía con mi cámara de fotos dentro del 
morral, quería documentar (para mí esta palabra y esta acción, “documentar” son cada 
vez más supremamente –como dicen los colombianos– importantes) el lugar de artista, 
así nomás el lugar de este artista en un nivel privado. Entonces me coloqué durante unos 
minutos detrás de ellos dos, los miraba trabajar asintiendo en general, y de cuando en 
cuando agregaba alguna cosa en la dirección que ellos tenían. Pero como naturalmente 
yo me había instalado en ese lugar, o sea detrás, y de pie, no podía esperar que ellos 
recibieran mis opiniones como las de alguien integrado al trabajo recíproco: yo era 
ese aproximadamente ajeno –que nunca falta en los grupos o las reuniones– capaz de 
ausentarse en cualquier momento (de cualquier forma y bajo cualquier circunstancia).
La primera foto que tomé se refirió entonces a esta escena de comunión y 
exterioridad; ambos están inclinados sobre la pantalla, más Stupía que D’Angiolillo, 
quizás porque el primero es quien opera la computadora (tiene las yemas de dos dedos 
sobre el touchpad) y el segundo sostiene la pequeña video frente a un rostro femenino 
de la época victoriana, que abre mucho la boca casi en el límite de su articulación 
maxilar, por lo tanto también afecta los ojos, produciendo un gesto que parece de alguien 
absolutamente desquiciado. Como la obra que, se supone, “estamos” preparando, va 
a tener un componente coral excluyente, esta imagen podría ser una especie de leit 
motiv. Ambos compañeros están de acuerdo; y a mí es algo que me parece muy bien 
y sin embargo no termina de convencerme, tal como de costumbre y acabo de referir. 
Aunque lo callo.
Para aprovechar la débil luz invernal se han sentado de espaldas a los ventanales. 
De modo que el reflejo del cielo, según puede verse en la foto, vela buena parte de la 
pantalla de la notebook. Una veladura de la que se salva la mujer victoriana. Estamos 
en la sala más grande del lugar de Stupía. Unos nueve metros de ancho por cuatro de 
profundidad; las ventanas dan a Medrano, y a través de un acceso lateral se sale al 
balcón, casi tan largo como la sala, balcón cuyas superficies –balaustrada, cornisas 
varias, suelo– exhiben el trabajo habitual de las palomas, mezcla granizada blanca, 
gris, por momentos verde, también en ocasiones volátil por las ligeras plumas aquí 
y allá dispersas (también tomé una foto del balcón, ahora veo que las manchas son 
menos homogéneas de como lo recordaba, y pienso que obedece a ciertas preferencias, 
por uno u otro motivo, de las palomas para reposar o protegerse; y también recuerdo 
a Levrero, observador neurasténico de animales urbanos).
Entre las primeras impresiones que uno tiene recorriendo el lugar de Stupía: lo 
accidental eternizado. A lo mejor en eso consiste la naturaleza del desorden, pero 
731Notas sobre stupía, estudio
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I I I ,  N ú m .  2 6 1 ,  O c t u b r e - D i c i e m b r e  2 0 1 7 ,  7 2 7 - 7 3 2
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entiendo que no se trata de desorden de una manera estricta; es un desorden discontinuo, 
en proceso de disolución –aunque tampoco naturalizado–. Se acostumbra describir el 
desorden en términos de imprevisibilidad y ausencia de proporciones; en este caso el 
desorden se manifiesta como flujo, algo parecido a una secuencia o transfiguración en 
trance. Quiero decir: se intuye (reconoce, advierte, etc.) el motivo de que una cosa esté 
puesta en ese preciso lugar, y a la vez se advierte la lógica inmediata para dejarlo allí. 
¿En qué consiste esta lógica inmediata? En ocupar espacio; el espacio está integrado 
por unidades abstractas, que se manifiestan como tales sólo cuando es ocupado. A 
más cosas, más unidades y mayor densidad (como recién mencioné sobre la playa). 
Lo instructivo en el caso del estudio de Stupía son las vías de circulación que uno 
reconstruye como género de recorridos. Vías de circulación, digamos sublimadas, de 
distinta naturaleza. En ese espacio uno podría proponer la Ruta de los Pigmentos, el 
Sendero de las Ilustraciones, la Avenida de las Obras Inacabadas y varias otras. Esto, 
naturalmente, implica también la presencia de núcleos de agregación, pasibles de su 
correspondiente enumeración: la Montaña de Recortes, la Llanura de los Proyectos, 
los Edificios de Libros, la Ciudad de las Herramientas.
Otra foto: colgada de un clavo sobre el marco de una puerta, cerca del balcón y 
al costado de un estantería con libros cuyos lomos están hacia atrás, por lo tanto son 
invisibles, una escuadra de acrílico de esas con hueco interior que es proyección reducida 
de la forma exterior (con un lado reglado de unos trece centímetros). Del clavo también 
cuelgan, por encima de la escuadra, dos argollas sin llaveros, enlazadas, con tres llaves 
dos tipo Trabex y una de cabeza redonda, comun, tipo Yale; veo ahora las dos Trabex, 
una detrás de la otra, y la formas caraterísticas de sus cabezas me recuerdan las botellas 
de Maker’s Mark, de una geometría única, que tiende al cuadrángulo irregular. La 
llave redonda no se ve, porque es más chica y se oculta tras las otras dos, pero yo sé 
que está ahí, porque hace unas horas me puse a jugar con la escuadra, y porque ahora 
la intuyo en la sombra redondeada tras las otras dos llaves. Entonces pienso sobre el 
estudio de Stupía: paredes de gran superficie muy altas, sobre todo largas demasiadas 
pocas cosas sobre ellas porque los estantes son en proporción bastante pequeños, y la 
buena cantidad de obra terminada o en proceso (bastidores, marcos, collages, papeles 
y cartones) se apoya verticalmente, a veces separada de las paredes, y cuando ello no 
ocurre todavía queda una gran superficie mural disponible; entonces, con tan pocas 
cosas colgadas en las paredes, ¿por qué esa escuadra escolar y esas llaves en aparente 
desuso, exiliadas de cualquier camino mágico? (¿acaso un Derrotero de los Símbolos 
en ciernes?) No se lo pregunté a Stupía, quizá por la ostensible apariencia de frutos 
solitarios: presencia de lo accidental eternizado.
Probablemente él hubiese tenido una explicación, es el emperador efectivo de 
ese mundo de objetos organizados –por otra parte sobre todo gráficos y en especial 
impresos Ilustrados–. Grandes cantidades que después ocupan un lugar inestable en su 
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taller, apilados con peligroso equilibrio bajo caballetes y aerosoles, pomos y pinturas 
de diferente tenor y textura. Olvido siempre mencionarle la Reanimation Library, en 
Brooklyn. Siendo capaz de comprar lotes enteros de viejas publicaciones ilustradas, 
colecciones de láminas y manuales de viñetas o instrucciones, para Stupía esa biblioteca 
equivaldría a una utopía estético-social al fin realizada. 
La presencia de objetos rotos es otra cosa en la que me fijé. Ahora recorro mis 
fotos para intentar una enumeración, y en lugar de hacerla me atrae más la idea de 
pensar en general sobre ellos, los objetos medio destruidos. Y pienso: así como uno 
puede encontrar hojas arrancadas (por doquier, como dice el lugar común) y sueltas, 
libros abiertos en páginas en apariencia casuales y apoyados en sitios más o menos 
inverosímiles, del mismo modo se produce también un inventario residual de objetos 
(trastos, partes, secciones, desechos), utensilios ineptos para el uso primario asignado 
pero desde todo punto de vista elocuentes. Pienso: allí uno podría establecer una división 
entre cosas rotas, sanas, útiles, inutilizadas, mutiladas, etc.; pero esa división, posible 
en términos descriptivos, sería completamente inefectiva en términos prácticos. Y 
esta flagrante contradicción fue de lo primero que me llamó la atención apenas estuve 
en el taller (y que no solo llamó mi atención sino que me sugestionó). Cómo decirlo, 
puede parecer demasiado inocente... Sentí estar en un lugar medio sacro. Esa sacralidad 
no es otra cosa que la presencia estética, aun cuando en Stupía todo apunte en una 
dirección contraria; el aura arropa todos los objetos que coinciden en el espacio donde 
se producen los fenómenos que la convocan (o sea la producción de arte), y de algún 
modo, al estar presentes, directa o potencialmente contribuyen a crearla.
El taller y los dossiers de Cornell, el estudio de Bacon, tantos otros lugares de 
artistas plásticos. Quizá sea un error pensar que las obras plásticas son eso, obras. A lo 
mejor no son más que epifenómenos de la obra mayor, que es la instalación compleja y 
funcional (irrelevante por aleatoria, pero emblemática como documento) representada 
por el taller.
Ahora a punto de terminar –debo hacer otra cosa–, otra foto de esta tarde en la que 
me fijo antes de cerrar: Julián está muy inclinado sobre la mesa y consustanciado en 
mantener el pulso para grabar una foto (en este caso no desde la pantalla sino impresa) 
perteneciente a uno de esos típicos libros ilustrados de Stupía, quien, mientras tanto, 
lo sostiene atento, con aplicación y cuidado. 
Filmar una foto... Me fascina –pero como suele decir mi madre: “¿En qué cabeza 
cabe...?”–.


NOTAS SOBRE STUPÍA, ESTUDIO

Miseres, Vanesa

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R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X I V,  N ú m .  2 6 5 ,  O c t u b r e - D i c i e m b r e  2 0 1 8 ,  1 2 1 9 - 1 2 7 3
ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
mundo, ayuda mucho el empezar por uno mismo, concibiendo e imaginando el alcance 
de nuestra propia complejidad; de esa manera confiamos –en la medida de lo posible– 
en sortear aproximaciones reductivas y simplistas. Dada su postura desafiante, Love 
and Rockets sin lugar a duda representa una fantástica oportunidad para cuestionar 
el funcionamiento interno de esquemas identitarios estadounidenses. Merced a esta 
pequeña joya de libro, producto de la concienzuda crítica de Enrique García, seguidor 
acérrimo de los cómics, tales planteamientos serán cada vez más accesibles y fáciles 
de entender.
Héctor Fernández-L’Hoeste
Georgia State University
ÁngEl TuninETTi. Otras intenciones, otras miradas. Textos complementarios a Una 
excursión a los indios ranqueles. Río Cuarto: UniRío Editora, 2017. 191 pp. 
ISBN 978-987-688-207-1.
Otras intenciones, otras miradas. Textos complementarios a Una excursión a 
los indios ranqueles de Ángel Tuninetti se compone de su edición, notas y estudio 
crítico de tres textos que, junto con la más difundida y estudiada excursión a los indios 
ranqueles de Lucio Mansilla y su “Cuadro completo del estado de Los Toldos” (informe 
de Mansilla para su superior, el General Arredondo) componen un corpus que ofrecen 
lecturas alternativas a aquella expedición a las tolderías de los ranqueles iniciada por 
Mansilla en 1870 en la región de Río Cuarto. El estudio se publica allí mismo, en 
Río Cuarto, y entonces todo el proyecto crítico-editorial se piensa desde un enclave 
regional desde el cual volver a pensar la geografía, los sujetos y los discursos en torno 
al proyecto moderno de Estado en la Argentina del siglo XIX. 
Los documentos que nos presenta Tuninetti han permanecido hasta ahora en las 
sombras tanto de la historiografía oficial como del corpus literario canónico sobre la 
excursión.  Dos de ellos pertenecen a Moisés Álvarez y a Marcos Donati, frailes del 
Convento San Francisco de Río Cuarto. El tercero es la carta del cura dominico Moisés 
Vicente Burela dirigida al entonces Ministro de Defensa, Nicolás Avellaneda, en la que 
se detalla la visita a los ranqueles y el posterior encuentro con el General Mansilla. 
Los tres registros dan cuenta de la experiencia de estos religiosos que acompañan 
o se encuentran con Mansilla en la expedición que dura 18 días y que parte de Río 
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Cuarto hasta las tolderías del cacique Mariano Rosas en Leubucó. Marcos Donati, 
italiano de la orden franciscana, escribe la breve “Relación de la misión entre ranqueles 
(1868-1871)” como informe a su supervisor. Este texto es sumamente interesante 
para entender que la expedición no es el resultado de la decisión y actuación de un 
solo individuo (Mansilla en este caso). Donati muestra que existen más instancias y 
sujetos entre los que se negocia la excursión. Aparecen curas, indios e indias realizando 
intercambios y reaccionando de diferentes maneras a la llegada de los representantes del 
Estado a su región. Con esto, tampoco “la raza indígena” se muestra homogénea y se 
identifica a quienes rechazan y quienes aceptan la presencia de Mansilla entre las tribus. 
Narrativamente, se reitera el motivo colonial del engaño mediando los intercambios 
y los posibles tratados de paz entre los nativos y el gobierno. Bajo ese mismo tropo, 
Donati señala las diferencias entre el tratado de Mansilla y las disposiciones que luego 
llegan desde Buenos Aires y que desfavorecían a los indios, reafirmando la mirada 
regional que se aporta con la publicación de este corpus. 
Fray Moisés Álvarez compone un relato mucho más extenso y arroja una “mirada 
descarnada y reflexiva sobre la vida de frontera” (21). El texto adopta el formato de 
un relato de viajes en el que se incluyen los preparativos de la excursión y el detalle 
minucioso del camino seguido, junto con descripciones etnográficas sobre hábitos, 
creencias y costumbres de los ranqueles. Álvarez se pregunta sobre la validez del 
programa de exterminio de las tribus por parte del Estado y reconoce entre ellas “algo 
de civilización” (125). Como Donati, Álvarez sostendrá que la peor influencia de los 
indios viene de algunos sujetos para quienes “salta a los ojos que sus mejores intereses 
están garantidos en la guerra entre indios y cristianos” (125). Esta afirmación es 
interesante porque, se podría decir que al igual que en textos como Martín Fierro, el 
autor repara en las grietas del proyecto nacional: ni todo camino al progreso es lineal 
y continuo, ni los indios son lo bárbaro, como se los representa desde Buenos Aires. 
La carta de Fray Moisés Burela, salteño de la orden dominicana también incluye 
notas etnográficas en su recuento de una excursión en la que él marca su superioridad 
respecto a Lucio Mansilla y se muestra con mayor influencia que éste sobre los indios 
(23). Mansilla, por su parte, lo describe negativamente en Una excursión y aduce, 
entre otras cosas, que éste es el responsable de la borrachera de los indios, un tópico 
frecuentemente utilizado en la narrativa decimonónica para atender al carácter bárbaro 
de las poblaciones nativas. 
En los tres registros rescatados, la letra es a menudo desplazada de su lugar 
protagónico y cede espacio a esas otras intenciones y miradas que señala el título de 
la edición. La excursión se define aquí entre comidas, diálogos y gestos que han sido 
opacados por lo que Tuninetti encuentra como un problema metodológico a la hora de 
estudiar la expedición a los ranqueles y su valor en la literatura argentina: la omnipresencia 
de Lucio Mansilla. La figura de Mansilla es omnipresente y autorreferencial en la 
historia de los ranqueles que se escribe desde el archivo oficial de la capital. De esta 
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manera, haber limitado el estudio de la excursión al texto de Mansilla y, dentro de éste, 
al análisis de su rol como único protagonista, ha opacado la historia de estos textos 
anclados en el “interior” y que como dice el crítico, citando a Laura Demaría, no han 
superado su estatus de historias de “entrecasa” (17). Con esto, el análisis de Tuninetti 
se vuelve meta-crítico y reflexiona sobre los caminos de lectura que colocaron a unos 
textos y no a otros en el centro de la narrativa nacional. 
Por último, Ángel Tuninetti se enfoca en otro aspecto que, por lo explicado 
anteriormente, también ha permanecido ignorado dentro de la crítica en torno a la 
excursión: el rol de los religiosos en los territorios de frontera. El crítico argumenta 
que los religiosos nunca forman parte de esa “zona de contacto” (Mary Louise Pratt) 
a través de la que se han acercado los estudiosos desde las escuelas críticas porteñas 
o norteamericanas. Tampoco han sido considerados en la dicotomía civilización / 
barbarie ni en el estudio de textos como Facundo o Martín Fierro. En la literatura y 
sobre todo, en la crítica argentina, la vida de frontera se piensa desde el proyecto liberal 
del ‘80 (también anclado en Buenos Aires), desde un Estado moderno que se proyecta 
hacia el futuro, produciendo el efecto de la tantas veces mencionada tabula rasa. Se 
borran por ello las relaciones territoriales de matriz colonial en la que la presencia 
religiosa es anterior y, en algunas regiones, sienta inclusive las bases para ese Estado 
y diálogos futuros. 
Revisando las líneas anteriores de lectura, Tuninetti establece que “los religiosos 
jugaron un papel importantísimo en la vida de fronteras, no solamente como 
catequizadores sino como negociadores e intermediarios” (32). Y dando lugar a estos 
sujetos y lo que ellos aportan en sus páginas sobre la historia de los ranqueles y las 
intervenciones del Estado en su territorio, Otras intenciones, otras miradas nos devuelve 
una expedición polifónica que complejiza las redes de intercambio que dan forma a la 
identidad y vida de y en la frontera. 
Esta vuelta a los ranqueles que propone Ángel Tuninetti con su nueva publicación 
no es sólo un rescate literario. Es una apuesta cultural y un gesto político que en el 
contexto actual se intensifica como tal. Hoy más que nunca es importante develar esas 
“otras” intenciones y miradas. Los conflictos y discursos xenófobos presentes sobre 
los pueblos originarios de la región, el debate cruzado por una nacionalidad pensada 
siempre desde el centro y desde los sectores dominantes, hacen urgente la difusión de 
textos y herramientas críticas diversas. Develar y poner en circulación otros registros 
contribuye a repensar esa historia nacional en el presente desde lugares más incómodos 
pero por ello más inclusivos.
Vanesa Miseres
University of Notre Dame


University of Pittsburgh

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Yolanda Martínez-San Miguel, Ben Sifuentes-Jáuregui y Marisa Belausteguigoitia, eds. Critical Terms in Caribbean and Latin American Thought: Historical and Institutional Trajectories. Nueva York: Palgrave Macmillan, 2016.

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Humberto Guerra. Narración, experiencia y sujeto. Estrategias textuales en siete autobiografías mexicanas.

José María Martínez. Amado Nervo y las lectoras del Modernismo.

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DESHACIENDO CADENAS: LA EMERGENCIA DE BORRAR LA CARIMBA EN EL IMAGINARIO CONTEMPORÁNEO

NOTAS SOBRE STUPÍA, ESTUDIO

Primeras páginas

Ángel Tuninetti. Otras intenciones, otras miradas. Textos complementarios a Una excursión a los indios ranqueles.

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