Revista Iberoamericana

Tedeschi, Stefano

315Reseñas
R e v i s t a  I b e r o a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X V,  N ú m .  2 6 6 ,  E n e r o - M a r z o  2 0 1 9 ,  2 7 5 - 3 2 3
ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
argumentativa, Briggs se asegura que su exégesis sea asequible. Las interconexiones 
ideológicas y discursivas continentales y trasatlánticas ofrecidas por el autor son 
invaluables. También se hace necesario añadir que la sección de “Notas” (“Notes” 
en inglés) es tan inestimable como la introducción y las secciones anteriormente 
mencionadas. En ese apartado, Briggs provee fragmentos de artículos periodísticos 
sobre educación del siglo XIX que resultan difíciles de obtener. En resumen, The 
Moral Electricity of Print abre nuevas posibilidades de investigación al destacar la 
importancia y notabilidad del circuito femenino de Lima. Consiguientemente, es una 
lectura obligada para todo estudioso de la literatura hispanoamericana y comparada 
del siglo XIX y de los orígenes de la educación pública en América. 
María Cecilia Saenz-Roby
Oakland University 
rEindErt dhondt y dagmar vandEboSCh, eds. Transnacionalidad e hibiridez en el 
ensayo hispánico: un género sin orillas. Leiden; Boston: Brill Rodopi, 2017. 275 
pp. ISBN 978-9-0043-3049-8.
 
La atención crítica sobre el género ensayístico ha ido aumentando considerablemente 
en el curso de las últimas décadas: se ha pasado de historias generales, antologías 
continentales, ensayos de tipo teórico a libros consagrados a los autores más relevantes 
y a recopilaciones sobre enfoques y temas más puntuales. En este cuadro de por sí 
muy rico se sitúa el libro editado por Reindert Dhondt y Dagmar Vandenbosch que 
asume ya en el título algunas características que han ido ganando espacio en las 
reflexiones críticas más recientes: lo transnacional, lo híbrido y la imposibilidad de 
marcar límites exactos para el ensayo. La propuesta resulta así novedosa e intrigante, 
presentando además algunos artículos sobre autores no muy frecuentados, ofreciendo 
de esta manera al estudioso una visión compleja y diversificada de las tendencias del 
ensayo hispánico contemporáneo. 
Después de una excelente y muy bien organizada introducción, que permite al lector 
orientarse siguiendo el plan según el cual se fue construyendo el libro, el contenido 
del mismo resulta dividido en cuatro partes, que retoman las sugerencias expresadas 
en el título, y que aparecen muy bien construidas en su conjunto.  
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La primera contiene contribuciones de corte teórico sobre perspectivas generales 
acerca el ensayo contemporáneo, entre las cuales la de Liliana Weinberg –“El ensayo 
en diálogo”– presenta un subtítulo –“De la tierra firme al archipiélago relacional”– 
que anticipa y marca las coordenadas generales de todo el libro, en el cual el género 
ensayístico se irá analizando bajo todos sus proteicos aspectos. En este sentido, los 
otros dos artículos de esta primera parte –los de Ana Cecilia Olmos y Rita de Grandis– 
muestran ya cómo innovadores enfoques teóricos pueden aplicarse en el primer caso 
a escritores contemporáneos de la importancia de Saer, Villoro o Chejfec, mientras en 
el segundo pueden describir “Tres escenas del ensayo hispanoamericano”, siguiendo 
las huellas de Feinmann, Piglia y García Canclini. 
La segunda parte, titulada “El exilio como experiencia transnacional”, presenta 
autores que escribieron sus obras dentro de una vida marcada por el exilio y un 
obligado nomadismo, y contiene algunos de los textos más relevantes de todo el libro, 
ya que permiten en algunos casos releer y apreciar textos que han quedado muy a 
menudo fuera de la historiografía literaria, debido justamente a su condición de obras 
producidas por hombre y mujeres exilados o transterrados. Hay que señalar, en este 
sentido, el artículo de R. Lane Kauffmann, que rescata las figuras de José Gaos y 
Eduardo Nicol, filósofos españoles exilados en México, cuya labor fue muy relevante 
en la construcción de una comunidad transatlántica entre las dos orillas. Hacia la 
misma dirección se mueve Inmaculada Plaza-Agudo, escribiendo sobre Delirio y 
destino de María Zambrano, donde el análisis del libro de la filósofa española lo 
inserta en una visión más diacrónica, abriendo la posibilidad de releer toda la 
trayectoria del ensayo hispanoamericano bajo las categorías propuestas en el título. 
Se puede en efecto apreciar esta posibilidad también en las contribuciones de Kathrin 
Seidl y de Lieve Behiels: la primera se centra sobre un autor que es todo un ejemplo 
de “autor sin orillas”, Ernesto Volkening; mientras la segunda, a través del examen 
del libro de Ariel Dorfman, Desert Memories, abre la perspectiva hacia un género 
paralelo, el de la literatura de viaje, y hacia la cuestión interlingüística, tema siempre 
de gran relevancia para la literatura y el ensayo contemporáneos. 
La tercera parte se enfoca en las mutaciones que se han producido en el género 
con el pasaje de lo nacional a lo transnacional, analizando la obra de dos autores 
fundamentales del siglo XX –Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa– respectivamente 
en los artículos de Lydia Schmuck y Erwin Snauwaert, y de dos autores mexicanos 
–Francisco Martín Moreno y Guillermo Gómez-Peña– que representan ya por su 
posición al interior del campo literario dos nombres que resulta imposible clasificar 
con precisión. En el primer caso, Fabrice Gansbeke propone una lectura de las 
novelas de Moreno que a partir de la transgresión genérica entre ficción, historiografía 
y ensayo pueda revisar la compleja cuestión de la identidad mexicana, quizás no 
llegando a conclusiones tan  transgresivas como pretende el autor mexicano; mientras 
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An Van Hecke sitúa la obra de Gómez Peña dentro de lo que ella misma define como 
“los retos de la frontera” y vuelve otra vez a la cuestión del multilingüismo a partir de 
un autor bastante difícil de matizar: en este caso el artículo abre nuevas perspectivas 
–esta vez hacia el futuro– sobre el tema del libro.
La última sección planea la cuestión de la relación entre lo transgenérico y lo 
transnacional, con una serie de artículos sobre autores importantes, a partir del español 
Enrique Vila-Matas, pasando por algunos argentinos –Saer, Fresán, Piglia, Neuman– 
para terminar con los tweet –versiones contemporáneas del aforismo. Todos los textos 
analizados por los diferentes estudiosos muestran una curiosa característica en común: 
la de no ser ensayos en su forma canónica, sino textos híbridos, o incluso textos por 
encargo o pensados para publicaciones periódicas de distribución a veces efímera. 
Así Cecilia Ramírez se centra en El río sin orillas de Juan José Saer, que se define 
como un ensayo “entre no-ficción y ficción involuntaria”; mientras Erica Durante se 
dedica al análisis de textos periodísticos –sobre todo reseñas literarias– de Rodrigo 
Fresán y Ricardo Piglia donde asume una cierta relevancia la cuestión que los textos 
elegidos pertenecen a una “maquinaria” de la industria cultural que tiene sus normas 
y sus lectores. El caso del artículo de Joëlle Lints sobre Andrés Neuman resulta un 
caso muy interesante de artículo muy bien organizado, con un buen enfoque teórico 
y un estilo notable, sobre un libro que no tiene mucho que decir, ya que se trata casi 
de un libro por encargo: en este caso el análisis de la autora permite apreciar cómo el 
género ensayístico contemporáneo contamina las más variadas escrituras, incluso las 
más alejadas del género mismo. Finalmente, el texto de Paulo Antonio Gatica Cote 
propone un enfoque de la escritura electrónica elaborada en Twitter como una versión 
del siglo XXI del antiguo género del aforismo: como se puede imaginar el tema es 
muy intrigante y una parte inicial teórica sobre el aforismo prepara una segunda de 
gran interés donde se profundiza la influencia del soporte informático, y el riesgo que 
en Twitter (como en los otros formatos de las redes sociales) el aforismo se pueda 
volver una banalidad, con la posibilidad que lo trivial se multiplique en el espacio 
virtual.
Con todas estas valiosas contribuciones el libro se presenta así en su conjunto 
como una pieza que habrá que tener en cuenta para todos los que intentarán en el 
futuro contribuir a la construcción de una historia y de una teoría del ensayo hispánico 
del siglo XX. 
Stefano Tedeschi
Sapienza Università di Roma


Spanish

Reindert Dhondt y Dagmar Vandebosch, eds. Transnacionalidad e hibiridez en el ensayo hispánico: un género sin orillas.

Audisio, Yamila A.

284 Reseñas
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Silvia r. tandECiarz. Citizens of Memory. Affect, Representation, and Human Rights 
in Postdictatorship Argentina. Lewisburg: Bucknell University Press, 2017. 289 pp. 
ISBN 978-1611488456.
Silvia R. Tandeciarz, en Citizens of Memory, condensa e indaga de manera 
innovadora, expresiones artísticas y literarias que fueron resultado de mecanismos 
de memorialización en el período posdictadura militar argentina de los setenta. Estas 
expresiones en muchas ocasiones fueron resultado de experiencias subjetivas individuales 
y colectivas de afecto y dolor, de resentimiento y orgullo.  En este libro se logra un 
buen escrutinio sobre cómo el pasado reciente y traumático interpela a la sociedad 
argentina del presente, que por medio de la memoria trata de comprender que pasó, 
demanda justicia, reivindica y condena luchas. 
Los desaparecidos aludidos en este libro fueron víctimas del terrorismo de Estado 
llevado a cabo durante la dictadura cívica militar que comenzó en el año 1976 tras el 
derrocamiento de María Estela Martínez de Perón. La persecución sistemática tuvo como 
objetivo a hombres y mujeres que participaban en movimientos guerrilleros, militaban 
en barrios carenciados o que simplemente tenían convicciones políticas diferentes 
a las socialmente conservadoras y económicamente neoliberales que la dictadura 
trataba de imponer. La persecución se tradujo en el secuestro y retención de personas 
en centros de detención clandestinos, en donde eran torturados y luego asesinados. 
El período de posdictadura se ve caracterizado por un Estado complaciente que no 
garantizaba justicia para los desaparecidos y que inducía el olvido. En esta atmósfera 
de impunidad diferentes organizaciones e individuos emprenden iniciativas para 
visibilizar las violaciones de derechos humanos, para exigir justicia y para evitar caer 
en el olvido.De manera efectiva, en una investigación compuesta por cinco capítulos, 
Tandeciarz logra articular un diálogo entre expresiones populares de distinta índole 
que se manifestaron en forma de espacios recuperados, en muestras fotográficas, en 
películas, en una novela, y otros. Tandeciarz explora los desafíos pertinentes en cada 
una de estas expresiones y sus contribuciones a la construcción de la memoria. 
En su análisis sobre el desarrollo de estos procesos que tienen como eje la memoria 
de un pasado traumático, Tandeciarz reconoce que los gobiernos de Néstor y Cristina 
Kirchner otorgaron un lugar central a los derechos humanos. Esta centralidad se 
tradujo entre otras cosas, en la transferencia de recursos a organismos de derechos 
humanos y a espacios de memoria como así también la nulidad a los indultos de los 
perpetradores.  No obstante, la autora sugiere que la monopolización de la historia 
puede ser contraproducente, por lo tanto, favorece un entendimiento del pasado reciente 
colectivo que garantice diversidad de manifestaciones. 
Ciertos espacios que funcionaron como centros de detención clandestinos como 
la ex Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA), fueron tomados y transformados 
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en sitios históricos públicos, no sin cuestionamientos y ambigüedades. Algunos de 
los debates que se exploran en el capítulo “Making Space for Recollection” fueron 
cuestiones tales como los problemas generados por el uso de un discurso oficial basado 
en una perspectiva binaria de la historia que relega historias particulares o locales; otras 
tienen que ver con la contemporaneidad de los efectos de la dictadura y los peligros de 
establecerlos puramente en el pasado, asimismo la necesidad de preservar los espacios 
como evidencia para causas que no han sido cerradas, entre otras. 
De la misma manera, en el capítulo titulado “Menemonic Hauntings”, se indaga 
sobre los usos de la fotografía como recurso de protesta y resistencia por parte de 
Madres de Plaza de Mayo, y las exhibiciones fotográficas de Marcelo Brodsky, Lucía 
Quieto y Natalia Calabrese. Las fotografías utilizadas por Madres de Plaza de Mayo 
corresponden a retratos reales usados en documentos de identidad en los cuales sólo 
puede observase un rostro. En cambio, las imágenes de fotógrafos como Calabrese 
son construcciones que utilizan fotografías reales retocadas para lograr una cierta 
composición.  En el caso de Madres de Plaza de Mayo, el uso de fotografías fue 
fundamental para resistir la dictadura y para llevar a cabo procesos de duelo. Aunque 
no físicamente, la yuxtaposición de las imágenes de los desaparecidos les devolvió ese 
espacio público que ya no podían ocupar. Por su parte, el uso y creación de fotografías 
retocadas digitalmente consiguen vislumbrar cambios sociales y culturales al combinar 
y contrastar el pasado con el presente.  Las escenas del pasado, en blanco y negro, 
exponen escenas violentas de una ciudad militarizada. La fotografía contemporánea 
a color muestra una ciudad con personas libres. Este contraste provocativo consigue 
que la audiencia reflexione sobre el valor de la democracia y, a su vez, sirve como 
instrumento pedagógico para crear ciudadanos críticos. Las fotografías de Calabrese 
también echan luz sobre la complicidad civil que hicieron posible detenciones y 
desapariciones, incluso en espacios públicos expuestos a la vista de todos. 
En cuanto a experiencias cinematográficas, en el capítulo “Archeologies of Identity”, 
la autora analiza tres filmes dirigidos por hijos de desaparecidos: Maria Inés Roqué, 
Papá Ivan; Albertina Carri, Los Rubios y Nicolás Prividera, M. De nuevo, lo subyacente 
en estas películas/documentales son las afectividades propias de una persona que ha 
perdido a un ser cercano. Es preciso resaltar la línea discursiva de Papá Ivan, de María 
Inés Roqué, porque caracteriza un discurso de la memoria diferente al predominante. 
En vez de idealizar el activismo y la ortodoxia de su padre, Roqué muestra lo perdido 
como familia, lo que su padre relegó a causa de sus ideales y las implicaciones que 
eso tuvo y tiene en la vida de Roqué. 
El libro en su totalidad es de gran relevancia ya que puede ser empleado como material 
didáctico para debatir y reflexionar sobre las consecuencias de la dictadura militar. Al 
mismo tiempo, ofrece iniciativa para indagar sobre el alcance de las intervenciones de 
la memoria físicas, artísticas y literarias en la formación de las nuevas generaciones 
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de ciudadanos argentinos. Estudios de este tipo, que incluyan una amplia diversidad 
de experiencias expresadas en distintos medios, son imprescindibles para avanzar en 
la continuación y fortalecimiento de la democracia argentina. 
Yamila A. Audisio
University of Pittsburgh-Johnstown
diamEla Eltit. No hay armazón que la sostenga. Entrevistas a Diamela Eltit. Mónica 
Barrientos, ed. Talca: Editorial Universidad de Talca, 2017. 487pp. ISBN 978-
9-5632-9077-6.
El presente volumen presenta una cuidada selección de cuarenta y una entrevistas 
realizadas a la escritora chilena Diamela Eltit (1949-) a lo largo de tres décadas (1983- 
2017). La autoría es diversa e invita, como nos propone la pensadora argentina Leonor 
Arfuch al comienzo de la introducción del libro, a “un retorno del autor” (15). Por 
medio de una serie de interpelaciones mayéuticas, sus interlocutores nos van dejando 
escuchar la voz poética e intelectual de la autora y su vuelta a momentos claves de la 
historia de su quehacer narrativo, performático y visual. De cada una de las entrevistas, 
algunas más cercanas a la conversación o la plática, se va desprendiendo la evolución 
del pensamiento de Eltit y sus declinaciones estéticas, políticas, históricas e ideológicas. 
Porque estas entrevistas son espacios de rememoración, de disputa, de profundización, 
aunque también de duda, de revaloración, de puesta al día con la historia, consigo misma 
y con su propio proyecto intelectual y artístico. Este viaje de ajuste de cuentas con el 
pasado y el futuro de un proyecto de obra es recorrido de la mano de otras voces, las 
de artistas, críticos culturales, periodistas culturales, ensayistas, escritores chilenos, 
latinoamericanos y angloamericanos, cuyas preguntas actúan sobre Eltit liberando en 
modo dialéctico una reminiscencia vuelta conocimiento por medio de su acontecer 
discursivo. 
La entrevista como género se presta en este libro a ser pensada como el texto 
estético del catálogo de arte. El ejercicio de los artistas de entregar una aproximación 
crítica a su propio quehacer en el que la disrupción de la obra en un espacio y tiempo 
determinados conlleva la producción de un sentido excedente a la contingencia, se ve 
aquí desarrollado por medio de la interacción entre el entrevistador y la entrevistada- 


Silvia R. Tandeciarz. Citizens of Memory. Affect, Representation, and Human Rights in Postdictatorship Argentina.

Cabrera, Yoandy

1365Reseñas
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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
Eduardo ESPina. tSURnamis. vol. 1. Buenos Aires: Mansalva, 2017. 164 pp. ISBN 
978-987-3728-51-8.
Se habla con frecuencia de “ojo crítico”. ¿El ensayista, entonces, tiene, más que 
el deber, la tendencia enfermiza a observar detenidamente? Dicha observación, en el 
caso de Eduardo Espina, en tSURnamis, es, además, indagatoria desde lo especulativo. 
Una escritura guiada por el instinto y el deseo, donde la voz crítica se mueve entre lo 
detectivesco y la posesión. tSURnamis es una obra que desajusta los roles de género, 
no solo porque hable, por ejemplo, de Delmira Agustini y su impacto en las letras 
hispanas en un mundo pacatamente patriarcal, sino porque el propio crítico a veces habla 
desde Agustini. El primer ensayo dedicado a la poeta persigue desentrañar los oscuros 
hechos de la muerte de la autora y lanzarse, desde su poesía, no solo a comprender 
su erótica, sino a imaginarla en el futuro que le fue negado y en el que, sin embargo, 
habita. Llegar, parece decir Espina, desde la crítica literaria, allí donde la policía y el 
sistema judicial han fallado.
En esta cartografía personal del Sur la mirada es fundamental. Para Espina el 
punto de partida y el eje del desarrollo del ensayismo hispano está en observar. Una 
observación que, con Borges, va más allá de la visión natural y se acerca a lo que Edipo 
perseguía al sacarse los ojos. El ensayo precisa un grado mayor de rigor: una mezcla 
de rapto y álgebra, de lirismo y teoría, de desenfreno y técnica. Ensayar precisa una 
bifurcación continua, infinita. tSURnamis viene a confirmar esta idea de forma rotunda: 
estas páginas son una mezcla de delirio y conocimiento. Espina define el ensayo y 
lo poético a través de la mirada: “la poesía tiene una mirada superior” a causa de “su 
lugar de observación” (59). Su idea de “superior” está lejos de cualquier moralismo 
trasnochado.
Al texto sobre Agustini le siguen dos ensayos acerca de Borges. Ambos textos 
terminan con sendas partes más bien expansivas, especulativas, en que el autor toma 
como motivo las diversas y posibles, delirantes y permeables fronteras que pueden 
ser los espejos y las murallas, para hablar de la naturaleza de la escritura, el ensayo, 
la poesía, la memoria, el sueño... 
Borges, en toda su escritura, prioriza tanto los sueños como los espejos, dos 
elementos fundamentales en la tragedia griega. Pero a estos grandes temas que Aristóteles 
calificó como propios de la épica y la tragedia, Borges agrega algo crucial: en Fervor 
de Buenos Aires (1923), su primer poemario, ya se descubre un tono épico que surge, 
inesperadamente, en medio de calles minúsculas, casas sombrías, recuerdos personales, 
mínimos, entre los arrabales... Borges hace de los márgenes, de lo insignificante y 
cotidiano el punto de partida de lo inmanente, de lo épicamente descomunal: el tiempo, 
la memoria, la circularidad... Espina lleva todos estos motivos que perduran en textos 
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como “Borges y yo” al plano personal, al sur del sur, a una habitación de un hotel 
montevideano. Este ensayo bien pudiera llamarse “Borges y yo”, en el que la primera 
persona sería a la vez Borges, Coleridge y Espina, al extremo de que casi al final del 
análisis no se sabe claramente a quién se refiere el ensayista cuando dice “el poeta que 
comía croissants” (51): ¿quién? ¿Borges o el Espina lazarillo que iba robando trozos de 
medialuna al escritor ciego? De este modo la ficcionalización polifónica del yo parte de 
un hecho minúsculo, casi ridículo, a ratos risible y satírico: la escena en que un joven 
hambriento se come el desayuno de un escritor ciego que cuenta su última pesadilla. 
De la medialuna del plato al espejo de Coleridge no hay distancia alguna. La visión del 
ciego se vuelve la clave en este laberinto de signos en los que lo doméstico y anodino 
alcanza, tanto en Borges como en Espina, resonancias tangibles, delirantes, vivas.
El ensayismo es, entonces, tendencia a la conversación platónica en movimientos 
sutiles que van de la veneración a la burla. Trazo invisible entre el hambre y el sueño, 
entre la medialuna y la memoria. Ese es el aporte en que, a partir de lo hipnótico y los 
espejos trágicos, se insertan, cotidianidad mediante, tanto Borges como Espina. Sin 
embargo, mientras más satírico pareciera Espina, más se acerca al estilo y las ideas de 
Borges, y ello no hace que el tono autoral se pierda. La maestría del ensayo está también 
en alcanzar la voz del otro sin perder la propia. Es en el estado de enthousiasmós, en 
la encarnación del otro, donde el ensayista consigue ser más él mismo. Acompasa el 
ritmo de su sangre a la escritura ajena.
Dicha dialogicidad se expande por los demás ensayos en que aparecen, junto a 
Agustini y Borges, Marosa di Giorgio, Carlos Fuentes, García Márquez, Cortázar, 
José Emilio Pacheco y Benedetti. A los espejismos infinitos borgeanos le continúa el 
“universo inexacto y plenipotenciario” (70) de di Giorgio en el que Espina describe 
“una labia inclasificable, laberíntica a partir de lo simple” (70). Ese giro de lo ordinario 
a lo extraordinario, tremebundo y múltiple está en el análisis de la poesía sensual y 
desenfadada de Agustini en conjunción con su muerte, en la medialuna o el espejo 
convocante de Borges, en la mezcla de memoria y exégesis al revisar la poética de 
Benedetti y también en los intentos de “ayudar al idioma” (70) en di Giorgio. En este 
ensayo sobre la autora de Los papeles salvajes (2000) la lucha enconada con el lenguaje 
se hace más visible. Espina habla del lenguaje en calidad de aliado, pero también de 
lastre, de monstruo en desarrollo.  
El capítulo dedicado a Carlos Fuentes, titulado “La promesa de felicidad, era entonces 
la felicidad”, es el más devastador del volumen. Espina hace un análisis panorámico 
de la narrativa de Fuentes, la cual no queda en absoluto bien parada. En oposición, 
“Morir para contarlo” constituye un réquiem gozoso sobre la obra de García Márquez. 
En el texto dedicado a Cortázar titulado “Carta a Cortázar (el azar sabe lo que hace)”, 
Espina profundiza en lo autobiográfico como eje fundamental de su ensayística. Pero 
el ensayo dedicado al autor de Historias de cronopios y de famas (1962) evidencia la 
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rotunda parcialidad del ensayista, su postura tan alejada de las exigencias académicas 
más comunes: Espina lee hasta la saciedad a Fuentes para dar evidencias de lo mal que 
ha envejecido su narrativa, pero no se atreve a hacer lo mismo con Cortázar porque 
es una literatura ligada a la/su adolescencia y en esa etapa vital sigue siendo un modo 
pertinente de iniciación.         
Leer a Espina es tener acceso a parte de su familia más entrañable: no parece 
haber en él límites entre el afecto a un amigo y el entusiasmo ante la lectura. En ambos 
casos se trata de intensidades. Este volumen no solo nos hace mirar, una vez más, a un 
Sur pertinente, sino que, como en Antígona oriental (2012) de Marianella Morena o 
Tebas Land (2012) de Sergio Blanco, Uruguay es el oriente que es un sur que es Tebas: 
un espacio en que Coleridge llama a Borges a través del espejo, en que el deseo se 
conjuga con el recuerdo, en que, como asegura Espina, los que amamos y se marchan 
son “ciudades de la memoria que nos siguen a todas partes” (69).
Yoandy Cabrera
Rockford University
MilEna rodríguEz gutiérrEz, ed. Casa en que nunca he sido extraña. Las poetas 
hispanoamericanas: identidades, feminismos, poéticas (Siglos XIX-XXI). Nueva 
York: Peter Lang Publishing, 2017. 348 pp. ISBN 978-1-4331-4033-4.
Casa en que nunca he sido extraña es una valiosa aportación al conocimiento del 
estado actual de los estudios de género y de la poesía moderna hispanoamericana. Fruto 
del proyecto de investigación que da subtítulo al volumen, el libro tiene tres secciones: 
“Identidades”, “Feminismos” y “Poéticas”. Cada sección ofrece un diverso conjunto de 
ensayos –veintitrés en total– de investigadoras de Europa y de América. Al término de 
dichas secciones se encuentra un anexo que comprende fragmentos de un cuaderno de 
memorias escrito por Fina García Marruz, poeta cubana del Grupo Orígenes, seguido 
de un apartado de poemas de reciente creación de poetas hispanoamericanas.
La primera sección, “Identidades”, se abre con un amplio ensayo de Luisa 
Campuzano sobre las poetas cubanas del XIX, apoyado en las teorías de Homi Bhabha, 
Benedict Anderson y Mary Louise Pratt, y situando la producción de las poetas en el 
contexto histórico y cultural de la época. Para Campuzano, la primera expresión lírica 
de una poeta cubana es la Dolorosa métrica expresión del Sitio y entrega de La Habana 


Eduardo Espina. tSURnamis. vol. 1.

D'Argenio, Maria Chiara

Revis ta  Iberoamer icana ,  Vol .  LXXXV,  Núm.  267 ,  Abr i l - Junio  2019,  355-359
VISUALIDAD, MODERNIDAD Y PRENSA ILUSTRADA
EN AMÉRICA LATINA (1880-1950)
INTRODUCCIÓN
por
Maria Chiara D'argenio
University College London
En la primera década del 2000, la Revista Iberoamericana editó dos números 
especiales dedicados a publicaciones periódicas latinoamericanas: uno sobre las revistas 
literarias y culturales del siglo XX (2004) y el otro sobre los periódicos del siglo XIX 
(2006).1 Continuando el interés puesto en las publicaciones periódicas, el conjunto de 
trabajos que ahora presento se enfoca en un ámbito que no ha sido todavía objeto de 
estudios específicos consistentes, el de la prensa ilustrada latinoamericana. Este nuevo 
volumen constituye un importante aporte al estudio de la prensa ilustrada puesto que 
abarca diversas publicaciones latinoamericanas, presenta un diálogo entre perspectivas 
críticas diversas y brinda al lector interesado tanto casos de estudio como herramientas 
conceptuales y analíticas para vincular lo textual a lo visual en el contexto histórico y 
sociocultural de la naciente sociedad de masas. 
Este número especial se diferencia de los anteriores en tres aspectos principales: 
se enfoca en un lapso más concentrado, cubre las décadas que van desde 1880 hasta 
la de 1950; extiende el campo de lo literario para encontrarse con el de lo visual; y 
se centra en la prensa ilustrada serial dando preferencia, mas no exclusividad, a las 
revistas populares. Estos criterios son de alguna manera las premisas de este volumen. 
Primero, se parte del principio de que la prensa ilustrada serial y las revistas populares 
ilustradas deben estudiarse de forma separada a otros tipos de revistas. Segundo, se 
asume que dichas publicaciones son, a la vez, resultados y factores de los procesos de 
modernización de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. 
Varios aspectos diferencian a las revistas ilustradas de otras publicaciones como 
las revistas culturales, literarias, de vanguardia, especializadas: la centralidad que en 
ellas tiene la tecnología visual, la imagen y lo verbo-icónico; el poseer un público más 
variado y una circulación que se hace paulatinamente masiva; el rol central que ocupa 
1 Me refiero al número  208-209 Revistas literarias/culturales latinoamericanas del siglo XX y al número 
214 Cambio cultural y lectura de periódicos en el siglo XIX en América Latina.
356 Maria Chiara D'argenio
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en ellas la publicidad, en su mayoría visual; la polifonía e “hibridez” que las caracteriza 
a nivel de autores (tanto de artículos, caricaturas, ilustraciones, etc.), de contenidos y 
de discursos; el que sus objetivos no sólo sean informar, sino también y sobre todo, 
entretener al público y generar ganancia; su carácter primordialmente efímero; el 
tener intrínseco el gesto de lectura/hojeo. Las revistas ilustradas son el resultado de 
innovaciones técnicas (como la prensa ófset y el semitono) y modos de producción 
capitalista; reformulan las transformaciones de los procesos de modernización en 
discursos y experiencia; llevan los debates de la esfera pública al ámbito domestico; 
y, como señalan Ossandón y Santa Cruz, familiarizan a sus lectores-espectadores 
con la modernidad, transformándola en sentido común, y vulgarizan y simplifican el 
conocimiento.
Este número monográfico se origina en una mesa sobre prensa ilustrada que 
organicé para la conferencia de la Sociedad de Estudios Latinoamericanos (SLAS) 
que tuvo lugar en Londres en 2014. Varios de los artículos (los de Botelho Correa, 
Catalá Carrasco, D’Argenio, Lindsay, Rebaza Soraluz y Wood) son reelaboraciones 
de las ponencias que los autores presentaron en esa mesa. A esas contribuciones, se 
sumaron luego las valiosas colaboraciones de Alvarado, Gené, Jiménez-Hernández y 
Navitski. Los estudios aquí reunidos discuten la relación entre visualidad, modernidad 
y prensa ilustrada serial tal como se desarrolló en varios países de América Latina. Se 
enfocan en temas que son parte clave de los discursos de la modernidad (la nación, 
las clases sociales, las “razas”, el género), en prácticas que conformaron la nueva 
cultura del ocio (el deporte, el cine, el turismo), en géneros artísticos visuales y viso-
textuales (retrato, caricatura, historieta), en tecnologías gráficas (dibujo, grabado, 
fotografía), en diferentes tipos de publicaciones ilustradas (almanaques, periódicos, 
revistas populares, magazines, revistas de cine y de viajes). Estos enfoques traen 
consigo también una incursión en las historias regionales de la prensa ilustrada 
latinoamericana, historias inevitablemente marcadas por flujos transnacionales y 
una relación triangular entre América Latina, Europa y Estados Unidos. Este último 
vínculo marcó tanto la evolución de la prensa latinoamericana así como la experiencia 
misma de la modernidad latinoamericana. Los ensayos de este volumen ponen sobre 
la mesa algunos de los procesos que caracterizaron esta experiencia: la constitución 
de estados y esferas públicas modernas, la implementación de ideologías positivistas y 
discursos biomédicos, la plasmación –a través de prácticas estatales– de nuevos tipos 
ideales de ciudadanos, la formación de nuevas identidades de clase, la función de los 
deportes y las diversiones en la modernización, la redefinición de los confines entre el 
espacio privado y el espacio público, la formación de subjetividades modernas basadas 
en nuevas sensaciones y percepciones (la visualidad, la velocidad, la simultaneidad). 
Las publicaciones periódicas revelan también algunas de las ambivalencias que 
caracterizaron la que ha venido a llamarse la “heterogénea” (ver Schelling) modernidad 
latinoamericana, es decir, la coexistencia, por ejemplo, de elementos tradicionales y 
357IntroduccIón
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modernos (a nivel político, social, cultural), de prácticas estatales de exclusión social 
y practicas simbólicas de inclusión, de elementos culturales foráneos e indígenas, de 
cosmopolitismo y criollismo, de cultura de élite y cultura popular, de documentación 
“imparcial” y sátira subjetiva. 
 La mayoría de las publicaciones que son objeto de los ensayos nacen dentro del 
contexto de la “revolución impresa” de finales del siglo XIX y son el resultado de la 
importación y adaptación de formatos que se inventaron más o menos simultáneamente 
en Europa y Estados Unidos y que, en términos generales, se caracterizaban por tener 
un formato más pequeño y manejable, una gran variedad de contenidos sin una relación 
jerárquica entre ellos y, sobre todo, por dar centralidad a la imagen ya sea como ilustración, 
como registro fotográfico o como contenido autónomo. También se caracterizaban por 
una  nueva idea del público como consumidor: buscaban, como explica David Reed, 
identificar y proyectar las necesidades del público, crear y satisfacer sus aspiraciones. 
Este volumen revela importantes aspectos de la relación arriba mencionada entre 
visualidad, modernidad y prensa ilustrada: la existencia en la prensa de una pugna 
entre lo visual y lo verbal en cuanto a representación sensorial de la realidad y la 
coexistencia, en la página impresa, de tecnologías visuales diferentes que traducen otras 
tantas “maneras de ver”; la función “mediadora” de estrategias y tecnologías visuales 
entre las esferas pública y privada; el rol de la prensa en la formación de la opinión 
pública; la participación de la prensa ilustrada en los procesos de construcción y re-
construcción nacional; la articulación visual y textual de discursos contra-hegemónicos; 
la (contradictoria) coexistencia de narrativas opuestas (por ejemplo, sobre modernidad 
y tradición, progreso y degeneración); la complicación de las nociones de “popular” 
y “masa”; el hecho de que muchas veces las publicaciones fueran a la vez promotoras 
y críticas de las ideologías y políticas dominantes. En fin, y relacionado con ese 
último aspecto, la imposibilidad de reducir un artefacto material como la revista, y sus 
representaciones simbólicas, a un bloque homogéneo y “unifacético”. 
Las tensiones entre lo visual y lo verbal y la presencia de diferentes regímenes 
escópicos en las revistas populares ilustradas de sátira política son discutidas por Rebaza 
Soraluz. Su ensayo analiza las diferentes funciones de subculturas visuales tales como 
la linterna mágica, la caricatura, el dibujo y la fotografía en el contexto de la sátira 
política uruguaya y argentina del fin de siglo destacando que las revistas se vuelven 
fiscalizadoras de la política y contribuyen a formar la opinión pública moderna. Las 
maneras de ver implicadas en el gesto de lectura de los nuevos magazines son objeto 
de estudio del ensayo de Alvarado. En su investigación sobre los orígenes del género 
magazine en Chile, Alvarado encuentra su original predecesor en los almanaques, 
proponiendo que la cultura del “h-ojeo” empieza precisamente con esas publicaciones.
El rol desempeñado por la prensa ilustrada en los procesos finiseculares de 
reconfiguración del Estado-nación y las precisas estrategias visuales que aquella 
empleó para apoyar los proyectos nacionalistas de las élites al poder son estudiadas 
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por Jiménez Hernández. Su ensayo analiza una revista ilustrada de formato típicamente 
decimonónico (en cuanto a política editorial, contenido, público); puede entonces ponerse 
en diálogo con las revistas populares objeto de las otras contribuciones para relevar 
puntos de convergencia y divergencia. Las maneras en que la prensa ilustrada articula 
la construcción de la nación es tema de varios ensayos. El ensayo de Botelho Correa, 
por ejemplo, revela cómo las revistas ilustradas populares cariocas promovieron una 
forma de visualizar la nación brasileña que contrastaba con los discursos dominantes, 
basándose, a diferencia de aquellos, en elementos de cultura popular de ascendencia 
africana así como en estrategias satíricas. El estudio de Catalá-Carrasco analiza las 
representaciones de la afrocubanía en la prensa ilustrada cubana de la primera mitad 
del siglo XX y, en particular, en la historieta. Catalá-Carrasco demuestra que dichas 
representaciones articularon el estatus que la población negra iba adquiriendo en la 
sociedad, desde posiciones subalternas hasta un progresivo reconocimiento como parte 
de la nación. La historieta es también objeto de estudio del ensayo de Marcela Gené, 
enfocado en la representación del sujeto femenino en las tiras cómicas de entreguerras. 
Gené discute las maneras en que las tiras cómicas trataron temas modernos como el 
lugar de la mujer en el hogar conyugal y la autoridad patriarcal concluyendo que en 
el ámbito del humorismo gráfico las mujeres llegan a ejercer roles de dominio sobre 
el universo masculino. 
Elementos de la cultura del ocio del cambio de siglo son objeto de las contribuciones 
de Wood, D’Argenio y Navitski. En su estudio sobre la presencia de los deportes 
en las revistas ilustradas peruanas, Wood destaca cómo el deporte fue parte de 
discursos de matriz positivista sobre salud, cosmopolitismo y progreso, articulando 
a la vez diferentes nociones de inclusión social. El cosmopolitismo de las políticas 
modernizadoras peruanas es estudiado también por D’Argenio. Su ensayo se enfoca 
en el rol desempeñado por una revista específica en la modernización peruana; analiza 
la relación entre cine, progreso, tradición y ciudadanía; y arguye que la revista se 
presenta como un espacio discursivo complejo, integrador e inclusivo, que contiene 
diferentes y conflictivas “declaraciones de modernidad”. La dialéctica localismo vs 
cosmopolitismo es analizada por Navitski en su ensayo sobre las maneras en que las 
revistas ilustradas brasileñas de cine plantearon la cultura filmica como una manera de 
participar en la modernidad. Navitski muestra que el cine y esas revistas se volvieron 
un espacio de mediación entre proyectos de modernización regionales y nacionales. 
La relación entre la prensa y otra industria vinculada tanto al ocio como al capitalismo 
como el turismo, es aquella estudiada por Lindsay. Su ensayo analiza las maneras en 
que una revista mexicana de viaje de los años cincuenta y sus mapas fueron instrumento 
de la ‘diplomacia informal’ del turismo y visualizaron y narrativizaron México para el 
público norteamericano proponiendo imágenes ambivalentes del país. 
Los ensayos aquí reunidos se plantean interrogantes sobre el tipo de negociaciones 
que hubo entre viejas y nuevas formas visuales y maneras de ver, la función político-
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social y simbólica de la caricatura y la historieta, el uso técnico y narrativo que hizo la 
prensa de las nuevas tecnologías visuales, la manera en que se articularon elementos 
de cultura popular y políticas editoriales cercanas a las élites, el tipo de discursos sobre 
las problemáticas de género, clase y raza que se desarrollaron en la prensa serial, la 
manera en que la prensa contribuyó a las maneras en que el público se imaginaba a 
sí mismo y a la nación, las prácticas de inclusión y disciplinamiento que la prensa 
apoyó a nivel simbólico. 
Las contribuciones responden a estas y otras preguntas y a la vez plantean 
nuevos puntos de reflexión. Cubren regiones significativas de Latinoamérica (México, 
Cuba, Colombia, Brasil, Perú, Chile y Argentina) y presentan tanto casos de estudio 
sobre revistas específicas como sobre géneros y temas que atraviesan varios tipos de 
publicaciones ilustradas seriales. Tomadas en conjunto mapean muchas de las tecnologías, 
prácticas y temas que conformaron la estratificada cultura de finales del siglo XIX y 
primera mitad del siglo XX. Sobre todo, nos dan una idea de cómo la prensa ilustrada 
determinó no sólo ideas sino también formas de mirar y medió la modernidad para su 
público formando a la vez parte esencial de aquella.
Quisiera terminar esta breve introducción agradeciendo a los colaboradores por su 
participación y su paciencia. Igualmente agradezco el interés que desde un principio 
la Revista Iberoamericana mostró por el proyecto.
BiBliografía
Edensor, Tim. National Identity, Popular Culture and Everyday. Oxford: Berg, 2002.
Ossandón, Carlos B. y Eduardo Santa Cruz. El estallido de las formas. Chile en los 
albores de la ‘cultura de masas’. Santiago de Chile: Lom Ediciones, 2005.
Reed, David. The Popular Magazine in Britain and the United States of America 
1880-1960.  Londres: The British Library Publishing, 1997.
Schelling, Vivian. Through the Kaleidoscope. The Experience of Modernity in Latin 
America. Londres: Versus, 2000. 
 



VISUALIDAD, MODERNIDAD Y PRENSA ILUSTRADA EN AMÉRICA LATINA (1880-1950)

Arredondo, Erika

Normas Reseñas

Urzúa, Macarena

1086 Reseñas
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clauDia caBello hutt. Artesana de sí misma. Gabriela Mistral, una intelectual en 
cuerpo y palabra. West Lafayette: Purdue University Press, 2018. 240 pp. ISBN 
978-1-5575-3807-9.
   
He sido testigo, como estudiante y profesora de literatura, de los giros y cambios 
de paradigma surgidos en torno a la crítica mistraliana desde fines de los noventa, hasta 
recientemente con la sorpresa de la aparición y el posterior traslado a Chile del legado 
de Mistral cuando murió su albacea Doris Dana en 2006. 
Artesana de sí misma. Gabriela Mistral, una intelectual en cuerpo y palabra, 
rescata e integra la obra de Mistral, sobre todo desde su prosa, apuntando a la relevancia 
fundamental de esta para la construcción de intelectual transnacional, agregándose 
a sus roles de poeta y maestra. Este libro trabaja en todos estos niveles y agrega la 
importancia de leer su obra y su legado en conjunto con el trabajo de académicas como 
Licia Fiol-Matta (2002), Raquel Olea (1990, 2009), Elizabeth Horan (1994, 2013), 
entre otras. Cabello Hutt propone releer a Mistral desde su prosa junto con la crítica 
hecha desde los estudios culturales y de género. Este trabajo atiende a aristas antes no 
estudiadas en profundidad como la imagen, la representación visual, el rol de ensayista 
en su carrera de escritora, sumado a un exhaustivo trabajo de archivo, haciendo un 
aporte fundamental no solo para la crítica mistraliana, sino para la historia literaria y 
cultural, al revisar el lugar que mujeres como Mistral tuvieron en ella.
El libro, organizado en cinco capítulos, examina distintos momentos y puntos de 
entrada a la construcción de Mistral como intelectual pública profesional y transnacional. 
Los ensayos y discursos mistralianos analizados rescatan ideas, intervenciones políticas 
y la anticipación de estos textos a diálogos continentales. La autora sostiene que “su 
prosa es un sitio de subversión” (48) y dice más adelante: “sus ideas subvierten fronteras 
arbitrarias y transforman problemas “privados” en asuntos públicos” (71), es decir, 
hace eco de la responsabilidad del intelectual y del escritor. 
Artesana de sí misma resume el modo en que Mistral concibe el trabajo político, 
social, de maestra y artista que trabaja minuciosamente con las palabras. Su quehacer 
y desplazamientos por el mundo hacen que reúna en ella lo que significa la palabra 
intelectual, algo que encarna en cuerpo y alma. Dice Mistral: “La poesía se siente 
pero no se discute. La poesía es en sí, pero el profesorado es algo humano y también 
es poesía, es acción es ideas en marcha” (“Aquella tarde” Cabello Hutt 31). Para leer 
a Mistral hay que adentrarse en la dimensión política de su poética, inseparable de su 
quehacer. Este libro se pregunta qué tipo de intelectual fue Mistral y cómo se posicionó 
en este campo, proponiendo que fue no solo poeta y maestra, sino que una intelectual 
comprometida, situándose lejos de “hombres de cultura y refinamiento” (carta a García 
Monge, cit. Cabello Hutt 31).
1087Reseñas
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En el primer capítulo, se exploran diversos medios y estrategias que utiliza 
Mistral al comienzo de su carrera para insertarse en debates intelectuales de la época, 
entre 1905 y 1922, hasta su partida a México. Resulta interesante notar la insistencia 
en tildarla como “santa” o mujer sencillísima lo que en un punto le juega a su favor, 
respondiendo como señala Cabello a ciertos deseos y demandas de su tiempo (34). 
En el segundo capítulo, desde una revisión de lo político desde el feminismo, Cabello 
Hutt cuestiona el modo y las posibles razones históricas de la despolitización del 
pensamiento mistraliano, ejercicio que es llevado a cabo atendiendo a los ensayos 
y su alcance político, leyendo el contexto en que se desarrolla Mistral, así como sus 
gestos y prácticas.
Para Cabello, aparecería una nueva forma de entender lo femenino al darle lugar a 
los afectos tanto en el oficio y el entendimiento, un “giro afectivo” avant la lettre. Así 
mismo, la autora reflexiona sobre la labor educadora para Mistral y su visión pedagógica 
en donde maestros y artistas son referentes de un pueblo (43). Como intelectual, Mistral 
es crítica hacia aquel rol tradicional del artista separado de las masas, procurando ser 
obrera intelectual, ímpetu que se traducirá en su actuar ante diversos conflictos. Imagen 
que se vislumbra desde la publicación “La instrucción de la mujer” (1906), a los 17 
años, donde se refiere a la educación femenina, hasta su compromiso al donar los 
derechos de Tala (1938) a las víctimas de la Guerra Civil española. Temas trabajados 
en el tercer capítulo, a partir de una revisión de la internacionalización como estrategia 
para su posicionamiento como intelectual.
El esfuerzo por situar a Mistral, pareciera ser y  haber sido una preocupación para 
el entorno, como lo señala Cabello Hutt, ya que estamos ante una figura que como 
mujer “desarticula el esquema modernizador que identifica a los hombres como los 
pensadores y líderes de los proyectos nacionales de progreso y modernización” (46). 
Mistral es una self-made woman, consciente de ese lugar, experta en hacer conexiones 
como se analiza en los capítulos cuarto y quinto. Ella desestabiliza el rol tradicionalmente 
asignado a la mujer, dándole un espacio a quienes salen de esos cánones de género, 
belleza, clase y modos de ser intelectual. Sus contemporáneos le dedicaron curiosos 
epítetos: “último eco de María de Nazareth… anda en batalla de sencillez” (Pedro 
Prado, citado en Cabello 34), “físicamente la antípoda de Delmira, rictus triste, una 
india alta, talluda, garbosa, solemne” (Luis Alberto Sánchez, Historia comparada 
de las literaturas americanas 326), “trasciende bravura y nostalgia. Está más allá de 
los sexos” (Iris citado en Cabello 157). Mistral fue una mujer y presencia ilegible, 
inaprehensible para su época. Imágenes que ella subvierte con su presencia, Cabello 
Hutt habla de una “performance fundacional de género” realizada conscientemente: 
“El valor de la performance fundacional de Mistral no se limita a su subversión visual 
de las definiciones de género sino que también de clase, ya que su opción por encarnar 
la estética de maestra rural durante toda su vida se puede leer como un acto político” 
1088 Reseñas
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(185). Y así, estudia la conformación de esta imagen, resaltando modos de vivir queer 
que se oponen a lógicas patriarcales.
El trabajo de Cabello es minucioso, se desplaza por numerosos archivos que 
dejan huella en la escritura de este libro. Su aporte es original, al incorporar a la crítica 
mistraliana la figura central que tuvo la imagen que se visibilizó de ella durante muchos 
años. Como ejemplo cita diversas entrevistas aparecidas en la prensa chilena (notable 
es el reportaje “La Mistral se viste a la moda”, revista Ercilla 1945) y en revistas de 
circulación en Hispanoamérica, atendiendo en ellas a la representación visual.
Este es un libro hecho rigurosamente, el que permitirá a una nueva generación leer 
a Mistral en todas sus dimensiones y hacerla re-conocida más allá de lo ya visto, para 
que constituya un referente para mujeres, minorías sexuales, que puedan incorporarla 
como parte de su genealogía. Este libro es fundamental para renovar la mirada de este 
legado, estudiando cómo se entretejen imagen, obra, vida, sin dejar de lado la dimensión 
de intelectual pública y de mujer.
Macarena Urzúa 
Universidad Finis Terrae
carloS aBreu MenDoza y DeniSe y. arnolD, editores. Crítica de la razón andina. 
Raleigh: Editorial A Contracorriente, 2018.174 pp. ISBN 978-1-945234-10-1.
¿Qué implica la crítica de la razón andina? ¿Es lo andino una zona, un territorio 
real o mental, una cultura, un pensamiento, una construcción política o un mero 
concepto académico? Las reflexiones de este libro proponen una visión no monolítica 
ni esencialista de esta idea, y se enfrentan explícitamente a la paradoja de una cierta 
unidad que subyace a la diversidad de lo andino. Los trabajos enfocan el tema desde 
temporalidades, disciplinas y perspectivas muy diversas, pero los unen parecidas 
preocupaciones, un mismo rigor y fuertes confluencias metodológicas.
En el completo y agudo prólogo de Carlos Abreu se enmarcan esta unidad y 
diversidad y se hace un valioso estado de la cuestión. Sin embargo, otra paradoja solo 
parcialmente reconocida subyace, desde el título, al planteamiento del libro: Kant critica 
la razón pura desde autodefiniciones y conceptos occidentales, y desde esas categorías 
abre una nueva senda en el pensamiento cuestionado. La crítica en estos ensayos, en 
cambio, no puede partir de la razón andina, si la entendemos como un legado y un saber 


Claudia Cabello Hutt. Artesana de sí misma. Gabriela Mistral, una intelectual en cuerpo y palabra.

Carreño Medina, José Clemente

EL MÉXICO INDÍGENA EN DOS CUENTOS DE OCTAVIO PAZ

Montenegro, María

Edith Negrín. Letras sobre un dios mineral: el petróleo mexicano en la narrativa.

NORMAS PARA LA PUBLICACIÓN DE ARTÍCULOS

Ríos Taboada, María Gracia

1113Reseñas
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rocío QuiSPe-aGnoli. Nobles de papel. Identidades oscilantes y genealogías borrosas 
en los descendientes de la realeza inca. Madrid y Frankfurt: Iberoamericana-
Vervuert, 2016. 264 pp. ISBN 978-84-8489-888-7.
Desde que en la década de 1980 los estudios coloniales experimentaron un cambio 
de paradigma mediante el cual las nociones de “texto” y “autor” fueron reemplazadas 
por las de “discurso” y “sujeto”, los investigadores de este periodo han desarrollado 
trabajos con un enfoque cada vez más interdisciplinario. Además de examinar fuentes 
primarias que escapan a la noción más tradicional de “literatura”, los colonialistas 
que intervenían desde el análisis discursivo vieron la necesidad de incorporar otros 
objetos no alfabéticos (códices, arte visual, cartografía, etc.) para tener una visión más 
completa del fenómeno en cuestión. Por su parte, ocurrió también que ciertas prácticas 
y herramientas metodológicas que se entendían como propias de una disciplina se 
introdujeron a otras áreas del conocimiento. En los últimos años, por ejemplo, la crítica 
literaria que trabaja con la producción cultural del periodo se ha visto influenciada por 
las investigaciones provenientes desde la historiografía, sobre todo en lo que atañe al 
quehacer en el archivo. 
El estudio de Rocío Quispe-Agnoli, Nobles de papel. Identidades oscilantes y 
genealogías borrosas en los descendientes de la realeza inca, es una clara muestra de 
ello. Fruto de la lectura minuciosa de un legajo titulado “Cartas y expedientes sobre 
las pretensiones de doña María Joaquina Inca” (México 2346), ubicado en el Archivo 
General de Indias en Sevilla, Nobles de papel recorre un terreno usualmente dominado 
por los historiadores para demostrar el uso de ciertas prácticas de significación en 
la construcción de una subjetividad colonial. De esta forma, Quispe-Agnoli ingresa 
al archivo colonial hispanoamericano no tanto para reconstruir o alimentar nuestro 
conocimiento sobre ciertos procesos históricos, sino más bien para escuchar y dar 
voz a aquellos sujetos que de otra forma permanecerían en el archivo o, en línea con 
lo que se demuestra en este libro, en el papel. 
El expediente “México 2346” revela el proceso legal que emprendió María 
Joaquina Inca para que las autoridades en México y España reconocieran sus derechos 
como descendiente de una nobleza incaica. Su proceso se llevó a cabo en las últimas 
décadas del siglo dieciocho, pero el legajo contiene documentos que se remontan a 
1544, es decir, a los años inmediatamente posteriores a la conquista del Perú. Entre 
ellos, por ejemplo, cédulas reales que concedían privilegios a los descendientes de un 
linaje inca, así como escudos de armas que fijaban –en el lenguaje habitual desde el 
que se reconocía la nobleza, hidalguía y sucesión en España– estos privilegios. Es a 
partir del reconocimiento de estos documentos como parte constitutiva del proceso que 
emprende María Joaquina Inca que Quispe-Agnoli identifica a su familia, los Uchu 
1114 Reseñas
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ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
Túpac Yupanqui, como “nobles de papel”. El término hace referencia a este conjunto 
de pruebas que, pese a que se hicieran efectivas en el papel, “no se cumplieron en la 
práctica” (113). Como señala la autora, esto nos permite entender la importancia que 
obtiene el papel como el medio desde el cual reclamar acceso al poder. Sobre la base 
de esta paradoja considero que se explican muy bien los otros dos conceptos a los 
que hace alusión la autora: “identidades oscilantes” y “genealogías borrosas”. En el 
proceso por definir su nobleza y la de su familia, María Joaquina Inca deja entrever 
que dicho proceso es de por sí inestable y que tanto su identidad como su genealogía 
fluctúan entre varios (y en muchos casos opuestos) polos.
El análisis que Quispe-Agnoli hace de este material documental contribuye al 
campo de los estudios coloniales de múltiples maneras. En primer lugar, reconstruye el 
camino discursivo de una identidad doblemente subalterna a la que pocas veces tenemos 
acceso, como lo es el de una mujer indígena. En segundo lugar, expone los procesos de 
negociación que surgieron desde las periferias para dirigirse a las lejanas metrópolis 
y a la distante figura del monarca. En tercer lugar, nos habla de redes de información 
que no solo se construyen a nivel transatlántico, sino también inter-virreinal, como 
ocurre cuando María Joaquina se identifica como descendiente de la nobleza azteca 
y la consiguiente respuesta de las autoridades virreinales en México. Por último, nos 
permite reconocer en el archivo colonial hispanoamericano una fuente inagotable 
de análisis textual que revela “una claridad multivocal que integra el simulacro de 
un diálogo de voces dispares usualmente en primera persona (yo)” (171). Es este un 
examen discursivo sin pretensión de ser un estudio histórico, como la autora misma 
señala en la introducción. 
Sin embargo, creo que, de establecer un diálogo con las recientes investigaciones 
que han surgido en el campo de la historiografía sobre la nobleza incaica colonial, 
este estudio podría reforzar muchos de sus presupuestos. El mismo año que se publicó 
este libro, por ejemplo, el historiador José Carlos de la Puente publicó un artículo 
en la Revista Andina, donde, a partir de unos documentos que formaban parte de un 
litigio sobre los privilegios que recibirían los descendientes de la nobleza incaica de 
las décadas de 1570 y 1580, demostró la naturaleza polémica desde la que se gestó el 
discurso sobre la nobleza incaica. Según De la Puente, desde muy temprano, los grupos 
incas del Cuzco se apropiaron de narrativas legales castellanas con el propósito de 
construir genealogías que cedían derechos a unos y se los negaban a otros. Bajo esta 
lógica, el examen que hace Quispe-Agnoli sobre estas “identidades oscilantes” podría 
entenderse como la continuación de una práctica cuyo origen era de por sí controversial 
y, por lo tanto, inestable.
Considero, por lo tanto, que el mayor aporte de este libro es lo que el mismo nos 
deja para futuros estudios que surjan desde el archivo y que busquen revelar prácticas 
discursivas. Consciente de ello, Quispe-Agnoli incluye un epílogo donde detalla algunos 
1115Reseñas
R e v i s t a  I b e ro a m e r i c a n a ,  Vo l .  L X X X V,  N ú m .  2 6 8 ,  J u l i o - S e p t i e m b r e  2 0 1 9 ,  1 0 7 5 - 111 5
ISSN 0034-9631 (Impreso)  ISSN 2154-4794 (Electrónico)
temas pendientes, trazando una suerte de hoja de ruta para el futuro investigador. Sugiere 
así el reconocimiento de las voces femeninas en el archivo que pueden dar cuenta de 
la construcción de una subjetividad colonial con una perspectiva de género. Así como 
el discurso de María Joaquina Inca revela aspectos de su vida privada que la muestran 
en una situación vulnerable y de pobreza extrema, muchas otras voces femeninas en el 
inmenso corpus del archivo colonial hispanoamericano pueden contribuir a alimentar 
nuestro conocimiento sobre la posición de la mujer y los roles de género en el contexto 
de la dominación española. 
María Gracia Ríos Taboada
Pontificia Universidad Católica del Perú



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