Digital Repository of Music Academy
Not a member yet
3080 research outputs found
Sort by
Ludwig van Beethoven: Sonata br. 23 u f-molu, op. 57, Appassionata
No full textU ovom diplomskom radu analizirana je Sonata br. 23, op. 57 u f-molu, Ludwiga van Beethovena, poznata pod nazivom Appassionata, kako bi je izvođači bolje razumjeli i lakše interpretirali. Ta sonata je nastala na prijelazu klasicizma u romantizam, 18. u 19. stoljeće, kad je Beethoven već nadišao Mozarta i njegov klasični stil te kročio u drugo, „srednje” stvaralačko razdoblje. Na početku je dano nekoliko informacija o skladatelju i razdoblju u kojem je živio te o sonati kao glazbenom obliku. Slijedi popis svih Beethovenovih sonata i njihova usporedba te podrobna analiza. Sonata ima tri stavka: I. Allegro assai (sonatni oblik), II. Andante con moto (tema s varijacijama) i III. Allegro ma non troppo – Presto (sonatni oblik). Nakon analize slijedi nekoliko naputaka o interpretaciji i usporedba različitih izdanja Appassionate. Na kraju je usporedba interpretacija slavnih pijanista glede tempa i posebnosti njihovih izvedbi Appassionate dostupnih na nosačima zvuka.This thesis presents an analysis of Sonata No. 23, Op. 57 in F minor by Ludwig van Beethoven, widely known as the Appassionata, with the aim of enabling performers to gain a deeper understanding and achieving a more nuanced interpretation of the work. The sonata was composed during the transitional period between Classicism and Romanticism, at the turn of the 19th century, when Beethoven had already surpassed Mozart’s classical style and entered his so-called „middle” creative period. The introductory section provides contextual information about the composer, the historical period in which he lived, and the sonata as a musical form. This is followed by an overview and comparative discussion of all Beethoven’s sonatas, leading into a detailed structural and interpretative analysis of the Appassionata, which comprises three movements: I. Allegro assai (sonata form), II. Andante con moto (theme and variations), III. Allegro ma non troppo – Presto (sonata form). Subsequent chapters offer interpretative guidelines and a comparison of various editions of the Appassionata. The final section presents a comparative analysis of renowned pianists’ interpretations, focusing on aspects such as tempo and distinctive features observable in their recorded performances
Primjena povijesno obaviještene izvođačke prakse u interpretaciji vokalne literature baroka – talijanska barokna monodija
No full textOvaj diplomski rad bavi se primjenom povijesno obaviještene izvođačke prakse u interpretaciji vokalne literature baroka, s posebnim naglaskom na talijansku baroknu monodiju. Cilj rada je pružiti teorijski i praktični okvir za razumijevanje stilskih i tehničkih aspekata izvođenja barokne glazbe, oslanjajući se na povijesne izvore, traktate i suvremena istraživanja. Kroz analizu povijesnog konteksta rimske i venecijanske opere te razvitka komične opere, razmatra se razvoj glazbenih formi koje su oblikovale vokalni izraz ranog baroka. Posebna pažnja posvećena je baroknoj notaciji i izazovima suvremenih notnih izdanja, kao i temeljnim izvođačkim elementima poput basso continua, frekvencije, temperacije, tempa i artikulacije. U radu se obrađuju tehnički aspekti vokalne izvedbe: vibrato, dah, registri i legato te se istražuje odnos riječi i glazbe, kao i recitativima. Daje se pregled glasovnih kategorija i stilskih ukrasa specifičnih za barok, kao oblika diminucije, odnosno ornamentacije i varijacije da capo arija. Također se razmatraju sakralna i komorna vokalna literatura, stilovi poput „cantare alla bastarda“ i motivi poput ars moriendi te žanr lamenta. Zaseban i posljednji dio rada posvećen je ulozi i doprinosu žena u glazbi baroka. Kroz cjelovitu obradu navedenih tema, ovaj rad nastoji pružiti relevantne smjernice pjevačima i pedagozima koji se žele približiti izvođenju talijanske barokne monodije na autentičan i stilski utemeljen način.This thesis examines the application of historically informed performance practice in the interpretation of Baroque vocal literature, with particular emphasis on Italian Baroque monody. The primary aim is to provide both a theoretical and practical framework for understanding the stylistic and technical aspects of Baroque music performance, drawing on historical sources, period treatises, and contemporary scholarship. By analyzing the historical context of Roman and Venetian opera, as well as the emergence of comic opera, the study explores the development of musical forms that shaped the vocal expression of the early Baroque period. Special attention is devoted to Baroque notation and the challenges posed by modern editions, as well as to fundamental performance elements such as basso continuo, tuning, temperament, tempo and articulation. 6 The thesis also addresses technical aspects of vocal performance: such as vibrato, breathing, vocal registers, and legato, and investigates the relationship between words and music, with particular focus on recitative. It provides an overview of Baroque vocal categories and stylistic ornaments, including forms of diminution, ornamentation, and da capo aria variations. Further consideration is given to sacred and chamber vocal music, performance styles such as cantare alla bastarda, thematic concepts such as ars moriendi, and the lamento genre. A dedicated final section of the thesis is focused on the role and contributions of women in Baroque music. Through a comprehensive exploration of these topics, the study aims to offer relevant and practical guidance to singers and voice teachers seeking to approach the performance of Italian Baroque monody in an authentic and stylistically informed manner
Sven Kadojić Balaško, klarinet : drugi dio diplomskog ispita
No full textDrugi dio diplomskog ispita Svena Kadojića Balaška (klarinet), studenta Muzičke akademije Sveučilišta u Zagrebu.
Drugi dio ispita održan je na Muzičkoj akademiji u dvorani Lhotka 14. 2. 2025.
Klavirska pratnja: dr. art. Roland Grlica, v. umj. sur.
Mentor: prof. art. Milko Pravdić.
Program drugog dijela diplomskog ispita:
1. Johannes Brahms: Sonata za klarinet i klavir u Es duru, op. 120, br. 2 ;
2. Claude Debussy: Première Rhapsodie ;
3. Arthur Benjamin: Le Tombeau de Ravel
Methods of coping with music performance anxiety in professional instrumental musicians
No full textSvi su se profesionalni glazbenici barem jednom u životu susreli s tremom, a većina ih se prilikom svakog javnog nastupa suočava sa simptomima treme. U radu su obrađene najčešće upotrebljavane i najefikasnije metode suzbijanja treme kod profesionalnih glazbenika instrumentalista kroz psihološke i fiziološke manifestacije i uzroke. Metode poput psihoterapije, mentalnog treninga, vježbi disanja, regulacije emocija i dr. nužno je upotrebljavati od samih početaka glazbene naobrazbe. Obzirom da mnogi faktori utječu na samu izvedbu, a trema je samo jedan od njih, bitno je suzbijat simptome kako bi u prvi plan tijekom izvedbe do izražaja došli bitni čimbenici poput fraziranja, dinamike i opće zvučne slike. Metode koje su najefikasnije su korištenje vlastite rutine, mentalni trening i vježbe disanja, a dugoročno i psihoterapija. Glazbenici najčešće prakticiraju korištenje rutine uz dobar san i kvalitetu ishranu, pogotovo dan prije nastupa te na sami dan izvedbe. Jednostavna, a vrlo često korištena metoda jest vizualizacija i simulacija nastupa koji potiču da glazbenik mentalno uđe u sami događaj prije no što se on desi te se na taj način psihološki pripremi i prođe kroz nastup, što daje osjećaj smirenja, stabilnosti i podiže razinu samopouzdanja. Postoje mnoge, sasvim različite metode kojima se trema može suzbiti, a na glazbeniku je da otkrije koja njemu najviše odgovara.All professional musicians have experienced music performance anxiety (MPA) at least once in their lives, and most of them face MPA during every public performance. The paper discusses the most commonly used and most effective methods of coping wtih MPA in professional instrumental musicians through psychological and physiological manifestations and causes. Methods such as psychotherapy, mental training, breathing exercises, emotion regulation, etc. must be used from the very beginning of musical education. Considering that many factors influence the performance itself, and MPA is just one of them, it is important to cope with the symptoms so that important factors such as phrasing, dynamics and general sound image come to the fore during the performance. The most effective methods are using one's own routines, mental training, breathing exercises and for long-term psychotherapy. Musicians most often practice using a routine with good sleep and quality nutrition, especially the day before the performance and on the day of the performance itself. A simple, very commonly used method is visualization and simulation of the performance, which encourages the musician to mentally enter the event before it happens, thus preparing psychologically and going through the performance, which gives a feeling of calmness, stability and increases the level of self-confidence. There are many, completely different methods by which music performance anxiety can be coped with and it is up to the musician to discover which one suits him best
Glazbeno učilište Elly Bašić – od ideje do učilišta kakvo je danas
No full textOvaj rad prikazat će sadržajnu povijest Glazbenog učilišta Elly Bašić i važne događaje iz života Elly Bašić koji su bili ključni za osnivanje učilišta. U radu će biti navedeni događaji od razvoja same ideje o Funkcionalnoj muzičkoj pedagogiji do prikaza učilišta kakvo je danas. Informacije prikazane u radu izvučene su iz sadržajne literature samog Glazbenog učilišta Elly Bašić i ostalih medija. Ukazat će se i na veliku važnost i utjecaj Funkcionalne muzičke pedagogije na razvoj umjetničkog razmišljanja djece te utjecaj na veliki broj glazbenika koji su ostavili značajan trag na hrvatskim umjetničkim institucijama i na glazbenoj sceni.This paper presents a comprehensive overview of the history of Elly Bašić Music School and key events from Elly Bašić’s life that were essential to its founding. It outlines the development of the concept of Functional Music Pedagogy and the current structure of the institution. The information is based on literature published by Elly Bašić Music School and other media sources. Attention is also drawn to the considerable importance of Functional Music Pedagogy on the development of children’s artistic thinking and its impact on numerous misicians who have left a notable mark on Croatian artistic institutions and the music scene
Development of tamburitza in Križevci
No full textSvrha ovog diplomskog rada je objasniti i opisati razvoj tamburaštva i tamburaške glazbe u Križevcima od samih početaka pa sve do danas. Sam početak rada odnosi se na tamburu općenito te kako je ona uopće došla u krajeve današnje Republike Hrvatske. Prvi zapisi muziciranja na tamburi u Križevcima datiraju iz druge polovice 18. stoljeća pa se dio rada odnosi i na društva koja su bila među začetnicima skupnog muziciranja na tamburi na području Križevaca. Također, ključnu ulogu u razvoju muziciranja na tamburi u Križevcima zauzima i Glazbena škola Alberta Štrige Križevci uvođenjem tambure kao izbornog predmeta 70-ih godina 20. stoljeća, zatim uvođenjem tambure kao glavnog predmeta s individualnom nastavom te pokretanjem smjera tambure kao glavnog predmeta u srednjoj glazbenoj školi. Neizostavni dio uz nastavu tambure u Glazbenoj školi je i njezin Tamburaški orkestar koji je nastupao diljem Republike Hrvatske i inozemstva i jedan je od najnagrađivanijih tamburaških orkestara općenito. Dodatne informacije o procesu uvođenja tambure u Glazbenu školu Alberta Štrige Križevci omogućili su putem intervjua bivši nastavnik tambure i prvi stalni dirigent tamburaškog orkestra Škole Stjepan Fortuna te nastavnik tambure, voditelj tamburaškog orkestra i komorne glazbe u Glazbenoj školi, član prve generacije učenika upisanih na tamburu kao glavni predmet u Glazbenoj školi Igor Kudeljnjak. Vrlo bitnu ulogu u promociji tambure kao umjetničkog glazbala ima novoosnovani Gradski tamburaški orkestar Križevci. Bitno je i naglasiti da su brojne skladbe pisane baš za tamburaške orkestre iz Križevaca.The purpose of this master's thesis is to explain and describe the development of tamburitza and tamburitza music in Križevci since it's beginnings until today. The very beginning of master's thesis refers to tamburitza in general and how it came to the area of today's Republic of Croatia. First records of making music on tamburitza dates from the second half of the 18th century so a part of master's thesis indicates on associations which were among originators of collective music making on tamburitza in the Križevci area. Also, crucial part in development of music making on tamburitza has the Music school Alberta Štriga Križevci by introducing tamburitza as first optional subject in the 70s of the 20th century and later as a main subject with individual classes, and introducing it as a main subject in secondary music school as well. Integral part next to tamburitza classes in Music school is also it's Tamburitza orchestra which performed all over Republic of Croatia and abroad and is one of most rewarded tamburitza orchestras altogether. Additional information on the sole introduction of tamburitza in the Music school Albert Štriga Križevci and the exact process of it were given in form of interview by former tamburitza teacher and the first permanent conductor of Music school Tamburitza orchestra Stjepan Fortuna and also by tamburitza teacher, director of tamburitza orchestra and tamburitza chamber music and the member of the first generation of students who enrolled with tamburitza in Music school as a main subject Igor Kudeljnjak,. Already a very important role in promotion of tamburitza as an artistic musical instrument has a newly founded City tamburitza orchestra Križevci. It is also important to emphasize that numerous musical compositions were written specially for Križevci tamburitza orchestras
Trombonist literature of 20th century French composers
No full textTema ovoga rada je trombonistička literatura francuskih skladatelja dvadesetog stoljeća, s ciljem pregleda njezina razvoja, glazbenih obilježja i utjecaja na afirmaciju trombona kao solističkog instrumenta u modernoj glazbi. Osim toga, cilj je istražiti i međugeneracijske odnose između skladatelja, i razvoj njihovih stilova. Analizom skladbi sagledava se utjecaj stilova na tretman trombona u solističkom kontekstu, i stavljen je naglasak na izvođačke zahtjeve i umjetničku vrijednost djela koja čine važan dio koncertnnog, ali i pedagoškog repertoara. Konačni cilj rada je doprinijeti razumijevanju uloge francuskih skladatelja u razvoju moderne trombonističke literature, te potaknuti njeno daljnje izvođenje i istraživanje.The topic of this paper is the trombone literature of French composers of the twentieth century, with the aim of providing an overview of its development, musical characteristics, and its influence on the affirmation of the trombone as a solo instrument in modern music. Additionally, the goal is to explore intergenerational relationships between composers and the evolution of their styles. Through the analysis of selected compositions, the influence of various styles on the treatment of the trombone in a solo context is examined, with emphasis placed on performance demands and the artistic value of works that are an important part of both concert and pedagogical repertoire. The ultimate goal of this paper is to contribute to the understanding of the role of French composers in the development of modern trombone literature, and to encourage its further performance and exploration
Musical stories in the educational process: possibilities of creation and application
No full textRad se bavi istraživanjem glazbenih priča kao specifičnog oblika integracije glazbe i pripovijedanja u odgojno-obrazovnom procesu s naglaskom na rani i predškolski odgoj. U teorijskom dijelu razmatra se važnost priče i glazbe u cjelokupnom razvoju djeteta, odnosno spoznajnom, socio-emocionalnom, govorno-jezičnom, tjelesnom i psihomotornom te umjetničkom razvoju. Analizira se pojam glazbene priče pomoću dostupne stručne literature i prikazuju se različite vrste, povijesni razvoj i suvremene mogućnosti njezine primjene, uključujući digitalne alate i inkluzivne pristupe. Praktični dio rada temelji se na ciklusu radionica emocionalne pismenosti kroz rad na glazbenoj priči pod nazivom Putovanje kroz emocije. Ciklus radionica proveden je u tri odgojno-obrazovne skupine; u jednoj mlađoj vrtićkoj skupini i u dvije predškolske skupine. Pomoću osmišljenih aktivnosti, djeca su istraživala temeljne emocije (sreća, tuga, strah, ljutnja) kombiniranjem pripovijedanja, glazbe, pokreta i kreativnog izraza. Radionice su bile strukturirane na način da su djeca aktivno sudjelovala u oblikovanju priče i tijekom samog procesa razvijala simboličko mišljenje i emocionalnu pismenost. Rad donosi detaljan prikaz provedenih aktivnosti, korištenih pedagoških strategija i refleksija autorice u ulozi voditeljice radionica. Poseban naglasak stavljen je na važnost suradnje s odgojiteljima i roditeljima kao ključnim čimbenicima u stvaranju sigurnog i poticajnog okruženja za djetetovo učenje, izražavanje i cjeloviti razvoj. Praktični rad završava zajedničkom radionicom s roditeljima, čime je dodatno osnažen partnerski odnos između vrtića i obitelji. Ciklus radionica pokazao je da glazbene priče imaju pozitivan utjecaj na dječji emocionalni razvoj, komunikaciju, pažnju, suradnju i kreativno izražavanje. Zaključno, rad ukazuje na potrebu za češćim korištenjem glazbenih priča u praksi, što upućuje i na dodatno osnaživanje odgojitelja u glazbenom smislu, kao i na važnost refleksivne prakse i suradničkog pristupa u planiranju i provedbi glazbenih aktivnosti.This thesis explores musical stories as a specific form of integrating music and storytelling within the educational process, focusing on early childhood and preschool education. The theoretical part discusses the importance of storytelling and music for overall child development, including cognitive, socio-emotional, language, physical, and psychomotor and artistic domains. The concept of musical stories is analyzed through relevant professional literature, presenting various types, historical development, and contemporary possibilities of application, including the use of digital tools and inclusive approaches. The practical part of the thesis is based on a series of emotional literacy workshops structured around the musical story entitled Journey Through Emotions. The series of workshops was conducted in three educational groups: one younger kindergarten group and two preschool groups. Through carefully designed activities, children explored basic emotions (happiness, sadness, fear, and anger) by combining storytelling, music, movement, and creative expression. The workshops were structured to enable children’s active participation in story creation, encouraging the development of symbolic thinking, emotional literacy, and individual creativity. This thesis provides a detailed overview of the implemented activities, applied pedagogical strategies, and the author’s reflections on the role of workshop facilitator. Special emphasis is placed on the importance of collaboration with educators and parents as key factors in creating a safe and stimulating environment for children’s learning, expression, and overall development. The project-based component was concluded with a joint workshop for parents and children, further strengthening the partnership between the kindergarten and families. The workshop series demonstrated that musical storytelling has a positive impact on children’s emotional development, communication, attention, cooperation, and creative expression. In conclusion, the thesis highlights the need for more frequent implementation of musical stories in practice as well as the empowerment of preschool teachers in musical expression, and the importance of reflective and collaborative approaches in planning and conducting music activities
Pregled i usporedba Aleksandrove tehnike,Feldenkraisove metode te Mapiranja tijela u kontekstu prevencije ozljeda i unapređenja psihofizičkog zdravlja glazbenika
No full textOvaj rad donosi pregled i usporedbu triju istaknutih somatskih metoda - Aleksandrove tehnike, Feldenkreisove metode te Mapiranja tijela u svrhu sprječavanja ozljeda te generalno boljeg psihofizičkog zdravlja glazbenika. Sve tri somatske metode dijele fokus na unaprjeđenje tjelesne svijesti, poboljšanje učinkovitosti pokreta te poticanje blagostanja cijelog tijela pogotovo kod glazbenika koji bi pri izvođenju bilo kojeg glazbenog djela trebali biti svjesni kako koriste vlastito tijelo i um. Tako, svjesno upravljajući vlastitim tijelom i psihom, glazbenici postižu optimalnu izvedbu bez ozljeda i izvođačke anksioznosti. U radu su prikazani povijesni razvoji svih triju metoda, teorijske osnove, prikazi disanja te praktična primjena svake metode u praksi. Kroz usporedbu prikazane su njihove sličnosti poput naglaska na svjesnoj kontroli, ali i razlike u pristupima i ciljevima. Zaključci rada podržavaju integraciju somatskih praksi u glazbi i terapijskim okvirima, nudeći vrijedne alate za prevenciju ozljeda glazbenika, poboljšanje izvedbe i osobni razvoj.This paper presents an overview and comparison of three prominent somatic methods - the Alexander Technique, the Feldenkrais Method, and the Body Mapping approach - aimed at injury prevention and the overall improvement of musicians’ psychophysical health. All three somatic methods share a common focus on enhancing bodily awareness, improving movement efficiency, and promoting overall well-being, especially for musicians, who should be conscious of how they use their bodies and minds when performing any musical piece. By consciously managing their bodies and psyche, musicians can achieve optimal performance without injury or performance anxiety. The paper outlines the historical development of each method, theoretical foundations, approaches to breathing, and the practical application of each method. Through comparison, similarities such as the emphasis on conscious control, as well as differences in approaches and goals, are highlighted. The paper’s conclusions support the integration of somatic practices into music and therapeutic contexts, offering valuable tools for injury prevention, performance enhancement, and personal development
Evolucija konstrukcije fagota
No full textOvaj diplomski rad bavi se evolucijom konstrukcije fagota, jednog od najvažnijih drvenih puhačkih instrumenata u klasičnoj glazbi. Kroz povijesni pregled razvoja instrumenta rad analizira ključne tehničke, materijalne i akustičke promjene. Promjene koje su oblikovale fagot od njegovih prvih oblika u renesansnom razdoblju do suvremenog oblika kojeg danas poznajemo. Poseban naglasak stavljen je na prijelaz s dulciana na moderni fagot s razvijenim mehaničkim sustavom te na usporedbu dvaju glavnih modela njemačkog (Heckelov sustav) i francuskog (Buffetov sustav). Analizirani su i tehnički aspekti razvoja instrumenta, uključujući promjene u izboru materijala, razvoju sustava klapni te poboljšanja u dizajnu koja su omogućila veću intonacijsku preciznost, dinamičku fleksibilnost i ergonomsku prilagodbu sviraču. U zaključku, rad pokazuje kako su povijesni, tehnološki i estetski faktori zajednički utjecali na oblikovanje fagota.This thesis explores the evolution of the construction of the bassoon, one of the most important woodwind instruments in classical music. Through a historical overview of the instrument’s development, the paper analyzes key technical, material, and acoustic changes that have shaped the bassoon from its early forms in the Renaissance to the modern instrument known today. Special attention is given to the transition from the simple dulcian to the modern bassoon with an advanced mechanical system, as well as to the comparison between the two main models: the German (Heckel system) and the French (Buffet system). The study also examines technical aspects of the instrument’s development, including changes in material selection, the evolution of keywork systems, and design improvements that enabled greater tuning precision, dynamic flexibility, and ergonomic adaptation to the performer. In conclusion, the thesis demonstrates how historical, technological, and aesthetic factors have collectively influenced the shaping of the bassoon