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"Rosa de Hiroshima": Do poema à canção
Full text linkThis study analyzes the musicalization process of the poem “Rosa de Hiroshima”, identifying elements which involve it as both a poem and a song. Based on bibliographical, comparative and qualitative research, it first provides a brief discussion on the specificities of these genres, followed by an analysis of the poem written by Vinicius de Moraes in 1946, published in Antologia Poética (1954), and its musicalization by Gerson Conrad, then member of the band Secos & Molhados, through the recording of the band\u27s debut album, in 1973, and its performance at the remarkable show at Maracanãzinho in 1974. It brings considerations about the analysis of the work in these two distinct genres, reflecting on the peculiarities of each one through the work of great Brazilian artists.O presente estudo visa analisar o processo de musicalização do poema “Rosa de Hiroshima”, identificando elementos que o envolvem enquanto poema e enquanto canção. Por meio de uma pesquisa de caráter bibliográfico, comparativo e qualitativo, realiza-se, primeiramente, uma breve discussão sobre as especificidades destes gêneros, seguida de uma análise do poema escrito por Vinicius de Moraes em 1946, publicado na Antologia Poética de 1954, e da musicalização feita por Gerson Conrad, integrante de Secos & Molhados à época, por meio da gravação do álbum de estreia da banda, em 1973, e da performance realizada no marcante show do Maracanãzinho, em 1974. Deste modo, é possível trazer considerações sobre a análise da obra nestes dois gêneros distintos, refletindo sobre as peculiaridades de cada um por meio do trabalho de grandes artistas do cenário nacional
Ritmos e desvios, sons e sentidos: Considerações sobre a poesia de Edimilson de Almeida Pereira
Full text linkThe connections between music and poetry have been and still are the subject of countless analyses and studies, but it does not seem possible to fully grasp the associations between these two artistic expressions, since their respective constitutions are originally intertwined. In recent years, some theorists, such as Hans Gumbrecht, have focused on issues related to this field, tensioning concepts such as rhythm and presence, which has contributed to expanded possibilities of reading and receiving poetry. The aim of this article is, based on these considerations, to analyze some poems by Edimilson de Almeida Pereira, an author who has worked on issues related to sound and rhythmic effects, seeking to understand how these effects act in terms of meaning and how the procedures related to these effects operate in a fundamental way in the poet\u27s work.As relações entre música e poesia foram e são tema de inúmeras análises e estudos, entretanto, não parecer ser possível apreender completamente as associações entre essas duas expressões artísticas, uma vez que suas respectivas constituições encontram-se, originalmente, imbricadas. Nos últimos anos, alguns teóricos como Hans Gumbrecht têm se debruçado sobre questões relacionadas a esse campo, tensionando conceitos como ritmo e presença, o que vem contribuindo para uma expansão nas possibilidades da leitura e recepção da poesia. O objetivo do presente artigo é, a partir dessas considerações, analisar alguns poemas de Edimilson de Almeida Pereira, autor que tem trabalhado em sua obra questões relacionadas aos efeitos sonoros e rítmicos, buscando compreender de que modo esses efeitos atuam em relação ao sentido e como os procedimentos relacionados a esses efeitos operam de maneira fundamental na obra do poeta
Ética feminista e feminismo mágico em A bruxa, de Robert Eggers, e Maria e João, de Oz Perkins
Full text linkBased on notions of feminist ethics and magical feminism, we illustrate the initiation into witchcraft as a shift to a new morality for the teenage protagonists of the films The Witch (2017), by Robert Eggers, and Gretel & Hansel (2020), by Oz Perkins. These folk horrors subvert the character of the witch of the woods by giving her a coming-of-age background story, all the while keeping some key-elements from traditional fairy tales. We suggest that the leading girls undergo a moral transformation: in becoming witches, they cease their roles as caregivers, abandoning a care-oriented ethics that was imposed on them and embracing a new hedonistic, egotistical one.Baseando-nos em noções de ética feminista e de feminismo mágico, ilustramos a iniciação à bruxaria como a adesão a uma nova moral por parte das protagonistas adolescentes dos longas-metragens A bruxa (2017), de Robert Eggers, e Maria e João (2020), de Oz Perkins. Como filmes de terror do subgênero folk, ambos subvertem a figura da bruxa da floresta ao retratar sua trajetória de amadurecimento, ao mesmo tempo mantendo alguns elementos-chave dos contos de fadas tradicionais. Sugerimos que elas passam por uma transformação moral: ao se tornarem bruxas, saem de seu papel de cuidadoras, abandonando a ética de cuidado que lhes foi imposta e abraçando uma nova moral hedonista e egoísta
A representação de otium e negotium em comédias de Plauto e de Ariano Suassuna
Full text linkEngaging in a dialogue with Classical Reception Studies (Hardwick, 2003; Martindale, 1993), this article discusses the representation of otium and negotium in Titus Maccius Plautus’s (3rd-2nd centuries BCE) and Ariano Suassuna’s (1927-2014) comedies. To this end, I analyze passages from Plautus’s Mercator (The Merchant) and Miles Gloriosus (The Braggart Soldier), and from Suassuna’s Auto da Compadecida (A Dog’s Will) and Farsa da Boa Preguiça (The Farce of Good Laziness), observing the meanings that those two terms acquire in each of these texts. My interest in this subject is motivated by the fact that both the Brazilian and Roman societies were raised based on slave labor. In this context, this study seeks, on the one hand, to demonstrate how the interpretation of ancient theatre allows us to discuss still urgent subjects in the present, such as slavery and, as I sustain, its consequences, the notions of otium and negotium; on the other hand, it expects to show the importance of the works of Ariano Suassuna for classical reception studies.Com base em formulações teóricas dos Classical Reception Studies (Hardwick, 2003; Martindale, 1993), o objetivo deste artigo é discutir a representação de otium e negotium em comédias de Tito Mácio Plauto (Titus Maccius Plautus, III-II a.C.) e de Ariano Suassuna (1927-2014). Para tanto, analisarei trechos das peças Mercator (O Mercador) e Miles Gloriosus (O Soldado Fanfarrão), de Plauto, e Auto da Compadecida e Farsa da Boa Preguiça, de Suassuna, a fim observar o sentido que os termos adquirem nos textos respectivos. Meu interesse em investigar esse tema motiva-se pelo fato de que tanto a sociedade brasileira quanto a romana foram constituídas à base de trabalho escravo. Nesse contexto, este estudo almeja, por um lado, evidenciar como a interpretação do teatro antigo permite-nos discutir acerca de assuntos ainda urgentes no presente, como são a escravidão e suas consequências, relacionadas, como defendo, a noções de otium e negotium. Por outro lado, espera-se demonstrar a importância das obras de Ariano Suassuna para os estudos de recepção clássica
A recepção de Filoctetes, de Sófocles, em Ramom, o Filoteto americano, de Escobar, no contexto da Ditadura Militar brasileira
Full text linkThis article aims to point out aspects of the reception of the Greek tragedy Philoctetes (409 BC), by Sophocles, by the Brazilian playwright Carlos Henrique Escobar, who takes up the Greek text and the myth of the archer hero in his modern rewriting Ramom, o Filoteto americano (1976). Escobar writes his text during the Military Dictatorship in 1975 and publishes it the following year, still in the same decade in which, according to Figueiredo (2015), Brazilian theater lived under coercion with the increasing censorship and violence of the regime. Set in Upper Peru, present-day Bolivia, during the struggle for independence from Spanish rule, Escobar\u27s play takes up the myth of Philoctetes and the Sophoclean tragedy, focusing on the theme of oppression to emphasize the need to combat it.Este artigo tem por objetivo apontar aspectos da recepção da tragédia grega Filoctetes (409 a.C.), de Sófocles, pelo dramaturgo brasileiro Carlos Henrique Escobar, que retoma o texto grego e o mito do herói arqueiro em sua reescritura moderna Ramom, o Filoteto Americano (1976). Escobar escreve seu texto em plena Ditadura Militar, em 1975, e o publica no ano seguinte, ainda na mesma década em que, conforme Figueiredo (2015), com o aumento da censura e da violência do regime devido ao AI-5, o teatro brasileiro vivia sob coação. Ambientada no Alto Peru, atual Bolívia, durante o movimento de luta por independência do domínio espanhol, a peça de Escobar retoma o mito de Filoctetes e a tragédia sofocliana privilegiando o tema da opressão, a fim de enfatizar a necessidade de combatê-la
Narrativas homéricas na literatura contemporânea: As histórias de Aquiles, Pátroclo e Circe por Madeline Miller
Full text linkThis article examines two contemporary novels that reinterpret the Homeric narratives of the Iliad and the Odyssey, namely The Song of Achilles (2011/2013) and Circe (2018/2020), both by American author Madeline Miller (1978–). The study highlights how Miller’s narratives, in alternating between distancing from and aligning with Homer, address pressing contemporary issues such as the representation of homosexuality, female empowerment, and sexual violence. In The Song of Achilles, Patroclus narrates the life of Achilles, emphasizing his role as a loving companion in life and death. In Circe, the protagonist gains her own voice, transcending her secondary role in Odysseus’s story and forging her own path beyond her divinity. Miller’s works do not replace Homer’s epics but rather expand the dialogue between past and present, reinforcing the ongoing relevance of the classics in modern literature.Este artigo aborda dois romances contemporâneos que recriam as narrativas homéricas da Ilíada e da Odisseia: A canção de Aquiles (2011/2013) e Circe (2018/2020), ambos da autora estadunidense Madeline Miller (1978-). Observa-se como as narrativas de Miller, ora se distanciando, ora se aproximando de Homero, envolvem questões prementes de nosso tempo que incluem a representação de homoafetividades, protagonismo feminino e violência sexual. Em A canção de Aquiles, Pátroclo narra a vida de Aquiles, destacando seu papel como companheiro amoroso na vida e na morte. Em Circe, a protagonista ganha voz própria, transcendendo seu papel secundário na história de Odisseu e trilhando seu próprio caminho para além de sua divindade. As obras de Miller não substituem as epopeias de Homero, mas ampliam o diálogo entre passado e presente, reforçando a relevância contínua dos clássicos na literatura atual
Atualizações da prosa de ficção antiga: Análise comparativa de As Efesíacas, de Xenofonte de Éfeso, e A Viuvinha, de José de Alencar
Full text linkThis article presents a comparative analysis of the works As Ephesiacas by Xenophon of Ephesus, and A Viuvinha, by José de Alencar, in order to describe the similarities and differences between both, establishing relationships between the “Greek novel” and the modern novel. The analysis was divided into three subtopics that deal with: forms of falling in love, apparent death and scenes of recognition. It was apparent that A Viuvinha presents characteristics found in the old novel, yet some elements are updated according to the 19th-century context, allowing us to think of Alencar’s novel as heir to a long literary tradition that is renewed and updated over time.Este artigo apresenta uma análise comparativa das obras As Efesíacas – Ântia e Habrócomes, de Xenofonte de Éfeso, e A Viuvinha, de José de Alencar, com o objetivo de verificar as semelhanças e distanciamentos entre ambas, estabelecendo relações entre o “romance grego” e o romance moderno. A análise dividiu-se em três subtópicos que tratam de: formas de enamoramento, morte aparente e cenas de reconhecimento. Evidenciou-se que A Viuvinhaapresenta características encontradas no romance antigo, contudo alguns elementos são atualizados conforme o contexto do século XIX, permitindo pensar o romance de Alencar como herdeiro de uma longa tradição literária que se renova e se atualiza ao longo do tempo
Sêneca no cinema: Dessacralização da morte cênica
Full text link‘Seneca’ (Germany/Morocco 2022) is a biopic about the last day of Lucius Annaeus Seneca, a controversial figure in imperial Rome who died in the year 65 CE. Two generations later, the scene of Seneca’s death was portrayed by the Latin historian Tacitus in his work Annales (15.60-64). The description fueled the Western imagination, resulting in a broad iconographic repertoire. This article aims to show how the death of the greatest propagator of late Stoicism was idealized in ancient literature and modern painting but desacralized in the film by German director Robert Schwentke. Based on Classical Reception Studies (Hardwick 2003), one cannot speak only of an ‘adaptation’ of literature for cinema or an ‘appropriation’ of a text to sanction certain ideas but rather of an ‘intervention’. The filmmaker says that he never intended to make a realistic recording; on the contrary, he wanted to be ‘aggressively anachronistic’.“Seneca” (Alemanha/Marrocos 2022) é um filme biográfico sobre o último dia de Lúcio Aneu Sêneca, figura controversa da Roma imperial, que morreu no ano 65 da Era Comum. Duas gerações depois, a cena da morte de Sêneca foi retratada pelo historiador latino Tácito na obra Annales (15.60-64). A descrição alimentou o imaginário ocidental, resultando em amplo repertório iconográfico. O objetivo deste artigo é expor como a morte do maior propagador do estoicismo tardio foi idealizada na literatura antiga e na pintura moderna, sendo, no entanto, dessacralizada no filme do diretor alemão Robert Schwentke. Com base nos Estudos de Recepção dos Clássicos (Hardwick 2003), não se pode falar apenas em “adaptação” da literatura para o cinema ou em mera “apropriação” de um texto para sancionar certas ideias, mas identificar uma “intervenção”. O próprio cineasta diz que nunca teve a intenção de um registro realista, pelo contrário, ele quis ser “agressivamente anacrônico”
A viva voz do morto: Caetano, Noel e Aracy no tablado da canção em movimento
Full text linkThis article focuses on the song “A Voz do Morto” (1968), which means “the voice of the dead” in English. It was composed by Caetano Veloso upon a request by singer Aracy de Almeida in reference to samba singer Noel Rosa. This article analyzes intertextual poetic procedures, which together with the musical and intonation structure, contest the notion of samba as a form to be preserved and self-affirm Brazilian popular song as a tradition in movement and transformation. It focuses on the first recording of the track by Aracy de Almeida (1968), as well as versions by the composer (1968 and 2011).Este artigo tem como objeto a canção “A voz do morto” (1968), composta por Caetano Veloso sob encomenda da cantora Aracy de Almeida, em referência ao sambista Noel Rosa. Propõe-se uma análise dos procedimentos poéticos intertextuais que, juntos da estrutura musical e entoativa, contestam a noção de samba como forma a ser preservada, autoafirmando a canção popular brasileira como tradição em movimento e transformação. O estudo se atém à primeira gravação da faixa, por Aracy de Almeida (1968), além de versões do compositor (1968 e 2011)