Revistas del Colegío de Filosofía y Letras UNAM
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Formato, Inc.: reflexiones sobre estilos de citación y estudios literarios
Get PDFThe paper ponders on the effects of formatting and citation styles in the academic production of American literary studies. Firstly, I revise the most-used citation styles in the United States, those enforced and distributed by the University of Chicago Press, the American Psychological Association (APA), and the Modern Language Association (MLA). The successful incorporation of citation styles in academia is a consequence of the epistemological orientation adopted by American universities during the second half of the nineteenth century by following the German university model. Secondly, I reflect on the relationship between form and content in an academic text, as both dimensions are closely intertwined. This is a discussion over which literary studies has agonized tirelessly, but it is often overlooked in the case of academic writing. Finally, I present a brief case study about the Modern Language Association to sketch a theoretical and methodological proposal to study the influence citation styles have had on the dynamics of knowledge production in current academic disciplines. Thus, in this paper I argue that citation styles shape research in American literary studies, both ideologically and epistemologically. The effects of formatting and citation styles are a consequence of explicit and implicit messages transmitted by the associations and the manuals that promote their formatting guidelines and suggestions.El artículo reflexiona acerca de los efectos que han tenido los formatos y estilos de citación en la práctica de los estudios literarios estadounidenses. En primer lugar, reviso de manera panorámica los estilos más utilizados en Estados Unidos, aquéllos respaldados y distribuidos por la University of Chicago Press, por la American Psychological Association (APA) y por la Modern Language Association (MLA). La exitosa inserción de los estilos de citación es una consecuencia de la orientación epistemológica adoptada por las universidades estadounidenses durante la segunda mitad del siglo xix, las cuales emularon el sistema educativo superior alemán. En segundo lugar, reflexiono sobre la relación entre la forma y el contenido del texto académico, puesto que una está íntimamente ligada al otro. Ésta es una discusión muy socorrida cuando se analizan textos literarios, pero no ha sido tan desarrollada en relación con la escritura académica. Finalmente, hago un breve estudio de caso sobre la Modern Language Association para esbozar una propuesta teórica y metodológica que pretenda motivar el estudio de la influencia de los estilos de citación en las dinámicas de producción de conocimiento de las disciplinas académicas actuales. Es así que en este artículo argumento que los formatos y estilos de citación moldean ideológica y epistemológicamente las investigaciones realizadas en los estudios literarios estadounidenses. Los efectos de los formatos y estilos de citación son consecuencia de los significados explícitos e implícitos que son trasmitidos tanto por las instituciones que los proponen, como por los manuales en los que se materializan sus lineamientos y sugerencias
Una caminata por el libro-galería: Nueve pintores mexicanos de Juan García Ponce. Imagen autoral y trabajo colaborativo
No full textDeveloping from the metaphor of the book as a gallery, this text takes a walk through Nueve pintores mexicanos (1968) by Juan García Ponce. Using Rebecca Solnit’s (2000) notion of walking, the article is about getting in and out across the book based on the experience of both reading and seeing. This gives ground to see how, by bringing together texts of art criticism and a collection of paintings and photographs, those involved produced an authorial image, both as an individual and a group. This question links to the analysis of their collaborative work as part of a compelling moment of the book culture during the second half of México’s 20th century. In this way, the text explores the creative relationship that developed between García Ponce, the photographer Héctor García, and the nine painters of the so-called Ruptura: Lilia Carrillo, Manuel Felguérez, Fernando García Ponce, Francisco Corzas, Gabriel Ramírez, Roger von Gunten, Arnaldo Coen, Alberto Gironella, and Vicente Rojo. The text also approaches the historical, political, and social context of 1968 as a scenario of great importance for the book’s discursive, authorial, and visual configuration. It is important to consider that the text is divided into sections to favor an approach to some aspects of the publication that are not necessarily chronological.A partir de la metáfora del libro como galería, el presente texto hace un recorrido por Nueve pintores mexicanos (1968) de Juan García Ponce. Mediante la noción de caminata de Rebecca Solnit (2000), la propuesta es entrar y salir del ejemplar con base en la experiencia de leer y ver al mismo tiempo. Esto da pie a observar cómo, al reunir textos de crítica de arte y una colección de pintura y fotografía, los implicados produjeron una imagen de autor individual y de grupo a través de la publicación. Dicha cuestión se vincula al análisis de su trabajo colaborativo, como parte de un momento sugerente para la cultura del libro durante la segunda mitad del siglo xx en México. Así, el texto explora la relación creativa que se gestó entre García Ponce, el fotógrafo Héctor García y los nueve pintores de la llamada Ruptura: Lilia Carrillo, Manuel Felguérez, Fernando García Ponce, Francisco Corzas, Gabriel Ramírez, Roger von Gunten, Arnaldo Coen, Alberto Gironella y Vicente Rojo. También se aborda el contexto histórico, político y social de 1968, en cuanto escenario de suma importancia para la configuración discursiva, autoral y visual del libro. Asimismo, el texto se divide en apartados que se aproximan a aspectos de la publicación no necesariamente cronológicos
What magic can perform: théâtralité et performativité dans Doctor Faustus de Christopher Marlowe
No full textIn a context dominated by the iconoclasm of English Anglicanism and by the “textualization” of religious culture, Christopher Marlowe transforms his play Doctor Faustus (1589), staged in the theaters of the London suburbs, into a reflection on the performative and “incarnationalist” capacities of theater. This article studies how the metaphorical inflection of the theological language that the ecclesiastical authorities had used to denounce the perverse effects of theatrical representation allows the English dramatist to formulate a conception of literary art as the creation of a world and no longer as an imitation of nature. Thus, Marlowe resignifies the concept of performativity in theatrical terms: while, in the theater of the world, the performativity of divine predestination condemned the faithful to a situation of existential anguish, artistic performativity gave spectators the opportunity to create their own world, the world of the theater. Therefore, the aesthetic reworking of the theological lexicon and imaginary proves to be Marlowe’s most profound response to the crisis of “theological absolutism”: he turns the theater into a play space where the trauma caused by this crisis could be worked through and eventually overcome by its dramatic resignification. In other words, in Marlowe’s version of the Faustian myth, human self-affirmation is realized mainly through the cathartic power of theatrical illusion.Dans un contexte dominé par l’iconoclasme de l’anglicanisme anglais et par la “ textualisation ” de la culture religieuse, Christopher Marlowe transforme sa pièce Doctor Faustus (1589), mise en scène dans les théâtres de la banlieue londonienne, en une réflexion sur les capacités performatives et “ incarnationnelles ” du théâtre. Cet article étudie comment l’inflexion métaphorique du langage théologique que les autorités ecclésiastiques avaient utilisé pour dénoncer les effets pervers de la représentation théâtrale permet au dramaturge anglais de formuler une conception de l’art littéraire comme création d’un monde et non plus comme imitation de la nature. Ainsi, Marlowe requalifie en termes théâtraux le concept de performativité : alors que, dans le théâtre du monde, la performativité de la prédestination divine vouait les croyants à une situation de détresse existentielle, la performativité artistique redonnait aux spectateurs la possibilité de créer leur propre monde, le monde du théâtre. C’est pourquoi le remaniement esthétique du lexique et de l’imaginaire théologique s’avère la réponse la plus profonde de Marlowe à la crise de “ l’absolutisme théologique ” : il fait du théâtre un espace de jeu où le traumatisme provoqué par cette crise pouvait être travaillé et éventuellement dépassée par sa resignification dramatique. C’est dire que, dans la version marlowienne du mythe faustien, l’autoaffirmation humaine se réalise surtout à travers le pouvoir cathartique de l’illusion théâtrale
“The dandelion in the spring”: la felicidad, el amor y la responsabilidad en The Hunger Games
No full textUsing affect theory, and specifically the idea of the “happiness turn” proposed by Sara Ahmed, this article explores the way in which the main character of The Hunger Games trilogy (Suzanne Collins, 2008-2010), Katniss Everdeen, is constituted as a responsible and ethical individual. The text pays attention to the literary trilogy and only occasionally to the cinematographic adaptations, for it considers that the literary texts highlight the artificiality and the construction of the promise, whereas the films —especially the last one, Mockingjay: Part II— seem to respond to the imperative of marriage as the giver of ultimate happiness. The article proposes that the hybridization of science fiction and romance fiction contributes to the configuration of Katniss’s character and to nuance the need to pursue a successful love story with a happy ending, while it also explores the subversive capacity of love stories. Due to this, the article also proposes that the end of the trilogy can be interpreted as eucatastrophic because it implies loss and consolation for its protagonist, even though it also appears to fulfill the promise of happiness.A partir de la teoría de los afectos y específicamente de la idea del “giro hacia la felicidad” propuesta por Sara Ahmed, este artículo explora la forma en que el personaje principal de la trilogía de The Hunger Games (Suzanne Collins, 2008-2010), Katniss Everdeen, se constituye como un individuo responsable y ético. El texto pone atención a la trilogía literaria y sólo ocasionalmente acude a las adaptaciones cinematográficas, pues considera que los textos literarios ponen en evidencia la artificialidad y la construcción de la promesa de la felicidad mientras que las películas —especialmente la última, Mockingjay: Parte II— parecen responder al imperativo del matrimonio como dador de la felicidad última. El artículo propone que la hibridación de la ciencia ficción y el género rosa contribuye a la configuración del personaje de Katniss y a matizar la necesidad de perseguir una historia de amor exitosa y con un final feliz, y explora la capacidad subversiva de las historias de amor. Debido a ello, también plantea que el final de la trilogía se puede interpretar como eucatastrófico, pues implica pérdida y consuelo para la protagonista de la historia, a pesar de que a la vez parece cumplir con la promesa de la felicidad
“Until the drum speaks”: ambientes acústicos historizados en The Arrivants de Kamau Brathwaite
No full textThis paper proposes that historicized soundscapes can situate language by merging words and music, which can turn poetry into a site for the decolonization of the mind, language, and culture by introducing a range of cultural experiences as an act of creolization. Through the analysis of three drum poems in Kamau Brathwaite’s The Arrivants, the presence of these soundscapes highlights tensions within language that allow the poet to weave webs of sound, a process that, on the one hand, complicates the relationship between individuality and collectivity as part of an aesthetic effort that emerges from fragmentation and, on the other hand, creates a framework where memory, history, and myth are tied together as part of a narrative that illustrates archipelagic thinking in order to represent cross-cultural imagination. Thus, this paper examines how soundscapes in poetry can become vehicles that generate a historical and mythological quality as ways to access and preserve history without fixing it to a specific point in space and time. Through a close reading of the drum poems, these features foreground Brathwaite’s different decolonial endeavors through counter-reading, translating, and reassessment of language to represent an Afro-Caribbean versioning of the epic as part of an extended cultural archipelago.
Este artículo propone que los ambientes acústicos historizados tienen la capacidad de situar el lenguaje por medio de la fusión entre la palabra y la música. Este acto le otorga a la poesía la capacidad de convertirse en un sitio para la decolonización de la cultura, el lenguaje y el pensamiento. Al analizar tres drum poems en The Arrivants de Kamau Brathwaite, se busca enfatizar las tensiones que los ambientes acústicos en el lenguaje generan para crear redes sonoras que problematizan, por un lado, la relación entre el individuo y la colectividad, como parte de la estética que surge de la fragmentación, y, por el otro, el uso de la memoria, la historia y la mitología para ilustrar el pensamiento archipelágico característico de un imaginario transcultural. De esta manera, primero, el artículo explora la forma en la que el ambiente acústico se puede convertir en un vehículo para crear una cualidad histórica y mitológica en el lenguaje que preserva la memoria sin fijarla en un punto y, después, a partir del análisis de los drum poems, se busca destacar los diferentes procesos decoloniales (contra lectura, traducción y revaloración) que emplea Brathwaite en sus versos para articular una versión afrocaribeña de la epopeya que representa los archipiélagos culturales
La aporía del ser en Aristóteles: lenguaje, realidad y verdad
Get PDFRefuting sophist relativism (Protagoras' homo mensura) is one of the most urgent tasks proposed by Aristotle's philosophy. Accepting its validity would erase the distinction between good and evil, true and false, reality and fiction, being and not-being. Sophist relativism, by rejecting the essential unity of being and disseminating its significance to infinity, prevents the possibility of true and fair and knowledge about reality, promoting an alarming "anything goes". To refute it, Aristotle demonstrates that being (the real) possesses in itself an essential substance (ousíā) that gives it ontological stability outside of all socio-historical contingency. The ousíā (essence), by fixing the identity of the being, guarantees the possibility of its univocal and unequivocal reference and, therefore, of knowledge and truth. Now, at the moment of accounting the ousíā as the foundation of the unity of being, Aristotle does nothing but open an aporia: the ousíā (essence) is said in many ways, there is an irreducible diversity in its significance. The diversity of meanings refers to a plurality of essences, which indicates, paradoxically, the impossibility of the full identity of the being, the impossibility of the unity and ontological stability of the real. The purpose of this article is to analyze that aporia of the being in AristotleRefutar el relativismo sofista (el homo mensura de Protágoras), es una de las tareas más urgentes que se propone la filosofía de Aristóteles. De aceptar su validez se borraría la distinción entre lo bueno y lo malo, lo verdadero y lo falso, la realidad y la ficción, el ser y el no-ser. El relativismo sofistas, al rechazar la unidad esencial del ser y diseminar su significación hasta el infinito, impide la posibilidad de un conocimiento verdadero, justo y bueno sobre lo real, promoviendo un alarmante “todo vale”. Para rebatirlo, Aristóteles intenta demostrar que el ser (lo real) posee en sí una substancia esencial (ousíā) que le otorga estabilidad ontológica fuera de toda contingencia sociohistórica. La ousíā (esencia), al fijar la identidad del ser, garantiza la posibilidad de su referencia unívoca e inequívoca y, por tanto, del conocimiento y la verdad. Ahora bien, al momento de dar cuenta de la ousíā como fundamento de la unidad del ser, Aristóteles no hace sino abrir una aporía: la ousíā, el ser del que es (esencia), se dice de muchas maneras, existe una irreductible diversidad en su significación. La diversidad de significaciones remite a una pluralidad de esencias, lo cual señala, paradójicamente, la imposibilidad de la identidad fija y plena del ser, la imposibilidad de la unidad y estabilidad ontológica de lo real. El presente artículo tiene como objeto analizar y reflexionar críticamente esa aporía del ser en Aristóteles
Haesbaert, Rogério. (2021). Território e descolonialidade: sobre o giro (multi)territorial/de(s)colonial na “América Latina”. Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales; Programa de Pós-Graduação em Geografía; Universidade Federal Fluminense.
Get PDFEl diálogo entre los opuestos por medio de los personajes en A Tale of Two Cities de Charles Dickens
Get PDFThis article seeks to analyze, through the characterization strategies explained by Luz Aurora Pimentel, the transformative process of certain pairs of characters in Charles Dickens’ well-known historical novel A Tale of Two Cities (1859). At the beginning of the narration, the pairs of characters of Alexander Manette and Ernest Defarge, Jarvis Lorry and Jerry Cruncher, and Charles Darney and Sidney Carton are portrayed in a contrasting manner regarding both their physical and moral attributes. At the beginning of the novel, Defarge, Cruncher, and Carton share characteristics such as emotional detachment, dishonesty, and recklessness in different degrees, while Manette, Lorry, and Darney are characterized as compassionate, honest, and solidary. However, throughout the novel, all of these characters reveal, through their figural speech and their actions, different ways in which they become similar to their apparent “counterpart,” for, by the end of it, all of them share characteristics with their double through a process of coexistence and learning. I argue that the fact that there is a possibility of reformulation in the characters’ identities demonstrates the existence of nuances between the moral extremes represented in the novel which at the beginning appear to be immovable. This, at the same time, destabilizes conceptions such as “hero” and “villain” as well as the supposed differences between the characters from both sides.Este artículo busca analizar, por medio de las estrategias de caracterización explicadas por Luz Aurora Pimentel, la transformación de ciertos pares de personajes en la conocida novela histórica de Charles Dickens A Tale of Two Cities (1859). En un inicio los pares de personajes de Alexander Manette y Ernest Defarge, Jarvis Lorry y Jerry Cruncher, y Charles Darney y Sidney Carton son retratados de manera que contrastan entre sí tanto de manera física como moral. Al inicio de la novela, Defarge, Cruncher y Carton comparten características como desapego emocional, deshonestidad y crueldad en distintos grados, mientras que Manette, Lorry y Darney son caracterizados como compasivos, honestos y solidarios. Sin embargo, a lo largo de la novela todos estos personajes revelan a través de sus acciones y discurso figural distintas maneras en las que llegan a ser similares a su aparente “contraparte”, pues para el final de ésta todos ellos comparten características con su par por medio de un proceso de convivencia y aprendizaje. Arguyo que el hecho de que se dé la posibilidad de una reformulación en la identidad de los personajes demuestra la existencia de una escala de grises entre los extremos morales representados en la novela, los cuales en un inicio aparentan ser inamovibles; esto, asimismo, desestabiliza concepciones como “héroe” y “villano”, al igual que las supuestas diferencias entre los personajes de ambos bandos
