Revistas del Colegío de Filosofía y Letras UNAM
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Presentación de la sección temática: Desastres y cambio climático desde una visión de Geografía no-colonializada
No full textLos estereotipos en el capitalismo gore: la rentabilidad de la violencia en la serie de Netflix Narcos (2015)
No full textThis article analyzes the exploitation of the stereotypes of Colombian culture in the series Narcos (2015) produced and broadcast by Netflix. The central question is how the use of the stereotypes of the violent Colombian and drug trafficker becomes a fundamental source to develop profitable film projects and promote this stereotype worldwide thanks to streaming platforms such as Netflix. For this, the research is based on a conceptual analysis of the formation of stereotypes that divide populations between the "normal" and the undesirable (those who have a mark or social stigma) and their use in film productions with images of spectacular violence that turn narco-series into representatives of gore capitalism. Then, some scenes from the television series are described to exemplify the uses of Colombian stereotypes that, mixed with elements of fascinating violence, make it possible to create a language that potentiates the initial stereotypes. To conclude, the importance and need to generate academic spaces for debate is raised. That is, the need to build a systematization of knowledge that leads to the evolution of awareness of the uses of violence and the formation of stereotypes as languages with the ability to stick and be transmitted through the cultural film industry.Este artículo analiza la explotación de los estereotipos de la cultura colombiana en la serie Narcos (2015) producida y difundida por Netflix. La pregunta central es cómo el uso de los estereotipos del colombiano narco y violento se convierte en fuente fundamental para elaborar proyectos cinematográficos rentables, e impulsar dicho estereotipo a nivel mundial gracias a las plataformas de streaming como Netflix. Para ello se parte de un análisis conceptual sobre la formación de los estereotipos que dividen poblaciones entre los “normales” y los indeseables (quienes poseen una marca o estigma social) y su uso en producciones con imágenes de violencia espectacular que convierten las narcoseries en representantes del capitalismo gore. Luego, se describen algunas escenas de la serie de televisión para ejemplificar los usos de los estereotipos colombianos que, mezclados con elementos de la fascinante violencia, posibilitan la creación de un lenguaje que potencializa los estereotipos iniciales. Para concluir, se plantea la importancia y necesidad de generar espacios académicos de debate para construir una sistematización de saberes que conduzcan a la evolución de conocimiento alrededor de los usos de la violencia y la formación de estereotipos como lenguajes con la capacidad de pegarse y transmitirse a través de la industria cultural cinematográfica
Incarner la crise : corps, corpus et littérature comparée
No full textThis text traces a possible genealogy in the trajectory of comparative literature and is concerned with describing and analyzing those inflections that show that the discipline has always been in crisis. This critical existence is not interpreted as a negative element but precisely as what makes it possible for necessary and decisive debates to emerge in the arena of Comparative Literature. Among them, the text focuses especially on the emergence of the body in literary-cultural thought, a body made corpus, that is, it is embodied discursively while challenging discourses, a body textualized in the arena of the pluri and transmedial combat of these same discourses, which collect the codes and languages that constitute literature in dialogue. Thus, the article is divided into two parts: in the first part, this genealogy of the discipline in permanent crisis is outlined, emphasizing the transformations that sustain the body's entry onto the scene, while the second part focuses on the question of that embodied crisis.Este texto traza una genealogía posible en la trayectoria de la literatura comparada, y se detiene en describir y analizar aquellas inflexiones que ponen de manifiesto que la disciplina ha estado siempre en crisis. Esta existencia crítica no se interpreta como un elemento negativo sino justamente aquello que hace posible que en la arena de la Literatura Comparada emerjan debates necesarios y decisivos. De entre ellos, el texto se encauza especialmente en la emergencia del cuerpo en el pensamiento literario-cultural, un cuerpo hecho corpus, esto es que se encarna discursivamente a la par que desafía los discursos, un cuerpo textualizado en la arena del combate pluri y transmedial de estos mismos discursos, que recogen los códigos y los lenguajes constitutivos de la literatura en diálogo. Así, el artículo se divide en dos partes: en la primera, se esboza esta genealogía de la disciplina en crisis permanente, haciendo hincapié en las transformaciones que sostienen la entrada en escena del cuerpo; mientras que la segunda se centra en la cuestión de esa crisis encarnada.Ce texte trace une généalogie possible dans le parcours de la littérature comparée, et s'arrête à décrire et analyser les inflexions qui montrent que la discipline a toujours été en crise. Cette existence critique n’est pas interprétée comme un élément négatif mais justement comme ce qui permet de faire émerger des débats nécessaires et décisifs dans le domaine de la littérature comparée. Parmi eux, le texte est particulièrement canalisé vers l'émergence du corps dans la pensée littéraire et culturelle, un corps fait corpus, c'est-à-dire qu'il s'incarne discursivement tout en défiant les discours, un corps textualisé dans l'arène du combat pluriel et de l'expression pluri et transmédiale de ceux mêmes discours, qui rassemblent les codes et les langages qui constituent la littérature en dialogue. Ainsi, l'article se divise en deux parties : dans la première, est esquissée cette généalogie de la discipline en crise permanente, en mettant l'accent sur les transformations qui soutiennent l'entrée en scène du corps ; tandis que la seconde se concentre sur la question de cette crise incarnée
La producción social del territorio en espacios periurbanos del Ecuador. Parroquia rural de Cutuglagua (Cantón Mejía – Provincia de Pichincha) 1990 – 2020
No full textThe social production of the territory - PST is the result of socio-spatial practices, appropriation strategies and the presence of cultural elements, which different actors exert on a territory. The research problem is framed in understanding how the PST is constituted based on the process of appropriation and social representation of the territory by the local actors of Cutuglagua and Uyumbicho (surrounding suburbs of Quito).
The social production of the territory (PST) is the result of socio-spatial practices, appropriation strategies and cultural elements that different actors exert on a territory. The research problem of this paper is focused in understanding how the PST is constituted based on the process of appropriation of the territory by the local actors of Cutuglagua (southern peri-urban area of Quito). For this purpose, an ethnographic and geographical research method was employed and a field diary, observation tours and interviews were used as data collection instruments. The results in the Cutuglagua PST are directly connected to poverty, rural-urban migration, lack of infrastructure and basic services, which denote limited opportunities to raise the standard of living with local resources. In Cutuglagua, three stages are identified in the PST, the first of which is located at the level of "territorialized aspirations", with obtaining your home; the second refers to the type of "anchorage" in the territory; in Cutuglagua, demographic growth and peri-urbanization are dynamic and constant with the arrival of new settlers. In these scenarios, adults who establish their residence in the peripheral neighborhoods, as a completion of the rural-urban migration process, choose to remain in these peri-urban spaces even though they have their job in the city. The third constitutes the way of "inhabiting", describes the challenges that the population of Cutuglagua had to overcome to constitute a new territory or reterritorialize it.La producción social del territorio (PST) es el resultado de las prácticas socioespaciales, estrategias de apropiación y presencia de elementos culturales que distintos actores ejercen sobre un territorio. El problema de esta investigación se enmarca en entender cómo se constituye la PST en función del proceso de apropiación del territorio por parte de los actores locales de Cutuglagua (periurbano sur de Quito). Para ello, se usó el método de investigación etnográfico y geográfico y, como instrumentos de recogida de datos, un diario de campo, recorridos de observación y entrevistas. Los resultados en la PST de Cutuglagua están conectados directamente con la pobreza, migración campo-ciudad, falta de infraestructura y servicios básicos, los cuales denotan las limitadas oportunidades que existen para elevar el nivel de vida con los recursos locales. En Cutuglagua se identifican tres etapas en la PST: la primera se ubica en el nivel de las “aspiraciones territorializadas”, con la obtención de su vivienda; la segunda, se refiere al tipo de “anclaje” en el territorio; en Cutuglagua el crecimiento demográfico y la periurbanización son dinámicos y constantes con la llegada de nuevos pobladores. En esos escenarios, las personas en edad adulta que fijan su residencia en los barrios periféricos, como finalización del proceso de migración rural-urbana, optan por permanecer en estos espacios periurbanos aun teniendo su empleo en la ciudad. La tercera constituye la forma de “habitar” y describe los retos que la población de Cutuglagua
Encuentro entre Oriente y Occidente en el arte y la filosofía: Nishida Kitarō, Fujioka Sakutarō y Hishida Shunsō
No full textThis essay began with my encounter with the panting by Hishida Shunsō, who was a contemporary of Nishida Kitarō, and his friend from boyhood, the multitalented scholar-aesthete Fujioka Sakutarō. I was curious to find out if there was a common thread that ran through these creative minds, as they breathed in the Zeitgeist of the Meiji period. Nishida's uncle (in law), and later his father (in law), Tokuda Tagayasu, was a trained artist in western-style painting. Nishida developed his appreciation of the artistic creative process through his uncle. This familiarity eventually blossomed in his philosophy of art and production of things. The experiment of Goethe to develop himself as an artist by the age forty (see his Italian Journey) explains to me the aspect of "differentiation and development" of Nishida's notion of “pure experience.” Fujioka Sakutarō was quick to recognize the unusual talent of Hishida Shunsō, a relatively unknown artist then. Shunsō was an analytically minded painter, who experimented with all sorts of painting materials and techniques, while he was convinced that art (painting, in his case) was to transfer the artist's "mental image" onto the canvas. The invisible thread that ran through Nishida, Fujioka, and Shunsō—the Zeitgeist of the Meiji period—was this intellectual and spiritual spirit of openness, a forward-looking attitude that eagerly embraced the global world, while mindfully maintaining the tradition. Nishida, Fujioka, and Shunsō each pursued a new way of experiencing the world, by consciously cultivating "new sensitivity to ideas" (lumen mentis), while painters strove to capture the "quality of light" (lumen) and air.Este ensayo comenzó con mi encuentro con la pintura de Hishida Shunsō, quien fue contemporáneo de Nishida Kitarō y de su amigo de la infancia, el erudito y esteta de múltiples talentos Fujioka Sakutarō. Tenía curiosidad por saber si había un hilo conductor en estas mentes creativas, mientras respiraban el Zeitgeist del período Meiji. El tío de Nishida (en la ley), y más tarde su suegro, Tokuda Tagayasu, se formó en el estilo de pintura occidental. Nishida desarrolló su apreciación del proceso creativo artístico a través de él. Esta familiaridad finalmente floreció en su filosofía del arte y la producción de cosas. El experimento de Goethe de desarrollarse como artista a los cuarenta años (ver su Viaje por Italia) explica la "diferenciación y desarrollo" de la noción de "experiencia pura de Nishida. Fujioka Sakutarō reconoció el talento inusual de Hishida Shunsō, un artista relativamente desconocido en ese momento. Shunsō era un pintor de mentalidad analítica que experimentaba con todo tipo de materiales y técnicas pictóricas, convencido de que el arte (la pintura, en su caso) era trasladar la "imagen mental" del artista al lienzo. El hilo invisible que recorrió a Nishida, Fujioka y Shunsō, el Zeitgeist del período Meiji, fue un espíritu intelectual de apertura, una actitud progresista que abrazó con entusiasmo el mundo global, al mismo tiempo que mantenía conscientemente la tradición. Nishida, Fujioka y Shunsō persiguieron una nueva forma de experimentar el mundo, cultivando conscientemente una "nueva sensibilidad para las ideas" (lumen mentis), mientras que los pintores se esforzaron por capturar la "calidad de la luz" (lumen) y el aire
Muerte y duelo en la saga de Harry Potter
No full textDeath is one of the most important themes in the Harry Potter universe, and the way it is accentuated throughout the series and in the Potterverse brings about conversations about one of the most controversial and taboo themes in the context of Western children’s culture, even when children’s stories have always had death woven into their plots. The young wizard’s series highlights the fascination humans have, at any age, with the uncertainty of death. This article was inspired by the comments of a Spanish teenager who used the last book in the series as a tool to help him cope with the trauma of his mother’s death weeks after its publication. In children’s studies, this intergenerational dialogue about books and fiction has generated fascinating research initiated and guided by young readers and scholars working in this emerging study area. The main objective of this article is to examine death in the Harry Potter novels, its images, language, and the typology of its deaths, as well as the models offered to cope with the numerous and frequently violent deaths of several characters. This article analyzes how Rowling portrays grief and the strategies used by different characters to cope with death. This analysis will also establish connections with other well-known “children’s” books and map the territory defined by death in the imagination of contemporary childhood.Es claro que la muerte es uno de los temas más importantes en el universo de Harry Potter, y la manera en que se acentúa a lo largo de la serie y en el Potterverso genera conversaciones sobre uno de los temas más controvertidos, considerado tabú, en la cultura occidental infantil, a pesar de que las historias para niños/as siempre hayan tenido la muerte entretejida en sus argumentos. En dicha serie se pone de relieve la fascinación, a cualquier edad, con el estado desconocido del no-vivir. Este artículo surge gracias a los comentarios de un adolescente español que utilizó el último libro de la serie como herramienta para ayudarle a sobrellevar el trauma de la muerte repentina de su madre, semanas después de la publicación en inglés de este libro. En el área de estudios de niños/as y jóvenes adultos/as (children’s studies), este diálogo intergeneracional sobre libros o narraciones ficcionales ha generado fascinantes investigaciones iniciadas y guiadas por menores y llevadas a cabo por académicos dentro de esta área emergente. El principal objetivo de este artículo es examinar la muerte en las novelas de Harry Potter, su imaginario, su lenguaje y la tipología de sus muertes, así como los modelos ofrecidos para sobrellevar los numerosos decesos frecuentemente violentos. En este artículo se pincela cómo Rowling retrata el duelo y las estrategias que utilizan los diferentes personajes para sobrellevar la muerte. Este análisis describirá conexiones con otros conocidos libros “para niños/as” e intentará hacer un mapa del territorio demarcado por la muerte en la imaginación de la infancia contemporánea
Emily Dickinson: ni Dios, ni marido, ni editor o “Publication — is the Auction / Of the Mind of Man —”
No full textThis article seeks to explore some of the possible reasons behind Emily Dickinson’s decision not to publish as she expressed them in some poems and letters. Although Dickinson did not voice proto-feminist ideas as some of her female contemporaries did, her life and work show that she often struggled with patriarchal institutions, including the literary tradition and marketplace. More specifically, this article claims that the author was aware that the “price” of publishing her poetry consisted in subjecting it to processes of normalization, especially in terms of form, according to the editorial standards of the time, which were largely established by a masculine literary elite. In opposition to those standards, Dickinson’s poetry instead responds to what, based on Northrop Frye’s work, is here called lyric precision, a treatment of poetic form that subordinates predetermined patterns to the poem’s own rhythmic, affective, intellectual, and perceptual findings. This article thus examines excerpts from the first three letters sent by the poet to the editor Thomas Wentworth Higginson in 1862. It also analyzes “I’m Nobody! Who are you?” (M128, Fr260), one of the poems edited by Higginson and Mabel Loomis Todd for Poems, Second Series (1891), and “Publication – is the Auction” (M386, Fr788), a poem that exhibits the principle of lyric precision at work while Dickinson delivers one of her most unequivocal commentaries on the price of publishing.El propósito de este artículo es exponer, con base en lo dicho por la propia autora en poemas y cartas, algunas de las posibles razones que condujeron a la poeta estadounidense Emily Dickinson (1830-1886) a no publicar en vida. Si bien Dickinson no expresó ideas protofeministas como muchas otras autoras de su tiempo lo hicieron, su vida y obra muestran que con frecuencia forcejeó con distintas instituciones patriarcales, dentro de las cuales se cuenta la institución literaria. Específicamente, aquí se revisan pasajes muy puntuales en las tres primeras cartas enviadas por la poeta al editor Thomas Wentworth Higginson en 1862. También se analiza “I’m Nobody! Who are you?” (M128, Fr260), uno de los poemas editados por Higginson y Mabel Loomis Todd para Poems, Second Series (1891). A partir de esto, se propone que la autora entendió que el “precio” que debía pagar para ver su obra publicada consistía en que ésta fuera sometida a procesos de normalización, principalmente formales, de acuerdo con los estándares editoriales de la época, en gran parte establecidos por una élite literaria masculina. En oposición a dichos estándares, la poesía de Dickinson respondía a lo que, a partir de algunas ideas de Northrop Frye, se denomina aquí precisión lírica y que consiste en un tratamiento de la forma poética que somete patrones predeterminados a los hallazgos rítmicos, afectivos, intelectuales, perceptuales, entre otros, del poema. Asimismo, se analiza el famoso poema “Publication – is the Auction” (M386, Fr788) para examinar uno de los comentarios más contundentes de Dickinson en relación con el precio de publicar y cómo el principio de precisión lírica se manifiesta en él
O herói ocioso
No full textTwo hundred years after the publication of Washington Irving’s Rip Van Winkle (1820), the portrayal that most pervades is an idle, lazy, and unproductive character. Throughout the tale, Van Winkle is seen as neither interested in working his farm or field nor committed to performing profitable labor. Compelled by social expectations to behave as a good husband, he escapes his household responsibilities by wandering around the surrounding forest. This article intends to analyze this short story through the lenses of some fundamental conceptions from the philosopher Byung-Chul Han, especially that of vita contemplativa, mainly expressed in The Scent of Time (2015) and The Burnout Society (2017). This perspective reveals a novel feature of the character: that of a sensitive man willing to be submerged in a contemplative state. We conclude that Van Winkle’s attitude towards life shows resistance against the inevitable arrival of progress associated with the emerging industrial civilization. In this sense, Van Winkle’s behavior is a fierce criticism of the necessity of being productive in the context of early nineteenth-century American society.A doscientos años de la publicación de la obra de Washington Irving, Rip Van Winkle (1820), la caracterización del protagonista que más ha prevalecido es la de un individuo perezoso, despreocupado e improductivo. A lo largo de la obra, el personaje es retratado como alguien que muestra poco interés en ocuparse en algún trabajo que le proporcione beneficios económicos. Presionado por las expectativas de la sociedad que lo conminan a conducirse como un “buen marido”, Van Winkle elude sus obligaciones domésticas y opta por vagabundear en una montaña cercana. En este artículo se propone una lectura del relato a la luz de algunas claves del pensamiento del filósofo Byung-Chul Han, concretamente las concernientes al concepto de vita contemplativa, cuya exposición se desglosa en El aroma del tiempo (2015) y La sociedad del cansancio (2017). El análisis ilumina una faceta distinta del personaje y lo muestra como un hombre sensible, inclinado a adentrarse en un estado contemplativo. Se concluye que la actitud de Van Winkle hacia la vida expresa un rechazo ante la inevitable llegada del progreso y simboliza la inefable permanencia de un mundo que se resiste a cambiar ante la inminente urbanización provocada por la industrialización. En tal sentido, su conducta representa una dura crítica hacia el imperativo de la productividad dentro del contexto de la sociedad norteamericana de principios del siglo diecinueve
La caída de Tales o la resistencia paródica
No full textThis paper presents a reflection on philosophy’s paradoxical resistance to definition attempts that try to limit it. Throughout the argument, the concept of parody is used, as Giorgio Agamben analyzes it, to think about the striking inconsistencies into which philosophy stumbles upon (and probably seeks and undertakes) when thinking about new issues that have nothing to do with the issues that tradition consecrates. The recurring reception of the “new” by the “old” methods of philosophy transforms philosophical knowledge into an “incoherent” parodic exercise, which tenaciously resists accepting any definition that would claim to fixate its task once and for all. The resistance to define the practice of philosophizing contrasts with the delimitation attempts that, from the most varied spheres, philosophical knowledge has had to suffer throughout its history: the testimonies and stories that echo the anecdote of the fall into a ditch of Thales of Miletus (an event that is used as a metaphor for the philosophical tendency towards inconsistency, as an example of innovative and therefore incoherent practice) shows the tension in which philosophy exercises its work. The reproaches and recriminations, the praises and compliments that the Milesian receives reveal the conflicting passions that are unleashed when trying to name the first of the philosophers' knowledge. The purpose that has motivated this work is to collaborate with the reflection on the (non)conformation of this paradoxical space of thought.Este texto propone una reflexión sobre la paradójica resistencia de la filosofía a los intentos de definición que tratan de limitarla. En el escrito se utiliza el concepto de parodia, tal como Giorgio Agamben lo analiza, para pensar sobre las llamativas incongruencias en las que cae (probablemente busca y asume) la filosofía al pensar nuevos problemas que nada tienen que ver con los asuntos que la tradición consagra. La recurrente acogida de lo “nuevo” por los “viejos” métodos de la filosofía transforma el saber filosófico en un ejercicio “incoherente”, paródico, que se resiste, de manera tenaz, a aceptar cualquier definición que tenga la pretensión de fijar su labor de una vez por todas. La resistencia a la definición de la práctica del filosofar contrasta con los intentos de delimitación que, desde los más variados ámbitos, ha tenido que padecer el saber filosófico a lo largo de su historia: los testimonios y relatos que se hacen eco de la anécdota de la caída de Tales de Mileto (suceso que se utiliza como metáfora de la tendencia filosófica a la incongruencia, de ejemplo de práctica novedosa y por tanto incoherente) muestran la tensión en la que la filosofía ejerce su labor; los reproches y recriminaciones, los elogios y alabanzas que recibe el milesio revelan las pasiones encontradas que se desatan a la hora de tratar de nombrar al saber del primero de los filósofos. Colaborar en la reflexión sobre la (no)conformación de este paradójico espacio de pensamiento es la intención que ha motivado la escritura de este texto