Imaginations (Journal)
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Time Frames: Graphic Narrative and Historiography in Richard McGuire’s Here
Get PDFAbstract | Visual literacy has long been important as a way of reading images beyond mimetic illustration. It also allows the reader to tap into a logic of representation in order to create different representations and narratives. In this essay I argue that images provide crucial temporal complexity to the study of narrative, with particular resonances for narrative historiography. The complex temporality of the image, especially the graphic narrative or comic, points toward a historical time which may be neither linear nor causal. Moreover, images demand interaction from the reader, but offer many avenues of interpretation, suggesting that the reader pay attention to their own constructions of meaning and practices of narrativizing.Résumé | La litéracie visuelle a longtemps été importante comme façon de lire les images hors de simple illustration mimétique. Elle permet aussi le lecteur d’entrer dans une logique de représentation pour créer des différentes représentations et des différentes narrations. Dans cet essai, je soutiens que les images fournissent une cruciale complexité temporale pour l’étude des narrations, avec valence particuliaire pour l’historiographie narrative. La temporalité complexe de l’image, surtout la narration graphique ou bande dessinée, indique une temporalité historique qui sera peut-être ni linéaire, ni causative. Par ailleurs, les images exigent l’intéraction du lecteur, et au même temps ils offrent plusieurs avenues d’interprétation, ce qui attire l’attention du lecteur à ses propres habitudes de lecture et à ses propres narrations construits
DisAppearances on a Highway: A Model Drive
Get PDFAbstract | Dis/Appearances on a Highway constructs elements of a road trip from Vancouver to Stewart, BC. Juxtaposing fragments of text describing a personal narrative with photographs of the landscape that appear to be taken from the secure distance of a car, the work explores a terrain experienced as an otherness. The highway does not offer its user an idealized countryside or untouched wilderness but is instead an artery running up the province, around which clusters of towns present grim motels, abandoned mines, and churches. For this driver, the mountains grow into a foreboding presence.At first glance, the photography in Dis/Appearances could be read as unassuming snapshots, but there is a fraudulence and playfulness in their construction. By disrupting the traditional road-trip snapshot with the illusory layer of the model windshield, the images create a fictional subjectivity. In Dis/Appearances, the vastness of western Canada does not signify the journey of an adventurer, but rather an unstable relationship negotiated through the window of an ever-transient vehicle.Résumé | Dis/Appearances on a Highway met en scène les éléments d’un voyage en voiture de Vancouver à Stewart, en Colombie Britannique. En juxtaposant des extraits de textes décrivant une histoire personnelle avec des images de paysages qui semblent avoir été prises depuis l’intérieur d’une voiture, cette œuvre explore un espace perçu comme une altérité. L’autoroute n’offre pas à ses usagers un paysage rural idéalisé ou une nature intacte mais plutôt une artère traversant la province et autour de laquelle de petites villes exhibent des motels lugubres et des mines et églises abandonnées. Pour ce conducteur, les montagnes sont une présence menaçante à l’horizon.A première vue, la photographie de Dis/Appearances pourrait être perçue comme une série d’images sans prétention si ce n’était pour la fraude et l’aspect ludique que l’on voit dans leur construction. En bousculant les normes des images d’un voyage en voiture traditionnel par le biais d’un pare-brise illusoire, les images créent une subjectivité fictive. Dans Dis/Appearances, les vastes étendues de l’Ouest canadien ne rappellent pas le périple d’un aventurier mais plutôt une relation instable naviguée au travers des vitres d’un véhicule en mouvement perpétuel
Now and Then: Situating Contemporary Photography of the Canadian West into a Shared Photographic History
Get PDFAbstract | Photography has an important place, both contemporary and historical, in shaping visions, understandings, and experiences of the Canadian West. The varied uses of early photographs of the West, circulated in a moment of national consciousness brought on by Confederation, shaped the collective Canadian imagination. Contemporary artists and scholars continue to be influenced by many of the same ideas that emerged in this early moment of Canadian history, when both country and medium developed alongside one another. Themes of exploration, identity, colonialism, settlement, tourism, natural resource, industry, and ecology find as much resonance in historical photographs in archival and museological collections as they do in contemporary photography and critical discourse. This essay bridges historical themes and archival pieces with the images of contemporary photographers working in western Canada today, whose photographs are featured in this issue. This essay sets the historical framework that endures in themes that contemporary photographers explore and also links the artists featured in this issue into a shared visual history.Résumé | La photographie a une place importante, contemporaine et historique, dans les visions de mise en forme, dans l’élaboration de visions, compréhensions, et expériences de l’Ouest canadien. Les utilisations variées des premières photographies de l’Ouest, circulé dans un moment de la conscience nationale provoquée par la Confédération, ont façonné l’imaginaire collectif canadien. Artistes contemporains sont encore influencés par un grand nombre des mêmes idées qui émergent en ce moment au début de l’histoire canadienne, à un moment que le pays et la photographie développer ensemble. Thèmes de l’exploration, l’identité, le colonialisme, le règlement, le tourisme, les ressources naturelles, l’industrie, et l’écologie sont résonnant dans les photographies historiques maintenant continues dans des collections d’archives et de musées comme dans les photographies contemporaines et l’écriture de celui-ci. Cet essai relie des thèmes historiques et œuvres d’archives avec le travail de photographes contemporains travaillant dans l’Ouest du Canada aujourd’hui, et qui est présentée dans ce journal. Cet essai se développe l’histoire qui persiste dans les thèmes que les photographes contemporains explorent dans leur travail, et servir comme un lien entre les artistes présentés dans ce journal dans une histoire visuelle commune
Border Lines and Crossing Points: A Response to Andreas Rutkauskas’ Photographs of the Canadian-U.S. Border
Get PDFAbstract | Written in response to the project Borderline by photographer Andreas Rutkauskas, this essay reflects on the historic, cultural, political, and geographical tensions visually and viscerally experienced along the Canada-US border. Both as an emblem and physical manifestation of the modern nation-state that maintains its authority through the control and surveillance of its boundary, the Canada-US borderline evokes questions about vernacular and official land use, indigenous and settler territorial rights, and the cultural identity inherent in place. Responding to the border points as fraught cultural spaces, Rutkauskas uses his camera to reflect on the visual and spatial similarities—and outright banal ordinariness—found along the vast boundary. Focusing on the western-Canadian portion of the Borderline series, this essay understands Rutkauskas’s photographs as a reflection on the continued human transformation of the landscape. Ultimately, this project provokes the viewer to ask what it means to share an environment divided not by ecology, architecture, or ethnicity but by the arbitrariness of national authority.Résumé | Écrit en réponse au projet Borderline du photographe Andreas Rutkauskas, cet essai est une réflexion sur les tensions historiques, culturelles, politiques et géographiques visuellement et viscéralement vécues le long de la frontière Canda-États-Unis. A la fois un emblème et une manifestation physique de la nation-état moderne qui maintient son autorité à travers le contrôle et la surveillance de ses frontières, la frontière entre le Canada et les États-Unis soulèvent des questions sur l’utilisation du sol officielle et vernaculaire, les droits autochtones et les droits des colons en rapport avec le territoire et l’identité culturelle inhérente. Considérant les points de passage entre frontières comme des espaces culturels tendus, Rutkauskas utilise son objectif pour réfléchir aux similarités visuelles et spatiales- et à l’ordinaire banal- que l’on trouve au long de cette vaste frontière. En se concentrant sur la section de la série Borderline qui porte sur l’ouest canadien, cet essai interprète les images de Rutkauskas comme une réflexion sur l’intervention humaine constante sur l’environnement. Ultimement ce projet pousse le spectateur à découvrir ce que signifie partager un environnement séparé non par l’écologie, l’architecture ou l’ethnicité mais par une autorité nationale arbitraire
Seeing Saskatchewan
Get PDFAbstract | In the accompanying essay, I examine attachment to places, particularly to the prairie. My attachment to the Saskatchewan prairie is partly a fondness for the abstract and minimal. More deeply, it is what philosophers have called an aesthetic engagement, that is, an active participation and immersion in a place. Psychologically, my attachment to the prairies is a result of the significant personal memories I carry with me, my emotional investments in my (adopted) home, and the social ties and sense of community I felt living there. Being out on the prairie also evokes a certain contemplative, self-reflective melancholy in me, an emotional experience, while not always pleasant, I also cherish and court.A number of artists have reflected on how growing up on the prairies has had a profound influence on their work. Georgia O’Keeffe’s paintings reflect the “barren beauty” of the plains. Wright Morris said that the prairie “conditioned what I see, what I look for, and what I find in the world to write about. The plain is a metaphysical landscape…Where there is almost nothing to see, there man sees the most.”Résumé | Dans cet essai, j’examine l’attachement personnel au lieu, tout particulièrement les Prairies. Mon attachement aux prairies de la Saskatchewan tient en partie à une affection pour l’abstrait et le minimal. Plus précisément, c’est ce que les philosophes appellent un engagement esthétique c’est-à-dire une participation et immersion active dans un espace. Psychologiquement, mon attachement aux Prairies est le résultat de souvenirs personnels significatifs que je porte en moi, de mon investissement émotionnel pour ma maison (d’adoption) et des liens sociaux et du sens de la communauté que j’y ai développés. Être en plein air dans les Prairies évoque aussi chez moi une certaine mélancolie réflexive et contemplative ; une expérience émotionnelle qui bien que parfois déplaisante, je recherche et apprécie toujours.Un nombre d’artistes ont réfléchi sur l’influence profonde que grandir dans les prairies a eu sur leur œuvre. Les peintures de Georgia O’Keeffe sont une réflexion sur la beauté infertile des plaines. Wright Morris a dit que les prairies « ont conditionné ce que je vois, ce que je recherche et ce que je découvre et dont je parle dans le monde. Les plaines sont un paysage métaphysique…ou il n’y a presque rien à voir, ou l’être humain observe le plus.
Wood Grain Elevators: Architecture Engrained on the Canadian Prairies
Get PDFAbstract | This essay examines the tangible and intangible cultural heritage of the wooden grain elevators across the prairies. As wooden elevators become obsolete as a result of changing agricultural technology, they are facing neglect, abandonment, and demolition. While these elevators were once purely functional structures, their unintentional monumentality has contributed to their relationship with prairie people, fostering individual and communal identity. The wooden elevators are explored in the context of the past, present, and future using archival research, site visits, and interviews. The town of Indian Head, SK is a case study. The micro-history of Indian Head permits an understanding of the relationship between elevators and other prairie towns. The concept of living heritage is employed to investigate the tangible and intangible cultural heritage associated with grain elevators using a temporal framework. Living heritage is both an action and theory—a way of thinking and acting towards the past—which sets the stage for a multifaceted discourse concerning place, time, and people relating to the wooden grain elevators across the prairie provinces. This essay substantiates the importance of the wooden grain elevators to prairie people and prescribes an architectural response for adaptive reuse.Résumé | Cet essai explore l’héritage concret et abstrait des ascenseurs à grain en bois au travers de la région des Prairies. Au fur et à mesure que ces ascenseurs devinrent obsolètes, un résultat des changements dans la technologie agricole, ils furent négligés, abandonnés et détruits. Bien que ces ascenseurs fussent autrefois des structures à but purement fonctionnel, leur stature monumentale par inadvertance a influencé les relations que les habitants des Prairies entretiennent avec ces-derniers, encourageant une identité individuelle et communautaire. Le passé, le présent et le futur de ces ascenseurs ont été étudiés par le biais de recherches d’archives, de visites de sites et d’entretiens. La ville d’Indian Head, SK est une étude de cas. La micro-histoire d’Indian Head permet de comprendre la relation entre ces ascenseurs et les habitants de villes des Prairies. Le concept d’héritage vivant est utilisé pour examiner l’héritage culturel concret et abstrait qui est associé aux ascenseurs à grains dans un cadre temporel. L’héritage vivant est à la fois un acte et une théorie ; une manière de penser et de se comporter envers le passé, qui ouvre la porte à une discussion complexe sur l’espace, le temps et les gens en lien avec les ascenseurs à grain en bois dans la région des Prairies. Cet essai fournit des preuves sur l’importance de ces ascenseurs pour les habitants des Prairies et propose une solution architecturale pour une réutilisation adaptée
Poke you in the Heart: What can a photo say, what should it say, and how is that affected by the perspective of the photographer and the audience?
Get PDFAbstract | In this article, the author uses the photographs of two artists (Nadia Bouchier and Aaron Vincent Elkaim) in order to explore the experience of the members of Fort McKay, Alberta as well as western-Canadian visual discourse. Three important perspectives come together in this piece: Nadia, the photographer who has lived in the community of Fort McKay for most of her life; Aaron, the artist and photographer who spent several months in the community of Fort McKay; and the author as an anthropologist attempting to do justice to both photographers’ work and provide some analysis regarding the larger issues of Indigenous rights, environmental issues, and western-Canadian visual discourse. The purpose of this article is to explore answers to the questions that are posed in its title: what can a photo say, what should it say, and how is these imagistic utterances shaped by both the perspective of the photographer and the audience? Exploring the political nature and meaning of art is important to the discipline of photography, to the study of visual representation, and to the way that community members and outsiders conceive of the Canadian West, the oil sands, and the community of Fort McKay, Alberta.Résumé | Dans cet article, l’auteur utilise les photos de deux photographes (Nadia Bouchier et Aaron Vincent Elkaim) afin d’explorer l’expérience des membres de Fort McKay en Alberta, ainsi que le dialogue visuel Ouest canadien. Trois perspectives importantes sont unis dans cette pièce : Nadia, le photographe qui a vécu dans la communauté de Fort McKay pour la plupart de sa vie ; Aaron, l’artiste et photographe qui a passé plusieurs mois dans la collectivité de Fort McKay; et l’auteur en tant qu’anthropologue tenter de rendre justice au travail de deux photographes afin de fournir une analyse sur les grandes questions de droits indigènes, les questions environnementales, et discours visuel de l’Ouest canadien. Le but de cet article est d’explorer les réponses aux questions qui sont posées dans le titre : que peut dire une photo, que devrait-elle dire, et comment est cela affecté par la perspective du photographe et le consommateur le l’art ? Explorer la nature et le sens de l’art politique est important pour la discipline de la photographie, à l’étude de la représentation visuelle, ainsi que la façon dont les membres de la communauté et les étrangers conçoivent de l’Ouest canadien, les sables bitumineux, et la communauté de Fort McKay
Placing Nostalgia: Affect and Photography in the New Saskatchewan
Get PDFAbstract | The old social-democratic Saskatchewan has died. In its place, a neoliberal New Saskatchewan has taken hold over culture, politics, emotions, and the economy. This article situates the photography of Saskatchewan-based photographers Valerie Zink and Vera Saltzman within this shift to the oil-based neoliberal economies of the New Saskatchewan. I argue that Zink and Saltzman both work reparatively against the future-oriented place-making strategies of neoliberalism, constructing new affective economies through a critical engagement with nostalgia. Placed side by side, Zink’s and Saltzman’s photographs remind us of the place of Indigenous peoples and the importance of water to the flourishing of life. Their photographs develop an alternative affective economy in which the circulation of nostalgia as both a spatial and temporal affect unsticks optimism from neoliberalism, scrambles its neat teleologies, collapses regional distinctions, and accounts for the human and environmental cost of the New Saskatchewan’s unbridled optimism. By playing with and placing nostalgia, Zink and Saltzman invert the New Saskatchewan’s future-orientation, producing an alternative affective economy attentive to those left out of the New Saskatchewan.Résumé | L’ancienne Saskatchewan socio-démocrate est morte. A sa place une Saskatchewan néolibérale a pris en main la culture, la politiques les émotions et l’économie. Cet article met en contexte les œuvres des photographes saskatchewanaises Valerie Zink et Vera Saltzman au cœur de ce changement vers une économie néolibérale reposant sur l’industrie du pétrole dans cette nouvelle Saskatchewan. J’avance que Zink et Saltzman utilise une approche reparative dans leurs œuvres, contre les stratégies de construction d’espace tournées vers le futur du néolibéralisme et construisent de nouvelles économies affectives à travers un engagement critique avec le concept de nostalgie. Mises côte à côte, les images de Zink et Saltzman nous rappellent la place des peuples autochtones et l’importance de l’eau dans l’épanouissement de la vie. Leurs images développent une économie affective alternative dans laquelle la circulation de la nostalgie en tant qu’affect spatial et temporel ôte tout optimisme au néolibéralisme, chamboule ses téléologies bien nettes, détruit ses distinctions régionales et prend en considération les couts humains et environnementaux de l’optimisme sans limite de la nouvelle Saskatchewan. En mettant en contexte et en jouant avec la nostalgie, Zink et Saltzman renversent l’orientation vers le futur de la nouvelle Saskatchewan et produisent une économie affective alternative qui portent attention à ceux qui sont laissés de côté
The Road to Here? Placing Community within Western Canada’s Resource Landscape
Get PDFAbstract | The western-Canadian landscape has been deeply shaped by its intimate economic, cultural, and social ties to resource extraction. In this short essay we use the photography of Canadian photographer Eamon Mac Mahon to explore how the West’s shifting resource landscape has reconfigured relationships between community and place. Contrasting nostalgic and idealized visions of remote place-based resource communities with scenes of globally linked infrastructure networks, Mac Mahon’s photographs highlight tensions between shifting economies and ideas of community. Read as palimpsests of place, we argue that, when considered together, Mac Mahon’s photographs offer an important ambivalence, unsettling straightforward readings of boom and bust. In a context of continual upheaval and change, we read Mac Mahon’s photographs as signposts on the road to emergent constellations of place and community in the Canadian West.Résumé | Le paysage de l’ouest canadien a été grandement façonné au niveau économique, culturel et social par son rapport à l’extraction des ressources. Dans ce court essai, l’œuvre photographique du photographe canadien Eamon Mac Mahon est employé afin d’explorer la façon dont les changements dans le bassin de ressources de l’ouest ont reconfiguré les relations entre les communautés et leur environnement. Les images de Mac Mahon soulignent la tension entre l’économie changeante et le concept de communauté en comparant les pensées nostalgiques et idéalisées des communautés éloignées, expliquées par l’extraction de ressources, avec les réseaux d’infrastructures mondiaux. Lu comme palimpsestes de lieux, nous estimons que l’ensemble des photographies de Mac Mahon suggère une ambivalence importante, perturbant les interprétations traditionnelles d’expansion et de récession. Dans un contexte de bouleversement et de changement continu, nous interprétons les photographies de Mac Mahon comme témoin du changement dans les relations entre les communautés de l’ouest canadien et leur environnement