Imaginations (Journal)
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TOWARDS A NEW CARIBBEAN CINEMA? AN INTERVIEW WITH JAMAICAN FILMMAKER STORM SAULTER
Get PDFStorm Saulter (www.stormsaulter.com) is a Jamaican filmmaker, photographer, and visual artist. He is best known for directing the award-winning Jamaican feature film Better Mus’ Come (2010) and for co-founding New Caribbean Cinema, a DIY (Do It Yourself) collective of young filmmakers in Jamaica and the wider Caribbean dedicated to creating a new wave of Caribbean filmmaking (www.newcaribbeancinema.com). Together they have already produced a series of short films under the title Ring di Alarm(2012), which was shown around the world before coming home to packed theatres in Kingston in August 2014. In the following interview, which took place via Skype on November 12, 2014, Storm Saulter talks about his career as a filmmaker in Jamaica and discusses his work in the context of Caribbean cinema and society
CINEMA IN JAMAICA – THE LEGACY OF THE HARDER THEY COME
No full textMainstream cinema representing Jamaica and Jamaicans has always made use of clichés and stereotypes. The emergence of a local Jamaican cinema—beginning in 1972 with Perry Henzell’s movie—immediately started to give a new image of the country and its inhabitants. From The Harder They Come up to most recent movies, Jamaican cinema has used consistent style, techniques, and themes to give a new vision of the country. Jamaican movies may have low production value, but they provide a more authentic representation of Jamaica’s culture. Viewing Jamaican movies gives the audience a sense of a small but growing cinematic tradition
Uncertain Architectures—Performing Shelter and Exposure
Get PDFAbstract | Originally housed in generic industrial buildings, data centres have become sites of architectural feats and playgrounds for starchitects in recent years. These buildings testify to a changed role of how we think of these repositories for data and their position in our society. Through a reading of the Bahnhof data centre Pionen in Stockholm from 2008 and the design schematic for a Data Tower in Iceland, this article examines how the data centre as an architectural and infrastructural edifice facilitates data storage and access, focusing on how security is articulated in the architectural vocabulary through negotiations of visibility. By intermingling images of these sites with textual vignette-like reflections, this article uses the architecture of the data centre to address how the design of dynamic data archives embodies cultural imaginaries of uncertainty through the tropes of shelter and exposure.Résumé | Initialement hébergés dans des bâtiments industriels génériques, les centres de données sont devenus récemment des merveilles d’architecture et des terrains de jeux pour les « starchitects ». Ces bâtiments témoignent d’un changement de rôle dans la façon dont nous pensons à ces entrepôts de données et à leur position dans notre société. Grâce à une lecture du centre de données Bahnhof Pionen à Stockholm à partir de 2008 et au schéma de conception d’une tour de données en Islande, cet article examine comment le centre de données, en tant qu’édifice architectural et infrastructure, facilite le stockage et l’accès aux données, en mettant l’accent sur la façon dont la sécurité est articulée dans le vocabulaire architectural à travers les négociations de visibilité. En entremêlant les images de ces sites avec des réflexions textuelles semblables à des vignettes, cet article utilise l’architecture du centre de données pour aborder comment l’élaboration de centre de données dynamiques incarne des imaginaires culturels d’incertitude à travers les tropes d’abris et d’exposition
Assembling the (Non)Human: The Animal as Medium
Get PDFAbstract | This article revisits McLuhan’s well-known phrase “the message is the medium,” and it asks: What if the medium is an animal? McLuhan’s understanding of his own phrase was profoundly anthropocentric, as critics have noted. But his legacy in mediation theory combined with the insights of interdisciplinary animal studies make it possible to expand the possibilities of the phrase. Media history also challenges the anthropocentric concept of the medium or the mediation process. While the use of animal as medium predates the electric media with which McLuhan was concerned, early computer devices and later mobile technologies have pursued users’ engagement through didactically visible identification with/as animal spirits. Animals have become “naturalized” along with the indispensability of these devices as essential mediators of connectivity. In contemporary media arts, we see animals mediate and metaphorically stand for the vitality of mediated connectivity. Recognizing animal figures as mediators of mediation shifts the balance, the affect, and the price of what McLuhan called our “shared media situation.” They are both luring enchantments into digital connectivity and anxious premediations of rising challenges to anthropocentric humanism and its destructive blind spots which continue to shape the world.Résumé | Cet article revisite la phrase bien connue de McLuhan « le message est le médium », et il demande : et si le médium est un animal? La compréhension de McLuhan de sa propre phrase était profondément anthropocentrique, comme les critiques l’ont noté. Cependant, son héritage dans le domaine de la théorie de la médiation, combiné avec les connaissances des études interdisciplinaires sur les animaux, permet d’élargir les possibilités de la phrase. L’histoire des médias remet également en cause le concept anthropocentrique du médium ou du processus de médiation. Bien que l’utilisation de l’animal comme médium soit antérieure aux médias électriques dont parlait McLuhan, les premiers dispositifs informatiques et les technologies mobiles subséquentes ont poursuivi l’engagement des utilisateurs grâce à une identification didactiquement visible avec/comme des esprits des animaux. Les animaux sont devenus « naturalisés », parallèlement au caractère indispensable de ces dispositifs comme médiateurs essentiels de la connectivité. Dans les arts médiatiques contemporains, nous voyons les animaux faire de la médiation et métaphoriquement représenter la vitalité de la connectivité médiée. Reconnaître les figures animales comme médiateurs de la médiation modifie l’équilibre, l’effet, et le prix de ce que McLuhan appelle notre « situation médiatique partagée ». Ils entraînent à la fois un ensorcellement vers la connectivité numérique et des préméditations anxieuses des défis croissants de l’humanisme anthropocentrique et de ses angles morts destructeurs qui continuent à façonner le monde
The Designscapes of Harley Parker: Print and Built Environments
Get PDFIn this paper I present two views of Harley Parker, Marshall McLuhan’s longstanding collaborator. In the first I underline how Parker’s training in the arts as a typographic designer was put to work on the print projects for which he is best known, namely, on the original series of Explorations. I debate the claim that his work on Explorations 8 was not his own, and in this phase of argument I draw upon the legacy of other notable designers working in Toronto, namely, Allan R. Fleming of Cooper & Beatty Inc., the developers and promoters of Flexitype. Second, I resituate Parker’s link to installation and performance art in Canada by following the line established by his eldest son Blake Parker as resident poet of the experimental electronic band Intersystems, whose activities in 1967-68 included installations and performances at Perception 67 on the University of Toronto campus. The Mind Excursion psychedelic maze had its debut a few weeks after Harley Parker’s Hall of Fossils opened at the Royal Ontario Museum and marks the group’s origin proper. The connection between father and son is explored through the influences of elder Parker’s artistic proclivities as a painter, typographer, exhibition designer, critic, his collaborations with Marshall McLuhan, and the blend of McLuhan’s ideas, psychedelia, and kinetic art that animated Intersystems.Dans cet essai je présenterai deux perspectives de Harley Parker, qui pour un longtemps collaboré avec Marshall MacLuhan. Premièrement, j’explique comment Parker a utilisé son training typographique pour le travail dont il est plus connu, le journal Explorations. Je dirais que son travail sur l’Explorations est original et son propre en utilisant l’histoire des autres designers notables à Toronto, spécifiquement, les producteurs de Flexitype, Allan R. Fleming de Cooper & Beatty Inc. Deuxièmement, je désire à resituer le connexion entre Parker et l’exposition au musée d’art et le performance au Canada, par suivais la ligne de son fils, Blake Parker, et la groupe musique expérimentale d’Intersystems. Pendant 1967-68, cette groupe a performé dans un labyrinthe psychédélique, The Mind Excursion, durant l’évènement du Perception 67 à l’Université de Toronto. Le Hall de Fossiles de Harley Parker au Musée Royale d’Ontario a ouvert en janvier et quelques semaines plus tard The Mind Excursion a ouvert. Le groupe d’Intersystems a commencé avec cet évènement. J’explore les relations entre père et fils par voie des influences artistiques de Harley, et son collègue MacLuhan, et la combinaison la culture de psychédélique et l’art kinésique. Ces idées ont animé d’Intersystems
Killer Pov: First-Person Camera and Sympathetic Identification in Modern Horror
Get PDFKiller POV—a subjective camera without a reverse shot—is at the center of many of the most influential critical writings on modern horror. However, these discussions often start from the assumption that the camera’s point of view produces identification. This essay attempts to disengage our understanding of horror spectatorship from such models and to provide an alternative reading of killer POV that engages with the genre’s structures of looking/being looked at while remaining sensitive to what precisely is being communicated to viewers by these shots. Killer POV signals to the viewer the presence of a threat without displaying the monster/killer/bearer of the look onscreen. In addition to keeping the threat un-embodied (or only vaguely embodied) and unplaced, killer POV alerts the viewer to the films’ withholding of crucial diegetic information, both of which are essential to understanding the unique mode of spectatorship provoked by modern horror films.
Killer POV—caméra subjective sans montage parallèle—est au centre de nombreux articles critiques les plus influents sur le film d’horreur moderne. Ces discussions se basent cependant souvent sur l’idée que le point de vue de la caméra crée l’identification. Cet essai tente de détacher notre interprétation du regard du spectateur sur l’horreur de tels modèles et d’offrir une lecture alternative de killer POV qui implique les structures du regardant/regardé de ce genre de film tout en demeurant sensible à ce qui est exactement communiqué aux spectateurs par ces scènes. Killer POV signale au spectateur la présence d’une menace sans représenter le monstre/tueur/ porteur de cette apparence sur l’écran. En plus de garder la menace non-incarnée (ou seulement vaguement incarnée) et physiquement absente, killer POV alerte le spectateur sur le fait que le film retient des information diégéniques cruciales, ces deux fonctions sont essentielles à la compréhension du mode unique de regard provoqué par les films d’horreur modernes
Infrastructures of Dis/Connection: Of Drones, Migration, and Digital Care
Get PDFAbstract | Migration from sub-Saharan Africa to Northern Europe is imagined and visualized as the movement of human bodies along different territories, eventually traversing the geographically locatable line of the EU border. What this conceptualization of migration, mobility, and the border leaves unacknowledged is that all three are material-virtual phenomena. This paper addresses the infrastructures of mobility that can be traced and analyzed within a migrant route from Niger to Germany. We highlight the need to connect and/or disconnect as strategies of migration and envisage ways to support freedom of movement by bringing aspects of digital care work into the analysis.Résumé | La migration de l’Afrique subsaharienne vers l’Europe du Nord est imaginée et visualisée comme le mouvement des corps sur différents territoires, traversant éventuellement la ligne géographiquement localisable de la frontière de l’UE. Ce que cette conceptualisation de la migration, de la mobilité et de la frontière ne reconnaît pas, c’est que les trois sont des phénomènes matériels et virtuels. Cet article aborde les infrastructures de mobilité qui peuvent remontées et être analysées au sein d’une route migrante allant du Niger à l’Allemagne. Nous soulignons la nécessité de se connecter et/ou de se déconnecter en tant que stratégies de migration et envisageons des moyens d’appuyer la liberté de circulation en intégrant des aspects du travail en soins numériques dans l’analyse
The Scene and the Unseen: Mapping the (Affective) Rhythms of Wellington and Copenhagen
Get PDFAbstract | The idea of rhythm has figured as a key conceptual and empirical motif in current research on urban space, place, and everyday life. This article offers a way of capturing, understanding, and interpreting the multifaceted rhythmical layout of urban spaces. It implements a rhythmanalytical methodology that draws on participant-generated photographs and mental maps as analytical tools in order to provoke compelling depictions of musical activity in the city. Based on current ethnographic fieldwork in the urban spaces of Wellington (Aotearoa/New Zealand) and Copenhagen (Denmark), this article proposes a fruitful technique of experience and experiment that seeks to recognise the interwovenness of socialities, atmospheres, object, texts, and images in people’s everyday lives and in this way affords opportunities for attending to the multiple rhythms underlying music-making in the city.Résumé | L’idée du rythme a été utilisée comme concept clé et motif empirique en recherche récente sur les espaces urbains et dans la vie quotidienne. Cet article apporte une méthode pour capturer, comprendre et interpréter les structures rythmiques complexes des espaces urbains. En introduisant une méthodologie rythmanalitique, cette méthode s’appuie sur des photographies et des cartes cognitives fournies par des participants comme outil analytique pour dépeindre l’activité musicale d’une ville. À partir d’une étude ethnographique sur les espaces urbains de Wellington (Aotearoa/Nouvelle Zélande) et de Copenhague (Danemark), cet article propose une technique expérimentale riche qui cherche à reconnaître les interconnections des milieux sociaux, des ambiances, des objets, des mots et des images dans la vie courante de chacun et offre ainsi une chance de suivre les rythmes multiples sous-jacent à la création musicale dans une ville