OJS Bayreuth
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Das Musizieren im Freien in der Zeit des Biedermeier: Die Beispiele der Orphica, der Gitarre und des Csakans
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Besprechung: Axel Schöttler, Zum historischen Diskurs über die Gitarre. Zwischen instrumentalen Limitierungen und musikästhetischen Erwartungen
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Von altem Repertoire zu neuer ‚Originalmusik‘: : Musikästhetische Narrative und ihre Folgen in der deutschen Zupforchesterbewegung der Nachkriegszeit
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Get PDFDie bemerkenswerte und im internationalen Vergleich immer wieder bewunderte künstlerische Vielfalt der deutschsprachigen Theater- und Orchesterlandschaft bewegt sich zunehmend in einem Spannungsfeld zwischen dieser Bewunderung einerseits und einer tiefen Verunsicherung andererseits. Diese Landschaft ist umgeben von einem Krisendiskurs, der im Kontext von Musiktheater in seiner institutionalisierten Form als teuerster und aufwendigster Spielart darstellender Kunst besonders intensiv geführt wird. Der Musiktheaterapparat ist in seinen Produktionsmodi zwar hochspezialisiert, aber in seinen Möglichkeiten künstlerischer Ausdrucksformen klar beschränkt. In Zeiten (vermeintlich) knapper Kassen, aber auch von postmodernem Nebeneinander, Formenvielfalt und transmedialer Flexibilität gerät dieser Apparat immer wieder ins Fadenkreuz intensiver Kritik. Dieser so entstehende Krisendiskurs steht im Zentrum dieser Ausgabe von ACT, die im Rahmen des am Forschungsinstitut für Musiktheater der Universität Bayreuth angesiedelten Forschungsprojekts „Beharrungs- und Bewegungskräfte: Musiktheater im institutionellen Wandel zwischen Musealisierung und neuen Formaten“ entstand, das der DFGForschungsgruppe Krisengefüge der Künste: Institutionelle Transformationsdynamiken in den darstellenden Künsten der Gegenwart angehört. Ausgehend von diesem Forschungsprojekt stellt sich hier weniger die Frage, wie akut diese im Diskurs beschworenen Krisenzustände tatsächlich sind. Vielmehr stehen Veränderungs- und Transformationsprozesse ästhetischer, organisationeller und letztlich institutioneller Art im Fokus, die durch diesen Diskurs überhaupt erst ausgelöst und angetrieben werden. In einem produktiven Verständnis von Krise als Innovationskatalysator und Antrieb von Wandlungsprozessen ist in diesem Zusammenhang von zentralem Interesse, mit welchen Veränderungen Musiktheater konfrontiert ist und/oder welche es selbst in dieser Konfrontation hervorbringt.
Diese bislang umfangreichste Ausgabe von ACT widmet sich aus vielen verschiedenen Perspektiven und mit unterschiedlichen theoretischen und wissenschaftlichen Hintergründen der Erforschung einzelner Aspekte dieses Diskurses. Sie versammelt somit eine Vielzahl an Arten und Weisen, über diese Zusammenhänge zu sprechen, die sich nicht nur in den heterogenen Formen der Texte äußert, sondern auch in deren jeweiligem spezifischen Vokabular. Ein Zusammenbringen dieser Stimmen erscheint nicht nur sinnvoll, sondern geradezu erforderlich, um sich diesem weiten und überaus komplexen Forschungsfeld angemessen zu nähern.
Der wissenschaftliche Diskurs, der Musiktheater zum Gegenstand hat, bewegt sich nach wie vor oftmals fernab seiner ästhetischen Praxis. Deswegen war uns nicht nur eine grundsätzliche Nähe zum theaterpraktischen Alltag unseres Gegenstandes wichtig, sondern darüber hinaus auch dezidiert Akteur*innen außerhalb dieses wissenschaftlichen Diskurses zu Wort kommen zu lassen. Diese Ausgabe von ACT beginnt in diesem Sinne mit Stimmen aus der Praxis.
Als leitende Musiktheaterdramaturgin und stellvertretende Intendantin an der Oper Dortmund liefert Merle Fahrholz in unkonventioneller Form einen Einblick in die hochkomplexen theaterpraktischen Belange, die Opernproduktionen nicht nur erfordern, sondern auch entscheidenden Einfluss auf deren Ästhetik haben. Dass nicht jede getroffene Entscheidung eine ästhetisch begründete ist, ist eine Tatsache, die bei der wissenschaftlichen Betrachtung darstellender Künste oft in den Hintergrund gerät. Darüber hinaus zeigt dieser Beitrag auf, wo sich neuralgische Punkte im Kulturbetrieb befinden, an denen sich Transformationsdynamiken ganz praktisch zeigen lassen. Institutionskritischen Zusammenhängen geht ebenfalls Benjamin Hoesch am Beispiel der künstlerischen Praxis Heiner Goebbels\u27 nach. Auch er verweist auf das Spannungsfeld zwischen den Bedingtheiten der Institution einerseits und die Abhängigkeit von Kunstproduktion von ihrer Institution andererseits, wobei das eine immer auch Folgen für das andere hat. Außerdem spürt er in seinem Beitrag dem vielfältigen Potenzial dieses Verhältnisses nach, dessen Erkundung er als wesentlichen Bestandteil von Heiner Goebbels\u27 Arbeit, die sich keineswegs auf ausschließlich Kunstproduktion beschränkt, versteht und daran sinnfällig exemplifiziert.
Ebenso einflussreich auf die musiktheatrale Praxis sind die Räume, in denen diese stattfindet. Die versammelten Beiträge eröffnen auch hier ein breites Spektrum, das sich weit über die architektonische Struktur der Guckkastenbühne hinaus erstreckt. Tillmann Triest versucht die Oper in der Struktur moderner städtischer Gesellschaften zu verorten und fragt anhand konkreter Beispiele nach ihrer Rolle und ihrem Zukunftspotenzial in der „Creative City“. Musiktheatrale Spielformen die aus dem Opernhaus hinaus- und in die Stadt hineingehen, beschreibt Clara-Franziska Petry. Sie diskutiert anhand des urban-medialen Phänomens Flashmob, inwiefern die Veränderung der Rezeptionsbedingungen von Aufführungsformaten wie dem klassischen Konzert Potenzial für die Akquise neuer oder zahlenmäßig abnehmender Publikumsgruppen bergen kann.
Neben diesen Auseinandersetzungen mit musiktheaterpraktischen Zusammenhängen versammelt diese Ausgabe auch Beiträge, die Versuche weiterführender Theoriebildung in der Betrachtung von Musiktheater unternehmen. Die Musikwissenschaftler Fabian Czolbe und Ulrich A. Kreppein erkunden in ihrem gemeinsamen Beitrag Dimensionen und Relationen von Zeitlichkeit und Narration in Formen zeitgenössischen Musiktheaters. Sie entwerfen dabei eine alternative phänomenologische Analyse über einen narratologisch grundierten Wahrnehmungsbegriff einerseits und die Beobachtung von Zeitkonfigurationen andererseits. Auch Elsa Büsing versucht einen theoretischen Ansatz – das Konzept von Dialogizität von Michal Bachtin – für die Analyse zeitgenössischer Produktionsformen von Musiktheater jenseits des institutionalisierten Kulturbetriebs fruchtbar zu machen. Sie beschreibt Musiktheater über eine Theoretisierung seiner aufführungspraktischen Struktur als „dialogische Polyphonie“, welche die Wahrnehmung zeitgenössischer Produktionen wie dem angeführten Beispiel maßgeblich prägt. Um die sinnliche Wahrnehmung musiktheatraler Zusammenhänge geht es ebenfalls zentral im Beitrag Christiane Plank-Baldaufs. Sie beschreibt darin, in welche Richtungen sich die Ästhetik und narrativen Erzählformen im Musiktheater für Kinder und Jugendliche im Angesicht eines schrumpfenden Musiktheaterpublikums entwickeln.
Diese Beiträge behandeln Forschungsfragen und Fallstudien, die weit über die im Forschungsprojekt diskutierten hinausgehen. Durch zusätzliche Perspektiven und Anwendungsbeispiele möchte diese Ausgabe von ACT ergänzend zur aus dem Forschungsprojekt entstehenden Monografie ein noch facettenreicheres Bild sowohl des Krisendiskurses als auch seiner Zusammenhänge mit tatsächlichen Veränderungen in der ästhetischen wie institutionellen Praxis zeichnen. Die versammelten Texte zeigen noch einmal anders die Virulenz und die Omnipräsenz dieses Krisendiskurses insbesondere im Kontext von Musiktheater auf und verdeutlichen die Dringlichkeit ihrer Verhandlung, zu der diese Ausgabe ihren Beitrag leisten möchte.
Unser großer Dank gilt allen Autor*innen sowie den Kolleg*innen, die im Peer-ReviewVerfahren an dieser Ausgabe mitgewirkt und so maßgeblich ihr Entstehen unterstützt haben. Wir danken außerdem unserem Kollegen Dominik Frank und unserer wissenschaftlichen Hilfskraft Sophie Canal, die die Endredaktion dieser Ausgabe von ACT entscheidend mitgetragen haben.
Ulrike Hartung und Anno Munge
Experience of Time narrated in Music Theatre Today
Get PDFNarration in aktuellem Musiktheater wurde lang in zwei Modi gedacht: Zum einen als etwas, das Tradition und Linearität in der Erzählstruktur bedient und zum anderen als etwas, das ebendies negiert (anti-Narration). Dass es zwischen diesen beiden Polen alternative Ansätze gibt, zeigt nicht zuletzt die Literatur- und Theaterwissenschaft, ausgehend von den postdramatischen Theorien Hans-Thies Lehmanns. Die Verengung von Narration auf ein Verständnis als Plot oder als Negation von Narration verstellt die Analyse aktueller Musiktheaterproduktionen. Anstatt festzustellen, was nicht gemacht wird oder wie sich etwas von einer Tradition absetzt, muss gefragt werden, was und wie etwas aus dem Wert, aus der Form selbst heraus ,erzählt‘ oder ,erzählt wird‘. Da Musiktheater in seiner basalen Form immer Abfolge von Ereignissen in der Zeit ist, wird ein erweiterter Narrationsbegriff zugrunde gelegt, der sich, in Anlehnung an Paul Ricœur, auf die Vorstellung von Narration als „l’agencement des faits“ (Anordnung der Tatsachen) gründen soll. Narration, als Zusammensetzen von Geschehnissen durch spezifische Verknüpfungen und als genuin zeitliche Struktur verstanden, kann dann als analytisches Werkzeug fungieren, um in scheinbar ‚nicht-narrativen‘ Werken Prinzipien zu finden, nach denen sich Entscheidungen sequenziell strukturieren. Nicht zuletzt kann bereits alles, was der Konstitution des performativen Raumes dient, als Ausgangspunkt narrativer Semioseprozesse verstanden werden (Hans-Thies Lehmann und Erika Fischer-Lichte). Erzählstrukturen können sich damit heute aus den medial und materiell unterschiedlichen Gegebenheiten des Aufführungsraumes (Bild, Text, Licht, Raum), der klanglich und spielerisch offenen Werkstrukturen und ihrer jeweiligen Aufführung heraus ergeben. Der Aufsatz soll auf dieser Basis einen erweiterteren Narrationsbegriff herausbilden, anhand dessen die temporal situativen Ereignisketten zeitgenössischer Musiktheaterwerke der letzten Jahre (beispielsweise Brigitta Muntendorf, Clara Ianotta, Manos Tsangaris, Helmut Lachenmann oder Luigi Nono) nach ihrer Erzählstruktur befragt werden. Ziel ist es, künstlerische Strategien und werkimmanente Strukturen nachzumodellieren, die Zugriffe auf Narrative aktuellen Musiktheaters bieten.Narration in contemporary music theatre has long been thought of in two modes: on the one hand as something that serves tradition and linearity in the narrative structure and on the other hand as something that negates them (anti-narration). That there are alternative approaches between these two poles is demonstrated not least by literature and theatre studies, based on HansThies Lehmann’s post-dramatic theories. The narrowing of narration to an understanding as plot or as negation of narration obstructs the analysis of current musical theatre productions. Instead of determining what is not done or how something sets itself apart from a tradition, one must ask what is told and how something is told out of the value, out of the form itself. Since musical theatre in its basic form is always a sequence of events in time, an extended concept of narration is taken as a basis, based on Paul Ricœur\u27s idea of narration as “l\u27agencement des faits” (arrangement of facts). Narration, understood as the assembly of events through specific connections and as a genuinely temporal structure, can then function as an analytical tool to find principles in seemingly ‚non-narrative’ works according to which decisions are structured sequentially. Last but not least, everything that serves the constitution of performative space can already be understood as a starting point for narrative semiotic processes (Hans-Thies Lehmann and Erika Fischer-Lichte). Today, narrative structures can thus emerge from the media and materially different conditions of the performance space (image, text, light, space), the open work structures in sound and play and their respective performance. On this basis, the essay is intended to develop a broader concept of narration, on the basis of which the temporal situational event chains of contemporary music theatre values (e.g. Brigitta Muntendorf, Clara Ianotta, Manos Tsangaris, Helmut Lachenmann or Luigi Nono) are questioned about their narrative structure. The aim is to model artistic strategies and structures immanent in the work that offer access to narratives of contemporary music theatre
