LINK PRAXIS: Journal of Practice-led Research in Design and the Global South
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Huong: Projetando uma fonte vietnamita que homenageie a herança e celebre a cultura.
No full textThrough practice-led research, this project seeks to design a Vietnamese display typeface based on cultural identity and heritage. Huong is a typeface which synthesises cultural identity and traditions, showcased in the form of a printed type specimen and contextualised posters. Through understanding the significance of Vietnamese folk art and their orthography, the outcome was achieved through the process of field research, typeface building, prototyping and book binding. This project aims to celebrate the Vietnamese culture and honour my heritage as it tackles the question: How can I express my cultural identity through a Vietnamese display typeface? The Huong typeface extends an invitation to a wider audience to learn more about Vietnamese culture through the expression of typography. A través de una investigación práctica, este proyecto pretende diseñar un tipo de letra vietnamita basado en la identidad y el patrimonio culturales. Huong es un tipo de letra que sintetiza la identidad y las tradiciones culturales y que se presenta en forma de muestra tipográfica impresa y carteles contextualizados. A través de la comprensión del significado del arte popular vietnamita y su ortografía, el resultado se logró mediante el proceso de investigación de campo, construcción tipográfica, creación de prototipos y encuadernación. Este proyecto pretende celebrar la cultura vietnamita y honrar mi herencia, ya que aborda la pregunta: ¿Cómo puedo expresar mi identidad cultural a través de un tipo de letra vietnamita? El tipo de letra Huong invita a un público más amplio a conocer mejor la cultura vietnamita a través de la expresión tipográfica.Por meio de pesquisa orientada pela prática, este projeto busca projetar um tipo de letra de exibição vietnamita com base na identidade e no patrimônio cultural. Huong é um tipo de letra que sintetiza a identidade e as tradições culturais, apresentado na forma de um exemplar de tipo impresso e pôsteres contextualizados. Ao compreender o significado da arte popular vietnamita e sua ortografia, o resultado foi alcançado por meio do processo de pesquisa de campo, construção da tipografia, prototipagem e encadernação de livros. Este projeto tem o objetivo de celebrar a cultura vietnamita e honrar minha herança, pois aborda a questão: Como posso expressar minha identidade cultural por meio de um tipo de letra vietnamita? O tipo de letra Huong convida um público mais amplo a aprender mais sobre a cultura vietnamita por meio da expressão tipográfica.
 
Be Picky: uso do design de comunicação para criar uma identidade de marca, projetada para educar jovens adultas sobre a saúde intestinal.
No full textUsing communication design to create a brand identity, which is designed to educate young female adults on gut health and encourage healthier eating. Be Picky is a healthy snack option that advocates for good gut health, by educating and encouraging consumers to make healthier food choices, all while healing their gut. In recent years, studies have shown there to be an evident decline in human gut health, due to the decrease in probiotic-rich foods present in our diets. This leads to poor life quality and a series of other health implications. However, this can be prevented with an increased intake of good bacterias and probiotics, commonly found in fermented foods such as pickles. Using digital illustration, linocut and branding exploration through communication design to create a pickle brand made to benefit your gut health, tailored to appeal to the younger female audience. This project heavily relates to my own experiences regarding gut health, and how a solution like this would greatly improve the quality of life for so many, by motivating others to improve and maintain a healthy gut.Utilizar el diseño de comunicación para crear una identidad de marca destinada a educar a las jóvenes sobre la salud intestinal y fomentar una alimentación más sana. Be Picky es una opción de tentempié saludable que aboga por una buena salud intestinal, educando y animando a los consumidores a elegir alimentos más sanos, al tiempo que curan su intestino. En los últimos años, los estudios han demostrado que existe un deterioro evidente de la salud intestinal humana, debido a la disminución de alimentos ricos en probióticos presentes en nuestra dieta. Esto conlleva una mala calidad de vida y otra serie de implicaciones para la salud. Sin embargo, esto puede prevenirse con una mayor ingesta de bacterias buenas y probióticos, que suelen encontrarse en alimentos fermentados como los encurtidos. Utilizando la ilustración digital, el linograbado y la exploración de la marca a través del diseño de comunicación para crear una marca de encurtidos beneficiosa para la salud intestinal, adaptada para atraer al público femenino más joven. Este proyecto está muy relacionado con mis propias experiencias en relación con la salud intestinal, y con cómo una solución como esta mejoraría enormemente la calidad de vida de muchas personas, motivando a otras a mejorar y mantener un intestino sano.Usando o design de comunicação para criar uma identidade de marca, que foi projetada para educar jovens adultas sobre a saúde intestinal e incentivar uma alimentação mais saudável. A Be Picky é uma opção de lanche saudável que defende a boa saúde intestinal, educando e incentivando os consumidores a fazer escolhas alimentares mais saudáveis, ao mesmo tempo em que cura seu intestino. Nos últimos anos, estudos demonstraram que há um evidente declínio na saúde intestinal humana, devido à diminuição de alimentos ricos em probióticos presentes em nossas dietas. Isso leva a uma qualidade de vida ruim e a uma série de outras implicações para a saúde. No entanto, isso pode ser evitado com o aumento da ingestão de bactérias boas e probióticos, comumente encontrados em alimentos fermentados, como picles. Usando ilustração digital, linóleo e exploração de marca por meio de design de comunicação para criar uma marca de picles feita para beneficiar sua saúde intestinal, adaptada para atrair o público feminino mais jovem. Este projeto está fortemente relacionado às minhas próprias experiências com relação à saúde intestinal e como uma solução como essa melhoraria muito a qualidade de vida de muitas pessoas, motivando outras a melhorar e manter um intestino saudável
A mesa do Shabat
No full textThis practice-led research and design project examines Jewish diasporic histories retold through food and cuisine. It employs illustration, motif, mapping and colour symbolism to create an environment akin to a Jewish home on Shabbat evening simultaneously commenting on serious topics to develop these ideas within the confinements of publication format. This project aims to develop a deeper level of awareness and understanding of the Jewish people amongst non-Jewish audiences, and other Jewish groups among Jewish audiences, bringing together these important conversations through food.Este proyecto práctico de investigación y diseño examina las historias de la diáspora judía contadas a través de la comida y la cocina. Utiliza la ilustración, el motivo, la cartografía y el simbolismo del color para crear un entorno similar al de un hogar judío en la noche del Shabat, comentando al mismo tiempo temas serios para desarrollar estas ideas dentro de los confines del formato de publicación. El objetivo de este proyecto es desarrollar un nivel más profundo de conciencia y comprensión del pueblo judío entre el público no judío, y de otros grupos judíos entre el público judío, acercando estas importantes conversaciones a través de la comida.Este projeto de pesquisa e design conduzido pela prática examina as histórias da diáspora judaica recontadas por meio da comida e da culinária. Ele emprega ilustração, motivo, mapeamento e simbolismo de cores para criar um ambiente semelhante a um lar judaico na noite de Shabat e, ao mesmo tempo, comentar tópicos sérios para desenvolver essas ideias dentro dos limites do formato de publicação. Esse projeto tem como objetivo desenvolver um nível mais profundo de conscientização e compreensão do povo judeu entre o público não judeu e outros grupos judeus entre o público judeu, reunindo essas importantes conversas por meio da comida
Introdução à LINK PRAXIS V.2 I.1 segunda seção
No full textThis collection of 13 manuscripts presents the exegetical writing produced by final-year undergraduate students completing their Bachelor of Visual Design, with a major in Communication Design, at Auckland University of Technology (AUT). These manuscripts are a key component of the students’ Level 7 capstone projects, where creative practice is critically contextualised through academic reflection.
Following the connective exegesis model proposed by Hamilton and Jaaniste (2010), the project integrates 15 credits from Design Research, which focuses on research methodologies, and 45 credits from the Design Studio, which adopts a practice-led, research-driven approach. This framework encourages students to develop creative responses to complex global and cultural issues, connecting personal practice with broader social contexts.
The capstone project’s thematic focus on Design Citizenship encourages students to engage in transdisciplinary work that addresses contemporary cultural, environmental, and social challenges. This approach fosters innovation and authenticity, allowing students to explore how design can offer both personal and socially relevant responses to critical questions.
The programme has notably generated increased interest in postgraduate study, with many students continuing their research in the Master’s programme. These manuscripts offer a platform for students to engage in scholarly publishing, providing a space for them to reflect on how practice-oriented research can yield meaningful, contextually informed design outcomes. This collection contributes to broader discussions about the role of creative practice in higher education and its potential to generate new insights and knowledge through design research.Esta colección de 13 manuscritos presenta los escritos exegéticos elaborados por los estudiantes de último curso de licenciatura en Diseño Visual, con especialización en Diseño de la Comunicación, de la Auckland University of Technology (AUT). Estos manuscritos son un componente clave de los proyectos finales de nivel 7 de los estudiantes, en los que la práctica creativa se contextualiza críticamente a través de la reflexión académica.
Siguiendo el modelo de exégesis conectiva propuesto por Hamilton y Jaaniste (2010), el proyecto integra 15 créditos de Investigación en diseño, que se centra en las metodologías de investigación, y 45 créditos del Estudio de diseño, que adopta un enfoque dirigido por la práctica e impulsado por la investigación. Este marco anima a los estudiantes a desarrollar respuestas creativas a cuestiones globales y culturales complejas, conectando la práctica personal con contextos sociales más amplios.
El enfoque temático del proyecto final sobre Ciudadanía del diseño anima a los estudiantes a participar en un trabajo transdisciplinar que aborde los retos culturales, medioambientales y sociales contemporáneos. Este enfoque fomenta la innovación y la autenticidad, permitiendo a los estudiantes explorar cómo el diseño puede ofrecer respuestas tanto personales como socialmente relevantes a cuestiones críticas.
El programa ha generado notablemente un mayor interés por los estudios de posgrado, y muchos estudiantes continúan su investigación en el programa de máster. Estos manuscritos ofrecen una plataforma para que los estudiantes participen en la publicación académica, proporcionándoles un espacio para reflexionar sobre cómo la investigación orientada a la práctica puede producir resultados de diseño significativos y contextualmente informados. Esta colección contribuye a debates más amplios sobre el papel de la práctica creativa en la enseñanza superior y su potencial para generar nuevas percepciones y conocimientos a través de la investigación en diseño.Esta coleção de 13 manuscritos apresenta a escrita exegética produzida por alunos do último ano de graduação concluindo o Bacharelado em Design Visual, com especialização em Design de Comunicação, na Auckland University of Technology (AUT). Esses manuscritos são um componente fundamental dos projetos de conclusão do Nível 7 dos alunos, em que a prática criativa é contextualizada de forma crítica por meio da reflexão acadêmica.
Seguindo o modelo de exegese conectiva proposto por Hamilton e Jaaniste (2010), o projeto integra 15 créditos de Design Research, que se concentra em metodologias de pesquisa, e 45 créditos do Design Studio, que adota uma abordagem orientada pela prática e pela pesquisa. Essa estrutura incentiva os alunos a desenvolver respostas criativas a questões globais e culturais complexas, conectando a prática pessoal a contextos sociais mais amplos.
O foco temático do projeto principal em Design Citizenship incentiva os alunos a se envolverem em trabalhos transdisciplinares que abordam desafios culturais, ambientais e sociais contemporâneos. Essa abordagem estimula a inovação e a autenticidade, permitindo que os alunos explorem como o design pode oferecer respostas pessoais e socialmente relevantes a questões críticas.
O programa gerou um interesse crescente em estudos de pós-graduação, com muitos alunos continuando suas pesquisas no programa de mestrado. Esses manuscritos oferecem uma plataforma para que os alunos se envolvam em publicações acadêmicas, proporcionando um espaço para que reflitam sobre como a pesquisa orientada para a prática pode produzir resultados de design significativos e contextualmente informados. Esta coleção contribui para discussões mais amplas sobre o papel da prática criativa no ensino superior e seu potencial para gerar novas percepções e conhecimentos por meio da pesquisa em design
St: Explorando o St James Theatre de Auckland como espaço liminar e ruína pitoresca usando fotografia, formas de letras e design de livros.
No full textThis practice-led artistic inquiry explores the relationship between letterforms and place. It asks the question: How can letterforms and book design conventions express the phenomenological experience of the eerie urban ruin? The conceptual framework for this research is of the ruin as liminal space sparking imagination and fascination. It embraces the Romanticism historically associated with ruins. St is framed as creative response to the experience of the ruin, centred around letterforms which emphasise the eerie through the interplay of negative and positive space. The resulting decorative alphabet references historic initial letters and illuminated manuscripts. This decorative alphabet is supported by a publication which investigates the history of the St James Theatre and its current derelict state using documentary photography and archival materials. The resulting work integrates text, image and story-telling, elevating letters to the Sublime, alongside architecture and humanity’s other artistic creations which the St James Theatre represents.Esta investigación artística práctica explora la relación entre las formas de las letras y el lugar. Se pregunta lo siguiente: ¿Cómo pueden las formas de las letras y las convenciones del diseño de libros expresar la experiencia fenomenológica de la inquietante ruina urbana? El marco conceptual de esta investigación es la ruina como espacio liminal que despierta la imaginación y la fascinación. Abarca el romanticismo históricamente asociado a las ruinas. St se enmarca como respuesta creativa a la experiencia de la ruina, centrada en formas de letras que enfatizan lo inquietante a través de la interacción del espacio negativo y positivo. El alfabeto decorativo resultante hace referencia a letras iniciales históricas y manuscritos iluminados. Este alfabeto decorativo se apoya en una publicación que investiga la historia del Teatro St James y su actual estado de ruina mediante fotografías documentales y material de archivo. La obra resultante integra texto, imagen y narración, elevando las letras a lo sublime, junto con la arquitectura y otras creaciones artísticas de la humanidad que el St James Theatre representa.Essa pesquisa artística conduzida pela prática explora a relação entre as formas das letras e o lugar. Ela faz a seguinte pergunta: Como as formas das letras e as convenções de design de livros podem expressar a experiência fenomenológica de uma ruína urbana assustadora? A estrutura conceitual desta pesquisa é a da ruína como espaço liminar que desperta a imaginação e o fascínio. Ela abrange o romantismo historicamente associado às ruínas. St é enquadrado como uma resposta criativa à experiência da ruína, centrada em formas de letras que enfatizam o sinistro por meio da interação do espaço negativo e positivo. O alfabeto decorativo resultante faz referência a letras iniciais históricas e manuscritos iluminados. Esse alfabeto decorativo é apoiado por uma publicação que investiga a história do St James Theatre e seu atual estado de abandono usando fotografias documentais e materiais de arquivo. O trabalho resultante integra texto, imagem e narração de histórias, elevando as letras ao Sublime, juntamente com a arquitetura e outras criações artísticas da humanidade que o St James Theatre representa
O épico e a poética da Travessia como um espaço de resistência na educação em design.
No full textThis paper explores the concept of "Travesías" as a profound pedagogical practice within the School of Architecture and Design at the Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, which operates as a crucial form of resistance in design education amidst contemporary cultural and structural shifts. As a professor deeply involved in these journeys, I argue for the retention and adaptation of three foundational principles that ensure the continued relevance and transformative potential of the Travesías. These principles—Observation, the Work (Obra), and the Epic of the Commons—are essential in navigating the changing dynamics that challenge traditional educational models.
As the primary mode of engaging with the world, observation encourages profoundly personal and reflective interaction with the environment, fostering a unique and profound understanding and expression. The concept of the Work transcends conventional outputs of design and architecture, advocating for a creative process that emphasises gratuitousness and poetic engagement over utilitarian and commercial objectives. Lastly, the Epic of the Commons highlights the importance of collective creation and shared experiences, pivotal in forming a cohesive educational and creative community.
These principles are increasingly vital as the Travesías confront the commodification of education and the pervasive focus on individualism and specific competencies driven by market forces. The paper calls for a dialogue among global design educators to discuss adapting these principles to contemporary needs and explore new methods that respect and rejuvenate the foundational ethos of the Travesías. This dialogue is crucial for developing a "third way" in design education that integrates the poetic with the practical, ensuring our pedagogical approach remains innovative, inclusive, and deeply humanistic. Through this exploration, we invite a rethinking of design education that emphasises collective well-being, creative freedom, and a deeper engagement with our time's cultural and ecological contexts.Este artículo explora el concepto de "Travesías" como una práctica pedagógica profunda dentro de la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, que opera como una forma crucial de resistencia en la educación del diseño en medio de los cambios culturales y estructurales contemporáneos. Como profesor profundamente involucrado en estos viajes, defiendo la retención y adaptación de tres principios fundacionales que aseguran la continua relevancia y el potencial transformador de las Travesías. Estos principios -la observación, la obra y la epopeya de lo común- son esenciales para navegar por las dinámicas cambiantes que desafían los modelos educativos tradicionales.
Como principal modo de relacionarse con el mundo, la observación fomenta una interacción profundamente personal y reflexiva con el entorno, propiciando una comprensión y una expresión únicas y profundas. El concepto de la Obra trasciende los resultados convencionales del diseño y la arquitectura, abogando por un proceso creativo que haga hincapié en la gratuidad y el compromiso poético por encima de los objetivos utilitarios y comerciales. Por último, la Epopeya de los Comunes subraya la importancia de la creación colectiva y las experiencias compartidas, fundamentales para formar una comunidad educativa y creativa cohesionada.
Estos principios son cada vez más vitales a medida que las Travesías se enfrentan a la mercantilización de la educación y a la omnipresente atención al individualismo y a las competencias específicas impulsadas por las fuerzas del mercado. El documento hace un llamamiento al diálogo entre los educadores de diseño de todo el mundo para debatir la adaptación de estos principios a las necesidades contemporáneas y explorar nuevos métodos que respeten y rejuvenezcan el espíritu fundacional de las Travesías. Este diálogo es crucial para desarrollar una "tercera vía" en la enseñanza del diseño que integre lo poético con lo práctico, garantizando que nuestro enfoque pedagógico siga siendo innovador, inclusivo y profundamente humanista. A través de esta exploración, invitamos a un replanteamiento de la enseñanza del diseño que haga hincapié en el bienestar colectivo, la libertad creativa y un compromiso más profundo con los contextos culturales y ecológicos de nuestro tiempo.Este artigo explora o conceito de "Travesías" como uma prática pedagógica profunda dentro da Escola de Arquitetura e Design da Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, que opera como uma forma crucial de resistência na educação em design em meio às mudanças culturais e estruturais contemporâneas. Como professor profundamente envolvido nessas jornadas, defendo a manutenção e a adaptação de três princípios fundamentais que garantem a relevância contínua e o potencial transformador das Travesías. Esses princípios - Observação, a Obra e a Epopeia dos Comuns - são essenciais para navegar pelas dinâmicas mutáveis que desafiam os modelos educacionais tradicionais.
Como o principal modo de se envolver com o mundo, a observação incentiva a interação profundamente pessoal e reflexiva com o ambiente, promovendo uma compreensão e expressão únicas e profundas. O conceito de Obra transcende os resultados convencionais do design e da arquitetura, defendendo um processo criativo que enfatiza a gratuidade e o engajamento poético em detrimento de objetivos utilitários e comerciais. Por fim, o Epic of the Commons destaca a importância da criação coletiva e das experiências compartilhadas, fundamentais para a formação de uma comunidade educacional e criativa coesa.
Esses princípios são cada vez mais vitais à medida que as Travesías enfrentam a mercantilização da educação e o foco generalizado no individualismo e nas competências específicas impulsionadas pelas forças do mercado. O documento solicita um diálogo entre os educadores globais de design para discutir a adaptação desses princípios às necessidades contemporâneas e explorar novos métodos que respeitem e rejuvenesçam o ethos fundamental das Travesías. Esse diálogo é fundamental para o desenvolvimento de uma "terceira via" na educação em design que integre o poético e o prático, garantindo que nossa abordagem pedagógica permaneça inovadora, inclusiva e profundamente humanística. Por meio dessa exploração, convidamos a repensar a educação em design que enfatiza o bem-estar coletivo, a liberdade criativa e um envolvimento mais profundo com os contextos culturais e ecológicos de nossa época
Através da lente do imigrante: Uma Reflexão sobre o Conceito de Habitus Clivé de Pierre Boudier através da Fotografia
No full textThis article explores the creative practice of immigrant photography, specifically examining the artistic work of immigrants who have chosen Australia as their place of settlement. Analysing their photographic works, the article reflects on Pierre Bourdieu’s concept of habitus clivé, which develops the notion of a fractured or divided self. This division arises when individuals confront conflicting social contexts, resulting in internal tension or dissonance within their sense of identity. In the context of migration, habitus clivé can manifest in various ways, such as tensions or conflicts between cultural traditions and new cultural contexts. Furthermore, migration can involve adaptation and adjustment in which individuals may selectively incorporate elements of the new culture into their existing habitus while maintaining aspects of cultural identity associated withtheir country of origin. These processes of negotiation and hybridisation can further contribute to the development of habitus clivé. For Bourdieu, these internal contradictions within one’s social identity are not static but evolve through ongoing social interactions. By closely examining immigrant photographers, the article highlights the visual narratives that emerge, illustrating how photography can transcend physical boundaries, creating an intermediary space between dislocation and settlement. This space becomes a potent mechanism for fostering a sense of belonging that extends beyond geographic boundaries. Interestingly, this sense is not secured to a specific geographic location but, rather, encompasses broader, internalised, notion of place. These changes align with the concept of habitus clivé as individuals navigate the complexities of migration and settlement. As a medium, photography enables individuals to inhabit this interim space of familiarity, enabling embodiment and facilitating connection with a sense of place that transcends traditional notions of belonging. The article discusses how photography can empower immigrant narratives, supporting a sense of belonging while capturing the diverse experiences of individuals navigating the challenges of immigration and settlement.Este artículo explora la práctica creativa de la fotografía de inmigrantes, examinando concretamente la obra artística de inmigrantes que han elegido Australia como lugar de asentamiento. Analizando sus obras fotográficas, el artículo reflexiona sobre el concepto de habitus clivé de Pierre Bourdieu, que desarrolla la noción de un yo fracturado o dividido. Esta división surge cuando los individuos se enfrentan a contextos sociales conflictivos, lo que provoca tensiones internas o disonancias en su sentido de la identidad. En el contexto de la migración, el habitus clivé puede manifestarse de diversas formas, como tensiones o conflictos entre tradiciones culturales y nuevos contextos culturales. Además, la migración puede implicar una adaptación y un ajuste en los que los individuos pueden incorporar selectivamente elementos de la nueva cultura a su habitus existente, manteniendo al mismo tiempo aspectos de la identidad cultural asociada a su país de origen. Estos procesos de negociación e hibridación pueden contribuir aún más al desarrollo del habitus clivé. Para Bourdieu, estas contradicciones internas de la identidad social no son estáticas, sino que evolucionan a lo largo de las interacciones sociales. Al examinar de cerca a los fotógrafos inmigrantes, el artículo destaca las narrativas visuales que emergen, ilustrando cómo la fotografía puede trascender las fronteras físicas, creando un espacio intermedio entre la dislocación y el asentamiento. Este espacio se convierte en un potente mecanismo para fomentar un sentimiento de pertenencia que se extiende más allá de las fronteras geográficas. Curiosamente, este sentimiento no está ligado a una ubicación geográfica concreta, sino que abarca una noción de lugar más amplia e interiorizada. Estos cambios coinciden con el concepto de habitus clivé a medida que los individuos navegan por las complejidades de la migración y el asentamiento. Como medio, la fotografía permite a los individuos habitar este espacio provisional de familiaridad, posibilitando la personificación y facilitando la conexión con un sentido del lugar que trasciende las nociones tradicionales de pertenencia. El artículo analiza cómo la fotografía puede potenciar los relatos de los inmigrantes, fomentando un sentimiento de pertenencia al tiempo que capta las diversas experiencias de las personas que se enfrentan a los retos de la inmigración y el asentamiento.Este artigo explora a prática criativa da fotografia de imigrantes, examinando especificamente o trabalho artístico de imigrantes que escolheram a Austrália como local de assentamento. Analisando seus trabalhos fotográficos, o artigo reflete sobre o conceito de habitus clivé de Pierre Bourdieu, que desenvolve a noção de um eu fraturado ou dividido. Essa divisão surge quando os indivíduos enfrentam contextos sociais conflitantes, resultando em tensão interna ou dissonância em seu senso de identidade. No contexto da migração, o habitus clivé pode se manifestar de várias maneiras, como tensões ou conflitos entre tradições culturais e novos contextos culturais. Além disso, a migração pode envolver adaptação e ajuste, nos quais os indivíduos podem incorporar seletivamente elementos da nova cultura em seu habitus existente e, ao mesmo tempo, manter aspectos da identidade cultural associados ao seu país de origem. Esses processos de negociação e hibridização podem contribuir ainda mais para o desenvolvimento do habitus clivé. Para Bourdieu, essas contradições internas na identidade social de uma pessoa não são estáticas, mas evoluem por meio de interações sociais contínuas. Ao examinar de perto os fotógrafos imigrantes, o artigo destaca as narrativas visuais que surgem, ilustrando como a fotografia pode transcender as fronteiras físicas, criando um espaço intermediário entre o deslocamento e o assentamento. Esse espaço se torna um mecanismo potente para promover um senso de pertencimento que se estende além das fronteiras geográficas. É interessante notar que esse sentimento não está vinculado a um local geográfico específico, mas, em vez disso, abrange uma noção mais ampla e internalizada de lugar. Essas mudanças se alinham com o conceito de habitus clivé à medida que os indivíduos navegam pelas complexidades da migração e do assentamento. Como mídia, a fotografia permite que os indivíduos habitem esse espaço provisório de familiaridade, possibilitando a incorporação e facilitando a conexão com um senso de lugar que transcende as noções tradicionais de pertencimento. O artigo discute como a fotografia pode fortalecer as narrativas dos imigrantes, apoiando um senso de pertencimento e, ao mesmo tempo, capturando as diversas experiências dos indivíduos que enfrentam os desafios da imigração e da colonização
Ouvindo as crianças: Percepções das crianças sobre cultura e etnias em filmes globais de animação em Aotearoa, Nova Zelândia
No full textThis study aims to look at children’s opinions and ideas of representations of cultures in global animated films. The main idea behind this journal article is to give voice to the children that consume those media texts. This paper will highlight children’s answers to online surveys and one-on-one interviews from the second part of the data collection that took place in Aotearoa New Zealand over three years. As a theoretical framework, concepts and theories such as funds of knowledge (Gonzalez, 2005), cultural mediation (Martin-Barbero, 2006), and multiculturalism (Zalipour & Athique, 2016) are used to support the social and cultural landscape in which the research participants lived during the data collection. The interviews with the children aimed to discuss sixteen Disney and Pixar films and their respective twenty-four main characters. The purpose of the conversation was to understand where children think the films’ characters might have come from and, therefore, understand to what cultural background children believe those characters belong to. According to the research findings, some factors can add to children’s comprehensions of representations of culture in the media, such as the schools they attend, and the activities children develop in those educational environments.Este estudio pretende analizar las opiniones e ideas de los niños sobre las representaciones de las culturas en las películas de animación mundiales. La idea principal de este artículo es dar voz a los niños que consumen esos textos mediáticos. Este artículo destacará las respuestas de los niños a las encuestas en línea y a las entrevistas individuales de la segunda parte de la recopilación de datos que tuvo lugar en Aotearoa Nueva Zelanda durante tres años. Como marco teórico, se utilizan conceptos y teorías como los fondos de conocimiento (González, 2005), la mediación cultural (Martín-Barbero, 2006) y el multiculturalismo (Zalipour & Athique, 2016) para apoyar el paisaje social y cultural en el que vivían los participantes en la investigación durante la recogida de datos. Las entrevistas con los niños tenían como objetivo discutir dieciséis películas de Disney y Pixar y sus respectivos veinticuatro personajes principales. El objetivo de la conversación era comprender de dónde creen los niños que pueden haber salido los personajes de las películas y, por lo tanto, entender a qué trasfondo cultural creen los niños que pertenecen esos personajes. Según los resultados de la investigación, algunos factores pueden contribuir a que los niños comprendan las representaciones de la cultura en los medios de comunicación, como las escuelas a las que asisten y las actividades que desarrollan en esos entornos educativos.Este estudo tem como objetivo analisar as opiniões e ideias das crianças sobre representações de culturas em filmes de animação globais. A principal ideia por trás deste artigo de jornal é dar voz às crianças que consomem esses textos de mídia. Este artigo destacará as respostas das crianças a pesquisas on-line e entrevistas individuais da segunda parte da coleta de dados realizada em Aotearoa, Nova Zelândia, durante três anos. Como estrutura teórica, conceitos e teorias como fundos de conhecimento (Gonzalez, 2005), mediação cultural (Martin-Barbero, 2006) e multiculturalismo (Zalipour & Athique, 2016) são usados para apoiar o cenário social e cultural em que os participantes da pesquisa viveram durante a coleta de dados. As entrevistas com as crianças tinham como objetivo discutir dezesseis filmes da Disney e da Pixar e seus respectivos vinte e quatro personagens principais. O objetivo da conversa era entender de onde as crianças acham que os personagens dos filmes podem ter vindo e, portanto, entender a que contexto cultural as crianças acreditam que esses personagens pertencem. De acordo com os resultados da pesquisa, alguns fatores podem contribuir para que as crianças compreendam as representações da cultura na mídia, como as escolas que frequentam e as atividades que desenvolvem nesses ambientes educacionais
Urupā Tautaiao: Revitalização de costumes e práticas antigas para o mundo moderno
No full textoai:link_praxis:article/1Supported by the Marsden Fund Council from Government funding, managed by Royal Society Te Apārangi, this urupā tautaiao (natural burials) research has an explicit decolonising agenda. It presents a pragmatic opportunity for Māori to re-evaluate, reconnect, and adapt ancient customs and practices for the modern world. The design practice output focus is the restoration of existing graves located in the urupā (burial ground) of the Ngāti Moko, a hapū (subtribe) of the Tapuika tribe that occupy ancestral land in central North Island of New Zealand. In preparation for the gravesite development, a series of hui a hapū (tribal meetings) were held to engage and encourage participation in the research. The tribe drew on the expertise of an ecologist landscape architect and tohunga whakairo (master carver/artist) to transform the graves into a work of art. Surrounded by conventional gravestones, and using only natural materials, the gravesite aspires to capture the beauty of nature embellished with distinctively Māori cultural motifs. Low maintenance native plants are intersected with three pou (traditional carvings) that carry pūrākau (Māori sacred narratives) of life and death.Esta investigación sobre urupā tautaiao (enterramientos naturales), financiada por el Marsden Fund Council con fondos del Gobierno y gestionada por la Royal Society Te Apārangi, tiene una agenda descolonizadora explícita. Presenta una oportunidad pragmática para que los maoríes reevalúen, reconecten y adapten costumbres y prácticas ancestrales al mundo moderno. La práctica de diseño se centra en la restauración de las tumbas existentes situadas en el urupā (cementerio) de los Ngāti Moko, una hapū (subtribu) de la tribu Tapuika que ocupa tierras ancestrales en el centro de la Isla Norte de Nueva Zelanda. Como preparación para el desarrollo del cementerio, se celebraron una serie de hui a hapū (reuniones tribales) para implicar y fomentar la participación en la investigación. La tribu recurrió a los conocimientos de un arquitecto paisajista ecologista y de un tohunga whakairo (maestro tallador/artista) para transformar las tumbas en una obra de arte. Rodeada de lápidas convencionales y utilizando sólo materiales naturales, la tumba aspira a capturar la belleza de la naturaleza embellecida con motivos culturales maoríes. Plantas autóctonas de bajo mantenimiento se entrecruzan con tres pou (tallas tradicionales) que llevan pūrākau (narraciones sagradas maoríes) de la vida y la muerte.Apoiada pelo Marsden Fund Council a partir de financiamento do governo, gerenciado pela Royal Society Te Apārangi, essa pesquisa sobre urupā tautaiao (enterros naturais) tem uma agenda descolonizadora explícita. Ela apresenta uma oportunidade pragmática para que os maoris reavaliem, reconectem e adaptem costumes e práticas antigas ao mundo moderno. O foco do resultado da prática de design é a restauração de sepulturas existentes localizadas no urupā (cemitério) dos Ngāti Moko, uma hapū (subtribo) da tribo Tapuika que ocupa terras ancestrais na região central da Ilha Norte da Nova Zelândia. Em preparação para o desenvolvimento do túmulo, foi realizada uma série de hui a hapū (reuniões tribais) para envolver e incentivar a participação na pesquisa. A tribo contou com a experiência de um ecologista, arquiteto paisagista e tohunga whakairo (mestre entalhador/artista) para transformar os túmulos em uma obra de arte. Cercado por lápides convencionais e usando apenas materiais naturais, o local da sepultura pretende capturar a beleza da natureza embelezada com motivos culturais maoris distintos. Plantas nativas de baixa manutenção são entrecortadas por três pou (esculturas tradicionais) que carregam pūrākau (narrativas sagradas maori) de vida e morte
‘Asi: Trabalhando com o espírito invisível
No full textIn 1993, Wolfgramm referred to the climax in faiva (Tongan artistic performance)1 as ‘asi (the presence of the unseen). This spirit of artistic expression is an agent sometimes identified when Oceanic people work together to bring artistic projects to their apotheosis. Building on the idea of the unseen spirit that energises and gives agency to artistic work, this article discusses occurrences that surface when young Oceanic people collaborate artistically, drawing on values from their cultural heritage to create meaningful faiva. Emanating from my 2022 PhD study ‘Asi - The Presence of the Unseen, the article considers how, in a group of New Zealand secondary school students aged between 10 and 18, ‘asi brought forward a powerful spirit of belonging that resourced their artistic practice. The research proposed that the ‘asi identifiable at the peak of an artistic performance, might also be discernible before and after such an event, and resource the energy of artistic practice as a whole. The research considered a co-created project called Lila. This was developed by a team of students who combined talents and experiences to produce a contemporary faiva for presentation in 2019. In understanding ‘asi the project drew on student reflections, the researchers experience and interviews with contemporary Oceanic youth leaders who discussed the nature and agency of ‘asi as a phenomenon that might resource artistic practice. The significance of the research project lay in its contribution to a distinctive understanding of ‘asi, such that we might identify and consider its potential agency for resourcing creativity and belonging inside the development and performance of contemporary artistic practices among Oceanic youth.In 1993, Wolfgramm referred to the climax in faiva (Tongan artistic performance)1 as ‘asi (the presence of the unseen). This spirit of artistic expression is an agent sometimes identified when Oceanic people work together to bring artistic projects to their apotheosis. Building on the idea of the unseen spirit that energises and gives agency to artistic work, this article discusses occurrences that surface when young Oceanic people collaborate artistically, drawing on values from their cultural heritage to create meaningful faiva. Emanating from my 2022 PhD study ‘Asi - The Presence of the Unseen, the article considers how, in a group of New Zealand secondary school students aged between 10 and 18, ‘asi brought forward a powerful spirit of belonging that resourced their artistic practice. The research proposed that the ‘asi identifiable at the peak of an artistic performance, might also be discernible before and after such an event, and resource the energy of artistic practice as a whole. The research considered a co-created project called Lila. This was developed by a team of students who combined talents and experiences to produce a contemporary faiva for presentation in 2019. In understanding ‘asi the project drew on student reflections, the researchers experience and interviews with contemporary Oceanic youth leaders who discussed the nature and agency of ‘asi as a phenomenon that might resource artistic practice. The significance of the research project lay in its contribution to a distinctive understanding of ‘asi, such that we might identify and consider its potential agency for resourcing creativity and belonging inside the development and performance of contemporary artistic practices among Oceanic youth.Em 1993, Wolfgramm se referiu ao clímax da faiva (performance artística tonganesa)1 como 'asi (a presença do invisível). Esse espírito de expressão artística é um agente às vezes identificado quando os povos da Oceania trabalham juntos para levar os projetos artísticos à sua apoteose. Com base na ideia do espírito invisível que energiza e dá agência ao trabalho artístico, este artigo discute as ocorrências que surgem quando os jovens da Oceania colaboram artisticamente, baseando-se em valores de sua herança cultural para criar faivas significativas. Com base em meu estudo de doutorado de 2022 "Asi - The Presence of the Unseen" (Asi - A Presença do Invisível), o artigo analisa como, em um grupo de alunos do ensino médio da Nova Zelândia com idades entre 10 e 18 anos, o 'asi trouxe um poderoso espírito de pertencimento que deu recursos à sua prática artística. A pesquisa propôs que o 'asi identificável no auge de uma performance artística também pode ser discernível antes e depois de tal evento, além de ser um recurso para a energia da prática artística como um todo. A pesquisa considerou um projeto co-criado chamado Lila. Ele foi desenvolvido por uma equipe de alunos que combinaram talentos e experiências para produzir uma faiva contemporânea para apresentação em 2019. Para entender o 'asi, o projeto se baseou nas reflexões dos alunos, na experiência dos pesquisadores e em entrevistas com líderes contemporâneos da juventude da Oceania, que discutiram a natureza e a agência do 'asi como um fenômeno que pode servir de recurso para a prática artística. A importância do projeto de pesquisa está em sua contribuição para uma compreensão distinta do 'asi, de modo que possamos identificar e considerar sua potencial agência para fomentar a criatividade e o pertencimento dentro do desenvolvimento e do desempenho de práticas artísticas contemporâneas entre os jovens da Oceania