LINK PRAXIS: Journal of Practice-led Research in Design and the Global South
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Santos do Paradoxo: Integrando conceitos culturais e de Storytelling em uma narrativa digital interativa
No full textThis article outlines a practice-oriented, artistic research project that asks: What is the potential of an interactive digital narrative in exploring the interplay between story elements to examine the boundaries between reality and imagination within the framework of Realismo Maravilhoso? The design outcome, Saints of Paradox, is a printed picture book enhanced with AR (Augmented Reality) technology, allowing for multiple readings of a narrative through three distinctive syncretic narrators, or saints. These narrators reinterpret the story by altering both the illustrative content and monologue, shaping the narrative through polyvocality. Formatted as a series of pictorial sets in potentia, the book enables readers to scan pages with a mobile device, revealing animated characters within illustrated environments, accompanied by cinematic soundscapes. The work challenges the supremacy of a singular, authoritative truth, aligning with postcolonial critiques of absolutes and Bakhtin’s theories of polyphony and dialogism. Syncretism operates not only as a cultural reference to Brazilian traditions and religion but also as an artistic and narrative device that negotiates multiple perspectives within a parallax structure—both a technical and artistic mechanism. This research is framed within an artistic paradigm that employs a heuristic approach, integrating tacit and explicit knowledge in the development of the fictional narrative, its structure, and stylistic treatments. The methodology consists of designer’s journals, iterative assembly, overviewing and testing, and the strategic use of feedback. The project contributes to polyvocality and dialogical storytelling, expanding the possibilities of interactivity and immersion within a sequential, print-based format and fostering a distinctive transcultural narrative through practice.En esta presentación se debatirá un proyecto de investigación artística dirigido por la práctica que explora el potencial de una narrativa digital interactiva para examinar los límites entre la realidad y la imaginación en el marco del Realismo Maravilhoso. El proyecto práctico, Saints of Paradox, está diseñado como un libro ilustrado impreso que puede ampliarse utilizando la tecnología RA (Realidad Aumentada). La estructura del libro permite a los lectores explorar diferentes versiones de una narración presentada por tres narradores sincréticos distintos, o santos. Estos santos reinterpretan la historia mediante alteraciones en el contenido ilustrativo y el monólogo. El artefacto artístico se concibe como una serie de conjuntos pictóricos in potentia. Cuando se escanean las páginas con un dispositivo móvil, aparecen personajes animados dentro de un mundo ilustrado, acompañados de un paisaje sonoro cinematográfico. Metodológicamente, esta investigación se basa en un paradigma de investigación artística que apoya un enfoque heurístico para el descubrimiento y perfeccionamiento de ideas. La investigación se basa en conocimientos tanto tácitos como explícitos para el desarrollo de la narrativa de ficción, su estructura y sus elementos estilísticos. El proceso incluye tres métodos interrelacionados: diarios del diseñador, montaje iterativo, revisión y pruebas, y aplicación estratégica de la retroalimentación. Este proyecto contribuye a la práctica de la narración polivocal y dialógica, fomentando la creación de un texto narrativo transcultural y culturalmente distintivo. También amplía las posibilidades de interactividad e inmersión dentro de una narrativa secuencial impresa.Esta apresentação discutirá um projeto de pesquisa artística conduzido pela prática que explora o potencial de uma narrativa digital interativa para examinar os limites entre a realidade e a imaginação dentro da estrutura do Realismo Maravilhoso. O projeto prático, Saints of Paradox (Santos do Paradoxo), foi concebido como um livro ilustrado impresso que pode ser expandido usando a tecnologia de RA (Realidade Aumentada). A estrutura do livro permite que os leitores explorem diferentes versões de uma narrativa apresentada por três narradores sincréticos distintos, ou santos. Esses santos reinterpretam a história por meio de alterações no conteúdo ilustrativo e no monólogo. O artefato artístico é concebido como uma série de conjuntos pictóricos in potentia. Quando as páginas são digitalizadas com um dispositivo móvel, personagens animados aparecem em um mundo ilustrado, acompanhados por uma paisagem sonora cinematográfica. Metodologicamente, esta pesquisa está fundamentada em um paradigma de pesquisa artística que apoia uma abordagem heurística para a descoberta e o refinamento de ideias. A pesquisa baseia-se em conhecimento tácito e explícito no desenvolvimento da narrativa ficcional, sua estrutura e elementos estilísticos. O processo envolve três métodos inter-relacionados: diários do designer, montagem iterativa, visão geral e testes, e a aplicação estratégica de feedback. Este projeto contribui para a prática de contar histórias polivocais e dialógicas, promovendo a criação de um texto narrativo transcultural e culturalmente distinto. Ele também expande as possibilidades de interatividade e imersão em uma narrativa sequencial e impressa
Fotografia imersiva: Explorando Dimensões Espirituais e Incorporadas Além da Cognição
No full textThis article presents a practice-led doctoral research project that explores photography as an immersive and embodied form of inquiry. It examines how photographic practice can articulate a deeply engaged, poetic relationship with the land, extending beyond visual representation to encompass sensory, affective, and spiritual dimensions. The study is framed by the central research question: How can photographic practice be structured to express an immersive and embodied relationship with the environment? Situated within the broader discourse of practice-led research, this investigation engages with artistic, phenomenological, and Indigenous perspectives that challenge conventional representations of landscape. It draws on philosophical frameworks, including Merleau-Ponty’s phenomenology of perception and Bergson’s concept of duration, as well as Indigenous epistemologies that regard land as an active, living entity. Methodologically, the research employs a heuristic inquiry approach, integrating photographic fieldwork, reflective journaling, and poetic writing. Through an iterative process of making, reflecting, and theorising, the study develops a methodology that foregrounds immersion as a means of attunement to place. The inclusion of poetic inquiry serves to articulate the intangible and affective qualities of these encounters, allowing for an expanded understanding of embodied knowledge within photographic practice. This study contributes to discussions on practice-led methodologies, expanding notions of photography as a relational and experiential act. By positioning photography as a process of deep engagement, the study offers insights into how creative practice can function as a mode of inquiry, generating knowledge that is embedded in lived experience.Este estudio presenta un proyecto de investigación artística dirigido por la práctica que explora la cuestión: ¿Qué consideraciones son necesarias a la hora de fotografiar la tierra para transmitir una conexión envolvente, encarnada y en sintonía espiritual entre el yo y el sujeto? El estudio sugiere que la corporeidad trasciende los ámbitos cognitivo y físico y se relaciona con una «esencia viva» que puede interpretarse como una forma de conocimiento espiritual. Cuando un fotógrafo conecta con la tierra a este nivel más profundo, el proceso se convierte en una comunión entre la «esencia del ser vivo» y la «esencia de la tierra viva», lo que fomenta una conexión profunda. La investigación emplea la indagación heurística para apoyar un enfoque dialéctico de la resolución de problemas, en el que la experiencia práctica genera nuevas percepciones de relevancia práctica. El proceso de investigación se documenta minuciosamente en un diario de campo reflexivo, que incorpora imágenes, escritura poética, datos técnicos y análisis crítico. Este enfoque polifacético facilita la reflexión sobre el estado de inmersión experimentado por el fotógrafo y los resultados que de él se derivan. Al explorar el concepto de «fotografía inmersiva», esta investigación contribuye a los debates en curso sobre el modo en que los fotógrafos se relacionan con la tierra. Propone y evalúa críticamente este concepto como marco metodológico y conceptual, ofreciendo nuevas perspectivas sobre la relación entre el fotógrafo, la tierra y los aspectos espirituales de esta interacción. El estudio pretende enriquecer el diálogo en torno a la práctica artística de la fotografía, especialmente en el contexto del compromiso encarnado con el entorno natural.Este estudo apresenta um projeto de pesquisa artística conduzido pela prática que explora a questão: Que considerações são necessárias ao fotografar a terra para transmitir uma conexão imersiva, incorporada e espiritualmente sintonizada entre o eu e o sujeito? O estudo sugere que a incorporação transcende os domínios cognitivos e físicos, envolvendo-se com uma “essência viva” que pode ser interpretada como uma forma de conhecimento espiritual. Quando um fotógrafo se conecta com a terra nesse nível mais profundo, o processo se torna uma comunhão entre a “essência do eu vivo” e a “essência da terra viva”, promovendo uma conexão profunda. A pesquisa emprega investigação heurística para apoiar uma abordagem dialética à solução de problemas, em que a experiência prática gera novas percepções relevantes para a prática. O processo de pesquisa é minuciosamente documentado em um diário de campo reflexivo, incorporando imagens, escrita poética, dados técnicos e análise crítica. Essa abordagem multifacetada facilita a reflexão sobre o estado de imersão vivenciado pelo fotógrafo e os resultados que surgem a partir dele. Ao explorar o conceito de “Fotografia Imersiva”, esta pesquisa contribui para as discussões em andamento sobre como os fotógrafos se envolvem com a terra. Ela propõe e avalia criticamente esse conceito como uma estrutura metodológica e conceitual, oferecendo novas perspectivas sobre a relação entre o fotógrafo, a terra e os aspectos espirituais dessa interação. O estudo busca enriquecer o diálogo em torno da prática artística da fotografia, especialmente no contexto do envolvimento incorporado com o ambiente natural
Todos os dias você me deve
No full textThis project explores the potential a picture book illustrating a controlling relationship with internalised misogyny has to resonate with adult women reflecting on girlhood. The designed artefact, a coptic stitched, cloth bound picture book, employs a hand-made paper dust jacket made from personal journal collections, reflecting the deconstruction of internalised gender biases. The exposed spine connects to vulnerable thematics of doubt. The methodology includes reflective notation and auto ethnographic research; conversations and reconnecting with the young self. The design process includes character illustration, storyboarding, and narrative building to personify internalised misogyny in a tangible way. This project contributes to the understanding of how storytelling can resonate with the inner child and begin to untangle the guilt experienced alongside internalised misogyny. Este proyecto explora el potencial que tiene un libro ilustrado, que representa una relación controladora con misoginia internalizada, para resonar con mujeres adultas que reflexionan sobre la niñez. El artefacto diseñado, un libro ilustrado encuadernado en tela y cosido a la copta, emplea una sobrecubierta de papel hecha a mano a partir de colecciones de diarios personales, lo que refleja la deconstrucción de los sesgos de género internalizados. El lomo expuesto se conecta con temáticas vulnerables de duda. La metodología incluye notación reflexiva e investigación autoetnográfica; conversaciones y la reconexión con el yo joven. El proceso de diseño incluye ilustración de personajes, elaboración de guiones gráficos y construcción narrativa para personificar la misoginia internalizada de una manera tangible. Este proyecto contribuye a la comprensión de cómo la narración de historias puede resonar con el niño interior y comenzar a desenmarañar la culpa experimentada junto con la misoginia internalizada.Este projeto explora o potencial de um livro ilustrado que retrata uma relação controladora com misoginia internalizada para ressoar com mulheres adultas que refletem sobre a infância. O artefato projetado, um livro ilustrado com encadernação copta e capa de tecido, emprega uma sobrecapa de papel artesanal feita a partir de coleções de diários pessoais, refletindo a desconstrução de preconceitos de gênero internalizados. A lombada exposta conecta-se a temáticas vulneráveis de dúvida. A metodologia inclui anotações reflexivas e pesquisa autoetnográfica; conversas e reconexão com o eu jovem. O processo de design inclui ilustração de personagens, storyboard e construção narrativa para personificar a misoginia internalizada de uma forma tangível. Este projeto contribui para a compreensão de como a narrativa pode ressoar com a criança interior e começar a desvendar a culpa experimentada juntamente com a misoginia internalizada
Recolhimento: Uma curadoria de memórias
No full textThe story of a homesick immigrant is an important one, relating to their nostalgia and longing to return to what was, this project expresses these complex emotions, offering a narrative that resonates with those experiencing similar cultural transitions. Created is an auto-ethnographic book combining poetic language with visual storytelling, conveyed through journalistic-style illustration and writing. The design choices, such as experimental typography, recreated memorabilia and hand-drawn imagery, invite readers to connect with the narrative on a personal level. The exploration of Filipino history, combined with personal reflection on experiences of displacement helped to inform the design. This book seeks to inspire readers to cherish the nostalgia tied to their cultural heritage, particularly those who have left their homelands, reminding them that while life may change, our roots and communities remain fundamental to who we are.La historia de un inmigrante que siente nostalgia por su hogar es de gran importancia, ya que se relaciona con su añoranza y el deseo de regresar a lo que fue. Este proyecto expresa estas emociones complejas, ofreciendo una narrativa que resuena con aquellos que experimentan transiciones culturales similares. Se ha creado un libro autoetnográfico que combina el lenguaje poético con la narración visual, transmitida a través de ilustraciones y escritura de estilo periodístico. Las elecciones de diseño, como la tipografía experimental, los recuerdos recreados y las imágenes dibujadas a mano, invitan a los lectores a conectar con la narrativa a un nivel personal. La exploración de la historia filipina, combinada con la reflexión personal sobre las experiencias de desplazamiento, ayudó a dar forma al diseño. Este libro busca inspirar a los lectores a valorar la nostalgia ligada a su herencia cultural, particularmente a aquellos que han dejado sus tierras de origen, recordándoles que, aunque la vida cambie, nuestras raíces y comunidades siguen siendo fundamentales para lo que somos.A história de um imigrante com saudades de casa é importante, pois está relacionada à sua nostalgia e ao desejo de voltar ao que era. Este projeto expressa essas emoções complexas, oferecendo uma narrativa que ressoa com aqueles que passam por transições culturais semelhantes. Created é um livro autoetnográfico que combina linguagem poética com narrativa visual, transmitida por meio de ilustração e redação no estilo jornalístico. As escolhas de design, como tipografia experimental, memorabilia recriada e imagens desenhadas à mão, convidam os leitores a se conectarem com a narrativa em um nível pessoal. A exploração da história das Filipinas, combinada com a reflexão pessoal sobre as experiências de deslocamento, ajudou a fundamentar o design. Este livro busca inspirar os leitores a valorizar a nostalgia ligada à sua herança cultural, especialmente aqueles que deixaram sua terra natal, lembrando-os de que, embora a vida possa mudar, nossas raízes e comunidades continuam sendo fundamentais para quem somos
O Eu Amostrado:Investigando as complexidades da formação da identidade por meio da amostragem cultura
No full textThis project explores how communication design can be used as a method to illustrate the concept of personal identity formation through cultural sampling. It asks: 'How can design facilitate the exploration and representation of the "Sampled Self"—an identity shaped by globalisation and personal experiences—in the context of Postmodernity?' The artefact, CD Packaging is a visual narrative representing the diverse layers of self, while the embedded design pieces within address the sampling of ideas. The methodology involved reflective journalling, historical research and prototyping which formed the foundation for a visual narrative illustrating my own personal identity through a multi-disciplinary approach in motion, art, photography, dance and design. This project highlights how design can reflect the complexities of identity formation, illustrating the significance of cultural sampling as a method for self-discovery in the Postmodern era; furthermore highlighting the transformative potential found in the interstitial spaces between ideas.Este proyecto explora cómo el diseño de comunicación puede utilizarse como método para ilustrar el concepto de formación de la identidad personal a través del muestreo cultural. Se pregunta: '¿Cómo puede el diseño facilitar la exploración y representación del "Yo Muestreado"—una identidad formada por la globalización y las experiencias personales—en el contexto de la Posmodernidad?' El artefacto, el Empaquetado de CD, es una narrativa visual que representa las diversas capas del yo, mientras que las piezas de diseño incrustadas abordan el muestreo de ideas. La metodología implicó un diario reflexivo, investigación histórica y prototipado, lo que sentó las bases para una narrativa visual que ilustra mi propia identidad personal a través de un enfoque multidisciplinar en movimiento, arte, fotografía, danza y diseño. Este proyecto destaca cómo el diseño puede reflejar las complejidades de la formación de la identidad, ilustrando la importancia del muestreo cultural como método para el autodescubrimiento en la era Posmoderna; además, subraya el potencial transformador encontrado en los espacios intersticiales entre ideas.Este projeto explora como o design de comunicação pode ser usado como um método para ilustrar o conceito de formação de identidade pessoal por meio de amostragem cultural. Ele pergunta: "Como o design pode facilitar a exploração e a representação do "Sampled Self" - uma identidade moldada pela globalização e pelas experiências pessoais - no contexto da pós-modernidade? O artefato, CD Packaging, é uma narrativa visual que representa as diversas camadas do eu, enquanto as peças de design incorporadas abordam a amostragem de ideias. A metodologia envolveu diários reflexivos, pesquisa histórica e prototipagem que formaram a base para uma narrativa visual que ilustra minha própria identidade pessoal por meio de uma abordagem multidisciplinar em movimento, arte, fotografia, dança e design. Este projeto destaca como o design pode refletir as complexidades da formação da identidade, ilustrando a importância da amostragem cultural como um método de autodescoberta na era pós-moderna; além disso, destaca o potencial transformador encontrado nos espaços intersticiais entre as ideias
Conectando comunidades: Abordagens curatoriais no design de publicações colaborativas
No full textTraditional editorial design frameworks often reinforce dominant narratives, limiting alternative perspectives and reducing cultural plurality. Standardised systems prioritise singular viewpoints, while overly flexible approaches risk losing coherence. This article examines how a co-design curatorial publishing model can support multivocality in editorial design. The study focuses on Threaded Magazine and its two-decade evolution in fostering practitioner-led inclusivity as the place of inquiry. It investigates how curatorial frameworks can maintain both visual coherence and diverse representation, addressing the challenges of balancing structure and inclusivity. As part of a doctoral qualification, this article documents the first year of a PhD practice-oriented design research project, outlining its development through a key review and approval stage. The study employs two methodological frameworks: close reading, a literary analysis method used in the confirmation of candidature, and creative production, which integrates visualisation and prototyping in the thesis construction phase. The findings contribute to discussions on inclusive editorial design by reconsidering curatorial practice beyond traditional publishing models. Additionally, the study examines how a Māori and non-Māori collaborative framework informs bicultural partnerships in publication design, offering insights into relational and culturally responsive editorial strategies.Este proyecto de investigación de diseño orientado a la práctica investiga la cuestión: ¿Qué enfoque editorial curatorial podría aplicarse al desarrollo de una publicación impresa distintiva y multivocal que fomente las comunidades y refleje la diversidad? Las convenciones del diseño de publicaciones se basan en sistemas gráficos que desarrollan un sentido estético de unidad, normalmente supervisado por un editor para garantizar una identidad visual coherente. A lo largo de los últimos 20 años, Threaded Magazine, el lugar de la investigación, ha desarrollado un modelo editorial y de comisariado que fomenta el diálogo entre los profesionales destacados y sus prácticas, promoviendo la pluralidad y la inclusión. Sin embargo, este enfoque plantea un complejo reto en relación con las convenciones de diseño gráfico que suelen tener productos editoriales similares. Este proyecto pretende investigar y establecer un lenguaje visual que pueda abordar esta dicotomía. El proyecto está contextualizado por la literatura sobre la práctica editorial, el concepto curatorial en la edición y la práctica del diseño gráfico y la ciudadanía. Emplea dos marcos metodológicos distintos; el primero se utilizó para la elaboración de esta confirmación de candidatura y el segundo está diseñado para la fase de producción de la tesis. El primer marco incluye una revisión bibliográfica y la elaboración de un compendio sobre el panorama de las editoriales independientes en Nueva Zelanda, entrevistas con especialistas y el examen de 21 números de Threaded Magazine. El segundo marco empleará la visualización de procesos mediante infografías, prototipos y experimentación iterativa, grupos consultivos, colaboración y codiseño. El estudio contribuye al conocimiento a través de una reconsideración del término curatorial, que va más allá de su asociación con las colecciones de museos para comprender su aplicación y significado en el contexto de la publicación de revistas independientes que operan dentro de un marco centrado en la comunidad.Este projeto de pesquisa de design orientado para a prática investiga a questão: Que abordagem de publicação curatorial pode ser aplicada ao desenvolvimento de uma publicação impressa distinta, multivocal, que promova comunidades e reflita a diversidade? As convenções de design de publicações estão enraizadas em sistemas gráficos que desenvolvem um senso estético de unidade, geralmente supervisionados por um editor para garantir uma identidade visual consistente. Nos últimos 20 anos, a Threaded Magazine, o local da pesquisa, desenvolveu um modelo editorial e de curadoria que estimula o diálogo entre os profissionais em destaque e suas práticas, promovendo a pluralidade e a inclusão. No entanto, essa abordagem apresenta um desafio complexo em relação às convenções de design gráfico comumente adotadas por produtos editoriais semelhantes. Este projeto tem como objetivo investigar e estabelecer uma linguagem visual que possa abordar essa dicotomia. O projeto é contextualizado pela literatura sobre a prática editorial, o conceito de curadoria em editoração e a prática e cidadania do design gráfico. Ele emprega duas estruturas metodológicas distintas; a primeira foi usada para a elaboração desta confirmação de candidatura e a segunda foi projetada para o estágio de produção da tese. A estrutura inicial envolve uma revisão da literatura e a produção de um compêndio sobre o cenário das editoras independentes na Nova Zelândia, entrevistas com especialistas e a análise de 21 edições da Threaded Magazine. A segunda estrutura empregará a visualização do processo por meio de infográficos, protótipos e experimentação iterativa, grupos consultivos, colaboração e co-design. O estudo contribui para o conhecimento por meio de uma reconsideração do termo curadoria, levando-o além de sua associação com coleções de museus para entender sua aplicação e significado no contexto da publicação de revistas independentes que operam dentro de uma estrutura centrada na comunidade
Wanderer: Uma investigação estética sobre a experiência do exílio
No full textThis article presents Wanderer: An Aisthetic Inquiry into the Experience of Exile, a practice-led research project completed at the master’s level in New Zealand. The study explores how a sensory designer might draw on the historical literary convention of 羁旅 (exile) to create a fictional 旅行皮箱 (portmanteau) that expresses the experience of loss and disorientation encountered by Chinese international students studying abroad. The research examines how poetic inquiry and sensory design function within practice-led research to articulate themes of displacement, nostalgia, and cultural estrangement. The study is structured around the iterative development of artefacts, employing creative writing, close reading, prototyping, and material experimentation to construct a fictional world. The portmanteau serves as both a conceptual and material repository, housing print media, personal correspondence, and ephemera that collectively form a sensory and narrative representation of exile. These artefacts are designed to evoke tactile, visual, and olfactory engagement, positioning sensory experience as a critical mode of communication within the research. Beyond documenting the project, the article critically reflects on its methodological approach, considering how the integration of poetic inquiry and material storytelling expands the scope of practice-led design research. The study contributes to discussions on exile as a cultural phenomenon and highlights the potential of creative practice as a means of articulating affective and embodied knowledge. Through its synthesis of narrative, sensory design, and artistic research, the project demonstrates how practice-led methodologies can engage with complex emotional and cultural conditions, offering new perspectives on identity, belonging, and displacement.Este proyecto de investigación artística dirigido por la práctica se pregunta: Si una diseñadora sensorial se basa en una convención literaria histórica del the羁旅 (exilio), ¿cómo podría crear artefactos ficticios que hablen de la experiencia de pérdida y desorientación que experimenta una estudiante china que estudia en el extranjero? El proyecto narra la historia de Jiang Xiazheng y su experiencia del exilio al vivir como estudiante china en el extranjero. En el centro del estudio se encuentra una 旅行皮箱 (maleta-portamaletas) ficticia que constituye un depósito de objetos efímeros. Esta maleta funciona como una forma de retrato narrativo. Cada uno de los artefactos que contiene es un diseño ficticio (entre ellos, el pasaporte de la estudiante, documentos oficiales y trabajos que presentó para su evaluación). En conjunto, relatan una historia de distanciamiento y triunfo final. La narración de fondo de Jiang Xiazheng está disponible en un pequeño cuaderno encuadernado (en la estantería). Sobre la mesa, junto a la maleta, está su proyecto de fin de carrera. La maleta tiene dos capas. Siéntase libre de desembalar y examinar cada artefacto y devolverlo a su posición original. Cuando lea, toque, huela y sienta los objetos, le hablarán de una experiencia extraordinaria en el lenguaje del diseño estético (sensorial).Este projeto de pesquisa artística conduzido pela prática questiona: Se uma designer sensorial se baseia em uma convenção literária histórica do 羁旅 (exílio), como ela pode criar artefatos fictícios que falam da experiência de perda e desorientação vivida por um estudante chinês que estuda no exterior? O projeto conta a história de Jiang Xiazheng e sua experiência de exílio ao viver como estudante chinesa no exterior. No centro do estudo está uma 旅行皮箱 (mala-portmanteau) fictícia que constitui um repositório de coisas efêmeras. Essa mala funciona como uma forma de retrato narrativo. Cada artefato dentro dela é um desenho fictício (incluindo o passaporte da aluna, documentos oficiais e trabalhos que ela enviou para avaliação). Em conjunto, eles relatam uma história de distanciamento e eventual triunfo. A narrativa de fundo de Jiang Xiazheng está disponível em um pequeno caderno encadernado (na prateleira). Na mesa ao lado da mala está seu projeto final de graduação. A mala tem duas camadas. Fique à vontade para desembalar e examinar cada artefato e devolvê-lo à sua posição original. Quando o senhor ler, tocar, cheirar e sentir os objetos, eles falarão de uma experiência extraordinária na linguagem do design estético (sensorial)
He uri nō Te Whakatōhea: Navegando pelo patrimônio cultural em face da injustiça histórica
No full textThis article presents the practice-led doctoral research project “Tangohia Mai Te Taura: Take This Rope,” conducted by Māori scholar Toiroa Williams. The research examines historical injustice, identity, belonging, and connections to whenua (land) through Māori documentary practices, centring specifically on the unjust execution of Chief Mokomoko in 1866 and its enduring impact on Te Whakatōhea iwi. The central research question explores how Māori documentary methods can authentically represent and elevate whānau narratives while addressing sensitive historical and cultural issues. Contextually, the study engages with historical narratives surrounding Chief Mokomoko and Reverend Carl Sylvius Völkner, examining their broader implications for iwi identity, historical memory, and ongoing struggles for restitution. It situates itself within established Māori documentary traditions, referencing influential filmmakers such as Barry Barclay and Merata Mita, and contemporary practitioners who employ multimodal storytelling approaches. Methodologically, the research is grounded in a kaupapa Māori framework, integrating pūrākau (traditional storytelling) and heuristic inquiry. Multimodal narrative methods including photography, poetry, waiata (songs), whakatauākī (proverbs), and mōteatea (laments) were employed within the installation documentary Tangata~Whenua. The study contributes to indigenous documentary practices by demonstrating effective methodologies for culturally grounded narrative representation. It offers reflections on methodological complexities, ethical considerations, and community engagement, providing recommendations for future indigenous practice-led research.He uri nō Te Whakatōhea, que se traduce como Soy descendiente de Te Whakatōhea, es una presentación que pone de relieve una injusticia histórica que ha afectado a generaciones de descendientes maoríes indígenas de la tribu Te Whakatōhea, situada en la costa este de Nueva Zelanda. Esta presentación no sólo reconoce la importancia cultural de Mokomoko, un destacado jefe whakatōhea, sino que, como nieto de séptima generación de Mokomoko, celebra un rico patrimonio cultural. A través de la fotografía, la música, la poesía y el lamento tradicional, nos reunimos para honrar las conexiones sagradas entre la familia, la tierra y las injusticias históricas sufridas por nuestra comunidad. Este enfoque pretende amplificar las voces y los relatos que conforman nuestra identidad colectiva como pueblo. Comprender nuestro pasado es vital para navegar por nuestro futuro. Al explorar nuestro whakapapa, o linaje genealógico, conectamos con nuestros antepasados. Esta exploración nos ofrece valiosísimos conocimientos que guían nuestro viaje hacia un futuro imbuido de propósito y resistencia. La sabiduría y la resistencia de quienes nos precedieron nos sirven de guía, iluminan nuestro camino y nos recuerdan la importancia de reconocer sus luchas. He uri nō Te Whakatōhea sirve de plataforma para redefinir la representación indígena y comprometerse con las instalaciones documentales, representando tanto las facetas contemporáneas como las antiguas de nuestra identidad. Simboliza una proyección significativa hacia el presente y el futuro, dando forma al discurso sobre la defensa de la justicia y la reconciliación. Esto es especialmente relevante a la luz del reciente acuerdo (2024) entre nuestra tribu, Te Whakatōhea, y el Gobierno de Nueva Zelanda, lo que subraya aún más la importancia de esta obra para contribuir a la curación y al progreso de la sociedad.He uri nō Te Whakatōhea, que significa Eu sou um descendente de Te Whakatōhea, é uma apresentação que destaca uma injustiça histórica que afetou gerações de descendentes indígenas maoris da tribo Te Whakatōhea, localizada na costa leste da Nova Zelândia. Esta apresentação não apenas reconhece o significado cultural de Mokomoko, um proeminente chefe Whakatōhea, mas também, como neto de sétima geração de Mokomoko, celebra um rico patrimônio cultural. Por meio da fotografia, da música, da poesia e do lamento tradicional, nos reunimos para honrar as conexões sagradas entre a família, a terra e as injustiças históricas sofridas por nossa comunidade. Essa abordagem busca ampliar as vozes e as narrativas que moldam nossa identidade coletiva como povo. Compreender nosso passado é vital para navegar em nosso futuro. Ao explorarmos nossa whakapapa, ou linhagem genealógica, nos conectamos com nossos ancestrais. Essa exploração oferece percepções inestimáveis que orientam nossa jornada rumo a um futuro imbuído de propósito e resiliência. A sabedoria e a resistência daqueles que vieram antes de nós servem como uma luz guia, iluminando nosso caminho e nos lembrando da importância de reconhecer suas lutas. AHe uri nō Te Whakatōhea serve como uma plataforma para redefinir a representação indígena e envolver-se com instalações documentais, representando as facetas contemporâneas e antigas de nossa identidade. Ele simboliza uma projeção significativa no presente e no futuro, moldando o discurso sobre a defesa da justiça e a reconciliação. Isso é particularmente relevante à luz do recente acordo (2024) entre a nossa tribo, Te Whakatōhea, e o governo da Nova Zelândia, ressaltando ainda mais a importância desse trabalho na contribuição para a cura e o progresso social
O lago moribundo: Waikare e o artista incorporado
No full textThis presentation discusses a practice-led PhD thesis that considers how artistic action in a heavily polluted, localised environment might lead to an experience and expression of embodiment. Accordingly, the research question asks: How might lens-based recording serve in communicating an embodied connection to land? The research investigates alternative ways of considering value from embodied localised engagement with the land. In adopting this position, the study considers the Anthropocene as inseparable from cognition and shifts its focus from global, political mobilisation, to embodied relationality (Ingold, 2021). The project, that is currently 18 months into development, explores the subjective relationship between the practitioner and his environment, where an intrinsic connection is actioned between knowing and doing. This perspective aligns with the concept of ‘situated cognition’ where knowledge is inherently located within the context of activity (Brown et al., 1989). The presentation uses composited photographic images, and moving image sequences of Lake Waikare, to consider the nature of duration (Bergson, 1957) and an intimate connection with a single site. Methodologically, the project constitutes a heuristic inquiry that utilises a subjective, iterative, reflective approach to problem-solving. The significance of the study lies in its contribution to existing discourses surrounding how embodied experiences of land (interpreted through multi-mediatic approaches) can be used to elevate the intimate and the visceral and negotiate a narrative of experience that considers processes of disconnection, destruction, and reconnection.En esta presentación se analiza una tesis doctoral dirigida por la práctica que estudia cómo la acción artística en un entorno localizado y muy contaminado puede conducir a una experiencia y expresión de la corporeidad. En consecuencia, la pregunta de investigación es la siguiente ¿Cómo puede servir la grabación con lentes para comunicar una conexión corporal con la tierra? La investigación estudia formas alternativas de considerar el valor del compromiso encarnado y localizado con la tierra. Al adoptar esta postura, el estudio considera que el Antropoceno es inseparable de la cognición y cambia su enfoque de la movilización política global a la relacionalidad encarnada (Ingold, 2021). El proyecto, que actualmente lleva 18 meses de desarrollo, explora la relación subjetiva entre el practicante y su entorno, donde se establece una conexión intrínseca entre el saber y el hacer. Esta perspectiva coincide con el concepto de «cognición situada», según el cual el conocimiento se encuentra inherentemente en el contexto de la actividad (Brown et al., 1989). La presentación utiliza imágenes fotográficas compuestas y secuencias de imágenes en movimiento del lago Waikare para considerar la naturaleza de la duración (Bergson, 1957) y una conexión íntima con un único lugar. Metodológicamente, el proyecto constituye una investigación heurística que utiliza un enfoque subjetivo, iterativo y reflexivo para la resolución de problemas. La importancia del estudio radica en su contribución a los discursos existentes sobre cómo las experiencias corporales de la tierra (interpretadas a través de enfoques multimediáticos) pueden utilizarse para elevar lo íntimo y lo visceral y negociar una narrativa de la experiencia que tenga en cuenta los procesos de desconexión, destrucción y reconexión.Esta apresentação discute uma tese de doutorado orientada pela prática que considera como a ação artística em um ambiente localizado e altamente poluído pode levar a uma experiência e expressão de incorporação. Dessa forma, a pergunta da pesquisa é: Como o registro baseado em lentes pode servir para comunicar uma conexão incorporada com a terra? A pesquisa investiga formas alternativas de considerar o valor do envolvimento localizado e incorporado com a terra. Ao adotar essa posição, o estudo considera o Antropoceno como inseparável da cognição e muda seu foco da mobilização política global para a relacionalidade incorporada (Ingold, 2021). O projeto, que atualmente está em desenvolvimento há 18 meses, explora a relação subjetiva entre o praticante e seu ambiente, onde uma conexão intrínseca é acionada entre saber e fazer. Essa perspectiva se alinha com o conceito de “cognição situada”, em que o conhecimento está inerentemente localizado no contexto da atividade (Brown et al., 1989). A apresentação usa imagens fotográficas compostas e sequências de imagens em movimento do Lago Waikare para considerar a natureza da duração (Bergson, 1957) e uma conexão íntima com um único local. Metodologicamente, o projeto constitui uma investigação heurística que utiliza uma abordagem subjetiva, iterativa e reflexiva para a solução de problemas. A importância do estudo está em sua contribuição para os discursos existentes sobre como as experiências corporificadas da terra (interpretadas por meio de abordagens multimídia) podem ser usadas para elevar o íntimo e o visceral e negociar uma narrativa de experiência que considere processos de desconexão, destruição e reconexão
Animation-Directed Embodied Performance Technique (ADEPT): uma metodologia para a criação de referências para vídeos de animação de melhor qualidade
No full textThis article establishes a case for the narratological and performance utility of an embodied approach to creating video reference for animation. Across animation curricula, there is no standard practice-based methodology for developing animators’ performance skills. While there exist some useful explications of how certain forms of acting training can be modified to suit the needs of animators, what is missing is a thorough articulation of how animators engage with animation reference, particularly self-produced video reference. Drawing upon the author’s doctoral research and experience of delivering a practice-led animation pedagogy, this article lays a foundation for the creative utility of an embodied practice when producing video reference. Significantly, this article outlines foundational strategies for engaging animators apprehensive of participating in an embodied practice. Likewise, these strategies may encourage educators to expand the role of reference-making within their animation curricula by providing specific guideposts to follow.En los planes de estudios de animación de las instituciones académicas, no existe un marco unificado o reconocido por el sector para desarrollar las habilidades interpretativas de los estudiantes, ya sea a través de la observación o de la experiencia directa. La interpretación para la animación sigue siendo un tema de nicho; aunque existen algunas explicaciones útiles sobre cómo la formación actoral puede aplicarse a los animadores, se entiende menos cómo los animadores se comprometen con la referencia de la animación. Lamentablemente, muchos educadores de animación no reconocen el valor de las técnicas corporales a la hora de enseñar referencias de animación o son incapaces de aplicarlas. Como resultado, el entorno educativo actual produce más animadores técnicamente capaces que graduados con sólidas habilidades interpretativas. Esta investigación describe la utilidad narratológica y de interpretación de un marco de interpretación encarnada para la enseñanza de la animación de personajes. Este marco se basa en investigaciones prácticas en los ámbitos de la interpretación, la animación, la enseñanza superior y la producción en estudio. Partiendo de la experiencia del investigador como actor y animador, este marco pretende resolver una serie de cuestiones poco exploradas
- ¿A qué desafíos se enfrentan los animadores cuando practican la interpretación corporal?
- ¿Qué estilos de interpretación son accesibles y seguros para los animadores sin experiencia previa?
- ¿Cómo pueden los animadores superar la reticencia a participar en prácticas corporales?
- ¿Qué estrategias de interpretación corporal pueden producir información más útil para la animación?
- ¿Proporcionan determinados tipos de experiencia interpretativa diferentes beneficios a los animadores?
- ¿Cuál es la mejor manera de extrapolar la información sobre la pose y el rendimiento a partir de referencias de vídeo?
Estas preguntas han servido de punto de partida para el desarrollo del marco Animation-Directed Embodied Performance Technique (ADEPT), que integra las tradiciones interpretativas de Michael Chéjov y Rudolf Laban. Este marco promueve estrategias físicas y expresivas matizadas a la hora de producir animación de referencia. En particular, estas estrategias están íntimamente enmarcadas para corresponderse con los requisitos narrativos en cada punto dentro de una historia Una pedagogía encarnada refuerza la importancia del atractivo narrativo en la animación para cautivar al público y fomentar la empatía mediante la interpretación creíble de los personajes.Nos currículos de animação das instituições acadêmicas, não há uma estrutura unificada ou reconhecida pelo setor para desenvolver as habilidades de desempenho dos alunos, seja por meio de observação ou experiência direta O desempenho para animação continua sendo um assunto de nicho; embora existam algumas explicações úteis sobre como o treinamento de atuação pode ser aplicado aos animadores, a forma como os animadores se envolvem com a referência de animação é menos compreendida Infelizmente, muitos educadores de animação não reconhecem o valor das técnicas incorporadas ao ensinar referência de animação ou não conseguem implementar essas técnicas Como resultado, o ambiente educacional atual produz mais animadores tecnicamente capazes do que graduados com habilidades de desempenho sólidas Esta pesquisa descreve a utilidade narratológica e de desempenho de uma estrutura de desempenho incorporada para o ensino de animação de personagens Essa estrutura baseia-se em investigações conduzidas pela prática nos domínios da atuação, animação, educação terciária e produção em estúdio Com base na experiência do pesquisador como ator e animador, essa estrutura procura resolver várias questões pouco exploradas
- Quais desafios os animadores enfrentarão ao se envolverem na prática de desempenho incorporado?
- Quais estilos de desempenho são acessíveis e seguros para animadores sem experiência prévia?
- Como os animadores podem superar a relutância em se envolver com a prática incorporada?
- Quais estratégias de desempenho incorporado provavelmente produzirão informações de animação mais úteis?
- Certos tipos de experiência de desempenho proporcionam benefícios diferentes aos animadores?
- Como extrapolar melhor as informações de pose e desempenho a partir de referências de vídeo?
Essas perguntas servem como ponto de partida para o desenvolvimento da estrutura Animation-Directed Embodied Performance Technique (ADEPT), que integra as tradições de desempenho de Michael Chekhov e Rudolf Laban Essa estrutura promove estratégias físicas e expressivas diferenciadas ao produzir referências de animação Particularmente, essas estratégias são intimamente estruturadas para corresponder aos requisitos narrativos em cada ponto de uma história Uma pedagogia incorporada reforça a importância do apelo narrativo na animação para cativar o público e promover a empatia por meio do desempenho crível do personage