Revistas Científicas UMH (Universitas Miguel Hernandez)
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Integración de la realidad virtual y realidad aumentada en las enseñanzas artísticas mediante Google Arts and Culture
No full textThe Alpha generation, children and adolescents growing up immersed in digital technology, are developing unique skills thanks to their constant interaction with virtual devices and platforms. While excessive use of screens can have negative effects, the educational benefits of these tools are becoming increasingly evident. This study focuses on exploring the potential of Google Arts & Culture as an innovative tool for teaching the visual arts. It will analyse how this platform can be adapted to the needs of each classroom and how it can contribute to a more integrated curriculum. The main objective is to demonstrate that the use of Google Arts & Culture can enrich the teaching-learning process, fostering the development of critical and creative skills in students. Furthermore, in this research, the Google Arts & Culture platform will be explored and analysed in relation to arts education, examining the involvement of virtual and augmented reality in the learning process. A practical study will also be carried out, highlighting the integrative capabilities of these tools without losing sight of the main objective of learning: to improve the quality and quantity of the knowledge acquired.La generación Alpha, niños y adolescentes que crecen inmersos en la tecnología digital, están desarrollando habilidades únicas gracias a su constante interacción con dispositivos y plataformas virtuales. Aunque el uso excesivo de pantallas puede tener efectos negativos, los beneficios educativos de estas herramientas son cada vez más evidentes. Este estudio se centra en explorar el potencial de Google Arts & Culture como una herramienta innovadora para la enseñanza de las artes visuales. Se analizará cómo esta plataforma puede adaptarse a las necesidades de cada aula y cómo puede contribuir a una programación curricular más integrada. El objetivo principal es demostrar que el uso de Google Arts & Culture puede enriquecer el proceso de enseñanza-aprendizaje, fomentando el desarrollo de habilidades críticas y creativas en los estudiantes. Además, en esta investigación, se explorará y analizará la plataforma Google Arts & Culture en relación con la educación artística, examinando la implicación de la realidad virtual y aumentada en el proceso de aprendizaje. También se realizará un estudio práctico, destacando las capacidades integradoras de estas herramientas sin perder de vista el objetivo principal del aprendizaje: mejorar la calidad y cantidad de los conocimientos adquiridos
La Ley de la inmediatez y los nuevos hábitos de consumo acelerado: el caso de Netflix.
Full text linkEn la era de la comunicación, vivimos bajo el imperativo de la inmediatez, una contradicción en términos que sugiere la ausencia de mediación. La inmediatez en la comunicación implica la desaparición de aquello que media entre la realidad y lo comunicado, eliminando el análisis, estudio, pensamiento y reflexión. Los medios de comunicación ya no median, sino que distribuyen sin construir nada entre lo real y lo emitido. La revisión de la literatura muestra que la inmediatez está presente en diversas disciplinas y es un fenómeno ampliamente reconocido en el campo de la comunicación con manifestaciones como el binge-watching y speed-watching. De este modo, el objetivo principal de esta investigación es analizar los datos de consumo de Netflix para intentar confirmar si estas nuevas técnicas de visionado acelerado presentes en la actualidad y de rápida raigambre, especialmente entre las generaciones más jóvenes, pueden demostrarse cuantitativamente. Para ello se utilizará un enfoque cuantitativo donde se hará uso de un análisis estadístico que se aplicará a los datos extraídos de consumo de contenido audiovisual seriado durante el último semestre de 2023 y el primer semestre de 2024. Asimismo, los números obtenidos de este análisis presentan una disminución significativa del tiempo de consumo que llevan los nuevos títulos estrenados a partir del 2023, a diferencia de otro tipo de contenido visualizado en este tramo de tiempo, pero estrenado antes del periodo de estudio
Todos somos líquenes. Nuevas prácticas artísticas para un mundo multiespecies
Full text linkAs we move into the 21st century, it is increasingly difficult to deny the evidence that we live on a wounded planet. Art’s ability to generate questions, to question who we are and, consequently, how we relate to our environment, will play a decisive role in the not-too-distant future. From this starting point, we could discuss two key aspects that can be invaluable aids to this new and fascinating journey: on the one hand, paying special attention to the processes of form generation in nature, and on the other, the adoption and investigation of new materialities. Contemporary sculpture can, and should, draw on this new materiality. A materiality that is both matter and concept. Thus, mindful of this context, my artistic work emerges from an active strangeness in the face of a world whose complexity is immeasurable but no less stimulating and seductive, and from the conviction that the coordinates within which we have moved in so many fields have led us to a path of no return. This work firmly focuses on exploring these biological and symbiotic processes, these new materials (bacterial bio cellulose, algae, starch biopolymers, rosin, mycelium, etc.), and geometries composed of multiple superpositions, discontinuities, and folds. These works emerge from a close look at a world that leaves us with more questions than answers, where time and matter are inseparable parts of the generation of form.Avanzando ya en este siglo XXI, resulta cada vez más difícil negar la evidencia de que vivimos en un planeta herido. La capacidad del arte para generar preguntas, para cuestionarnos quiénes somos y en consecuencia cómo nos relacionamos con nuestro entorno, jugará un papel determinante en un futuro no muy lejano. Desde este punto de partida, podríamos hablar de dos aspectos clave que pueden servirnos de inestimable ayuda en este nuevo y fascinante viaje: por un lado, dedicarles una atención especial a los procesos de generación de la forma en la naturaleza y por otro, la adopción y la investigación de nuevas materialidades. La escultura contemporánea puede, y debe, nutrirse de esta nueva materialidad. Una materialidad que es materia y concepto al mismo tiempo. Así, atento a este contexto, mi obra artística surge de una extrañeza activa frente a un mundo cuya complejidad es inabarcable pero no por ello menos estimulante y seductora y desde la convicción de que las coordenadas en las que nos hemos movido en tantos campos nos han llevado a un camino de no retorno. Se trata de un trabajo que, apuesta decididamente por el acercamiento a esos procesos biológicos y simbióticos, a estas nuevas materialidades (bio-celulosa bacteriana, algas, biopolímeros de almidón, colofonia, micelio…) y a geometrías compuestas por múltiples superposiciones, discontinuidades y pliegues. Son obras que surgen de una mirada atenta a un mundo que nos deja más dudas que certezas, donde el tiempo y la materia son partes inseparables de la generación de la forma
El alabastro como soporte material y materia de creación
Full text linkThe fundamental and significant objective of this dissertation is to present the personal artistic contribution of our research and creation using alabaster, to address the binomial of matter/material from the natural and cultural perspectives. This focus is on listing and presenting the various research and creation projects developed based on the conceptualization of alabaster. Therefore, we take a historical and creative look at the technical, expressive, and conceptual possibilities of alabaster, a material defined by its visual language, color, texture, origin, etymology, manufacture, and so on. From ancient times to the contemporary era, the use of this luminous material can be understood as a material support and material for meaningful creation. The research focused on four varieties of alabaster and their material planes with distinct qualities. Alabaster presents distinct qualities and attributes, becoming a spiritual material through its physical presence and through its luminous intensity and translucency, which transcends its significance beyond its immediate use as an object support. Fundamental concepts of the plastic language of alabaster include natural, perceptual, visual, haptic, semantic, expressive and conceptual factors that operate in the transformation of matter and the conformation of form through the matter/form dualism.El objetivo fundamental y significativo de esta disertación es presentar la aportación plástica personal de nuestra investigación y creación mediante el alabastro, para abordar el binomio de materia/material desde la vertiente natural y cultural. Esto se centra en enumerar y exponer los diferentes proyectos de investigación y creación desarrollados a partir de la conceptualidad del alabastro. Por ello hacemos un recorrido tanto histórico como creativo sobre las posibilidades técnicas, expresivas y conceptuales del alabastro, un material al que define por su lenguaje plástico, color, textura, origen, etimología, manufactura, etc. Desde la antigüedad hasta la época contemporánea, el uso de este material lumínico puede ser entendido como soporte material y materia de creación significativa. La investigación se centró en cuatro variedades de alabastro y en sus planos matéricos con diferenciadas cualidades. El alabastro presenta distintas calidades y cualidades, convirtiéndose en una materia espiritual a través de su presencia física y a través de su intensidad luminosa y translucidez, que transciende como significación más allá del uso inmediato como soporte objetual. Conceptos fundamentales del lenguaje plástico del alabastro incluyen factores naturales, perceptuales, visuales, hápticos, semánticos, expresivos y conceptuales que operan en la transformación de la materia y la conformación de la forma a través del dualismo materia/forma
LA ADHESIÓN DE LA UNIÓN EUROPEA AL CONVENIO DE ESTAMBUL Y SU CUMPLIMIENTO INDIRECTO: REFORZANDO LOS VALORES EUROPEOS
Full text linkThis paper analyses how the European Union’s process of accession to the Istanbul Convention has driven progress in the fight against violence against women in various ways. On one hand, the EU’s accession to this international treaty imposes an obligation on EU institutions to ensure its enforcement, as well as its indirect application to Member States. On the other hand, actions taken by EU institutions, while awaiting the resolution of delays in the Council regarding the Convention’s ratification, have led to significant progress in combating gender-based violence. All of this strengthens equality and the protection of human rights within the EU, thereby reinforcing its core values.Este trabajo analiza cómo el proceso de adhesión de la Unión Europea al Convenio de Estambul ha impulsado los avances en la lucha contra la violencia hacia las mujeres de diversas maneras. Por un lado, la adhesión de la Unión Europea a este tratado internacional genera la obligación de las instituciones de la UE de garantizar su cumplimiento, así como su aplicación indirecta en los Estados Miembros. Por otro lado, las medidas adoptadas por las instituciones europeas, mientras se superaban los retrasos en el Consejo para la ratificación del Convenio, han dado lugar a progresos significativos en la lucha contra la violencia de género. Todo ello refuerza la igualdad y la protección de los derechos humanos en la UE, y, por tanto, refuerza sus valores fundamentales
Por un periodismo cómic de viajes. Un estudio de caso: Viajes dibujados (2018)
Full text linkComic journalism is one of the trends in the ninth art that is gaining importance within academic studies in graphic narrative. However, the concept of travel, inherent to that of reportage, has not been studied as much by the academy. Hence the desire to study the existence of comic travel journalism as an extension of this journalistic specialisation. To do so, a qualitative case study methodology was used to analyse the volume Viajes dibujados (2018) published as a monograph of the specialised travel magazine Altaïr Magazine. After the application of a theoretical framework to see the confluences of comic journalism with written travel journalism, it is shown that there are traits that indicate that there are elements that indicate that this specialisation is also transferred to the world of comics. The starting point of this research is corroborated, the analysis of the journalistic features of this volume indicates that there is a comic travel journalism.El periodismo cómic es una de las tendencias del noveno arte que está ganando importancia dentro de los estudios académicos en narrativa gráfica. Sin embargo, el concepto de viaje, inherente al del reporterismo, no ha sido tan estudiado por parte de la academia. De ahí surge la voluntad de plantearse el estudio sobre la existencia de un periodismo cómic de viajes como una extensión de esa especialización periodística. Para ello se ha utilizado una metodología de estudio de caso de carácter cualitativa analizando el volumen Viajes dibujados (2018) publicado como un monográfico de la revista de viajes especializada Altaïr Magazine. Tras la aplicación de un marco teórico para ver las confluencias del periodismo cómic con el periodismo de viajes escrito, se muestra como hay rasgos que indican que hay elementos que indican que dicha especialización se traslada también al mundo del cómic. Se corrobora el punto de partida de esta investigación, el análisis de los rasgos periodísticos de este volumen indica que existe un periodismo cómic de viajes
Manifiesto de la práctica escénica
Full text linkEn este ensayo breve recupero las nociones operativas de práctica cultural, forma de vida y afecto para reconocer y articular los saberes-haceres situados de la producción artística, en el siglo XXI. Esto resulta necesario dados los desplazamientos epistemológicos, sociales y políticos atravesados por el patriarcado, en el siglo XX, provocados por los movimientos anticapitalistas del operaísmo, el transfeminismo, el antirracismo, la descolonialidad y lo queer/cuir. Desde mi itinerario artístico como director escénico y activista cultural maricón me focalizo en el campo de la creación escénica identificada tradicionalmente con el teatro, pero que puede ser desbordada por géneros tan variados como la coreografía experimental, el arte de performance, la práctica drag, la acción de calle, las prácticas corporales colectivas, etc. Desde este movimiento de despatriarcalización y descolonización de la práctica escénica, categorías naturalizadas como “obra”, “director”, “autor”, “demiurgo” “artista”, “espectador”, “arte” y las lógicas de producción y sociabilidad que éstas reproducen entran en crisis. Se amplía, de esta forma, el margen de invención de otras categorías más múltiples, sociabilidades y sentimientos queer/cuir y maneras de hacer descolonizantes en el campo de la práctica escénica. A su vez, los procesos de creación artística situada diversifican su relación con otras prácticas sociales, modos de conocer alternativos y públicos contrahegemónicos
Un temblor lesbiano. Notas para una cartografía crítica de la historiografía feminista canónica sobre las prácticas artísticas lesbianas en el Estado español
Full text linkEl «tremolor lesbià» es proposa com un marc conceptual per a dislocar els règims de percepció i representació visual dominants, oferint una crítica a les narratives hegemòniques que han invisibilitzat les pràctiques i els discursos lesbians en la història de l\u27art. Prenent l\u27ecologia del tremolor de Koba Gómez en una sort de manifest que ens convida a pensar les imatges lesbianes des de la potència disruptiva i còmplice de la seua aparéixer, es planteja un recorregut crític pels intents de subjecció hegemònics exercits des de la història de l\u27art –fins i tot des d\u27aquella que se suposa feminista, crítica i contra-hegemònica– sobre les imatges travessades per identitats, desitjos, estètiques i discursos lesbians.
A través d\u27una metodologia híbrida que combina l\u27anàlisi teòrica amb una aproximació poètica, es desplega una cartografia crítica de la historiografia feminista canònica sobre les pràctiques artístiques lesbianes contemporànies en l\u27Estat espanyol i les seues principals aportacions tant a nivell expositiu com en matèria de publicacions, seminaris i un altre tipus de trobades. En esta revisió del statu quo (tremolors subjectats) s\u27assenyalen les lògiques d\u27exclusió i encotillament que estes han reproduït sobre unes certes imatges i discursos lesbodisidentes.
La hipòtesi de partida és entendre com les imatges lesbianes, en la seua aparéixer, conformen un tremolor que alberga la capacitat de desbaratar les hegemonies visuals i obrir nous camps de percepció que posen en qüestió les lògiques de la representació i les construccions històriques. Este text proposa reflexionar sobre la necessitat de generar altres espais de contacte i modes de trobada que habiliten noves formes d\u27investigació amb estes imatges, així com amb els cossos i contextos que les sostenen i possibiliten.The «lesbian tremor» is proposed as a conceptual framework to dislocate the dominant regimes of perception and visual representation, offering a critique of the hegemonic narratives that have made lesbian practices and discourses invisible in the history of art. Taking Koba Gómez\u27s «ecology of tremor» as a kind of manifesto that invites us to think about lesbian images from the disruptive and complicit power of their appearance, this paper proposes a critical journey through the attempts at hegemonic subjection exerted by the history of art – even that which is supposedly feminist, critical and counter-hegemonic – on images traversed by lesbian identities, desires, aesthetics and discourses.
Through a hybrid methodology that combines theoretical analysis with a poetic approach, a critical cartography of the canonical feminist historiography on contemporary lesbian artistic practices in Spain and its main contributions both at the exhibition level and in terms of publications, seminars and other types of meetings is deployed. In this revision of the status quo (subjected tremors), the logics of exclusion and constraint that these have reproduced on certain lesbodisident images and discourses are pointed out.
The starting hypothesis is to understand how lesbian images, in their appearance, constitute a tremor that harbours the capacity to disrupt visual hegemonies and open up new fields of perception that question the logics of representation and historical constructions. This text proposes to reflect on the need to generate other spaces of contact and modes of encounter that enable new forms of research with these images, as well as with the bodies and contexts that sustain and make them possible.El «temblor lesbiano» se propone como un marco conceptual para dislocar los regímenes de percepción y representación visual dominantes, ofreciendo una crítica a las narrativas hegemónicas que han invisibilizado las prácticas y los discursos lesbianos en la historia del arte. Tomando la ecología del temblor de Koba Gómez en una suerte de manifiesto que nos invita a pensar las imágenes lesbianas desde la potencia disruptiva y cómplice de su aparecer, se plantea un recorrido crítico por los intentos de sujeción hegemónicos ejercidos desde la historia del arte –incluso desde aquella que se supone feminista, crítica y contra-hegemónica– sobre las imágenes atravesadas por identidades, deseos, estéticas y discursos lesbianos.
A través de una metodología híbrida que combina el análisis teórico con una aproximación poética, se despliega una cartografía crítica de la historiografía feminista canónica sobre las prácticas artísticas lesbianas contemporáneas en el Estado español y sus principales aportes tanto a nivel expositivo como en materia de publicaciones, seminarios y otro tipo de encuentros. En esta revisión del statu quo (temblores sujetados) se señalan las lógicas de exclusión y encorsetamiento que estas han reproducido sobre ciertas imágenes y discursos lesbodisidentes.
La hipótesis de partida es entender cómo las imágenes lesbianas, en su aparecer, conforman un temblor que alberga la capacidad de desbaratar las hegemonías visuales y abrir nuevos campos de percepción que pongan en cuestión las lógicas de la representación y las construcciones históricas. Este texto propone reflexionar acerca de la necesidad de generar otros espacios de contacto y modos de encuentro que habiliten nuevas formas de investigación con estas imágenes, así como con los cuerpos y contextos que las sostienen y posibilitan
De Pabst a Goebbels: el cine de Weimar según Manuel Villegas López
Full text linkManuel Villegas López (1906-1981) was one of the most important film critics to emerge in Spain during the Silver Age. Throughout his career he echoed the German cinema of the Weimar era both in his work as a critic and as a film historian. The article studies his assessment of cinematography in the 1930s of the last century. It uses the reviews, articles, and lectures he wrote. Villegas was dazzled by titles such as Variety (Varieté, 1925), Melodie of the Heart (Melodie des Herzens, 1929), Berlin Alexanderplatz (1931), The Song of Life (Das Lied vom Leben, 1931), Girls in Uniform (Mädchen in Uniform, 1931), The Murderer Dimitri Karamasoff (Der Mörder Dimitri Karamasoff, 1931), or the French-German co-production Ariane, jeune fille russe (1932). He also warned of the dangers of Dawn (Morgenrot, 1933) and Nazi cinemaManuel Villegas López (1906-1981) fue uno de los críticos cinematográficos más importantes surgidos en España durante la Edad de Plata. A lo largo de su carreta se hizo eco del cine alemán de la época de Weimar tanto en su labor de crítico como de historiador del cine. El artículo estudia la valoración que realizó de aquella cinematografía en los años treinta del siglo pasado. Para ello se recurre a las críticas, artículos y conferencias que escribió. Villegas se sintió deslumbrado por títulos como Varieté (Varieté , 1925), La melodía del corazón (Melodie des Herzens, 1929), Hampa (Berlin Alexanderplatz, 1931), La canción de la vida (Das Lied vom Leben, 1931), Muchachas de uniforme (Mädchen in Uniform, 1931), Karamasoff, el asesino (Der Mörder Dimitri Karamasoff, 1931) o la coproducción franco-alemana Ariane, jeune fille russe (1932). Y advirtió del peligro que entrañaban Crepúsculo rojo (Morgenrot, 1933) y el cine nazi
La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades
Full text linkThe article “Sculpture in the Speculative Field: Prostheses, Cyborgs, and Monstrosities” explores three facets in the reconfiguration of the body and identity through contemporary sculpture. First, it examines the protocyborg era, where the prosthesis emerges as a tool that fuses the organic with the technological, transforming bodily communication. Examples such as the “Studio for Portrait-Masks” and the performative interventions by Rebecca Horn and Hanna Levy demonstrate how these artifacts not only reconfigure bodily image but also act as an artistic language that reaffirms individual identity. Secondly, the article addresses cyborg sculpture inspired by Donna Haraway’s Cyborg Manifesto which challenges traditional dichotomies between organism and machine. The hybridization of materials, evident in the works of artists like Hanna Levy, Marguerite Humeau, and the Hardware Pakui duo, becomes a means to rethink the body from a perspective that integrates the human and the technological, opening new discourses on race, class, and identity. Finally, the article investigates the presence of the monster in sculpture, a figure that represents the unrecognizable and subversive. Installations by Dominique White, Michele Gabriele, and Klára Hosnedlová illustrate how the monstrous is employed to question and transcend established boundaries, offering new possibilities for cultural resistance and transformation.El artículo “La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades” explora tres vertientes en la reconfiguración del cuerpo y la identidad a través de la escultura contemporánea diseccionada en tres etapas. En la primera, se analiza la era protocíborg, entendida como la antesala del cíborg. Aquí, el concepto prótesis emerge como herramienta que fusiona lo orgánico con la máquina, transformando la percepción corporal. Ejemplos como “Studio for Portrait-Masks” y las intervenciones performáticas de Rebecca Horn o Hanna Levy evidencian cómo estos artefactos no solo reconfiguran la imagen corporal, sino que actúan como un lenguaje artístico que reivindica la modificación de la identidad. Dentro de la segunda etapa, se aborda la escultura cíborg cuya piedra angular es el Manifiesto Ciborg de Donna Haraway, que desafía las dicotomías tradicionales entre organismo y máquina. La hibridación de materiales, visible en obras de artistas como Marguerite Humeau y el dúo Pakui Hardware, se convierte en el medio para repensar el cuerpo desde una perspectiva que interviene lo humano y lo tecnológico, abriendo nuevos discursos sobre raza, clase e identidad. La última fase, investiga la presencia de la idea del monstruo en la escultura, figura que representa lo irreconocible y subversivo. Instalaciones de Dominique White, Michele Gabriele y Klára Hosnedlová demuestran cómo lo monstruoso se utiliza para cuestionar y trascender los límites canónicos, ofreciendo nuevas posibilidades de resistencia y transformación cultural