OJS (Centro de Investigação em Artes e Comunicação)
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Advergaming in advertising communication: Case study Pepsiman and its brand awareness strategy
Full text linkLas estrategias publicitarias evolucionan a partir de la innovación tecnológica, es así que, de la publicidad en medios tradicionales se ha pasado a la publicidad digital, sin embargo, la infoxicación publicitaria en la internet ha conllevado a que el público objetivo rechace la presencia de las marcas que optan por esta estrategia, a partir de ello han tenido que innovar y presentar nuevas propuestas de comunicación publicitaria. Es así que el advergaming se presenta como una estrategia que pretende impulsar el brand awareness (recuerdo de la marca) y adaptarse a los avances de la web 4.0, ya que fusiona elementos publicitarios con la trama de un juego propio de la marca. Por consiguiente, la presente investigación tiene por objetivo analizar si la comunicación publicitaria mediante la estrategia del advergaming en el juego Pepsiman tiene un impacto significativo para el brand awareness en los estudiantes de la Universidad Técnica de Cotopaxi, para ello se utiliza un diseño no experimental de carácter exploratorio – descriptivo, aplicando enfoques cuantitativo y cualitativo. Los resultados indican que Pepsiman logra una inmersión visual y la integración coherente de la marca en el video juego. Por otra parte, genera una conexión positiva entre los jugadores y la marca, influyendo en la percepción y recordación del producto. Aunque algunos participantes no experimentaron cambios en su percepción, la mayoría reconoce la efectividad del juego como estrategia publicitaria. Finalmente, los expertos destacan el desafío de mantener la no intrusividad y reconocen el potencial futuro del advergaming con la evolución tecnológica.Advertising strategies evolve from technological innovation, thus, advertising in traditional media has moved to digital advertising, however the advertising infoxication on the internet has led to the target audience to reject the presence of brands that opt for this strategy, from this they have had to innovate and present new proposals for advertising communication, thus advergaming is presented as a strategy that aims to boost Brand Awareness (brand recall) and adapt to the progress of the web 4. 0, since it merges advertising elements with the plot of a brand’s own game. Therefore, the present research aims to analyze whether advertising communication through advergaming strategy in the Pepsiman game has a significant impact on Brand Awareness in students of the Technical University of Cotopaxi, using a non-experimental design of exploratory-descriptive character, applying quantitative and qualitative approaches. The results indicate that Pepsiman achieves visual immersion and coherent integration of the brand in the video game. On the other hand, it generates a positive connection between the players and the brand, influencing the perception and recall of the product. Although some participants did not experience changes in their perception, most of them recognize the effectiveness of the game as an advertising strategy. Finally, experts highlight the challenge of maintaining non-intrusiveness and recognize the future potential of advergaming with technological evolution.Advertising strategies evolve from technological innovation, thus, advertising in traditional media has moved to digital advertising, however the advertising infoxication on the internet has led to the target audience to reject the presence of brands that opt for this strategy, from this they have had to innovate and present new proposals for advertising communication, thus advergaming is presented as a strategy that aims to boost Brand Awareness (brand recall) and adapt to the progress of the web 4. 0, since it merges advertising elements with the plot of a brand’s own game. Therefore, the present research aims to analyze whether advertising communication through advergaming strategy in the Pepsiman game has a significant impact on Brand Awareness in students of the Technical University of Cotopaxi, using a non-experimental design of exploratory-descriptive character, applying quantitative and qualitative approaches. The results indicate that Pepsiman achieves visual immersion and coherent integration of the brand in the video game. On the other hand, it generates a positive connection between the players and the brand, influencing the perception and recall of the product. Although some participants did not experience changes in their perception, most of them recognize the effectiveness of the game as an advertising strategy. Finally, experts highlight the challenge of maintaining non-intrusiveness and recognize the future potential of advergaming with technological evolution.Advertising strategies evolve from technological innovation, thus, advertising in traditional media has moved to digital advertising, however the advertising infoxication on the internet has led to the target audience to reject the presence of brands that opt for this strategy, from this they have had to innovate and present new proposals for advertising communication, thus advergaming is presented as a strategy that aims to boost Brand Awareness (brand recall) and adapt to the progress of the web 4. 0, since it merges advertising elements with the plot of a brand’s own game. Therefore, the present research aims to analyze whether advertising communication through advergaming strategy in the Pepsiman game has a significant impact on Brand Awareness in students of the Technical University of Cotopaxi, using a non-experimental design of exploratory-descriptive character, applying quantitative and qualitative approaches. The results indicate that Pepsiman achieves visual immersion and coherent integration of the brand in the video game. On the other hand, it generates a positive connection between the players and the brand, influencing the perception and recall of the product. Although some participants did not experience changes in their perception, most of them recognize the effectiveness of the game as an advertising strategy. Finally, experts highlight the challenge of maintaining non-intrusiveness and recognize the future potential of advergaming with technological evolution
Em frente ao espelho: a “situação-cinema” segundo Roland Barthes
Full text linkIn “En sortant du cinema” (1975), Roland Barthes describes an altered state of consciousness, probably his own, while leaving a movie theatre, additionally depicting the moment that precedes the entrance and that which is lived inside the movie theater.Using this text as a starting point, in dialog with other works from Barthes and even with some authors that are referenced explicitly in it, such as Freud, Lacan or Brecht, the following brief essay intends to investigate the elements of the cinematic experience for the spectator-Barthes or for the multiple spectator that seems to be summoned to be present in the event.An experience with unclear limits, a hypnosis with transitory effects, a state of productive passivity, a wish for fusion, a loving distance, an ambivalent affection, these are all contradictory terms that define the “film-situation”.KeywordsBarthes · Autobiographical writing · Film-situation · HypnosisIntroduçãoEm “En sortant du cinéma”, texto de 1975, Roland Barthes descreve a experiência cinematográfica, tratando um modo preferencial de ir ao cinema, a relação que aí se funda, as suas condições de possibilidade, os efeitos da sessão, as hipóteses de fuga.Partindo, admissivelmente, da sua própria experiência de espectador, o autor procura caracterizar aquilo que apelida de “situação-cinema”, conceito de difícil delimitação, com epicentro na relação singular que o espectador, ou um certo tipo de espectador, estabelece com o cinema. Este construto conecta-se com outras formulações do pós-estruturalismo, nomeadamente com aquelas geradas na mesma época por autores como Metz (1975) ou Baudry, (1975) e publicadas no mesmo número da revista Communications onde se pode ler este texto. Em comum revelam uma peculiar aliança entre semiologia, psicanálise freudiana e lacaniana e ainda marxismo althusseriano, junção que resulta num discurso sobre o modo como cinema e ideologia se relacionam, como o próprio dispositivo cinematográfico é definidor de uma posição para o espectador, criando modos de espectatorialidade, e como este dispositivo se constitui simultaneamente como um produto social e um modo de funcionamento psíquico.A “situação-cinema” de que se fala aqui implica um sujeito disponível para se deixar fascinar e envolver num logro, engano que, favorecido pela identificação especular, leva o espectador a imergir na imagem fílmica, a acreditar na sua verosimilhança, anulando qualquer distância e transformando o cinema num espelho narcísico. Barthes compara a experiência com uma hipnose, estado mental que supõe um certo esvaziamento, um abandono, que precede e facilita aquilo que se vai passar na sala de cinema, que é o centro da experiência, mas não o seu início, nem o seu fim. A chave da fascinação encontra-se no escuro da sala, negro que qualifica como anónimo e indiferenciado e que constituiu o fundo sobre o qual a imagem projetada pode produzir a sua perturbação, numa experiência afetiva que se estende para fora da sessão Do lado do filme, a técnica, o som, o mimetismo da imagem em relação ao seu objeto, em suma, a naturalização da imagem fílmica, tudo contribui para o fechamento do espectador numa relação dual. Embora a experiência hipnótica, a fascinação cinematográfica, fundada sobre a identificação especular criadora do imaginário, tenda a prender o espectador, esta pode ser rompida pela introdução de uma distanciação, pela consciência de uma “situação”, que inclui todos os seus elementos, como o som, a sala, a obscuridade, os outros corpos, o artifício da projeção, o espaço e o tempo que antecedem e sucedem a sessão, “situação” que vem contextualizar e complexificar uma “relação”. Uma relação dual é triangulada pela introdução do contexto em que ela própria opera. Contudo, diz Barthes, tal não deixará de constituir uma forma de se deixar fascinar duplamente: pela imagem, que captura um corpo narcísico colado e abandonado ao espelho-ecrã e pelo contexto, que “fetichiza” o que está para além da imagem.Deste modo, a “situação-cinema” é concomitantemente a relação que um determinado espectador estabelece com a experiência cinematográfica, um estado mental por ela produzido, as condições materiais atuantes, que definem e facilitam a experiência, os seus efeitos para lá da sessão e a predisposição que a antecede.In “En sortant du cinema” (1975), Roland Barthes describes an altered state of consciousness, probably his own, while leaving a movie theatre, additionally depicting the moment that precedes the entrance and that which is lived inside the movie theater.Using this text as a starting point, in dialog with other works from Barthes and even with some authors that are referenced explicitly in it, such as Freud, Lacan or Brecht, the following brief essay intends to investigate the elements of the cinematic experience for the spectator-Barthes or for the multiple spectator that seems to be summoned to be present in the event.An experience with unclear limits, a hypnosis with transitory effects, a state of productive passivity, a wish for fusion, a loving distance, an ambivalent affection, these are all contradictory terms that define the “film-situation”.KeywordsBarthes · Autobiographical writing · Film-situation · HypnosisIntroduçãoEm “En sortant du cinéma”, texto de 1975, Roland Barthes descreve a experiência cinematográfica, tratando um modo preferencial de ir ao cinema, a relação que aí se funda, as suas condições de possibilidade, os efeitos da sessão, as hipóteses de fuga.Partindo, admissivelmente, da sua própria experiência de espectador, o autor procura caracterizar aquilo que apelida de “situação-cinema”, conceito de difícil delimitação, com epicentro na relação singular que o espectador, ou um certo tipo de espectador, estabelece com o cinema. Este construto conecta-se com outras formulações do pós-estruturalismo, nomeadamente com aquelas geradas na mesma época por autores como Metz (1975) ou Baudry, (1975) e publicadas no mesmo número da revista Communications onde se pode ler este texto. Em comum revelam uma peculiar aliança entre semiologia, psicanálise freudiana e lacaniana e ainda marxismo althusseriano, junção que resulta num discurso sobre o modo como cinema e ideologia se relacionam, como o próprio dispositivo cinematográfico é definidor de uma posição para o espectador, criando modos de espectatorialidade, e como este dispositivo se constitui simultaneamente como um produto social e um modo de funcionamento psíquico.A “situação-cinema” de que se fala aqui implica um sujeito disponível para se deixar fascinar e envolver num logro, engano que, favorecido pela identificação especular, leva o espectador a imergir na imagem fílmica, a acreditar na sua verosimilhança, anulando qualquer distância e transformando o cinema num espelho narcísico. Barthes compara a experiência com uma hipnose, estado mental que supõe um certo esvaziamento, um abandono, que precede e facilita aquilo que se vai passar na sala de cinema, que é o centro da experiência, mas não o seu início, nem o seu fim. A chave da fascinação encontra-se no escuro da sala, negro que qualifica como anónimo e indiferenciado e que constituiu o fundo sobre o qual a imagem projetada pode produzir a sua perturbação, numa experiência afetiva que se estende para fora da sessão Do lado do filme, a técnica, o som, o mimetismo da imagem em relação ao seu objeto, em suma, a naturalização da imagem fílmica, tudo contribui para o fechamento do espectador numa relação dual. Embora a experiência hipnótica, a fascinação cinematográfica, fundada sobre a identificação especular criadora do imaginário, tenda a prender o espectador, esta pode ser rompida pela introdução de uma distanciação, pela consciência de uma “situação”, que inclui todos os seus elementos, como o som, a sala, a obscuridade, os outros corpos, o artifício da projeção, o espaço e o tempo que antecedem e sucedem a sessão, “situação” que vem contextualizar e complexificar uma “relação”. Uma relação dual é triangulada pela introdução do contexto em que ela própria opera. Contudo, diz Barthes, tal não deixará de constituir uma forma de se deixar fascinar duplamente: pela imagem, que captura um corpo narcísico colado e abandonado ao espelho-ecrã e pelo contexto, que “fetichiza” o que está para além da imagem.Deste modo, a “situação-cinema” é concomitantemente a relação que um determinado espectador estabelece com a experiência cinematográfica, um estado mental por ela produzido, as condições materiais atuantes, que definem e facilitam a experiência, os seus efeitos para lá da sessão e a predisposição que a antecede.In “En sortant du cinema” (1975), Roland Barthes describes an altered state of consciousness, probably his own, while leaving a movie theatre, additionally depicting the moment that precedes the entrance and that which is lived inside the movie theater.Using this text as a starting point, in dialog with other works from Barthes and even with some authors that are referenced explicitly in it, such as Freud, Lacan or Brecht, the following brief essay intends to investigate the elements of the cinematic experience for the spectator-Barthes or for the multiple spectator that seems to be summoned to be present in the event.An experience with unclear limits, a hypnosis with transitory effects, a state of productive passivity, a wish for fusion, a loving distance, an ambivalent affection, these are all contradictory terms that define the “film-situation”.KeywordsBarthes · Autobiographical writing · Film-situation · HypnosisIntroduçãoEm “En sortant du cinéma”, texto de 1975, Roland Barthes descreve a experiência cinematográfica, tratando um modo preferencial de ir ao cinema, a relação que aí se funda, as suas condições de possibilidade, os efeitos da sessão, as hipóteses de fuga.Partindo, admissivelmente, da sua própria experiência de espectador, o autor procura caracterizar aquilo que apelida de “situação-cinema”, conceito de difícil delimitação, com epicentro na relação singular que o espectador, ou um certo tipo de espectador, estabelece com o cinema. Este construto conecta-se com outras formulações do pós-estruturalismo, nomeadamente com aquelas geradas na mesma época por autores como Metz (1975) ou Baudry, (1975) e publicadas no mesmo número da revista Communications onde se pode ler este texto. Em comum revelam uma peculiar aliança entre semiologia, psicanálise freudiana e lacaniana e ainda marxismo althusseriano, junção que resulta num discurso sobre o modo como cinema e ideologia se relacionam, como o próprio dispositivo cinematográfico é definidor de uma posição para o espectador, criando modos de espectatorialidade, e como este dispositivo se constitui simultaneamente como um produto social e um modo de funcionamento psíquico.A “situação-cinema” de que se fala aqui implica um sujeito disponível para se deixar fascinar e envolver num logro, engano que, favorecido pela identificação especular, leva o espectador a imergir na imagem fílmica, a acreditar na sua verosimilhança, anulando qualquer distância e transformando o cinema num espelho narcísico. Barthes compara a experiência com uma hipnose, estado mental que supõe um certo esvaziamento, um abandono, que precede e facilita aquilo que se vai passar na sala de cinema, que é o centro da experiência, mas não o seu início, nem o seu fim. A chave da fascinação encontra-se no escuro da sala, negro que qualifica como anónimo e indiferenciado e que constituiu o fundo sobre o qual a imagem projetada pode produzir a sua perturbação, numa experiência afetiva que se estende para fora da sessão Do lado do filme, a técnica, o som, o mimetismo da imagem em relação ao seu objeto, em suma, a naturalização da imagem fílmica, tudo contribui para o fechamento do espectador numa relação dual. Embora a experiência hipnótica, a fascinação cinematográfica, fundada sobre a identificação especular criadora do imaginário, tenda a prender o espectador, esta pode ser rompida pela introdução de uma distanciação, pela consciência de uma “situação”, que inclui todos os seus elementos, como o som, a sala, a obscuridade, os outros corpos, o artifício da projeção, o espaço e o tempo que antecedem e sucedem a sessão, “situação” que vem contextualizar e complexificar uma “relação”. Uma relação dual é triangulada pela introdução do contexto em que ela própria opera. Contudo, diz Barthes, tal não deixará de constituir uma forma de se deixar fascinar duplamente: pela imagem, que captura um corpo narcísico colado e abandonado ao espelho-ecrã e pelo contexto, que “fetichiza” o que está para além da imagem.Deste modo, a “situação-cinema” é concomitantemente a relação que um determinado espectador estabelece com a experiência cinematográfica, um estado mental por ela produzido, as condições materiais atuantes, que definem e facilitam a experiência, os seus efeitos para lá da sessão e a predisposição que a antecede.No texto “En sortant du cinéma” (1975), Roland Barthes narra um estado alterado de consciência, em princípio o seu próprio, à saída de uma sessão de cinema, relatando ainda aquele que o precede à entrada e a experiência vivida na sala.Partindo deste texto, colocado em diálogo com outros de Barthes e ainda com alguns autores que são referências explicitas do mesmo, como Freud, Lacan ou Brecht, o ensaio que agora se apresenta procura investigar em que consiste a experiência cinematográfica para o espectador-Barthes ou para aquele espectador múltiplo que parece ter sido convocado a marcar presença no evento.Uma experiência com limites difusos, uma hipnose de efeitos transitórios, um estado de passividade produtiva, um desejo de fusão, uma distância amorosa, um afeto ambivalente, tais poderão ser os termos contraditórios que definem a “situação-cinema”
Voices of Empowerment: A Feminist Literary Tour Through Matosinhos, Exploring Florbela Espanca’s Poetry
Full text linkThis paper aims to develop a literary tour in Matosinhos focused on exploring the poetry of Florbela Espanca and her contributions to feminism. The objective is to create a tailored experience that offers visitors an immersive journey into Espanca’s world, highlighting her literary works and feminist ideals.To achieve this objective, the methodology employed includes a literature review to understand Espanca’s poetry and its feminist undertones, interviews with local experts and scholars familiar with Espanca’s life and work, and fieldwork to explore the cultural and historical and geographical context of Matosinhos.This paper stems from the project undertaken as a part of ISCAP Master’s program in Intercultural Studies for Business at Porto Polytechnic, responding to contemporary trends in tourism that prioritize authentic and personalized experiences over mass tourism. By combining creativity with a niche market approach, the project aims to demonstrate the viability and significance of literary tourism, particularly in celebrating the often overlooked contributions of women writers like Florbela Espanca. Through “FEMME: Exploring Florbela’s Matosinhos: a literary tour where poetry and feminism converge,” the project underscores the importance of crafting meaningful and inclusive experiences that resonate with travellers seeking intellectual and emotional engagement.Este artigo pretende desenvolver um passeio literário em Matosinhos centrado na exploração da poesia de Florbela Espanca e dos seus contributos para o feminismo. O objetivo é criar uma experiência personalizada que ofereça aos visitantes uma viagem imersiva ao mundo de Espanca, destacando as suas obras literárias e ideais feministas.Para atingir este objetivo, a metodologia utilizada inclui uma revisão da literatura para compreender a poesia de Espanca e as suas implicações feministas, entrevistas com especialistas locais e académicos familiarizados com a vida e obra de Espanca, e trabalho de campo para explorar o contexto cultural, histórico e geográfico de Matosinhos.Este artigo resulta de um projeto realizado no âmbito do Mestrado em Estudos Interculturais para Negócios do ISCAP no Politécnico do Porto, respondendo às tendências contemporâneas do turismo que privilegiam as experiências autênticas e personalizadas em detrimento do turismo de massas. Ao combinar a criatividade com uma abordagem de nicho de mercado, o projeto pretende demonstrar a viabilidade e o significado do turismo literário, particularmente na divulgação das contribuições frequentemente negligenciadas de mulheres escritoras como Florbela Espanca. Através de “FEMME: Exploring Florbela’s Matosinhos: a literary tour where poetry and feminism converge”, o projeto sublinha a importância de criar experiências significativas e inclusivas que ressoem junto dos viajantes que procuram um envolvimento intelectual e emocional
A presença (ou ausência) das mulheres artistas nos livros de História da Arte e seu impacto na abertura de espaços e oportunidades para mulheres hoje
Full text linkThis article aims to relate the patriarchal way Art History is presented in books and the way artists are currently exhibited, in order to find practical solutions to reduce these inequalities in the art market, pointing to structural changes in Basic Education. The driving force was the analysis of the Sistema Trilhas book (2019), for the 9th year of Elementary School, with a chapter aimed at artists while others dealt with content without female citations, leading to research in other textbooks and resulting in the title of this article. As references, studies of female contributions with names suppressed in Basic Education textbooks and the presentation of several women who contributed to the history of art from the Renaissance to contemporary times were used. As a methodology, the crossing of statistics on exhibitions in museums and galleries carried out by the São Paulo Museum of Art, Guerrilla Girls Group and researchers Dr. Ana Paula Simioni and Dr. Linda Nochlin, reported in this article, with the survey of cultural events held in the capital of Pernambuco, through the Recife Cultural Agenda in the months of January to December between the years 2019 and 2023.This article aims to relate the patriarchal way Art History is presented in books and the way artists are currently exhibited, in order to find practical solutions to reduce these inequalities in the art market, pointing to structural changes in Basic Education. The driving force was the analysis of the Sistema Trilhas book (2019), for the 9th year of Elementary School, with a chapter aimed at artists while others dealt with content without female citations, leading to research in other textbooks and resulting in the title of this article. As references, studies of female contributions with names suppressed in Basic Education textbooks and the presentation of several women who contributed to the history of art from the Renaissance to contemporary times were used. As a methodology, the crossing of statistics on exhibitions in museums and galleries carried out by the São Paulo Museum of Art, Guerrilla Girls Group and researchers Dr. Ana Paula Simioni and Dr. Linda Nochlin, reported in this article, with the survey of cultural events held in the capital of Pernambuco, through the Recife Cultural Agenda in the months of January to December between the years 2019 and 2023.This article aims to relate the patriarchal way Art History is presented in books and the way artists are currently exhibited, in order to find practical solutions to reduce these inequalities in the art market, pointing to structural changes in Basic Education. The driving force was the analysis of the Sistema Trilhas book (2019), for the 9th year of Elementary School, with a chapter aimed at artists while others dealt with content without female citations, leading to research in other textbooks and resulting in the title of this article. As references, studies of female contributions with names suppressed in Basic Education textbooks and the presentation of several women who contributed to the history of art from the Renaissance to contemporary times were used. As a methodology, the crossing of statistics on exhibitions in museums and galleries carried out by the São Paulo Museum of Art, Guerrilla Girls Group and researchers Dr. Ana Paula Simioni and Dr. Linda Nochlin, reported in this article, with the survey of cultural events held in the capital of Pernambuco, through the Recife Cultural Agenda in the months of January to December between the years 2019 and 2023.Este artigo objetiva relacionar a maneira patriarcal da história da arte ser apresentada nos livros e a forma de expor artistas atualmente, a fim de encontrar soluções práticas para diminuir essas desigualdades no mercado da arte, apontando para mudanças estruturais na Educação Básica. Teve como impulsionador a análise do livro do Sistema Trilhas (2019), para 9º ano do Ensino Fundamental, com um capítulo direcionado às artistas enquanto outros tratavam de conteúdos sem citações femininas, ocasionando uma pesquisa em outros livros didáticos e resultando no título deste artigo. Como referências foram utilizados estudos de contribuições femininas com nomes suprimidos nos livros didáticos da Educação Básica e a apresentação de várias mulheres que contribuíram para a História da Arte desde o Renascimento até a Contemporaneidade. Como metodologia, o cruzamento de estatísticas de exposições em museus e galerias feitos pelo Museu de Arte de São Paulo, Grupo Guerrilla Girls e as pesquisadoras Dra. Ana Paula Simioni e Dra. Linda Nochlin, relatados neste artigo, com o levantamento de eventos culturais realizados na capital pernambucana, através da Agenda Cultural do Recife nos meses de janeiro a dezembro nos anos de 2019 a 2023
Relato de Processo da obra de Bruno Grilo em Exposição colectiva na Casa-Museu Abel Salazar com o título A apologia da crise (do desconforto e do diálogo como paradoxo)
Full text linkThe present narrative about the creative and exhibition process of Bruno Grilo’s artistic work brings together a set of works developed in 2019 for the collective exhibition at Casa-Museu Abel Salazar, as part of the PhD in Fine Arts – The Site and the Place: Essays on Practice and Criticism, based on the case study of the Algarve. The project was developed in the form of three sculptures that aimed to dialogue with each other, despite being exhibited in different areas of Casa-Museu Abel Salazar. The works were as follows bellow: Fictional Freedom. Wood and yellow industrial paint. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; Untitled. Wood, digital print on MDF. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; and Untitled. Balsa wood. Various dimensions.The present narrative about the creative and exhibition process of Bruno Grilo’s artistic work brings together a set of works developed in 2019 for the collective exhibition at Casa-Museu Abel Salazar, as part of the PhD in Fine Arts – The Site and the Place: Essays on Practice and Criticism, based on the case study of the Algarve. The project was developed in the form of three sculptures that aimed to dialogue with each other, despite being exhibited in different areas of Casa-Museu Abel Salazar. The works were as follows bellow: Fictional Freedom. Wood and yellow industrial paint. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; Untitled. Wood, digital print on MDF. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; and Untitled. Balsa wood. Various dimensions.The present narrative about the creative and exhibition process of Bruno Grilo’s artistic work brings together a set of works developed in 2019 for the collective exhibition at Casa-Museu Abel Salazar, as part of the PhD in Fine Arts – The Site and the Place: Essays on Practice and Criticism, based on the case study of the Algarve. The project was developed in the form of three sculptures that aimed to dialogue with each other, despite being exhibited in different areas of Casa-Museu Abel Salazar. The works were as follows bellow: Fictional Freedom. Wood and yellow industrial paint. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; Untitled. Wood, digital print on MDF. Dimensions: 150 x 200 x 40cm; and Untitled. Balsa wood. Various dimensions.O presente relato de processo criativo e expositivo da obra artística de Bruno Grilo reúne um conjunto de trabalhos desenvolvidos em 2019 para a Exposição colectiva na Casa-Museu Abel Salazar, no âmbito do doutoramento em Artes Plásticas – O Sítio e o Lugar: Ensaios sobre a Prática e a Crítica, a partir do caso de estudo do Algarve. O projecto foi desenvolvido sob a forma de três esculturas que pretendiam dialogar entre si, apesar de expostas em áreas distintas da Casa-Museu Abel Salazar, sendo as obras as seguintes: Liberdade Ficcional. Madeira e tinta industrial amarela. Dimensões: 150 x 200 x 40cm (Fig. 1); Sem título. Madeira, impressão digital sobre MDF. Dimensões: 150 x 200 x 40cm (Fig. 2); e Sem título. Madeira de Balsa. Dimensões variadas (Fig. 3)
Romy Schneider em Portugal: Cinema transnacional e censura no período Marcelista (1968-1974)
Full text linkThe main objective of this paper is to analyze the presence of Romy Schneider in Portuguese cinemas, especially in the Algarve region, valuing the transnational dimension of her stardom, and simultaneously analyzing the processes of censorship of the actress’s films in Portugal. The chronological period chosen for this article goes from 1968 to 1974, i.e. the final period of the Portuguese dictatorship, during which Marcelo Caetano was President of the Council of Ministers. These years coincide with a different representation of the actress on screen from the one that made her famous in the 1950s, projecting an image of purity and candour, especially with the trilogy Sissi, the Austrian Empress. What were the censors’ comments? Was there more openness in the censorship criteria for films, regarding showing naked body images and ethical issues, in these last years of the Portuguese dictatorship? These are questions that we will try to answer, considering the contents of censorship reports. The research presented here was developed in the archives of the National Secretariat of Information and Tourism, namely in the foreign film censorship minutes, which are deposited in the National Archive of Torre do Tombo (ANTT) in Lisbon.
The main objective of this paper is to analyze the presence of Romy Schneider in Portuguese cinemas, especially in the Algarve region, valuing the transnational dimension of her stardom, and simultaneously analyzing the processes of censorship of the actress’s films in Portugal. The chronological period chosen for this article goes from 1968 to 1974, i.e. the final period of the Portuguese dictatorship, during which Marcelo Caetano was President of the Council of Ministers. These years coincide with a different representation of the actress on screen from the one that made her famous in the 1950s, projecting an image of purity and candour, especially with the trilogy Sissi, the Austrian Empress. What were the censors’ comments? Was there more openness in the censorship criteria for films, regarding showing naked body images and ethical issues, in these last years of the Portuguese dictatorship? These are questions that we will try to answer, considering the contents of censorship reports. The research presented here was developed in the archives of the National Secretariat of Information and Tourism, namely in the foreign film censorship minutes, which are deposited in the National Archive of Torre do Tombo (ANTT) in Lisbon.The main objective of this paper is to analyze the presence of Romy Schneider in Portuguese cinemas, especially in the Algarve region, valuing the transnational dimension of her stardom, and simultaneously analyzing the processes of censorship of the actress’s films in Portugal. The chronological period chosen for this article goes from 1968 to 1974, i.e. the final period of the Portuguese dictatorship, during which Marcelo Caetano was President of the Council of Ministers. These years coincide with a different representation of the actress on screen from the one that made her famous in the 1950s, projecting an image of purity and candour, especially with the trilogy Sissi, the Austrian Empress. What were the censors’ comments? Was there more openness in the censorship criteria for films, regarding showing naked body images and ethical issues, in these last years of the Portuguese dictatorship? These are questions that we will try to answer, considering the contents of censorship reports. The research presented here was developed in the archives of the National Secretariat of Information and Tourism, namely in the foreign film censorship minutes, which are deposited in the National Archive of Torre do Tombo (ANTT) in Lisbon.O objetivo principal deste artigo é investigar a presença de Romy Schneider nos cinemas portugueses, em particular na região do Algarve, valorizando a dimensão transnacional do seu estrelato, e analisando, simultaneamente, os processos de censura aos filmes da atriz em Portugal. O período cronológico escolhido para este artigo vai de 1968 a 1974, ou seja, o período final da ditadura portuguesa, no qual Marcelo Caetano foi Presidente do Conselho de Ministros. Estes anos coincidem com uma representação da atriz no ecrã diferente daquela que a celebrizou nos anos 50, projetando uma imagem de pureza e candura, sobretudo com a trilogia Sissi, a Imperatriz austríaca, e correspondem ao período áureo da sua carreira na indústria de cinema da Europa mediterrânea. Quais os comentários dos censores? Havia maior abertura nos critérios da censura aos filmes, no que respeita a mostrar imagens de corpo nu e a assuntos de ordem ética, nestes últimos anos da ditadura portuguesa? Estas são questões a que tentaremos dar resposta, tendo em conta o conteúdo dos relatórios e processos de censura. A investigação aqui apresentada desenvolveu-se nos arquivos do Secretariado Nacional da Informação e Turismo, nomeadamente nos processos de censura aos filmes estrangeiros, que estão depositados no Arquivo Nacional da Torre do Tombo (ANTT) em Lisboa
Ut pictura, poesis: diálogo(s) inter-artes no romance Uma Florença para Caravaggio, de Diomira Maria
Full text linkO presente artigo procura evidenciar o elo inter-artes que domina a obra Uma Florença Para Caravaggio, da escritora brasileira Diomira Maria. O discurso do narrador reenvia-nos para Florença, a cidade onde vive a família Médicis, um espaço requintado e culturalmente florescente, onde dialogam, nas mais altas esferas culturais, os artistas da renascença italiana. Num périplo que se faz caminhando ora apressadamente, ora com lentidão, o leitor vai descobrindo a paisagem humana e a paisagem natural sob a égide da visão, mas, também, dos outros sentidos. O percurso realizado na obra pode servir como base para um passeio turístico na contemporaneidade. Numa revisitação literária, é possível realizar um trajeto que evidencia os espaços focalizados na obra, que podem traduzir uma “literatura de turismo”, passível de ser visitada: a ponte di Vecchio; a catedral de Florença; o baptistério; as ruas; os palácios com maior destaque na cidade; os conventos; as igrejas; as galerias onde a arte se refugia. A trama que envolve a ligação amorosa vivenciada entre Maria de Médicis – futura rainha de França – e o pintor milanês Miguel Caravaggio serve de pretexto para se aflorar diversas temáticas. E assim brotam, ante os olhos do leitor, as artes, quer pela abordagem que delas se realiza nos diálogos das personagens, quer pelo resultado efetivamente concretizado pelos artistas, de onde sobressaem a pintura, a arquitetura e a escultura, passando pelo teatro. Entre elas, a problemática da arte no feminino ou a importância da educação feminina, e faz embrenhar o leitor numa arte duplamente arquitetada: a da narração e a da pintura.This article seeks to highlight the inter-arts link that dominates the work A Florence for Caravaggio, by the Brazilian writer Diomira Maria. The narrator’s speech takes us back to Florence, the city where the Medicis family lives, a refined and culturally flourishing space, where the artists of the Italian Renaissance dialogue, in the highest cultural spheres. In a journey that is made by walking, sometimes hurriedly, sometimes slowly, the reader discovers the human landscape and the natural landscape the human landscape and the natural landscape under the aegis of sight, but also of the other senses. The route taken in the construction site can serve as a basis for a contemporary sightseeing tour. In a literary revisitation, it is possible to take a route that refers to the spaces focused on in the work, that can translate a “tourism literature”, which can be visited: the bridge di Vecchio, with its workshops and shops; the cathedral of Florence; the baptistery; the streets; the most prominent palaces in the city; convents; the churches; the galleries where art takes refuge. The plot that involves the love affair between Marie de’ Medici – future queen of France – and the Milanese painter Michelangelo Caravaggio serves as a pretext for touching on various themes. And so, before the reader’s eyes, the arts emerge, both because of the approach that is made to them in the dialogues of the characters, and because of the result effectively achieved by the artists, from which painting, the theatre, architecture and sculpture stand out. Among them, the problematic of art in the feminine or the importance of female education, and immerses the reader in an art doubly architected: that of narration and that of painting
Enhancing Students’ Interest in Literature through Literary Tourism
Full text linkIn contemporary society, the decline in reading habits, often attributed to the pervasive influence of technology, is a well-documented phenomenon. At the same time, statistics show a drop in the number of students choosing Literature as their major field of study, which is presumably driven by a perceived lack of practical value in the field, with students increasingly opting for scientific disciplines. Given this context, it becomes imperative for us as educators to find new ways of reigniting students’ interest in literary works. This paper aims to investigate strategies for achieving this goal, by suggesting literary tourism and exploring its educational potential which seems to be under-researched despite the growing interest about literary tourism during the last few years. Drawing on the theory of experiential learning, this paper claims that by actively involving pupils in literary experiences beyond the confines of the classroom, such as organizing school trips to literary sites, may not only promote active learning, better understanding, and retention of knowledge, but also cultivate appreciation for and enthusiasm in engaging with literature
Cartography and literary tourism in the backlands of Rosa
No full text“Cartografia e turismo literário” tem como propósito apresentar um “modo de fazer” utilizado no processo de representação cartográfica do território da infância e obra do escritor João Guimarães Rosa. Fruto de um projeto de extensão baseado no diálogo com a comunidade, visitantes, estudantes e professores da Universidade Federal de Minas Gerais, esse projeto é concebido a partir dos seguintes pilares: a geografia, a cartografia e o turismo literário. Assim, utilizam-se as referências do universo literário na geografia do lugar para desenhar mapas literários, que passam a representar uma geografia literária do lugar. Esses mapas passam a “contar” uma narrativa a partir de uma perspectiva, seja do enredo, de uma determinada personagem, da própria obra ou da história do escritor, apresentando o território-testemunho da obra literária. A partir desses mapas e dos estudos realizados é possível elaborar representações poéticas de rotas pelo sertão rosiano, apoiadas pelo design, que provocam o imaginário do visitante quanto ao patrimônio material e imaterial do sertão, da sua gente e da sua paisagem.“Cartography and literary tourism” aims to present a “way of doing things” used in the process of cartographic representation of the territory of the childhood and work of the writer João Guimarães Rosa. The result of an extension project that is based on dialogue with the community, visitors, students and teachers at the Federal University of Minas Gerais. This project is conceived based on the following pillars: geography, cartography and literary tourism. Thus, references from the literary universe in the geography of the place are used to draw literary maps, which come to represent a literary geography of places. These maps begin to “tell” a story, from a perspective, whether that of the plot, the story of the work itself or that of a certain character or even the story of the writer, presenting the testimonial territory of the literary work. Based on these maps and the studies carried out, it is possible to create poetic representations of routes through the hinterland of Rosa, supported by design, which provoke the visitor's imagination regarding the material and immaterial heritage of the hinterland, its people and its landscape