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L’écrivain fictif entre caricature et modélisation au tournant du XIXe siècle
No full textDuring the Belle Époque, the writer’s novel gradually replaces the painter’s novel and forms a platform for asking questions about the role of the author in bourgeois society and the causes of their distress. Through this work, the author thus conveys an axiological portrait of himself which, implicitly referring to the difficulty of creation, gives an account of the values shaping the end of the century. The resulting modelling incorporates caricature, which becomes omnipresent in the 19th century, not only for the parodical load that characterises it, but for the accepted power that exaggeration, distortion and joke hold in the interpretation of reality. From Huysmans to Gide, from Lorrain to Gourmont, from Dumur to Mauclair, Mirbeau or Céard, the writer’s novel makes caricature and the devaluation a guarantee of the authenticity of the fictional self-projection.Durant la Belle Époque, le roman de l’écrivain supplante progressivement le roman du peintre et se constitue en un filon qui donne lieu à une interrogation sur le rôle de l'homme de lettres dans la société bourgeoise et sur les causes de son désarroi. L’auteur véhicule ainsi à travers son œuvre un portrait axiologique de soi qui, renvoyant implicitement à la difficulté de la création, rend compte des valeurs qui façonnent la fin de siècle. La modélisation qui en découle intègre la caricature, devenue omniprésente au XIXe siècle, non seulement pour la charge parodique qui la caractérise, mais pour le pouvoir désormais accepté que l’exagération, la déformation et la blague détiennent dans l’interprétation du réel. De Huysmans à Gide, de Lorrain à Gourmont, de Dumur à Mauclair, Mirbeau ou Céard, le roman de l’écrivain fait de la caricature et de la dévaluation la garantie de l’authenticité de la projection autofictive
La caricature sociale dans les albums de Jean Bruller : une Comédie humaine de l’entre-deux-guerres
Get PDFThe first albums of the cartoonist Jean Bruller propose an original social caricature by combining text and image. La danse des vivants (1932-1938) aspires to illustrate the human comedy of the 20th century with a caricature of customs and a universalist tone; Visions intimes et rassurantes de la guerre (1936) is anchored in the interwar years to develop a social criticism strongly influenced by the threats of war. This article offers an in-depth analysis of the aesthetics of Jean Bruller’s two works, marked by a particularly wry and ironic humour and some pessimism. This analytical approach will also be complemented by an account of the dialogue between the work and the artist’s thinking, as well as of the dialogue between his production and the historical-social context.Les premiers albums du dessinateur Jean Bruller proposent une caricature sociale originale par la combinaison du texte et de l’image. Si La danse des vivants (1932-1938) aspire à illustrer la comédie humaine du XXe siècle par la caricature de mœurs et un ton universaliste, Visions intimes et rassurantes de la guerre (1936) s’ancre dans la période de l’entre-deux-guerres pour développer une critique sociale fortement influencée par les menaces de guerre. Cet article propose une analyse approfondie de l’esthétique de ces deux ouvrages brulleriens, marqués par un humour particulièrement mordant et ironique et par un certain arrière-goût pessimiste. Cette approche analytique se nourrira de même du dialogue entre l'œuvre et la pensée de l’artiste, ainsi que du dialogue entre sa production et le contexte historico-social
La mode féminine de la seconde moitié du XIXe siècle dans la caricature iconographique et littéraire
Get PDFThe present paper analyzes the relationship between the caricature and the women’s fashion of the second half of the 19th century. The period was favorable for fashion caricature, because, while reflecting the political, economic and social transformations of the time, the clothing trends endorsed at the time by fashion magazines were based on the exaggeration and distortion that we identify among the weapons of humorists. The first part of the paper focuses on the graphical representation of fashion, in particular of the crinoline, and aims to discover the messages hidden in those illustrations. The second part analyzes the motif of the fashion and the clothing in the Bertall’s satirical text, Comédie de notre temps, and tries to define the image of the woman at that time and her role in the French bourgeois society.L’article analyse la relation entre la caricature et la mode à partir de quelques exemples de la satire visuelle et textuelle de la seconde moitié du XIXe siècle. La période est propice à la caricature de mode car, tout en reflétant les transformations politiques, économiques et sociales du temps, les tendances vestimentaires prônées à l'époque par les périodiques de mode reposent sur l'exagération et la déformation, qualités qui sont aussi les armes des humoristes. La première partie examine la représentation graphique du costume féminin, avant tout celle de la crinoline-cage, et les significations véhiculées par ces images railleuses. La seconde se concentre sur les fragments de La Comédie de notre temps (1874-1876) de Bertall, consacrés à la mode et au vêtement, et cherche à définir l'image de la femme et sa place dans la société bourgeoise en pleine mutation
Caricature textuelle et visuelle française du XIXe siècle. Enjeux sémiologiques d’une analyse icono-textuelle
Get PDFThis article considers caricature as an icono-verbal tool that mobilizes shared cultural codes. It shows that in the 19th century, both visual (in this case, Daumier and Gavarni) and textual caricature (in this case, Balzac, Baudelaire, Stendhal, Musset, Flaubert, Huysmans) were designed based on the model of a theatrical scene which plays on the rich possibilities offered by the combination of text and image at the heart of comical mechanisms.
Indeed, invalidating the observation of the primacy of image over text (Charles Baudelaire's stance) or vice versa: of text over image (represented by Roland Barthes), this article posits that the visual and the textual take on fluid roles and complement each other. As such, the consonance or dissonance between the image and its title/legend are two types of relationships that contribute to the birth of laughter as well as to the semantic richness of a caricature.
This vision of laughter proceeding above all from formal mechanisms could lead one to believe that the evaluation of the adopted value systems is superfluous. The important thing would be to understand and analyze, not to judge. Against such a claim, this article supports the need to add to the formal analysis of a work in its historical context, its ethical positioning in the face of its explicit and implicit ideological implications.Cet article considère la caricature en tant que dispositif icono-verbal qui mobilise des codes culturels partagés. Il montre qu’au XIXe siècle, la caricature visuelle (ici Daumier et Gavarni) comme la caricature textuelle (ici Balzac, Baudelaire, Stendhal, Musset, Flaubert, Huysmans) sont pensées sur le modèle de la scène théâtrale qui joue des riches possibilités offertes par la combinatoire du texte et de l'image au cœur des mécanismes comiques.
En effet, invalidant le constat d'un primat de l’image sur le texte (position de Charles Baudelaire) ou inversement du texte sur l’image (position de Roland Barthes), cet article rappelle que le visuel et le textuel assument des rôles fluides et qu’ils se complètent. À ce titre, la consonance ou dissonance entre l'image et son titre/sa légende sont deux types de rapports qui concourent à la naissance du rire comme à la richesse sémantique de la caricature.
Cette vision d’un rire procédant avant tout de mécanismes formels pourrait tendre à faire croire que l'évaluation des systèmes de valeur mobilisés est superflue. L'important serait de comprendre et d'analyser, pas de juger. Contre une telle prétention, cet article soutient la nécessité d’ajouter à l'analyse formelle d'une œuvre dans son contexte historique un positionnement éthique face à ses implications idéologiques explicites et implicites
« L’Homme à qui je devais le plus après mon père et ma mère » : Léon Bloy disciple de Jules Barbey d’Aurevilly
Get PDFAs a substitute father figure, a mentor, a tutor and a writer to be admired and imitated, Barbey d’Aurevilly acted as a master for Bloy from the moment they first met. Indeed, among all the other self-proclaimed heirs of Barbey’s legacy, Bloy seems to be the most ardent disciple of the Connétable des Lettres. As we concentrate on the way Bloy constructs multiple authority figures who all somehow relate to Barbey, we propose to study the way these two writers, who both lean exclusively towards the figurative, give a particular depth to their relationship by elaborating their imagery, which plays an essential role in the way they construct the bond between master and disciple. This investigation will, in addition, lead us to consider how such a relationship cannot come about without any occasional differences of opinion or mutual irritation. Far from shying away from the master, Bloy clearly constructs his own authorial persona in the light of the brilliant master, rather than in his shadow.Père de substitution, mentor, tuteur, objet d’admiration et d’imitation, Barbey d’Aurevilly remplit pour Bloy, depuis leur rencontre, les fonctions d’un maître. Parmi tous ceux qui se revendiqueront d’un héritage de Barbey, Bloy semble en effet avoir été le disciple le plus fervent du Connétable des Lettres. Tout en nous concentrant en particulier sur la manière dont les figures d’autorité qui renvoient à Barbey se construisent chez Bloy, nous nous proposons de voir comment ces deux écrivains, qui sont entièrement du côté du figuratif, donnent une densité particulière à leur rapport à travers le travail de l’image qui prend une place centrale et essentielle dans la construction du lien entre un maître et un disciple. Cette enquête nous amènera en outre à considérer qu’une telle relation de va ni sans prise de distance ponctuelle ni sans agacement réciproque. Loin de s’effacer devant le maître, Bloy se construit clairement moins dans l’ombre que dans la lumière d’un maître qui l’éclaire
La relation Beauvoir-Sartre ou le dialogue existentiel et intellectuel maître(sse)-disciple
Get PDFThe legendary relation between Simone de Beauvoir and Jean-Paul Sartre was based on a specific communion of the two existentialists’ souls and bodies. It is Sartre that is generally considered to be the spiritual guide of this duo and that is why his role should be approached with caution in order to show that Beauvoir was by no means an epigone of her master. A contrario, it is the inspiration stemming from her literary output that can be found in a handful of works authored by the founder of Les Temps modernes (Modern Times). This impact is particularly conspicuous in the play entitled Dirty Hands, referring to The Second Sex, in which the author reflects on the concept of myth and shows his interest in women’s authorship.
Thus, the literary output of Beauvoir and Sartre, two strong personalities of uncommon talent characterised by sameness and dissimilarity, proves their mutual admiration for their partner’s achievements and their acceptance of the other. Taking this aspect into account, reading their works from an intertextual point of view appears to be extremely fascinating.Le pacte légendaire de Simone de Beauvoir et Jean-Paul Sartre se fondait sur une connivence intellectuelle et affective entre eux deux. Étant donné que d’habitude Sartre était considéré comme le guide spirituel de ce duo, cela vaut la peine de relativiser le rôle du philosophe pour montrer que Beauvoir n’était aucunement au miroir de son maître. A contrario, ce sont les traces de son inspiration que l’on retrouve dans certains textes du fondateur de la revue Les Temps modernes. Cette influence se fait ressentir avant tout dans la pièce Les Mains sales, se référant au Deuxième Sexe, où l’auteur se rapporte à la notion de mythe, tout en manifestant son intérêt pour, et par, l’écriture au féminin.
Ainsi, l’œuvre de Beauvoir et Sartre, deux personnalités fortes, d’un talent inédit, des consciences, à la fois, jumelles et différentes, prouve non seulement leur admiration réciproque pour leur travail respectif, mais aussi l’acceptation de l’autre. En témoignent leurs ouvrages, lus dans la perspective intertextuelle
Les ermites et les reclus(es) : à propos de la figure du maître dans la Queste del Saint Graal, roman arthurien du XIIIe siècle
Get PDFThe article analyses the figures of hermits and recluses presented in The Quest for the Holy Grail, and functioning in this anonymous Arthurian romance of the 13th century as variants of the figure of a spiritual mentor, complementing the figure of a master in chivalry. These characters shape the narrative discourse and enrich the sapiential, moral and formative aspects of the work. They also re-define the courtly ethos by introducing the idea of celestial chivalry, which complements the idea of terrestrial chivalry, typical of the Arthurian romance of the 12th century.L’article propose une étude approfondie et interdisciplinaire de deux types de personnages emblématiques et inspirateurs qui manifestent leur présence dans la Queste del Saint Graal, texte arthurien français en prose du XIIIe siècle : le personnage de l’ermite et celui de la recluse. Figures du maître par excellence, ils sont porteurs du savoir et de la sagesse qui dépassent largement le cadre d’un simple didactisme et de la parénèse. Leur présence témoigne de l’ouverture de la littérature occidentale au souffle puissant de la spiritualité du christianisme oriental. Elle importe également pour la construction et le sens de l’univers représenté de l’ouvrage analysé