Vista - Revista de Cultura Visual
Not a member yet
164 research outputs found
Sort by
The Photographic Portrait as a Field of Forces: Politics, Identity and Resistance in Contemporary Visual Culture
Full text linkArquitetura do Desaparecimento: Autorretratos Negros e a Contravisualidade Como Estética Reparativa
No full textO presente artigo analisa a série de autorretratos Arquitetura do Desaparecimento, do fotógrafo brasileiro Roger Silva. As fotografias de Roger apresentam-se como expressão estética e política da contravisualidade decolonial produzida por fotógrafos negros das periferias. Através do autorretrato, o artista articula um gesto de reexistência que tensiona os regimes normativos de visibilidade, identidade e representação. Este estudo fundamenta-se na teoria decolonial (Azoulay, 2021; Fanon, 1952/2008; Maldonado-Torres, 2020), nos estudos sobre imagem (Campt, 2021), representação (Hall, 2006, 2013/2016) e estética reparativa (Best, 2016), a fim de perceber as imagens de Roger como dispositivos simbólicos de enfrentamento ao racismo e de reconstrução de subjetividades. As legendas que acompanham as fotografias são incorporadas à análise como extensões discursivas da obra visual, revelando camadas não visíveis das experiências retratadas. O artigo demonstra que o autorretrato negro contemporâneo, especialmente o desenvolvido por fotógrafos negros das periferias, constitui-se como prática artivista de produção de sentidos, fabulação e cura simbólica, criando novas gramáticas visuais que subvertem a lógica da colonialidade do ver e do saber. Acredita-se que essas imagens contribuem para o fortalecimento de uma contravisualidade que se estabelece através da linguagem da fotografia negra-periférica.This article analyses the self-portrait series Arquitetura do Desaparecimento (Architecture of Disappearance) by Brazilian photographer Roger Silva. Silva’s photographs are presented as an aesthetic and political expression of decolonial counter-visuality produced by Black photographers from peripheral contexts. Through self-portraiture, the artist articulates a gesture of re-existence that challenges normative regimes of visibility, identity, and representation. The study draws on decolonial theory (Azoulay, 2021; Fanon, 1952/2008; Maldonado-Torres, 2020), image studies (Campt, 2021), representation (Hall, 2006, 2013/2016) and reparative aesthetics (Best, 2016) to interpret Silva’s images as symbolic devices of resistance to racism and of the reconstruction of subjectivities. The captions accompanying the photographs are incorporated into the analysis as discursive extensions of the visual work, revealing invisible layers of the experiences portrayed. The article demonstrates that contemporary Black self-portraiture, particularly that developed by Black photographers from the peripheries, constitutes an artivist practice of meaning-making, fabulation and symbolic healing, creating new visual grammars that subvert the logic of the coloniality of seeing and knowing. This article argues that these images contribute to strengthening a counter-visuality established through the language of Black peripheral photography
Entrevista a David Evans: Memórias e Reflexões Sobre Pintura Mural no Pós-25 de Abril
Full text linkDavid Evans, de origem britânica, reside em Portugal desde 1966. Pintor autodidata, tem um percurso marcado por numerosas exposições coletivas e individuais. Foi diretor da Galeria Judite Dacruz no início dos anos 70, desempenhou funções de professor durante cerca de 30 anos e foi, mais tarde, diretor de Estudos Ingleses no British Council, em Lisboa. É, atualmente, investigador na área de estudos anglo-portugueses da Universidade Nova de Lisboa e tradutor.
A 10 de junho de 1974, no âmbito de uma festa popular organizada pelo Movimento das Forças Armadas (MFA), Evans participou na criação de um painel colaborativo na Galeria de Arte Moderna, em Belém, juntamente com outros 47 artistas. Esta iniciativa marcou o surgimento de uma série de intervenções murais que continuariam a ocorrer ao longo dos anos seguintes, e que refletiam o espírito da época através de temas como liberdade, resistência e transformação social.David Evans, originally from the United Kingdom, has lived in Portugal since 1966. A self-taught painter, his career includes numerous group and solo exhibitions. He served as director of the Galeria Judite Dacruz in the early 1970s, taught for nearly 30 years, and later became director of English Studies at the British Council in Lisbon. Currently, he is a researcher in Anglo-Portuguese studies at the Nova University Lisbon and also works as a translator.
On June 10, 1974, during a popular festival organised by the Armed Forces Movement (MFA), David Evans, along with 47 other artists, participated in the creation of a collaborative panel at the Modern Art Gallery in Belém. This initiative marked the beginning of a series of mural interventions that would unfold over the following years, embodying the spirit of the era through themes such as freedom, resistance, and social transformation
Colocando os Óculos: Apontamentos Sobre Cosmotécnica do Vestir na Obra Nordeste Futurista
Full text linkThis article analyses the first two tracks of the visual album Nordeste Futurista (Futuristic Northeast) by artist Luana Flores, exploring how clothing and art direction are fundamental elements in establishing the “futuristic” narrative that the work projects onto the territory, challenging stereotypical representations of the Brazilian Northeast. Through the lens of cosmotechnics (Hui, 2020), the study examines how Flores’ work aesthetically dissolves the supposed opposition between ancestral and contemporary technologies in dialogue with quilombola and Indigenous cultures of the region. The analysis focuses on clothing as an element in the construction of an aesthetic discourse that challenges colonial imaginaries of underdevelopment, also appropriating the futuristic imagery of classic science fiction cinema. In this investigation, clothing technology is thought of as “cosmotechnics”, a theory proposed by philosopher Yuk Hui (2020) that refers to technology manifested in different forms, as it always emerges and carries within itself specific cosmologies and contexts, questioning the vision of a single, universal technology that is more or less “advanced”. The article examines the use of wearable artefacts such as virtual reality glasses, woven straw hats and fabrics such as chita (floral printed cotton), demonstrating how these elements carry cultural and historical meanings while at the same time being re-signified in a “futuristic” context. Challenging the neutrality of coloniality of seeing (Barriendos, 2019), we present some visual representations of the Brazilian Northeast that have been historically distorted to legitimise practices of domination. By analysing the aesthetics of the visual album Nordeste Futurista, this study seeks to disrupt the standardised imagery of the Northeast region of Brazil, which dialogues with the underdeveloped imagery of Latin America, emphasising the local cultural potential and the importance of recognising Indigenous and quilombola cosmotechnics in our daily lives and the construction of possible futures.O artigo analisa as duas primeiras faixas do álbum visual Nordeste Futurista da artista Luana Flores, explorando como a indumentária e a direção de arte são elementos fundamentais da instauração do “futurista” que a narrativa da obra projeta no território, desafiando representações estereotipadas do Nordeste brasileiro. Através da lente da cosmotécnica (Hui, 2020), o estudo examina como a obra de Flores dissolve esteticamente a suposta oposição entre as tecnologias ancestrais e contemporâneas, em diálogo com culturas quilombolas e indígenas da região. A análise concentra-se na indumentária para tal, como elemento na construção de um discurso estético que desafia imaginários coloniais de subdesenvolvimento, também se apropriando do imaginário futurista do cinema de ficção científica clássica. Nesta investigação, a tecnologia do vestir é pensada como “cosmotécnica”, teoria proposta pelo filósofo Yuk Hui (2020): que se refere à tecnologia manifesta de diferentes formas, pois sempre surge e carrega embutida em si cosmologias e contextos específicos, questionando a visão de uma tecnologia única e universal, mais ou menos “avançada”. O artigo perpassa o uso de artefatos vestíveis como, por exemplo, óculos de realidade virtual, chapéus de palha trançada e tecidos como a chita, demonstrando como estes elementos carregam significados culturais e históricos, ao mesmo tempo que são ressignificados em um contexto “futurista”. A partir da quebra da neutralidade da colonialidade do ver (Barriendos, 2019), trazemos algumas representações visuais do Nordeste brasileiro, que foram historicamente distorcidas para justificar práticas de dominação. Ao trazer a estética do álbum visual Nordeste Futurista para análise, buscamos provocar uma ruptura com o imaginário estandardizado sobre a região Nordeste do Brasil, que dialoga com o imaginário subdesenvolvido da América Latina, enfatizando a potencialidade cultural local e a importância de reconhecermos cosmotécnicas indígenas e quilombolas no nosso cotidiano e na construção de futuros possíveis
Entre Letras e Imagens: A Tipografia Como Elemento Estético nas Revistas de Moda
Full text linkThis article examines the intersections between fashion and typography through an investigation of the graphic design of specialised fashion magazines, both historical and contemporary. It first explores the relationship between fashion and modern serif typefaces, highlighting the significance and predominance of typographic style in the communicative and aesthetic processes of these publications. The discussion then turns to the imagery of typography in magazines, arguing that words acquire a distinct iconographic and visual value in their graphic design, transcending their purely verbal function. Through iconographic, documentary, and historical research, this article explores aspects such as the morphology and composition of typefaces, demonstrating how these elements sustain the visual identity and reinforce the graphic and editorial positioning of fashion periodicals. Adopting a qualitative approach that combines synchronic and diachronic analyses, the article analyses sample pages from Brazilian and international publications whose editorial scope encompasses conceptual fashion as well as fashion and luxury, including V Magazine, Interview, Dazed & Confused, Numéro, Elle, Vogue, L’Officiel and Harper’s Bazaar. In the context of fashion, typography cannot be regarded as a neutral or merely functional element; rather, by breaking conventional standards of legibility and readability, it plays an active role in the construction of narratives, communication, and visual identities.O artigo analisa interseções entre a moda e a tipografia, a partir da investigação e da análise do projeto gráfico de revistas especializadas do segmento de moda, publicadas ao longo da história e na atualidade. Inicialmente, o texto explora a relação entre a moda e os tipos serifados modernos, destacando a relevância e a preponderância do estilo tipográfico nos processos comunicacionais e estéticos relacionados às publicações. Em seguida, o artigo analisa o caráter imagético da tipografia nas revistas, assumindo que as palavras adquirem um valor iconográfico e visual de destaque no seu projeto gráfico, transcendendo a sua função verbal. A partir das pesquisas iconográfica, documental e histórica, são examinados aspectos como a morfologia e a composição dos caracteres tipográficos, demonstrando como esses elementos contribuem para a manutenção da identidade visual e para o posicionamento gráfico e editorial dos periódicos. Adotando uma abordagem qualitativa, que combina análises sincrônicas e diacrônicas, o artigo analisa páginas exemplares de publicações brasileiras e internacionais, cujo escopo editorial refere-se à moda conceitual e à moda e ao luxo, tais como V Magazine, Interview, Dazed & Confused, Numéro, Elle, Vogue, L’Officiel e Harper’s Bazaar, por exemplo. No contexto da moda, a tipografia não pode ser considerada um elemento neutro ou apenas funcional; ao contrário, ao romper com padrões de legibilidade e leiturabilidade, desempenha um papel ativo na construção das narrativas, da comunicação e das identidades visuais
From Gianni to Donatella: The Perpetuated Imaginary at Versace
Full text linkO presente estudo tem como metodologia a teoria do imaginário, apresentada por Gilbert Durand e Michel Maffesoli, aplicada no estudo da marca Versace. O objetivo central é compreender como o imaginário da grife foi perpetuado após a morte de seu fundador, Gianni Versace, assassinado em 1997, e sua substituição por Donatella Versace, então responsável pelas relações públicas da marca. A metodologia adota a análise hermenêutica simbólica, buscando identificar a projeção do imaginário da marca nas coleções dos estilistas. A articulação entre a imaginação simbólica e a hermenêutica possibilita responder aos questionamentos acerca do processo de criação e da continuidade da marca ao longo das décadas. Para tal, foram selecionadas oito imagens representativas das coleções de Gianni e Donatella, com o propósito de identificar os símbolos e processos criativos que conectam o passado e o presente da marca. A análise visa explorar a influência de Gianni no trabalho de Donatella, bem como o imaginário perpetuado na sociedade pós-moderna. Os resultados obtidos contribuem para o desenvolvimento de construções argumentativas, que ampliam o debate sobre a imaginação simbólica de maneira pluridisciplinar, fornecendo subsídios para futuras pesquisas, seja no campo do imaginário simbólico ou na história e continuidade da marca Versace.This study applies the theory of the imaginary, as developed by Gilbert Durand and Michel Maffesoli, to examine the Versace brand. The primary objective is to explore how the brand’s imaginary has been sustained following the death of its founder, Gianni Versace, who was murdered in 1997, and the subsequent leadership of Donatella Versace, then responsible for the brand’s public relations. The research employs a symbolic hermeneutic analysis to investigate how the brand’s imagery is projected through its designers’ collections. The interplay between symbolic imagination and hermeneutics provides insights into the creative process and the brand’s continuity over time. To this end, eight representative images from Gianni and Donatella’s collections were selected to identify the symbols and creative processes that bridge the brand’s past and present. The analysis explores Gianni’s enduring influence on Donatella’s work and the perpetuation of the brand’s imagery in postmodern society. The findings contribute to the broader academic discourse on symbolic imagination from a multidisciplinary perspective, offering a foundation for future research in both symbolic imagination and the historical continuity of the Versace brand
Reconfigurable Clothing: Unveiling the Possibilities of Adaptable and Multifunctional Garments
Full text linkThis study examines a collection of garments designed to be modified and adapted by the user, referred to as “reconfigurable”. Through bibliographic research, it identifies and analyses the characteristics of different types of reconfigurable garments — namely reversible, modular, transformable, and technological — establishing comparisons with the concepts of “modularity” described by Pine (1992/1994) and with examples of designers and brands that have adopted this approach, either as a permanent strategy or through individual pieces. Hussein Chalayan, Arket, Osklen, Adidas, Cukovy, and Cointel are among the examples considered. Besides enabling the creation of versatile and personalised pieces, the results indicate that reconfiguration contributes to building a more durable and therefore more sustainable wardrobe. In other words, this approach enhances the value of clothing to the user. User interaction with the pieces is fundamental to their transformation, fostering a closer relationship between the wearer and their garments and thereby strengthening this bond. Analysis of the term “reconfiguration” highlights its significance in designating a process of change and adaptation. The objective of this study is to conceptualise and classify types of reconfigurable clothing to justify the proposed terminology. Furthermore, it reveals the relevance of this concept for circular and adaptable fashion. The prefix “re-” conveys the idea of renewal and circularity, intrinsically linked to the four essential practices of sustainable fashion: rethink, reduce, reuse, and recycle.Este estudo investiga um grupo de roupas projetadas para serem modificadas e adaptadas pelo usuário, denominadas “reconfiguráveis”. A pesquisa, de natureza bibliográfica, identificou e analisou as características de diferentes tipos de roupas reconfiguráveis (reversíveis, modulares, transformáveis e tecnológicas), estabelecendo comparações com os conceitos de “modularidade” elencados por Pine (1992/1994), e com a exposição de exemplos de estilistas e marcas que utilizaram esta abordagem, seja como uma abordagem permanente ou como peças avulsas. Hussein Chalayan, Arket, Osklen, Adidas, Cukovy e Cointel são alguns exemplos de marcas e estilistas. Os resultados indicam que a reconfiguração, além de permitir a criação de peças versáteis e personalizadas, contribui para a construção de um guarda-roupa mais duradouro e, portanto, mais sustentável. Ou seja, esta abordagem permite que a roupa seja mais valorizada pelo usuário. A interação do usuário com as peças é fundamental para a sua transformação, o que promove uma relação mais próxima entre a pessoa e suas roupas, fortalecendo esse vínculo. A análise do termo "reconfiguração" revela sua importância para designar um processo de mudança e adaptação. O objetivo deste estudo é conceituar e classificar os tipos de roupas reconfiguráveis, de modo a justificar a denominação proposta. Ademais, revela sua importância para a moda circular e adaptável. O prefixo "re-" sugere a ideia de renovação e circularidade, estando intrinsecamente ligado às quatro práticas necessárias da moda sustentável: repensar, reduzir, reutilizar e reciclar
Fotografia Como Resistência: Entre Aprisionamento e Liberdade em Kiana Hayeri
Full text linkEste artigo realiza uma análise crítica de seis fotografias da artista iraniana-canadense Kiana Hayeri, cuja produção documental se concentra na representação de mulheres em contextos de vulnerabilidade sociopolítica no Afeganistão. Com foco analítico aprofundado em duas fotografias: uma retrata mulheres em situação de encarceramento, enquanto a outra mostra um grupo de mulheres enfileiradas para receber auxílio humanitário durante a pandemia de COVID-19. A partir da análise das composições visuais — incluindo enquadramento, expressão corporal, gestualidade, cenário e contexto —, bem como da contextualização dos cenários sociais, políticos e religiosos em que as imagens foram produzidas, a pesquisa propõe uma reflexão sobre as camadas simbólicas e subjetivas presentes nas fotografias. O referencial teórico fundamenta-se nos estudos de Walter Benjamin (1994), que discute a função da fotografia, e de Jean Baudrillard (1981/1991), que propõe a noção de “simulacro” e discute os limites entre representação e realidade. A partir dessas perspectivas, observa-se uma inversão paradoxal entre liberdade e aprisionamento: as mulheres encarceradas aparentam experimentar certa sensação de alívio ao se encontrarem afastadas das pressões sociais externas, enquanto as mulheres fora da prisão, embora formalmente livres, demonstram sinais de opressão e controle, derivados de estruturas sociopolíticas e religiosas que moldam suas existências. O estudo evidencia, assim, uma dicotomia nas experiências de liberdade e aprisionamento, problematizando os modos como a imagem fotográfica participa da construção de sentidos e da reprodução de normas culturais. Por meio da fotografia documental, Hayeri revela não apenas as condições materiais de vida dessas mulheres, mas também aspectos simbólicos e afetivos que desafiam as narrativas tradicionais sobre gênero e liberdade. O artigo conclui destacando o papel crítico da imagem como meio de resistência e ferramenta de interpretação das relações de poder que atravessam o cotidiano feminino em contextos marcados por desigualdades estruturais.This article presents a critical analysis of six photographs by the Iranian-Canadian artist Kiana Hayeri, whose documentary work focuses on the representation of women in contexts of sociopolitical vulnerability in Afghanistan. Particular analytical attention is given to two of these: one portrays women in conditions of incarceration, while the other depicts a group of women lined up to receive humanitarian aid during the COVID-19 pandemic. Through an examination of the visual compositions — including framing, body expression, gestures, setting, and context — as well as a consideration of the social, political, and religious environments in which the images were produced, the study proposes a reflection on the symbolic and subjective layers embedded in the photographs. The theoretical framework draws on the studies of Walter Benjamin (1994), who discusses the function of photography, and Jean Baudrillard (1981/1991), who introduces the notion of “simulacrum” and explores the boundaries between representation and reality. From these perspectives, a paradoxical inversion between freedom and imprisonment is observed: the incarcerated women appear to experience a certain sense of relief by being distanced from external social pressures, whereas the women outside prison, although formally free, exhibit signs of oppression and control, arising from sociopolitical and religious structures that shape their lives. The study thus highlights a dichotomy in the experiences of freedom and imprisonment, questioning how the photographic image contributes to the construction of meaning and the reproduction of cultural norms. Through documentary photography, Hayeri reveals not only the material living conditions of these women but also symbolic and affective dimensions that challenge traditional narratives about gender and freedom. The article concludes by underscoring the critical role of the image as a means of resistance and a tool for interpreting power relations that permeate women’s everyday lives in contexts marked by structural inequalities
O Setor da Moda na Conjuntura Pandémica da COVID-19: O Caso da Apropriação da Máscara Medicinal
Full text linkThis paper presents the fashion industry, focusing on its adaptation and reconfiguration as a social, cultural, and artistic expression during the COVID-19 pandemic, which began and spread throughout the world in 2019. In its multidisciplinary essence and from various perspectives, fashion promotes creativity through a language rich in significations with new forms of communication and connectivity, reflected in design, advertising and marketing. The goals of this research are, first, to identify the various strategies used in the sector’s adaptation to the community in the face of a public health crisis; second, to analyse and recognise the impact that the appropriation of the medical mask as an object has had on fashion in the context of the pandemic; third, to identify the different types of mask production after their appropriation by fashion; and, finally, to recognise the symbolic status that the mask object acquires after its appropriation and re-signification by fashion. For this analysis, a qualitative approach is used, combined with a review of scientific papers, market reports and published interviews with professionals in fashion industry. This study aims to contribute to the presentation and explanation of communication strategies in fashion, highlighting its capacity for adaptability. Similarly, the research enhances the processes of fashion semiotics, proposing a categorisation of different types of productions, and the symbolic statuses that the mask-object acquires.Este trabalho apresenta o setor da moda, com foco na sua adaptação e reconfiguração, como expressão social, cultural e artística, durante a conjuntura pandémica da COVID-19, que se instalou e se propagou pelo mundo a partir do ano de 2019. Na sua essência multidisciplinar e sob diversas perspetivas, a moda promove a criatividade, através de uma linguagem rica em significações com novas formas de comunicação e de conectividade, refletindo-se no design, na publicidade e no marketing. Os objetivos desta pesquisa passam, primeiramente, pela identificação das diversas estratégias utilizadas na adaptação do setor à comunidade perante uma crise de saúde pública; de seguida, pela análise e pelo reconhecimento do impacto que a apropriação do objeto-máscara medicinal teve na moda, em contexto da pandemia da COVID-19; posteriormente, a identificação dos diferentes tipos de produções da máscara, após a sua apropriação pela moda; e, por fim, o reconhecimento dos estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire, após a sua apropriação e ressignificação pela moda. Para esta análise é utilizada uma abordagem qualitativa, combinada com a revisão de artigos científicos, relatórios de mercado e entrevistas publicadas de profissionais da área da indústria da moda. Este estudo pretende contribuir para a apresentação e explicação de estratégias de comunicação em moda, realçando a capacidade de adaptabilidade do setor. Da mesma forma, a investigação enriquece os processos da semiótica da moda, propondo uma categorização de diferentes tipos de produções, assim como os estatutos simbólicos que o objeto-máscara adquire