Vista - Revista de Cultura Visual
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Proposing a Method and Framework for Investigating Creativity in Fashioning Self-Identity
Full text linkEste artigo desenvolve e propõe um método, denominado “Diário do Look do Dia”, que pode ser utilizado para analisar os processos criativos de um indivíduo no contexto do design (ou de outras áreas). O foco incide sobre atividades quotidianas relacionadas com a moda, como o ato de vestir-se e o uso de roupas nas atividades diárias e nas interações com o ambiente envolvente. O artigo fundamenta-se em teorias da criatividade, apresentando as principais abordagens sobre o modo como esta tem sido compreendida e a sua relação com o design de moda, com especial destaque para a teoria da criatividade distribuída de Vlad Petre Glăveanu (2014). O diário utilizado no estudo foi desenvolvido a partir deste conceito, nas teorias do corpo modelado de Joanne Entwistle (2015) e na metodologia dos estudos do guarda-roupa (Fletcher & Klepp, 2017). Os dados empíricos foram recolhidos junto de indivíduos que participaram num estudo qualitativo concebido para esse efeito, tendo sido selecionados três estudos de caso para este artigo. A análise das respostas dos participantes evidencia os elementos sociais, emocionais e contextuais que influenciam o acesso de um indivíduo ao seu potencial criativo, permitindo a proposta de um conjunto de condições que favorecem ou limitam o uso da criatividade. O método apresentado constitui uma ferramenta de investigação qualitativa que pode ser aprimorada, debatida, desenvolvida e adaptada como inspiração interdisciplinar em áreas como a investigação do consumidor, a moda, o design ou outras práticas afins. O principal objetivo foi formular uma proposta metodológica que envolva os participantes nos seus contextos emocionais, sociais e materiais, em diferentes momentos da sua vida quotidiana.In this article, a method is developed and proposed, dubbed the "Outfit of the Day Logbook", which can be used to analyze an individual's creative processes within their design context (or other). In this article, the focus is on everyday fashion activities such as getting dressed and wearing clothes through daily activities and interactions with the surrounding environment. The paper builds on ideas from theories of creativity, introducing primary theories on how creativity has been understood and how it relates to fashion design, drawing inspiration from Vlad Petre Glăveanu's (2014) theory of distributed creativity. Based on the concept of "distributed creativity", theories of the fashioned body by Joanne Entwistle (2015) and the methodology of wardrobe studies (Fletcher & Klepp, 2017), the logbook was developed for this paper. Empirical data were collected from individuals who participated in the qualitative study for which the logbook was constructed, with three case studies selected for this paper. Analyzing the respondents' answers highlights the social, emotional, and contextual elements that influence an individual's accessibility to their creative potential, which enabled the proposal of a framework of conditions that either foster or limit their use of creativity. The method serves as a qualitative research tool that can be refined, discussed, further developed, and used as interdisciplinary inspiration in other fields, such as consumer research, fashion, design, or other related practices. The focus was to formulate a proposal for a method that involves respondents in their emotional, social, and material contexts at different times in their everyday lives
Para Além da Farda: A Militarização da Juventude Portuguesa no Estado Novo
Full text linkThis article examines the militarisation of Portuguese youth under the Estado Novo regime, with particular emphasis on the role of the Mocidade Portuguesa (Portuguese Youth) uniform as a tool of propaganda and social control. Adopting a historical and sociological approach, the study examines the creation, objectives, and organisational structure of the Mocidade Portuguesa. It offers a descriptive and interpretative analysis of its uniform, focusing on its symbolism and the military influences embedded in its design. The findings reveal that the uniform functioned as a key instrument in promoting a collective identity and in instilling values such as discipline, obedience, and self-sacrifice. The study compares the Mocidade Portuguesa with other contemporary youth organisations — namely the Hitler Youth, the Falangist Youth, and the Opera Nazionale Balilla — and examines the specific features of the Mocidade Portuguesa Feminina (Portuguese Female Youth), demonstrating how the organisation reinforced traditional gender roles. The analysis concludes that the Mocidade Portuguesa and its uniform played a central role in the Estado Novo’s strategy of youth indoctrination and authoritarian nation-building.Este artigo analisa a militarização da juventude portuguesa durante o Estado Novo, com foco no papel da farda da Mocidade Portuguesa como instrumento de propaganda e controlo. Através de uma abordagem histórica e sociológica, o estudo examina a criação, os objetivos e a organização da Mocidade Portuguesa, e descreve e interpreta a sua farda, explorando o seu simbolismo e as influências militares presentes na sua conceção. A análise revela como a farda funcionou como um instrumento de propaganda e controlo, contribuindo para a construção de uma identidade coletiva e para a inculcação de valores como a disciplina, a obediência e o espírito de sacrifício. O estudo compara a Mocidade Portuguesa com outras organizações juvenis da época, como a Juventude Hitleriana, as Juventudes Falangistas e a Opera Nazionale Balilla, e analisa as especificidades da Mocidade Portuguesa Feminina, demonstrando como a organização reforçava os papéis de género tradicionais. Conclui-se que a Mocidade Portuguesa e a sua farda constituíram instrumentos eficazes na estratégia de controlo e doutrinação do Estado Novo, contribuindo para a militarização da juventude e para a construção de uma identidade nacional autoritária
Comunidade Clubber e o Papel da Moda no Pertencimento: Uma Análise Comparativa das Cenas Paulistanas e Cariocas
Full text linkThis study aims to analyze the clubber scene and its relationship with fashion in the cities of São Paulo and Rio de Janeiro, using a comparative approach. The research seeks to understand the main events linked to the clubber culture in the Rio–São Paulo axis and investigate how its attendees relate to fashion and to the clubber identity itself, grounded in the concept of "neotribalism". The theoretical framework is based on the works of Maffesoli (1988/2000), Bourdieu (1991/2001), Thornton (1995), and Barthes (1967/1979), which help explain the symbolic, social, and aesthetic processes involved.
To achieve its goals, the study employed three methodological strategies: participant observation, in-depth interviews, and a survey. The analysis of the collected data reveals that fashion plays a fundamental role in shaping clubber identity, serving as both an aesthetic and social language. The clubber scene emerges as a space for experimentation, transgression, and constant reinvention. Furthermore, the research highlights how its signs and symbols are appropriated and redefined by the market, illustrating the dynamic of capitalist incorporation. In this way, the study sheds light on the complex relationship between style, belonging, and consumption within the contemporary context of urban cultures.Este trabalho tem como objetivo analisar o cenário clubber e sua relação com a moda nas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro, a partir de uma abordagem comparativa. A pesquisa busca compreender os principais eventos voltados à cena clubber no eixo Rio-São Paulo e investigar como seus frequentadores se relacionam com a moda e com a própria cultura clubber, tendo como base teórica o conceito de “neotribalismo”. As referências centrais utilizadas são os estudos de Maffesoli (1988/2000), Bourdieu (1991/2001), Thornton (1995) e Barthes (1967/1979), que contribuem para entender os processos simbólicos, sociais e estéticos envolvidos.
Para alcançar os objetivos propostos, foram adotados três métodos de pesquisa: observação participante, entrevistas em profundidade e aplicação de survey. A análise dos dados obtidos revela que a moda exerce um papel fundamental na construção da identidade clubber, funcionando como linguagem estética e social. A cena clubber se apresenta como um espaço de experimentação, transgressão e constante reinvenção. Além disso, destaca-se a forma como seus signos e símbolos são apropriados e resignificados pelo mercado, evidenciando uma dinâmica de fagocitação capitalista. Assim, o estudo aponta para a complexidade das relações entre estilo, pertencimento e consumo no contexto contemporâneo das culturas urbanas
Women’s Clothing in Portugal and Goa in the 16th Century: A Comparative Study
Full text linkO presente trabalho tem como intuito uma abordagem comparativa às fontes quinhentistas sobre a forma como as mulheres são percecionadas a partir do vestuário. Focamo-nos na mulher em Portugal e em Goa, no contexto da sociedade católica do século XVI, a partir de relatos escritos por homens. Sabendo que a moda enquadra um indivíduo no seu meio, procuramos entender de que modo a religião influencia o modelo do traje feminino, uma vez que, enquanto no século em questão, Portugal se mantém fiel ao Cristianismo, Goa é, à chegada dos portugueses, um local onde coexistem diversas religiões, nomeadamente o Hinduísmo (religião a que daremos mais enfoque neste trabalho, devido ao maior número de dados). O território de Goa é parte de um processo de expansão marítima, concluindo-se que ocorre uma mútua influência cultural que se irá refletir no papel e vestuário da mulher em ambos os territórios. São obras de referência a de Fernando Oliveira (1993), o qual analisa as diversas peças de vestuário na sua composição. No entanto, devido ao reduzido enfoque da academia neste tema, analisámos teses académica, como a de Pedro Castro Cruz (2023), que investiga as Sumptuárias ao longo do período moderno. A pesquisa deste trabalho segue o método histórico, a partir de uma análise comparativa de fontes documentais já previamente exploradas pela historiografia, mas às quais pretendemos colocar novas questões. São estas os relatos de viagem de Jan Huygen van Linschoten (1596/1885a, 1596/1885b) e de François Pyrard de Laval (1944) e as Leis Extravagantes, compiladas por Duarte Nunes de Leão (1569). Este trabalho é inovador, no sentido em que, pela primeira vez, compara o vestuário da mulher em dois extremos do império português, a partir da visão dos homens.This paper adopts a comparative approach to 16th-century sources concerning the perception of women through their clothing. It focuses on women in Portugal and Goa within the context of 16th-century Catholic society, using male-authored accounts. Understanding fashion as a marker of cultural belonging, this study examines how religious beliefs and practices influence women’s modes of dress. While Portugal maintained its Christian identity throughout this period, Goa — at the time of the Portuguese arrival — was home to a diversity of religious traditions, particularly Hinduism, which this study emphasises due to the greater availability of sources. As part of the broader Portuguese maritime expansion, Goa experienced processes of cultural exchange that shaped the roles and clothing of women in both territories. Foundational reference works include Fernando Oliveira (1993), who analyses the composition of various garments. However, due to the limited academic focus specifically on women's clothing in this context, the study also draws on recent academic theses, such as that of Pedro Castro Cruz (2023), which examines sumptuary dress across the early modern period. The research follows a historical methodology, using comparative analysis of previously studied documentary sources to pose new interpretative questions. Primary sources include the travel accounts of Jan Huygen van Linschoten (1596/1885a, 1596/1885b) and François Pyrard de Laval (1944), as well as the Extravagant Laws compiled by Duarte Nunes de Leão (1569). This study is original in comparing female clothing at two geographic and cultural extremes of the Portuguese empire, as interpreted through male perspectives
Marketing de Moda Sustentável: Tendências, Práticas e Desafios — Uma Revisão Sistemática da Literatura
Full text linkO presente estudo explora os principais temas de investigação em marketing de moda sustentável, analisando tendências, desafios e práticas identificados na literatura científica recente. A crescente consciencialização ambiental e social tem impulsionado a transição do setor da moda para modelos de negócio mais ecológicos, exigindo novas abordagens de marketing que conciliem rentabilidade e responsabilidade “verde”.
A revisão da literatura revela que as principais áreas de investigação se centram na transição para a economia circular, no impacto das estratégias de comunicação sustentável e na segmentação dos perfis de consumidores. O attitude-behavior gap, que reflete a discrepância entre a intenção e o comportamento de compra sustentável, surge como um dos principais desafios, sendo frequentemente influenciado por fatores como preço, conveniência e perceção de autenticidade das marcas. O papel das redes sociais e dos influenciadores digitais assume particular relevância na construção da imagem sustentável das marcas, contribuindo para o fortalecimento da confiança e lealdade dos consumidores.
A investigação também destaca o risco de greenwashing, caso as ações de marketing orientadas para a sustentabilidade não sejam implementadas de maneira genuína e transparente. Para minimizar esse risco, é fundamental que as marcas combinem práticas de comunicação visual coerentes com os seus valores éticos, através, por exemplo, de narrativas visuais capazes de refletir os compromissos sustentáveis da marca, promovendo o envolvimento dos consumidores em iniciativas conscientes e fortalecendo uma relação de proximidade, confiança e credibilidade.
Conclui-se que o marketing de moda sustentável constitui um campo dinâmico e multidisciplinar, no qual a inovação e a ética desempenham um papel central. Estudos futuros poderão aprofundar o impacto das estratégias sustentáveis na decisão de compra e a eficácia dos modelos de negócio circulares, contribuindo para um setor da moda mais responsável e alinhado com as exigências do consumidor contemporâneo.This study explores the main research themes in sustainable fashion marketing, analysing the trends, challenges, and practices identified in recent scientific literature. Growing environmental and social awareness has driven the fashion sector towards more eco-friendly business models, demanding new marketing approaches that reconcile profitability with “green” responsibility.
The literature review reveals that the key areas of research focus on the transition to a circular economy, the impact of sustainable communication strategies, and the segmentation of consumer profiles. The attitude-behaviour gap — which reflects the discrepancy between sustainable purchase intentions and actual behaviour — emerges as one of the main challenges, often influenced by factors such as price, convenience, and perceived brand authenticity. The role of social media and digital influencers is particularly relevant in constructing a brand’s sustainable image, contributing to the strengthening of consumer trust and loyalty.
The research also highlights the risk of greenwashing when sustainability-oriented marketing actions are not implemented genuinely and transparently. To mitigate this risk, brands should align their visual communication practices with their ethical values. This can be achieved through visual storytelling that reflects their sustainability commitments, encourages consumer engagement in conscious initiatives, and fosters relationships grounded in proximity, trust, and credibility.
It is concluded that sustainable fashion marketing constitutes a dynamic and multidisciplinary field in which innovation and ethics play a central role. Future studies may deepen the understanding of the impact of sustainable strategies on purchasing decisions and the effectiveness of circular business models, contributing to a more responsible fashion sector aligned with the expectations of contemporary consumers
Olhar do Retrato Rural Através do Realismo Mágico
No full textTERRA: Paisaje Valenciano en el Guadalquivir (LAND: Valencian Landscape in the Guadalquivir) is a visual essay that utilises photographic portraiture as a means to navigate between the visible and the invisible, the real and the magical. Far from being merely a physical representation, each portrait serves as an allegory, an open door to the symbolic, where identity is expressed not only through the face or pose but also through the invisible bond that unites each portrayed person with the land they inhabit.TERRA: Paisaje Valenciano en el Guadalquivir (TERRA: Paisagem Valenciana no Guadalquivir) é um ensaio visual onde o retrato fotográfico se torna uma ferramenta para transitar entre o visível e o invisível, entre o real e o mágico. Longe de ser uma mera representação física, cada retrato é uma alegoria, uma porta aberta ao simbólico, onde a identidade se expressa não apenas através do rosto ou da pose, mas também por meio do vínculo invisível que une cada pessoa retratada à terra que habita
Do Tangível ao Figital: Integração Físico-Digital e Metodologia Criativa na Arte Pós-Digital Contemporânea
Full text linkEste estudo visa apresentar a articulação entre uma proposta de taxonomia figital com a metodologia a/r/cográfica, oferecendo assim um quadro metodológico integrado para analisar e orientar práticas artísticas híbridas contemporâneas. Nos últimos anos, a criação artística contemporânea tem sido marcada pela fusão entre o tangível e o virtual, fenómeno designado por “figital”. Este conceito descreve como elementos físicos e digitais se interligam, redefinindo processos de produção, fruição e interação com a arte. A taxonomia figital, ora apresentada, permite mapear novos territórios híbridos e avaliar detalhadamente a simbiose entre o plano material, incluindo os aparatos tecnológicos, e o plano virtual ou digital, resultante da execução de código ou reprodução de média digitais. Por sua vez, a metodologia a/r/cográfica estrutura o processo criativo em três eixos essenciais: estética (cognição, emoções e sensações despertadas pela obra), aptidão (competências técnicas e concetuais evidenciadas) e função (impacto sociocultural e comunicativo da obra). A obra Texel2048Loom, desenvolvida neste âmbito pelo primeiro autor deste estudo, permite ilustrar a abordagem aqui proposta. Este texto evidencia ainda a necessidade de ajustes adicionais, particularmente nas dimensões éticas, culturais e multissensoriais, oferecendo contribuições claras para futuras investigações e práticas na arte pós-digital.This study aims to present the articulation between a proposed phygital taxonomy and the a/r/cographic methodology, thereby offering an integrated methodological framework for analysing and guiding contemporary hybrid artistic practices. In recent years, contemporary artistic creation has been characterised by the fusion of the tangible and the virtual — a phenomenon referred to as "phygital". This concept describes the interconnection between physical and digital elements, which is redefining processes of production, appreciation, and interaction with art. The phygital taxonomy presented here enables the mapping of new hybrid territories. It facilitates a detailed evaluation of the symbiosis between the material dimension, including technological devices, and the virtual or digital dimension, resulting from the execution of code or the reproduction of digital media. The a/r/cographic methodology, in turn, structures the creative process around three essential axes: aesthetics (the cognition, emotions, and sensations elicited by the work), aptitude (the technical and conceptual skills demonstrated), and function (the socio-cultural and communicative impact of the work). The artwork Texel2048Loom, developed by the first author of this study, illustrates the proposed approach. This text also underscores the need for further refinement, particularly in ethical, cultural, and multisensory dimensions, offering clear contributions to future research and practice in post-digital art
Photo-Portrait, Photo-Painting: Identities of Cariri
Full text linkEste é um ensaio visual analógico em filme 120mm de retratos de mestres da cultura popular no Cariri. Para ele, foram registrados: o Mestre Chico Alagoano (de fotografia lambe-lambe); o Mestre Nena, bacamarteiro; o Mestre Antônio Matheus do Reisado dos Irmãos; a Dona Maria, antiga parteira do Horto. As mesmas fotografias foram refeitas artesanalmente em forma de foto-pintura, com impressão em papel fotográfico com sais de prata, pintura a pastel e pigmentos líquidos, por dois foto-pintores, os últimos do Ceará: Mestre Júlio e Mestre Mirialdo. Nesse processo de entendimento do trabalho de retrato no interior do Ceará, com a presença de dois foto-pintores diferentes, é possível estabelecer a pluralidade do ofício na região. O registro desse processo visa não somente demonstrar a técnica, como desconstruir um imaginário de “fazedores de boneco”, que se disseminou sobre a foto-pintura nordestina. Mestre Júlio e Mestre Mirialdo, ao pintarem as mesmas fotografias dos mestres da cultura popular, desenvolvem técnicas diferentes, possibilitando, de forma rara nos dias atuais, uma análise comparada desse tipo de trabalho. É possível notar o refinamento do trabalho dos dois, em uma forma de produção complexa que é a foto-pintura, onde se pinta todo o retrato a partir de impressões a preto e branco do rosto do cliente. O presente ensaio pretende chamar a atenção de quem vê essas imagens de forma a se interessar mais pelo assunto.The present visual essay, shot on 120mm film, presents portraits of masters of popular culture in Cariri. Among those recorded are Chico Alagoano (of fotografia lambe-lambe, street photography); Mestre Nena, bacamarteiro (festive blunderbuss-shooter); Mestre Antônio Matheus of the Reisado dos Irmãos; and Dona Maria, a former midwife from Horto. The same photographs were recreated in the form of photo-paintings, produced using traditional techniques with prints on silver salt photographic paper, pastel painting, and liquid pigments, by two photo-painters, the last in Ceará: Mestre Júlio and Mestre Mirialdo. In this process of understanding portrait work in the interior of Ceará, with the presence of two different photo-painters, it is possible to establish the plurality of the craft in the region. The recording of this process aims not only to demonstrate the technique but also to deconstruct an imaginary of “doll-makers”, an imaginary that has spread around Northeastern photo-painting. Mestre Júlio and Mestre Mirialdo, when painting the same photographs of masters of popular culture, develop different techniques, allowing, in a rare way nowadays, a comparative analysis of this type of work. One can note the refinement of their work in the complex form of production that is photo-painting, where the entire portrait is produced from black-and-white prints of the client’s face. This essay aims to capture the viewer’s attention, thereby fostering a greater interest in the subject
O Retrato Como Denúncia e Resistência nos Trabalhos de Eleonora Ghioldi
Full text link This article examines the portraits created by Argentine feminist photographer and filmmaker Eleonora Ghioldi (b. 1972, Buenos Aires) as acts of denunciation and resistance against gender violence, while also addressing issues of intersectionality and collaboration in her three major projects: Guerreras, Atravesadxs, and Aborto Legal Ya!. Guerreras began in 2011 through conversations between Ghioldi and her friends about experiences of violence and, over the years, expanded to include testimonies from cis and trans women of diverse ages and racial backgrounds. Atravesadxs emerged from the artist’s engagement with Gustavo Melmann, the father of Natalia Melmann, a victim of femicide in 2001, and now comprises over 70 testimonies from relatives and friends of murdered women. Meanwhile, Aborto Legal Ya! documents the struggle for the legalization and preservation of abortion rights in Argentina, approaching the issue from multiple perspectives, including public health and intergenerational concerns. These works consist of large-scale photographic portraits accompanied by testimonies, displayed in public and institutional spaces, alongside a short film. The analysis draws on Emma Lewis’s (2021) research on feminist and activist approaches to portraiture, Dominique Baqué’s (2009) research on representations of violence in photography and politically engaged art, as well as Rita Segato’s (2020) studies on the structures of gender violence. The theoretical framework is further informed by Verónica Gago’s (2020) writings on feminist organizing in Latin America, Judith Butler’s (2016) work on vulnerability, resistance, and solidarity networks, and critical contributions from the anthology Transfeminismo o barbarie (2022).
Este artigo pretende examinar os retratos produzidos pela fotógrafa e cineasta feminista argentina Eleonora Ghioldi (1972, Buenos Aires) como formas de denúncia e resistência à violência de gênero, abordando também questões de interseccionalidade e colaboração em seus três principais projetos: Guerreras, Atravesadxs e Aborto Legal Ya!. Guerreras teve início em 2011, a partir de diálogos entre Ghioldi e suas amigas sobre vivências de violência, e ao longo dos anos expandiu-se para incluir relatos de mulheres cis e trans de diversas idades e origens raciais. Atravesadxs surgiu da aproximação da artista com Gustavo Melmann, pai de Natalia Melmann, vítima de feminicídio em 2001, e hoje reúne mais de 70 depoimentos de familiares e amigos de mulheres assassinadas. Já Aborto Legal Ya! documenta a luta pela legalização e preservação do aborto na Argentina, abordando o tema a partir de múltiplas perspectivas, incluindo saúde pública e questões intergeracionais. Os trabalhos consistem em retratos acompanhados de testemunhos, exibidos em larga escala em espaços públicos e institucionais, além de um curta-metragem. A análise fundamenta-se na pesquisa de Emma Lewis (2021) sobre a fotografia e os retratos a partir de uma perspectiva feminista e ativista, Dominique Baqué (2009) sobre representações da violência na fotografia e na arte engajada, e nos estudos de Rita Segato (2020) sobre as estruturas da violência de gênero. Nosso embasamento teórico também é informado pelos escritos de Verónica Gago (2020) acerca da articulação feminista na América Latina, e Judith Butler (2016) sobre vulnerabilidade, resistência e redes de solidariedade, além de contribuições teóricas do livro Transfeminismo o barbarie (2022). 
History Portraits de Cindy Sherman: Crítica à Idealização das Representações Canônicas Propostas Pela História da Arte
Full text linkThis article analyses the photographic series History Portraits, created by Cindy Sherman between 1988 and 1990, with the aim of better understanding the strategies employed by the American artist to produce images that can be understood as a critique of the canonical system of representation imposed by established institutions such as art schools and museums. Sherman argues that this system is not formed by “natural” or “innocent” images, but rather by idealised figures that have influenced Western culture’s identity for centuries. This text uses as a reference the concept developed by Shearer West (2004) that a “portrait” is an essential form of cultural representation, capable of expressing the character, personality, social position, profession, age, and gender of the subject. The analytical tools used include the concepts of “portrait” (West, 2004), “grotesque” (Bakhtin, 1965/2010; Kayser, 1957/2013), “identity” (Butler, 1990/2017; Giddens, 1999/2002; Hall, 1996/2006), and an understanding of art from Danto’s (2003/2015a, 1986/2015b) perspective. To analyse these portraits, a method based on parameters defined by Erwin Panofsky (1955/2002) was employed, consisting of two stages: one dominated by comparative analysis and the other by interpretative synthesis. Through these analyses, it was observed that Sherman uses the grotesque in the photographs of this series as a rhetorical device to question the stereotypes conveyed by images established in art history.Este artigo analisa a série de fotografias History Portraits (Retratos Históricos), criada por Cindy Sherman nos anos 1988–1990, com o objetivo de compreender melhor as estratégias utilizadas pela artista americana para produzir imagens que podem ser entendidas como uma crítica ao sistema de representação canônico imposto por instituições consagradas, como as escolas de artes e os museus. Sherman entende que esse sistema não é formado por imagens “naturais” ou “inocentes”, mas por figuras idealizadas que têm influenciado a identidade da cultura ocidental há séculos. Nesse texto será usado como referência o conceito desenvolvido por Shearer West (2004) de que um “retrato” é uma importante forma de representação cultural, capaz de expressar o caráter, a personalidade, a posição social, a profissão, a idade e o gênero do modelo. Foram utilizados como ferramentas analíticas os conceitos de “retrato” (West, 2004), “grotesco” (Bakhtin, 1965/2010; Kayser, 1957/2013), “identidade” (Butler, 1990/2017; Giddens, 1999/2002; Hall, 1996/2006) e a compreensão da arte a partir da perspectiva de Danto (2003/2015a, 1986/2015b). Para analisar esses retratos, foi utilizado um método que parte dos parâmetros definidos por Erwin Panofsky (1955/2002) e define basicamente dois momentos: um em que predomina a análise comparativa e outro em que predomina uma síntese interpretativa. Por meio dessas análises, percebeu-se que Sherman utiliza o grotesco nas fotografias dessa série como um recurso retórico para questionar os estereótipos veiculados por imagens consagradas pela história da arte