Artilugio Journal
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It is braided as a performative text. Challenges and potentialities of collective writing
Full text linkEste artículo emerge desde el Seminario Permanente de Investigación Artística (SPIA) de la Universidad Veracruzana, un espacio colectivo e indisciplinado que, desde 2017, explora modos alternativos de hacer investigación artística. El texto se construye como una escritura performativa y trenzada, que articula múltiples voces, cuerpos, memorias y afectos, desafiando los marcos epistemológicos hegemónicos. Se propone una metodología situada, colaborativa y afectiva, basada en el disenso, el cuidado y la escucha profunda. A partir de la metáfora de la trenza, se explora la escritura colectiva como proceso vivo, político y creativo, nutrido por las epistemologías feministas, el pensamiento situado, la hermenéutica analógica y los posthumanismos. Los resultados parciales muestran las tensiones, potencias y aprendizajes que emergen del ejercicio de escribir juntas sin jerarquías, desde la diferencia y el cuerpo como lugares epistémicos. El abordaje del eje temático de esta revista se realiza desde una propuesta singular: habitar el texto como espacio de creación compartida y resistencia, que descentra el yo autoral y abre caminos hacia otras formas de producir conocimiento, más relacionales, encarnadas y colectivas.This article emerges from the Permanent Seminar on Artistic Research (SPIA) at the Universidad Veracruzana, a collective and undisciplined space that, since 2017, has explored alternative modes of conducting artistic research. The text is constructed as a performative and braided writing that weaves together multiple voices, bodies, memories, and affects, challenging hegemonic epistemological frameworks. It proposes a situated, collaborative, and affective methodology grounded in dissent, care, and deep listening.
Using the metaphor of the braid, collective writing is explored as a living, political, and creative process, nourished by feminist epistemologies, situated thought, analogical hermeneutics, and posthumanisms. The partial findings reveal the tensions, potentials, and learnings that emerge from the practice of writing together without hierarchies, from difference, and from the body as an epistemic site. The thematic approach of this journal is addressed through a singular proposition: to inhabit the text as a space of shared creation and resistance, decentering the authorial self and opening pathways toward other ways of producing knowledge—more relational, embodied, and collective
Series: Mud
Full text linkLas series Escrito en barro y Dibujado con barro fueron iniciadas hacia finales del año 2023, motivadas por el cruce entre un curso de posgrado sobre género y la elaboración de obra para una exposición del equipo investigación al que pertenezco y dirijo, “Desde el Dibujo, procesos y prácticas en el campo ampliado del arte contemporáneo. Estudios de casos (2da parte)”, radicado en la Facultad de Artes, con subsidio a proyectos Consolidar de la Secretaría de Ciencia y Técnica de la Universidad Nacional de Córdoba.The series Written in mud and Drawn with mud were started towards the end of 2023 motivated by the intersection between a postgraduate course on gender and the preparation of work for an exhibition of the research team to which I belong and direct, From Drawing, processes and practices in the expanded field of contemporary art. Case studies (2nd part), supported by the Facultad de Artes, with a subsidy for Consolidar Projects from the Secretaría de Ciencia y Técnica of the Universidad Nacional de Córdoba
Dialogues #11: Feminisms and regenerative poetics
Full text linkLas artistas invitadas a esta nueva sección de Diálogos comparten sus experiencias y reflexionan sobre sus procesos de trabajo a partir del eje propuesto en esta edición: Feminismos y poéticas regenerativas. Nos acompañan en la conversación la artista, investigadora, docente y gestora cultural Florencia Stalldecker, para contarnos sobre La mirada vegetal, plataforma de creación, investigación y experimentación transdisciplinaria que lleva adelante y que da lugar a diversos proyectos performáticos, coreográficos y de escritura; las artistas Lucía Nasser y Griselda Tisera, madre e hija que dan vida a Hilaria tramas bordadas, un emprendimiento que se dedica a realizar pequeñas piezas artísticas bordadas; la productora, directora y docente audiovisual Ayelén Ferrini que forma parte de DivAC (Diverses Audiovisuales Córdoba), colectiva feminista independiente de trabajadorxs, artivistas y realizadorxs vinculadxs al campo audiovisual de Córdoba; y las artistas Ana Reales e Irupé Marín que forman parte de la murga Enganchate Cancán, agrupación de estilo uruguayo conformada por mujeres que, en sus interpretaciones, visibiliza diferentes temáticas, inquietudes, necesidades y deseos.The artists invited to this new section of Dialogues share their experiences and reflect on their work processes based on the theme proposed in this edition: Feminisms and Regenerative Poetics. Joining us in the conversation are artist, researcher, teacher, and cultural manager Florencia Stalldecker, who will tell us about La mirada vegetal, a platform for transdisciplinary creation, research, and experimentation that she runs and which gives rise to various performance, choreography, and writing projects; artists Lucía Nasser and Griselda Tisera, mother and daughter who bring Hilaria tramas bordadas to life, a venture dedicated to creating small embroidered art pieces; producer, director, and audiovisual teacher Ayelén Ferrini, who is part of DivAC (Diverses Audiovisuales Córdoba), an independent feminist collective of workers, artivists, and filmmakers linked to the audiovisual field in Córdoba; and artists Ana Reales and Irupé Marín, who are part of the murga Enganchate Cancán, a Uruguayan-style group made up of women who, in their performances, highlight different themes, concerns, needs, and desires
Transforming Hypersexualization into Power: Monstrous Sensuality
Full text linkHistóricamente, la mujer negra ha sido encasillada en estereotipos racistas que la hipersexualizan y deshumanizan. Figuras como la mulata del carnaval en Brasil o la jezebel en la cultura estadounidense han servido como dispositivos de control que justifican la opresión y el abuso. A través de la exploración consciente de la propia sensualidad, es posible resignificar estos estereotipos y convertirlos en una fuente de poder y autonomía. Este ensayo explora cómo el proceso creativo de sensualidad monstruosa transforma la imagen de la mujer negra hipersexualizada en una expresión propia y liberadora, despojándola de su carga racista y misógina. Asimismo, se analiza el big chop como un primer paso simbólico de autoconocimiento y ruptura con los estándares de belleza impuestos. Desde las perspectivas de Emma Dabiri (2020), Patricia Hill Collins (2000), Luis Antonio Simas (2019) y Audre Lorde (1984), se examina cómo la reapropiación del cuerpo y la sensualidad permite una resistencia activa contra la mirada colonial y patriarcal.Historically, Black women have been confined to racist stereotypes that hypersexualize and dehumanize them. Figures such as the mulata of carnival in Brazil or the jezebel in American culture have served as control mechanisms to justify oppression and abuse. Through the conscious exploration of their own sensuality, these stereotypes can be redefined and transformed into sources of power and autonomy. This essay explores how the creative process of Monstrous Sensuality transforms the hypersexualized image of Black women into a personal and liberating expression, stripping it of its racist and misogynistic burden. Additionally, the big chop is analyzed as a first symbolic step in the journey of self-knowledge and breaking with imposed beauty standards. Drawing from the perspectives of Emma Dabiri (2020), Patricia Hill Collins (2000), Luis Antonio Simas (2019) y Audre Lorde (1984), this paper examines how reclaiming the body and sensuality enables active resistance against the colonial and patriarchal gaze
Signs of Argentina’s trans-formation: Las viajadas: más perdidas que encontradas
Full text linkDurante la segunda década del siglo XXI, la sanción de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (2009) promovió la aparición de nuevas voces federales en la televisión argentina. En este contexto, surgió Las viajadas: más perdidas que encontradas (2011), una serie que visibilizó la escena travesti-trans de Mendoza en un período clave para la lucha por los derechos de género y diversidad sexual.
Este trabajo analiza las narrativas y estéticas que la serie despliega como herramientas de resistencia y activismo político. Se exploran los conflictos intrínsecos al relato, los mecanismos de resolución y su diálogo con la tradición queer, vinculando sus códigos a la geolocalización mendocina. Asimismo, se examina la combinación de ficción y documental, el uso de la estética camp y la performatividad del género como estrategias discursivas que cuestionan la heteronormatividad. A partir de estos elementos, Las viajadas: más perdidas que encontradas no solo representa a la comunidad travesti-trans, sino que también funciona como un acto político que desafía las narrativas hegemónicas y aporta una voz singular al audiovisual argentino, evidenciando tanto los avances como las deudas pendientes en la construcción de una ciudadanía más inclusiva.During the second decade of the 21st century, the enactment of the Audiovisual Communication Services Law (2009) fostered the emergence of new federal voices in Argentine television. In this context, emerged Las viajadas: más perdidas que encontradas (2011); a serie that shed light on the travesti-trans scene in Mendoza during a key period for the struggle for gender and sexual diversity rights.
This paper analyzes the narrative, aesthetic, and discursive strategies the series employs as tools of resistance and political activism. It explores the intrinsic conflicts within the storyline, the mechanisms of resolution, and its dialogue with queer tradition, linking its codes to the geographical and cultural context of Mendoza. Additionally, it examines the interplay between fiction and documentary, the use of camp aesthetics, and gender performativity as discursive strategies that challenge heteronormativity. Through these elements, Las viajadas: más perdidas que encontradas not only represents the travesti-trans community but also serves as a political act that challenges hegemonic narratives and contributes a unique voice to Argentine audiovisual production, highlighting both progress and the remaining challenges in building a more inclusive society
Silhouettes of the Diaspora: Trace, Memory and Identity in Mary Evans
Full text linkDesde los retratos del siglo XVIII hasta los sistemas contemporáneos de representación, la silueta ha sido históricamente un medio de codificación visual de connotaciones sociales y culturales. En el trabajo de Mary Evans, este gesto se convierte en un acto de resistencia visual, con el que abordar la diáspora africana, la memoria colonial y la construcción de la identidad racial y de género. A través del papel kraft, Evans transforma el espacio expositivo en un territorio de confrontación histórica. Este artículo analiza cómo la silueta, despojada de detalles individuales, no solo evoca la ausencia, sino que interpela directamente al espectador, confrontándolo con relatos de exclusión y resistencia. La instalación, por medio del papel kraft, se transforma en un acto de reconfiguración del espacio y de la historia, donde la silueta se convierte en una forma de reivindicación y cuestionamiento del legado colonial. From 18th-century portraiture to contemporary systems of representation, the silhouette has historically served as a means of visual codification laden with social and cultural connotations. In the work of Mary Evans, this gesture becomes an act of visual resistance, addressing the African diaspora, colonial memory, and the construction of racial and gender identity. Through the use of kraft paper, Evans transforms the exhibition space into a site of historical confrontation. This article analyzes how the silhouette, stripped of individual features, not only evokes absence but also directly engages the viewer, confronting them with narratives of exclusion and resistance. The installation, through the use of kraft paper, becomes an act of reconfiguring space and history, where the silhouette emerges as a form of reclaiming and questioning the colonial legacy
Editorial Note #11: Feminism and regenerative poetics
Full text linkEn un contexto cada vez más violento en términos globales, presentamos un número cuidadoso y afectivo donde los planteos feministas en su variedad encuentran lugares fértiles para regenerar las tramas vinculares como red que sostiene y propone futuros comunes. Las preguntas iniciales que abrimos en la convocatoria proponían una perspectiva de reconexión con lo vital, lo colectivo y lo afectivo, como dimensiones fundacionales de nuestra respons-habilidad al habitar un mundo herido: ¿Qué formas de conectarnos con el mundo en que vivimos podemos crear? ¿Qué estrategias diseñamos para dar lugar a la diversidad, tanto humana como no humana, en nuestras obras artísticas? ¿Cuáles son los procedimientos poéticos que ejercitamos para crear desde la potencia y no desde el poder? ¿Cómo proponemos vinculaciones más descentradas, desjerarquizadas y participativas que nos permitan renacer como comunidad? Los diversos artículos, las propuestas artísticas y las experiencias de este número abren caminos que nos orientan en la búsqueda de recuperar aquellas prácticas y saberes que tejen sentidos y sensaciones de potencia frente a las múltiples imágenes-discursos de opresión y destrucción.In an increasingly violent global context, we present a thoughtful and affectionate issue in which feminist approaches, in all their diversity, find fertile ground for regenerating the bonds that sustain us and envision shared futures. The initial questions posed in our call for submissions invited a perspective of reconnection with the vital, the collective, and the affective as foundational dimensions of our responsibility in inhabiting a wounded world: What ways of connecting with the world we live in can we create? What strategies can we design to make room for diversity—both human and non-human—in our artistic works? What poetic procedures do we practice to create from power rather than authority? How do we propose more decentralized, non-hierarchical, and participatory forms of connection that allow us to be reborn as a community?
The various articles, artistic proposals, and shared experiences in this issue open up paths that guide us in the search to recover those practices and forms of knowledge that weave meanings and sensations of empowerment in the face of the many images and discourses of oppression and destruction
Condition Report
Full text linkReporte de Condición comprende dos obras textiles de gran tamaño en proceso constante de realización colectiva, que proponen una modalidad de restauración y cuidado de mujeres artistas frente al silenciamiento de la historia del arte hegemónica. Sus títulos corresponden a una apropiación de la terminología técnica del área de la Conservación y Restauración de Bienes Culturales. "Condition Report" is composed of two large-format textile works, currently undergoing an ongoing process of collective creation. The project proposes a feminist practice of restoration and care carried out by women artists, as a response to the silencing and exclusions perpetuated by hegemonic art history. The titles of the works deliberately appropriate technical terminology from the field of Cultural Heritage Conservation and Restoration, thereby recontextualizing it within a critical and affective artistic framework
Embrace the absences
Full text linkAcción performática del colectivo Acción Alfarera, realizada durante la marcha “Ni una menos” del 3 de junio de 2021. El colectivo construyó varias vasijas de arcilla cruda de gran formato, con formas que evocaban las urnas funerarias precolombinas; luego marchó cargándolas hasta llegar a la plaza Vélez Sarsfield, donde se dispusieron las piezas y las personas que formaron parte de la acción, para cerrar el ritual.
A performance by the Acción Alfarera collective, carried out during the “Ni una menos” march on June 3, 2021. The collective constructed several large, raw clay vessels, with shapes reminiscent of pre Columbian funerary urns. They then carried them to Plaza Vélez Sarsfield, where the pieces and the people who took part in the action were arranged to conclude the ritual
DISTANCIAS MÍNIMAS: Configuraciones vastas
Full text linkExperimental video-poem made remotely and virtually in the year 2021 from a sensory and poetic investigation of the tools and applications that we had available as a means of encountering our bodies during the isolation due to the Covid-19 pandemic. The objective was to experiment new ways of scenic creation in the distance and as a consequence, different digital and audiovisual materials emerged. Delfina Oyuela and Eva Palottini participated as voice performers and co-directed with the author of this article.Video-poema experimental realizado de manera remota y virtual en el año 2021 a partir de una investigación sensorial y poética de las herramientas y aplicaciones que teníamos disponibles como medio de encuentro de nuestros cuerpos durante el aislamiento por la pandemia de COVID-19. El objetivo fue experimentar nuevos modos de creación escénica en la distancia y, como consecuencia, surgieron materiales digitales y audiovisuales. Participan como performers de voz y en dirección conjunta con la autora del artículo, Delfina Oyuela y Eva Palottini