Il Castello di Elsinore (E-Journal)
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A Surrealist Approach? Ravel’s exploitation of risk as illustrated by "Gaspard de la nuit" (1908) and "L’Enfant et les sortilèges" (1925)
Full text linkThe present article discusses Ravel’s Gaspard de la nuit (1908) and L’Enfant et les sortilèges (1925) by by allowing a section of each of these works – namely ‘Le gibet’ and ‘Préambule féerique’ – to enter into resonance with the notion of risk-taking and the dictates of the Surrealist movement. While Ravel carries out experiments of an unusual and perilous character with a consummate art, the result is far removed from the Neoclassical perspective from which his works are usually considered.Cet article aborde Gaspard de la nuit (1908) et L’Enfant et les sortilèges (1925) de Maurice Ravel en mettant en résonance un extrait de chacune de ces œuvres – respectivement «Le Gibet» et le «Préambule féerique» – avec les prises de risque mais aussi l’exigence du mouvement surréaliste. C’est en effet avec un art consommé que le compositeur y mène des expérimentations insolites et périlleuses. Leur résultat se révèle ainsi fort éloigné du néoclassicisme sous la bannière de laquelle le musicien est d’ordinaire rangé
Rewriting, Disguise and Blackface in Italian Comedy. "La Mora" (1588) by Giovanni Battista Calderari
Full text linkL’articolo indaga la riscrittura dell’Eunuco di Terenzio da parte di Giovanni Battista Calderari, il quale ancora prima dell’olandese Gerbrand Adriaenszoon Bredero con la celebre commedia Moortje trasforma il personaggio «altro» dell’eunuco in una Mora. L’articolo esplora le implicazioni di tale scelta per quanto riguarda questioni di genere, etnia e performance. Il saggio dimostra che la decisione di usare la Mora come figura «altra» è verosimilmente dettata non soltanto dalla presenza dei Mori nell’Italia rinascimentale o dalla comicità che possono suscitare le battute riguardo a quest’«altro», ma soprattutto dalla reputazione sessuale dei Mori e dalle possibilità sceniche che la pratica della blackface permette. Attraverso l’uso della blackface, Calderari rende la finzione scenica il centro della commedia e, avvalendosi di un attore travestito da schiava mora, porta in scena la fascinazione dell’eros. The article investigates the rewriting of Terence’s The Eunuch by Giovanni Battista Calderari, who transformed the «other» character of the eunuch into a Moorish woman even before the Dutch Gerbrand Adriaenszoon Bredero did with his famous comedy Moortje. The article explores the implications of this choice concerning questions of gender, ethnicity and performance. The essay demonstrates that the decision to use the Moorish woman as the «other» figure probably sprang not only from the presence of the Moors in Renaissance Italy or from the comicality that the characters’ lines regarding this «other» may excite, but especially from the sexual reputation of the Moors and from the theatrical possibilities that the blackface practice allows for. Through the use of blackface, Calderari makes the theatrical fiction the centre of his comedy and, availing himself of an actor dressed as a Moorish slave woman, he takes the fascination of Eros to the stage.  
The and the History of puppets by Giuseppe Crimi (1854-1937)
No full textIl teatro dei pupi a Catania, nell’Ottocento, è oggetto di numerose indagini che ne hanno esplorato le complesse valenze culturali e sociali. In questo articolo sono pubblicati per la prima volta insieme due testi significativi di Giuseppe Crimi (1854-1937) che in essi mise in luce l’attività di puparo a Catania, fin dal 1835, di suo padre Gaetano (Licata 1808 - Catania 1873). I due testi, composti tra il 1923 e il 1927, sono animati da intenti polemici e rivendicano il primato di Gaetano e della sua famiglia di pupari e attori rispetto a quella rivale dei Grasso. In particolare, le <Memorie> sono costruite su uno schema “drammatico” che fa di Gaetano il protagonista e dei suoi figli Carmelo, Francesco e Giuseppe i deuteragonisti.The puppet theater in Catania, in the 19th century, is the subject of numerous investigations which explored its complex cultural and social values. This article publishes together for the first time two significant texts of Giuseppe Crimi (1854-1937) who in them highlights the puppeteer activity in Catania, from 1835, of his father Gaetano (Licata 1808 - Catania 1873). The two texts, composed between 1923 and 1927, are animated by polemical intentions and claim the primacy of Gaetano and his family of puppeteers and actors compared to his rival Grassos. In particular, the <Memoirs> are built on a “dramatic” scheme which makes Gaetano the protagonist and his children Carmelo, Francesco and Giuseppe the deuteragonists
Kantor: Bal Rond for Tintagiles
Full text linkThe two scenic stagings of Kantor's production of The love and death machine, are linked, the first to the producer's abstract patterns of his theatrical début, and the second to the results of the death trilogy (The dead class, Wielopole-Wielopole, Let the artists burst!). Both aspects show how their structure is joined to form a circle, the symbol of time's cyclic motion and of the metamorphic stage event
Un pantin merveilleux. L’attore di Diderot come figura dell’eccedenza
Full text linkThe Paradoxe sur le comédien describes the art of acting as an exercise of multiplicity. According to Diderot, the great actor must be at the same time nothing and everything. In his materialistic approach, acting is considered a work and a concrete experience, where the actor must find a balance between the grace of the marionette and the exaggeration of the ideal. In absence of any passion, this kind of actor should be self-controlled and detached in order to move the audience. Indeed, Diderot’s theory is very concerned with the relationship between the artist and the spectator, not only for a moral purpose, but in view of a layered aesthetic experience. It follows that a dialectic between measure and excess can be considered as an exceptional key to understanding Diderot’s conception of theatre, which can also surprisingly disclose some contemporary features.Il Paradosso sull’attore tratteggia l’arte teatrale come un esercizio di molteplicità: secondo Diderot, il grande attore dev’essere al contempo tutto e nulla. Con un approccio materialista, la recitazione viene descritta come un lavoro e un’esperienza concreta in cui l’attore deve trovare un equilibrio tra la grazia della marionetta e l’eccedenza dell’ideale. Privo di sensibilità, padrone di sé, critico e distaccato, questo attore è interamente teso a commuovere il pubblico. Infatti, la teoria di Diderot è innanzitutto attenta alla relazione con lo spettatore, non tanto in vista di un messaggio morale da veicolare, quanto di un’esperienza estetica da promuovere. In questo contesto, la dialettica tra misura ed eccedenza si rivela un’importante chiave di lettura della concezione diderotiana del teatro, che peraltro racchiude sorprendenti anticipazioni di istanze contemporanee
«A perfect union of excellent and honest actors»: the Pellandi-Blanes company (1812-1816)
Full text linkL’articolo ripercorre l’attività della compagnia di Anna Pellandi e Paolo Belli Blanes tra il 1812 e il 1816, proponendo una ricostruzione dell’organico, degli spostamenti e del repertorio. Attraverso l’analisi delle recensioni contenute nella stampa dell’epoca e di altre fonti, si intende anche dimostrare come la formazione si sia rivelata un trampolino di lancio e, in alcuni casi, una vera e propria “scuola” per gli attori più giovani scritturati nella troupe, grazie al lavoro delle due star che la guidavano: Paolo Belli Blanes e Anna Fiorilli Pellandi.The paper traces the Pellandi-Blanes company’s activity between 1812 and 1816. The text aims to demonstrate how the training provided by Anna Fiorilli Pellandi e Paolo Belli Blanes proved to be a springboard and, in some cases, a real “school” for the younger actors of the company. The article is completed with two appendices devoted to the chronology of the company and its repertoire reconstruction
Get Lost in a Dream. Franco Scaldati from an (im)possible entomological perspective in Pupa Regina. Opere di fango et ultra
Full text linkDrammaturgo ancora trascurato, Franco Scaldati rappresenta un unicum nel panorama italiano in virtù di un corpus di opere in cui la lingua palermitana risuona con incredibile forza poetica. Il saggio intende far luce sull’artista attraverso una prospettiva inedita che fa leva sullo studio degli animali e dell’animalità – zoöesis, come la definisce Una Chaudhuri – nei suoi drammi. In particolar modo, a essere approfondite sono le figure degli insetti. Cosa rappresentano questi animali? Che rapporto intercorre tra l’umano e l’animale? Qual è la linea di confine fra i due mondi? Quanto gli insetti possono essere considerati motore drammaturgico dell’opera scaldatiana? Punto di partenza e, contemporaneamente, di irraggiamento sulla produzione di Scaldati è l’analisi di Pupa Regina. Opere di fango e l’emersione di api e lucciole, insetti, questi ultimi, che ritornano anche nella scrittura del “finale mancante” de I giganti della montagna di Luigi Pirandello per l’allestimento di Federico Tiezzi (2007).Playwright still neglected, Franco Scaldati represents a unicum in the Italian scene by virtue of an immense corpus of work in which the Palermitan language resonates with incredible poetic force. This paper aims to shed light on the Sicilian artist through an unprecedented perspective that draws on the study of animals and animality – zoöesis, as Una Chaudhuri defines it – in his plays. In particular, the role of insects will be explored. What do these animals represent? What is the relationship between humans and animals? What is the borderline between the two worlds? To what extent can insects be considered the dramaturgical engine of Scaldati’s work? The starting point and, at the same time, of irradiation on Scaldati’s production is the analysis of Pupa Regina. Opere di fango and the emergence of bees and fireflies, insects, the latter, which return also in the writing of the “missing ending” of The Mountain Giants by Luigi Pirandello in the 2007 staging directed by Federico Tiezzi
Ivrea the beautiful, twenty years later
Full text linkA leading figure of the already historic Congress of Ivrea in 1967, which gave start to the fertile season of Italian theatrical avant-gard, weighs in the balance of the anniversary Congress, held last autumn in Ivrea, on occasion of its twentieth anniversary
Declinazioni della presenza. Un possibile incontro tra Pasolini, De Martino e ricerca teatrale
Full text linkPier Paolo Pasolini theorizes how cinema is semiologically configured as the «written language of reality», or rather, the film speaks through the «presence» of what constitutes reality itself. The concept of presence is a theoretical dimension pertaining to the theatre, an area where gradations can be identified culminating in what Erika Fischer-Lichte defines as the «radical concept of presence». On the anthropological side, it’s Ernesto De Martino who analyzes the presence, identifying it as the way of being in the world as a culture producing subject. By creating a short circuit between these declinations, this essay attempts to see how – in a moment of crisis like that one of the 1960s – personalities such as the protagonists of theatrical research and Pasolini have focused their attention on presence as an instrument of knowledge of reality: aesthetic vehicle through which to resist the end of a world whose values are irremediably changing.Pier Paolo Pasolini teorizza come il cinema si configuri semiologicamente quale «Lingua scritta della realtà», ovvero, il film parla attraverso la «presenza» di ciò che costituisce la realtà stessa. Il concetto di presenza è una dimensione teorica di pertinenza del teatro, ambito dove se ne individuano gradazioni che culminano in quello che Erika Fischer-Lichte definisce «concetto radicale di presenza». Sul versante antropologico è invece Ernesto De Martino ad analizzare la presenza, individuandola quale modalità di essere nel mondo come soggetto produttore di cultura. Creando un cortocircuito tra queste declinazioni, il presente saggio tenta di scorgere come – in un momento di crisi come quello degli anni ’60 – personalità quali i protagonisti della ricerca teatrale e Pasolini abbiano puntato l'attenzione sulla presenza come strumento di conoscenza del reale: veicolo estetico attraverso cui resistere alla fine di un mondo i cui valori stanno mutando irrimediabilmente