KHIODA
Not a member yet
1540 research outputs found
Sort by
"Where We Meet"
Full text linkThe project “Where We Meet” is about the interaction between things and the acts that connect things. As an exploration to develop more curiosities towards concepts and feelings connected to the entanglement/connectivity of things. Seeing our surroundings as places where things move into each other, move through each other, interact with each other, separate each other, and touch each other.
In this thesis Quin Scholten is reflecting on the processes, ideas and outcomes during his Master program in 'medium- and material-based art' with as focus ceramics
Act out fully
Full text linkENG:
This thesis “Act out fully” examines one character in the mezzo-fach, Charlotte from J. Massenet’s “Werther”. The investigation is based on literature and musical analysis. The collected information of the analysis helps to identify Charlotte’s core characteristics, using “the Core Quadrant method” by Daniel Ofman (Ofman 2022). By comparing the different outcomes of two recordings of Charlotte’s Letter aria, “Qui m’aurait dit la place… Ces lettres”, a first base recording and a second recording after the analysis research, discusses how “the Core Quadrant” worked as a character analysis method. How the “the Core Quadrant method” gave a deeper understanding of the character, which resulted in enriching the emotional expression through more refined use of agogics and movement, influenced both the vocal and physical performance.
NO:
Denne oppgaven, "Act out fully", undersøker en karakter i mezzo-fach-stemmefaget, Charlotte fra J. Massenets «Werther». Undersøkelsen baseres på litteratur- og musikkanalyse. Informasjonen som samles inn gjennom analysen vil bidra til å identifisere Charlottes kjerneegenskaper. Dette ved bruk av "the Core Quadrant method" av Daniel Ofman (Ofman 2022). Ved å sammenligne resultatene fra to innspillinger av Charlottes brev-arie, «Qui m’aurait dit la place… Ces lettres» en grunninnspilling og en ny innspilling etter analysearbeidet, diskuteres hvordan "the Core Quadrant" fungerte som metode for karakteranalyse. Hvordan «the Core Quadrant method» gav en dypere forståelse av karakteren, noe som resulterte i en berikelse av det emosjonelle uttrykket gjennom en mer raffinert bruk av agogikk og bevegelse, påvirket både den vokale og den fysiske fremførelsen
Embodied Resistance
Full text linkENG:
Hamrell’s writing on Embodied Resistance explores how a neurodivergent approach to ceramics can serve as both an epistemic practice and a subtle form of resistance. Her sculptural language is rooted in bottomless forms, persistent patterns, and a visual vocabulary.
Drawing from her lived experience of dyslexia, Hamrell resists conventional frameworks of knowledge production and instead foregrounds embodied, intuitive, and non-linear modes of making through ceramics. Central to the work is a nuanced inquiry into authenticity, not as an innate expression of self, but as a shifting social mechanism shaped by meritocracy, performance, and systems of recognition.
NO:
Hamrells tekst om Embodied Resistance undersøker hvordan en nevrodivergent tilnærming til keramikk kan fungere både som en erkjennelsespraksis og en stille form for motstand. Hennes skulpturelle formspråk består av bunnløse former, vedvarende mønstre og et visuelt vokabular.
Med utgangspunkt i egne erfaringer med dysleksi, motsetter Hamrell seg konvensjonelle kunnskapsrammer og løfter fram kroppslige, intuitive og ikke-lineære måter å arbeide på gjennom keramikk. Et sentralt tema i arbeidet er autentisitet, ikke som et ekte uttrykk for et indre selv, men som en sosial konstruksjon formet av prestasjon, gjenkjennelse og makt
Botaniske observasjoner
No full textNorsk:
Utstillingen «Botaniske observasjoner» viser arbeid basert på en langvarig konseptuell tilnærming til iakttakelser og undersøkelser Camilla Luihn gjør i det urbane miljøet. I utstillingen viser Luihn verk med emalje som fellesnevner. Den beveger seg mellom verk som kan defineres som smykker og verk som henvender seg til rommet - i en stadig dialog med tilskueren.
Der Camilla Luihn beveger seg i bybildet observerer hun daglig etterlatte bananskall og har dokumentert en rekke av dem i bilder og i objekter. I Norge kastes mer enn 140 000 bananer hver dag. Og restene etter bananspisingen kan også sees på grunn av at bananskall kastes og legges over alt i byen. Kanskje tanken er at de går naturlig i oppløsning og absorberes på asfalten, på trafobokser eller i gresset? Denne fasinasjonen har resultert i utstillingen med tittel «Botaniske observasjoner».
Installasjonen «Bananas» består av en gruppe bananskall montert på vegg. «Det som er så fint med bananer, er at de har to eksistenser: en med skall og en uten, og det er to ganske ulike ting» (Claes Oldenburg). Og her ønsker Luihn å videreformidle denne dualiteten, det absurde, de kulturelle referansene, de seksuelle antydningene og den åpenbare (men ufrivillige) estetiske kvaliteten bananen har.
I tillegg viser Luihn en rekke verk der hun undersøker hvordan found objects i kobber kan reformuleres med dekonstruksjon og rekonstruksjon og noen gjenoppstår med emaljerte overflater. Luihn strekker dette mediet så langt hun kan og skaper en unik umiddelbarhet i materialet, noe som refererer til en lekenhet og undring - åpent for tilskuerens assosiasjoner og tolkninger. I verket «Avtrykk av byen» har Luihn gjort en rekke avtrykk i kobber av fysiske detaljer i bybildet, for så å emaljere og lage nye komposisjoner.
English:
The exhibition "Botanical observations" shows work based on a long-term conceptual approach to the observations and investigations Camilla Luihn makes in the urban environment. In the exhibition, Luihn shows works with enamel as a common denominator. It moves between works that can be defined as jewelery and works that address the room - in a constant dialogue with the viewer.
As Camilla Luihn moves through the cityscape, she observes banana peels left behind on a daily basis and has documented a number of them in photographs and in objects. In Norway, more than 140,000 bananas are thrown away every day. And the remains after eating bananas can also be seen because banana peels are thrown and left all over the city. Perhaps the idea is that they dissolve naturally and are absorbed on the asphalt, on transformer boxes or in the grass? This fascination has resulted in the exhibition entitled "Botanical observations".
The installation "Bananas" consists of a group of banana peels mounted on a wall. "What's so nice about bananas is that they have two existences: one with the peel and one without, and they are two quite different things" (Claes Oldenburg). And here Luihn wants to pass on this duality, the absurd, the cultural references, the sexual hints and the obvious (but involuntary) aesthetic quality the banana has.
In addition, Luihn shows a number of works in which she investigates how found objects in copper can be reformulated with deconstruction and reconstruction and some are resurrected with enameled surfaces. Luihn stretches this medium as far as she can and creates a unique immediacy in the material, which refers to a playfulness and wonder - open to the viewer's associations and interpretations. In the work "Impressions of the City", Luihn has made a series of impressions in copper of physical details in the cityscape, then enamels and creates new compositions
Barneidrettsbestemmelsene og konkurransedans
Full text linkNorsk:
Med utgangspunkt i Deci og Ryans selvbestemmelsesteorien, målorienteringsteorien, teori om attribusjon, mestringsforventninger og typer tankesett, tar oppgaven for seg konsekvensene av at barneutøvere under 11 år ikke får lov til å konkurrere i dans i Norge. Den løfter frem barneidrettsbestemmelsene sin påvirkning av dans som konkurranseidrett og belyser temaer som tidlig spissing, betydningen av gode trenere og hva som skaper en bærekraftig idrettsutøver.
English:
Based on Deci and Ryan's self-determination theory, goal orientation theory, attribution theory, self-efficacy and types of mindsets, this thesis explores the consequences of prohibiting children under the age of 11 from competing in dance in Norway. It highlights the impact of children's sports regulations on dance as a competitive sport, addressing issues such as early specialization, the importance of good coaches and what creates a sustainable athlete
Rotation is Your Motivation: Phase 2
Full text link„Rotation is Your Motivation” deals with the relationship between anatomical structure and aesthetic values in dance. The project's title refers to William Forsythe's work, which used hip rotation to initiate improvised movement material. The research project is an artistic and scientific exploration of the anatomical functionality of the dancing body and how it affects artistic expression.
Summary of Phase 1:
The first phase was a mix of scientific and artistic research. By evaluating the dancer's hip joint structure and its movement possibilities, we wanted to determine if function and aesthetics are the same in contemporary dance techniques.
- The scientific research: We measured the hip joint's external and internal rotation on volunteering dancers and took pictures of their hips with a machine called DEXA (Dual Energy X-ray Absorptiometry). We correlated the angle of the femur's head with its external and internal hip rotation. Results: We found no relation between the hip's geometry and hip rotation ability.
- The artistic phase: We worked with two dancers, one with extreme external rotation and one with extreme internal hip rotation. We created movement material for two types of hip joint ability: one with more external hip rotation and one with more internal hip rotation. We saw significant differences in how the movements look on the dancers with different movement potentials. The artistic phase created a beautiful unison material that can never be perfect unison because of anatomical diversity.
The Second Phase of the research project is a study of how to implement dance-science research into dance pedagogy. The "Rotation is Your Motivation Phase 2" research project aims to collect knowledge about the anatomy of the dancing body to open a discussion about the relationship between anatomy and talent and between the scientific and artistic sides of dance. This phase investigates what measurements of the dancing human would be necessary to understand their physical capacity. With measurement, it is possible to assess a dancer's status quantitatively. Monitoring an athlete's status is routine in the athletic world and is starting to appear in some dance training and performing institutions. It provides crucial information such as the dancer’s training readiness, injury risk, and current training load. It may also include psychological status and health status
Architecture Room, Royal Academy 2024 Summer Exhibition
No full textOskar, block-printed wallcoveringNO:
London-kollektivet Assemble samler arbeider fra alle de kreative feltene i de arkitektoniske rommene.
ENG:
London collective Assemble brings together works from across the creative fields into the architectural rooms
Amphibian State (of Mind)
No full textNO:
Den internasjonale utstillingen “Amphibian State (of Mind)” er et kuratorisk prosjekt av Maria Erikson (KHiO) og har som mål å styrke den baltiske og nordiske scenen for samtidsgrafikk i det utvidede feltet. Dette inkluderer samarbeid og utveksling mellom de deltakende kunstnerne fra grafikkavdelning ved Estlands kunstakademi og fagområdet for grafikk og tegning ved Kunsthøgskolen i Oslo.
ENG:
The international exhibition “Amphibian State (of Mind)” explores the relationships between artworks and the discourses they produce. The idea is rooted in Per Nilssons philosophical essay “The Amphibian Stand”. Navigating themes such as relationships between bodies, nature, animism, the exhibition explores artistic practices where a form of material knowledge is applied to an object (lashing belt, copper plate, piece of fabric, lump of clay etc) in order to change the discourse of that object, and gain new knowledge. Working methods represented in the exhibition – printmaking, drawing, textile, ceramics etc – are based on the sensitivity of a touch and its ability to read surface texture.
Artists involved with the exhibition share a posthumanist multidisciplinary approach, as they apply the logic of one medium to another medium, and activate the thing-power of the materials through gestures and care they provide.
The international exhibition “Amphibian State (of Mind)” is a curatorial project by Maria Erikson (KHiO)and aims to enhance the Baltic and Nordic scene of contemporary printmaking in the expanded field, including collaboration and an exchange between the participating artists from the Department of Graphic Art at the Estonian Academy of Arts and the Print and Drawing study area at the Oslo National Academy of the Arts.
Artists: Ida Montgomery Emblemsvåg (NO), Othelie Farstad (NO), Birk André Fredhjem (NO), Dan Grönlund (SE/NO), Sara Marie Hødnebø (NO), Oskar Jensen (NO), Maria Izabella Lehtsaar (EE), Signe Fuglesteg Luksengard (NO), Vilma Lundholm (SE/NO), Rajat Mondal (IN/NO), Triin Mänd (EE), Marten Prei (EE), Sandra Puusepp (EE), Paul Rannik (EE/DE), Elise Marie Skaug (NO), Mathilda Skoglund (SE/NO), Kristian Trana (NO), Nora Hultén Törnerud (SE/NO)
https://www.artun.ee/en/calendar/amphibian-state-of-mind-at-eka-gallery
Høy tid: oppattretting av ein tapt kopling / Restoration of a lost connection
No full textNorsk:
Oppgåva "Høy Tid: Oppattretting av ein tapt kopling" av Magnus Håland Sunde utforskar dei intrikate samanhengane mellom landskap, tradisjonelt handverk og moderne teknologi gjennom linsa av kulturarv og miljøbevissthet. Delt inn i tydelege seksjonar, navigerer avhandlinga gjennom ulike tematiske element:
Oikos: Reflekterer over kunstnaren sin oppvekst på Tysnes, Noreg, og den økologiske betydningen, med vekt på samspelet mellom menneskeleg aktivitet og det naturlege landskapet.
Materia: Utforskar betydninga av material, slik som lin, ull og ståltråd, i tradisjonelt handverk, og framhevar deira roller innan økosystem og kulturelle historier.
Primstaven: Trekker paralleller mellom folketradisjonelle metoder for tidsforståelse, eksemplifisert av primstaven, og den sykliske naturen av landskapsforvaltning og kulturelle praksisar.
Gjenfortrylla: Diskuterer attkoplinga med naturen og arven, med inspirasjon frå feministiske forskarar som Silvia Federici og sosiologen Max Weber, som reflekterte over tapet av magi og åndelig tilknyting i moderniteten.
Ljåen: Fokuserer på symbolikken til ljåen, dens materialitet, og dens rolle i forma landskap, som eksempel på eit harmonisk samspel mellom menneske, verktøy og natur.
Tékhnē: Undersøker dei filosofiske implikasjonane av teknologi for forma vår persepsjon av verda og miljøet, med inspirasjon frå tenkarar som Martin Heidegger, for å utfordre konsekvensane av moderne teknologiske framsteg for vår forståing av naturen.
Røynsle kringom landskapet: Reflekterer over personlege opplevingar og observasjonar av landskap, med innlemming av element av digital teknologi for å fange og tolke den naturlege verda.
Fugleperspektivet: Utforskar konseptet om situert kunnskap og teknologiens innverknad på vår forståing og representasjon av landskap, med innlemming av personlege forteljingar og kunstnariske eksperiment.
Avhandlinga inneheld ei reise av sjølvinnsikt og økologisk bevissthet, som fletter saman personleg arv med samtidsrefleksjonar om miljøet, handverket og teknologien. Gjennom ulike perspektiv og tverrfaglege tilnærmingsmåtar, tilbyr den innsikt i dei intrikate samanhengane mellom menneske, landskap og kulturelle tradisjonar.
English:
The thesis titled "Restoration of a lost connection" by Magnus Håland Sunde explores the intricate relationships between landscape, traditional craftsmanship, and modern technology through the lens of personal heritage and environmental awareness. Divided into distinct sections, the thesis navigates through various thematic elements:
Oikos: Reflects on the artist's upbringing in Tysnes, Norway, and its ecological significance, emphasizing the interplay between human activity and the natural landscape.
Materia: Explores the significance of materials, such as linen, wool, and steel wire, in traditional crafts, highlighting their roles within ecosystems and cultural histories.
Primstaven: Draws parallels between traditional Nordic methods of timekeeping, exemplified by the primstav, and the cyclical nature of landscape management and cultural practices.
Gjenfortrylla: Discusses the reconnection with nature and heritage, drawing inspiration from feminist scholars like Silvia Federici and sociologist Max Weber, who pondered the loss of magic and spiritual connection in modernity.
Ljåen: Focuses on the symbolism of the scythe, its materiality, and its role in shaping landscapes, exemplifying a harmonious interaction between humans, tools, and nature.
Tékhnē: Examines the philosophical implications of technology in shaping our perception of the world and the environment, drawing from thinkers like Martin Heidegger to question the impact of modern technological advancements on our understanding of nature.
Røynsle kringom landskapet: Reflects on personal experiences and observations of landscapes, incorporating elements of digital technology to capture and reinterpret the natural world.
Fugleperspektivet: Explores the concept of situated knowledge and the influence of technology on our understanding and representation of landscapes, incorporating personal narratives and artistic experimentation.
The thesis encapsulates a journey of self-discovery and ecological awareness, intertwining personal heritage with contemporary reflections on the environment, craftsmanship, and technology. Through diverse perspectives and interdisciplinary approaches, it offers insights into the intricate connections between humans, landscapes, and cultural traditions
THE PSYCHOLOGY OF CLOTHING: EMOTIONAL DESIGN FOR HEALING
Full text linkI vinterskuespillet i Vigeland skulpturpark la jeg merke til hvordan skulpturer forvandlet seg under et snølag. Denne endringen endret utseendet deres og utløste en dyp refleksjon over livets press. Enten fra jobb eller studier, dette presset som snøfnugg virker tungt, men er bestemt til å forsvinne.
Med fokus på hvordan snøfnugg først samler seg på mennesker eller rommet rundt dem, konsentrerte jeg designarbeidet på klærnes hode, nakke, armer og føtter. Disse områdene der snø samler seg tungt under et fall ble fokuspunktene i designet mitt. Ved å bruke kontrast mellom tunge og lette stoffer, er hvert stykke en oppmuntring til publikum - til å erkjenne at selv i de kaldeste og mørkeste øyeblikkene eksisterer håp og skjønnhet fortsatt