Anuario Musical (E-Journal)
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Publicaciones sobre música dirigidas desde la Institución Milá y Fontanals de Investigación en Humanidades (IMF‑CSIC), Barcelona
Full text linkNotas históricas sobre la capilla de música de la colegiata de Santa María de los Reales Alcázares de Úbeda, Jaén (siglos XVI-XVIII)
Full text linkThe ancient collegiate church of Santa María de los Reales Alcázares in Úbeda, Jaén (1259-1852) is the oldest of the three existing ones in the town. This study presents 17th and 18th century documentation about musicians and musical activites preserved at the Archivo Histórico Municipal of Úbeda and in the Archivo Ducal de Medinaceli (Sevilla), where the chapter records —mostly from the 18th century— of that collegiate church were recently found. Even though there is important literature about Úbeda, the scarcity of documentary sources is a great limitation. Thus the new data presented here about Úbeda’s musical history opens up the way for future research.Este trabajo es un acercamiento al conocimiento de la capilla de música de la antigua colegiata de Santa María de los Reales Alcázares de Úbeda, Jaén (1258-1852), la primera de las tres existentes en la ciudad, a través del estudio y presentación de la documentación conservada en el Archivo Histórico Municipal de Úbeda —en las actas capitulares municipales conservadas de los siglos XVII y XVIII— y en el Archivo Ducal de Medinaceli (Sevilla), en donde recientemente se han localizado las únicas actas capitulares conocidas de la colegial. Las dificultades del estudio vienen marcadas por la lamentable escasez de fuentes documentales que a su vez lleva a la limitada, aunque importante, existencia de bibliografía sobre el tema. Con todo, se aportan datos de enorme interés sobre un aspecto de la historia musical ubetense muy desconocido —objetivo fundamental del estudio—, al tiempo que se abren caminos para nuevas investigaciones como objeto de futuros trabajos
Una cartografía del tacto: la poética del instrumento en José Luis Torá (Madrid, 1966)
Full text linkThis article presents an aesthetic approach to compositional process with the musical instrument developed by the Spanish composer José Luis Torá (Madrid, 1966). In the context of Tora’s personal poetics, the instrument is conceived as a physical, sounding body, always capable of acoustic possibilities that have not been actualised yet. The artist recognizes in the instrument a historical dimension, or ‘memory’, which confers beforehand meaning to instrumental actions. Based on theoretical positions close to those of his former teacher Helmut Lachenmann, (and also influenced by other musical, philosophical and artistic figures), Torá defends the necessity of a critical and reflexive effort in the compositional process in order to bring out new acoustic relations inside the instrument. In the following pages, the philosophical implications of this vision of the instrument are studied and contextualised within Torá’s personal poetics, analysing its traces in musical works such as wq.132 à creux perdu (2017), Kaspar Hauser Lied (1993) and in der bruchlosen Ferne, dans le crevasse du temps (2001).El presente artículo constituye una aproximación desde un punto de vista estético al trabajo con el instrumento musical que realiza en su obra el compositor español José Luis Torá (Madrid, 1966). En el contexto de su poética, el instrumento se entiende como un cuerpo sonoro, físico, provisto siempre de posibilidades acústicas no actualizadas. Además, se reconoce en él la existencia de una historia o “memoria” que contribuye a cargar de sentido, de antemano, las acciones instrumentales. El artista, partiendo de posicionamientos teóricos afines a los de quien fuera su maestro, Helmut Lachenmann, (y de otras influencias musicales, filosóficas y artísticas), se plantea la necesidad de una labor crítica que permita sacar a la luz nuevas relaciones acústicas en el instrumento en el proceso de creación musical. A lo largo de estas páginas se estudian las implicaciones filosóficas de dicha concepción del instrumento, enmarcándolas en la poética personal de Torá, y se analiza su huella en la escritura musical del autor a través de algunos ejemplos tomados de, entre otras obras, wq.132 à creux perdu (2017), Kaspar Hauser Lied (1993) e in der bruchlosen Ferne, dans le crevasse du temps (2001)
Dos homenajes a Beethoven: los cuartetos de Pere Tintorer (1814-1891) y Quintín Esquembre (1885-1965)
Full text linkThis study deals with the history of Ludwig van Beethoven’s reception in Spain during the second half of the 19th century and the first third of the 20th century, with special attention to musical creation, focused —within the frame of the historical and musical context of the period— on two chamber compositions, one by Pere Tintorer (1814-1891) and another one by Quintín Esquembre (1885-1965). Both work titles on the cover of the respective scores refer explicitly to the German musician, and that is why the question arises: How did the two Spaniards carry out their approximation to the supposed model and what are the compositional resources employed? Tintorer’s Piano Quartet in C minor (ca. 1865), entitled Un Souvenir de L. van Beethoven (in one movement, durchkomponiert in two parts), includes a motivic quotation, probably from Beethoven’s Piano Trio in C minor op. 1 no. 3. Used as a kind of motto, this motif defines the second part of the work by being repeatedly cited, specifically in its first section and in the coda, the latter displaying an intensive motivic elaboration. In contrast, Esquembre’s String Quartet in G minor (1926), named Homenaje a Beethoven, renounces to literal quotations, opting instead for the deliberate evocation of the traditional characters of its four movements. These are cyclically related by means of a common “generating cell” from which derive concise rhythmic-diastematic elements that, in part, refer to the basic typology of Beethoven’s designs, acting —similarly to them— as “developmental motives” (K. von Fischer, 1948; 2nd ed. 1972).El presente estudio constituye una aportación a la historia de la recepción de Ludwig van Beethoven en España durante la segunda mitad del siglo XIX y primer tercio del siglo XX, con especial atención a la creación musical, centrándose —dentro del marco del contexto histórico-musical del período— en dos composiciones camerísticas, una de Pere Tintorer (1814-1891) y otra de Quintín Esquembre (1885-1965). Ambos títulos se refieren explícitamente, en la portada de las respectivas partituras, al músico alemán, por lo cual se plantea la cuestión de cómo los dos españoles llevaron a cabo su aproximación al supuesto modelo y cuáles son los recursos compositivos empleados. El Cuarteto con piano en Do menor (ca. 1865) de Tintorer, titulado Un Souvenir de L. van Beethoven (en un movimiento, de forma durchkomponiert bipartita), toma un préstamo motívico procedente, probablemente, del Trío con piano en Do menor op. 1 n.º 3 de Beethoven. Empleado a modo de motto, dicho motivo define la segunda parte de la obra al estar reiteradamente citado, en concreto, en la primera sección y en la coda, preñada esta última de un intenso trabajo motívico. En cambio, el Cuarteto de cuerda en Sol menor (1926) de Esquembre, designado Homenaje a Beethoven, renuncia a citas literales, optando en su lugar por la evocación deliberada de los tradicionales caracteres de sus cuatro movimientos. Estos están cíclicamente relacionados por medio de una “célula generadora” común, de la cual derivan concisos elementos rítmico-diastemáticos que, en parte, remiten a la tipología básica de diseños beethovenianos, actuando —de forma similar a estos— como “motivos de desarrollo” (K. von Fischer, 1948; 2.ª ed. 1972)
El cuaderno de campo de Palmira Jaquetti (1895-1963) sobre la Misión M12 (Barcelona, 1945) en el Fondo de Música Tradicional IMF-CSIC: introducción y edición
Full text linkIn 2020 we celebrate the 125th anniversary of Palmira Jaquetti (1895-1963), a composer, poet and folklorist whose name does not appear in the main music dictionaries. She carried out an important task of collecting ca. 10.000 Catalan folksongs for the project “Obra del Cançoner Popular de Catalunya” (1922-1936) —most of them unpublished— and collaborated with the Instituto Español de Musicología in the Misión M12 (1945) to collect songs of oral tradition in seven charity nursing homes in Barcelona. The transcriptions of the ca. 450 songs collected in the Misión M12 and the informants’ cards of the people who sang them can be consulted in the website of the Fondo de Música Tradicional IMF-CSIC (https://musicatradicional.eu/source/130), but the field notebook where Jaquetti annotated the vicissitudes of the mission remained unpublished. This notebook, transcribed here, is particularly valuable, owing to its ethnomusicological and social interest —describing aspects of post Spanish Civil War Barcelona— and, from the literary point of view, as an example of clear, straightforward, elegant, and expressive prose of an extraordinary woman.En 2020 se celebra el 125.º aniversario del nacimiento de Palmira Jaquetti (1895-1963), compositora, poeta y folclorista cuyo nombre no aparece en los principales diccionarios de música. Llevó a cabo una ingente labor de recogida de ca. 10 000 canciones tradicionales para la “Obra del Cançoner Popular de Catalunya” (1922-1936) —la mayoría siguen inéditas— y colaboró también con el Instituto Español de Musicología en la Misión M12 (1945) para recoger canciones de tradición oral en siete asilos de Barcelona. Las transcripciones de las ca. 450 canciones recogidas de la Misión M12 y las fichas con los datos de las personas que las cantaron pueden consultarse en el portal web del Fondo de Música Tradicional IMF-CSIC (https://musicatradicional.eu/source/130), pero el cuaderno de campo en el que Jaquetti anotó las vicisitudes de esa misión permanecía inédito. Este cuaderno, que se transcribe en esta aportación, es particularmente valioso por su interés etnomusicológico y social —al describir aspectos de la Barcelona de posguerra—, y desde el punto de vista literario como muestra de la prosa clara, sencilla, elegante y expresiva de una mujer extraordinaria
Sobre compartir
Full text linkThis essay, based on a lecture given in Barcelona, considers the importance of sharing within current musicological research from the perspective of the author’s research interests and through a discussion of issues surrounding open access in academic publishing. Tunbridge observes the importance of transnationalism and performance studies as trends within academia that are also reflected in her own work on interwar lieder performance in New York and London and on the string quartet. The significance of open access as a means to disseminate research, and its influence on the type of projects being undertaken, is explored.Este artículo, basado en una conferencia presentada en Barcelona, trata de la importancia de compartir en el ámbito de la investigación musicológica, desde la perspectiva de los intereses de investigación de la autora y por medio de una discusión sobre temas relacionados con el acceso abierto a las publicaciones académicas. Se considera la importancia de la transnacionalidad y los estudios sobre interpretación histórica como tendencias que están reflejadas también en el propio trabajo de Tunbridge sobre interpretación del lied de entreguerras en Nueva York y Londres y sobre el cuarteto de cuerda. También explora el significado del acceso abierto como medio para diseminar investigación y su influencia en el tipo de proyectos que se están llevando a cabo
Música de vanguardia en la prensa cultural española: los casos de La Estafeta Literaria y Aulas. Educación y Cultura
Full text linkAt the end of the 1950s, avant-garde music began to draw the attention of cultural institutions such as the Aula de Música from the Ateneo de Madrid and the Servicio Nacional de Educación y Cultura. Sharing a common line of action, these and other institutions contributed to legitimize the music of young Spanish composers —namely, the so-called “Generation of 51”— aligning them with the most advanced techniques and trends of international avant-garde music. In the context of Francoism’s economic and political reforms, the promotion of the avant-garde met a wider strategic interest when offering a vision of Spain as a modern country, emphasizing the technical quality of the works and minimizing their possible ideological contents. In this paper we address the analysis of the discourse that composers and music critics built around avant-garde music in Spain. We will focus on two official publications related to the aforementioned institutions: La Estafeta Literaria and Aulas. Educación y Cultura.A finales de la década de 1950, entidades culturales como el Aula de Música del Ateneo de Madrid o el Servicio Nacional de Educación y Cultura comenzaron a prestar especial atención a la música de vanguardia. A través de una línea de actuación compartida, estas y otras instituciones contribuyeron a legitimar a los jóvenes compositores españoles —la Generación del 51— situándolos en línea con las últimas tendencias de la música europea. En el contexto del desarrollismo franquista, esta promoción respondió a un interés estratégico más amplio a la hora de ofrecer una visión de España como sinónimo de modernidad, subrayando la calidad técnica y formal de las obras y minimizando sus posibles aspectos ideológicos. En el presente artículo abordamos el estudio del discurso construido en torno a la vanguardia por parte de dichos compositores y de la crítica musical, centrándonos en dos publicaciones oficiales vinculadas a las citadas instituciones: La Estafeta Literaria y Aulas. Educación y Cultura
Publicaciones sobre música dirigidas desde la Institución Milá y Fontanals-CSIC, Barcelona
Full text linkTino Casal y la modernización del pop español en los años ochenta
Full text linkTino Casal (1950-1991) is an icon for Spanish popular music of the 1980s. Casal adapted efficiently new wave´s postmodern modernity to the Spanish context. He articulated the discourse of the new wave through new romantics, who inherited features of glam such as artifice or androgyny. Following his foreign counterparts, Casal combined in his work synth pop´s artificiality and authentic inauthenticity, with pastiche and kitsch. In this research, we have analyzed Casal´s work through songs like “Embrujada”, “Oro negro”, “African chic” or his version of “Life on Mars?”. For the structure, we have followed the chronological timeline of his recordings to appreciate Casal´s evolution throughout the eighties.Tino Casal (1950-1991) es una referencia de la música popular urbana española de la década de 1980 y uno de los que mejor adaptó la modernidad posmoderna de la new wave al contexto español. Casal articuló el discurso de la new wave a través de los new romantics, que recogían elementos del glam como el artificio o la androginia. En su trabajo, Casal combinó, siguiendo a sus homólogos extranjeros, la artificialidad y la auténtica inautenticidad del synth pop, con la práctica del pastiche y el uso consciente del kitsch. Siguiendo la cronología de sus discos, en este artículo analizamos cómo Casal construyó este discurso a través del análisis de canciones clave como “Embrujada”, “Oro negro”, “African chic” o su versión de “Life on Mars?”