Anuario Musical (E-Journal)
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Publicaciones sobre música dirigidas desde la Institución Milá y Fontanals de Investigación en Humanidades (IMF‑CSIC), Barcelona
Full text link‘Den lugar a los negrillos’: villancicos y danzas ‘de negro’ en la España del siglo XVII
Full text linkThis article analyzes the appearance of the dances in the villancicos “de negro” to inquire into the contribution of the Ibero-Africans in the musical and choreographic culture of 17th century Spain. Specifically, from a corpus of fitfty texts, the dances and bailes that appear described in them are analyzed, especially the guineos, zarambeques, cumbés, and others not directly related to the dances considered as “black”, like the chacona, the zarabanda or the canario, as well as other quoted dances. Furthermore, after listing, classifying and contextualizing them, these dances are interrelated with those that appear in the Corpus Christi processions to offer an intertextual look at the filters that acted in front of the slave reality, to elucidate the African participation and to distinguish it from the cases of blackface and other cultural hybrids throughout the century.Este artículo analiza la aparición de los bailes en los villancicos “de negro” para indagar sobre la contribución de los iberoafricanos en la cultura musical y coreográfica de la España del siglo XVII. Concretamente, a partir de un corpus de cincuenta textos, se toman en cuenta los bailes y danzas que aparecen descritos en ellos, especialmente los guineos, los zarambeques y cumbés, aunque también otros no directamente relacionados con los bailes considerados “de negros”, como la chacona, la zarabanda o el canario, así como otros bailes citados. Después de enumerarlos, clasificarlos y contextualizarlos, se interrelacionan estos bailes con los que aparecen en las procesiones de Corpus, para finalmente ofrecer una mirada intertextual sobre los filtros que actuaban delante de la realidad esclava, para dilucidar la participación africana y distinguirla de los casos de blackface y otras hibridaciones culturales a lo largo del siglo
Géneros musicales en la trilogía policíaca de Jean-Claude Izzo (1945-2000): Secuencias relacionales en una ciudad portuaria con ritmo de crimen
Full text linkThe aim of this study is to examine how Jean-Claude Izzo (1945-2000) sequences the scenes described in the textual discourse of his noir crime trilogy (Total Khéops, Chourmo and Solea) with the type of music he chooses to set them to, seeking, in turn, to define the elements that move him to choose one genre of music or another. The structure of this article will be realized in accordance with the different themes associated with the bonds of connection and identity created between his literary characters analysing in turn the variety of music used by Izzo in each of them to attune to the passages of his work. By shedding light on this connection between literature and music, we will be able to determine the discursive links that can be created between these two artistic manifestations in order to identify the system of empathy experienced by the reader in response to an excerpt in which music emanates symbiotically with the written text.El presente estudio tiene por objeto dilucidar cómo Jean-Claude Izzo (1945-2000) secuencia las escenas que describe en el discurso textual de su trilogía policíaca (Total Khéops, Chourmo y Solea) en función de la música con la que las ambienta, intentando, a su vez, precisar qué elementos son los que le llevan a utilizar uno u otro género musical. Este se estructurará, asimismo, a partir de las distintas temáticas asociadas a los vínculos relacionales e identitarios que se establecen entre sus personajes, analizando, en cada una de ellas, la variedad de música que emplea Izzo para aclimatar los pasajes de su obra. Esclarecer esta conexión entre literatura y música nos permitirá determinar los vínculos discursivos que pueden crearse entre ambas manifestaciones artísticas con el fin de intensificar la sensación empática que siente el o la lector/a ante un fragmento donde la música emana de forma simbiótica con el texto escrito
Ludomusicología: normalizando el estudio de la música de los videojuegos
Full text linkIn the past two decades, the study of video game music has come into its own and gained acceptance in the academic community. This subdiscipline, now commonly referred as Ludomusicology, is still attempting basic questions concerning how it can be researched. This article aims to present the current situation and to reflect about some of the main lines of research related to the music of video games and their culture, a field of ongoing research that has received little attention in Hispanic academia up to the present time.El estudio de la música de videojuegos ha alcanzado en las dos últimas décadas su madurez y aceptación en medios académicos. Esta subdisciplina, conocida comúnmente como Ludomusicología, se plantea aún preguntas básicas sobre cómo se puede investigar. Este artículo pretende dar a conocer la situación actual y reflexionar sobre algunas de las principales líneas de trabajo de los estudios sobre la música de los videojuegos y sus culturas, un campo de investigación en desarrollo permanente que, hasta la fecha, ha recibido escasa consideración en el ámbito académico hispánico
La Orquesta Nacional de España en la transición democrática (1975-82): el cambio en las políticas musicales oficiales
Full text linkThe study of the Orquesta Nacional de España (ONE) during the Spanish transition (1975-82) sheds light on the discourses configured around democracy. The fact of being the most favoured group by the State invites us to explore the musical politics of that time, still very affected by the triumphalist inertia inherited from the Franco regime. From 1977, some significant changes occurred: the creation of the Dirección General de Música by Jesus Aguirre, the conversion of the ONE into an Autonomous Organism and the publication of the Regulation in 1982. All these changes led to a more inclusive management from the sociological perspective and according to the programmed contemporary Spanish repertoire. However, feminist analysis limits this progress. The comparison of unpublished material, obtained from the Administration General Archive, with that of newspapers confirms our proposal.El estudio de la Orquesta Nacional de España en la Transición (1975-82) arroja luz sobre los discursos que se estaban configurando en torno a la democracia. El hecho de ser el conjunto más mimado por el Estado invita a profundizar en las políticas musicales del momento, aún muy lastradas por la inercia triunfalista heredada del franquismo. A partir de 1977 se sucedieron algunos cambios significativos (la creación de la Dirección General de Música con Jesús Aguirre, la conversión de la ONE en Organismo Autónomo y la publicación del Reglamento en 1982) que condujeron a una gestión más inclusiva desde la perspectiva sociológica y en función del repertorio contemporáneo español programado, aunque el análisis feminista limita este avance. El cruce de materiales inéditos —extraídos del Archivo General de la Administración— con la prensa confirma nuestra propuesta
Susana Muñoz, ympressora de los libros de musica, y el Libro de canto de misas y magnificas y motetes y una salue (Salamanca, 1620) de Diego de Bruceña
Full text linkAmong its many treasures, the Cathedral of Miranda do Douro in the district of Bragança in Portugal houses the only known exemplar of Diego de Bruceña’s book of polyphony (Salamanca: Antonio Vázquez, 1620). This choirbook preserves the most significant body of the works of a composer whose compositions were thought to be almost entirely lost. Close study of the choirbook allows us to construct a more detailed and nuanced understanding of the printing of sacred music, and especially the printing of polyphonic choirbooks, in Salamanca in the first decades of the 17th century. A central rôle in the printing of the choirbook was played by Susana Muñoz, an enterprising business woman who, through successive strategic marriages to key figures in Salamanca’s thriving printing trade, built a firm that in the period 1602 to 1625 issued more than 120 titles. This article seizes the occasion of the 400th anniversary of the choirbook’s production to introduce Bruceña’s choirbook within the wider context of music printing in Salamanca in the period 1607-1620, and to sketch the broader contours of the contribution of Susana Muñoz, the three husbands with whom she worked, and all of whom she survived.Entre sus muchos tesoros, la Catedral de Miranda do Douro en el distrito de Bragança en Portugal alberga el único ejemplar conocido del libro de polifonía de Diego de Bruceña (Salamanca: Antonio Vázquez, 1620). Este libro de coro conserva el conjunto más significativo de las obras de un compositor cuyas composiciones se pensaba que estaban casi completamente perdidas. El estudio detenido del libro de coro nos permite elaborar una comprensión más detallada y matizada de la impresión de la música sacra, y especialmente de los libros de coro polifónicos, en la Salamanca de las primeras décadas del siglo XVII. Un papel central en la impresión del libro de coro lo desempeñó Susana Muñoz, una emprendedora mujer de negocios que, a través de sucesivos matrimonios estratégicos con figuras clave del floreciente comercio de la imprenta de Salamanca, mantuvo una imprenta que en el período 1602-1625 emitió más de 120 títulos. Este artículo aprovecha el 400 aniversario de la producción del libro de coro para introducir esta colección de Bruceña en el contexto más amplio de la impresión musical en Salamanca en el período 1607-1620, y para esbozar los contornos más amplios de la contribución de Susana Muñoz y sus tres maridos
“La Voz del Pueblo, una Canción, una Frase Notable, una Rima, lograron sobrevivir”. El nacimiento de la Estética Musical y el momento musicológico global
Full text linkIn this intellectual history of the emergence of modern musical aesthetics globally, I concern myself with the birth of aesthetics as a modern philosophical field and the expansion of music historiography to include the entire world. These global musicological moments are abundantly evident in the earliest writings of Johann Gottfried Herder (1744-1803), who would channel and sustain their confluence throughout his vast body of publications. The title of the essay comes from Herder, specifically from the seminal volumes he called Volkslieder (Folk Songs, 1778/79), in which he connects his foundational writings on aesthetics, the Kritische Wälder (Critical Forests) to the first comprehensive concept of global music aesthetics. The history of Herder reception is itself a critical thread in the intellectual history of musical aesthetics that links the eighteenth to the twenty-first century. I follow this critical thread to eighteenth-century South Asia in search of a foundational modern Indian musical aesthetics, particularly in the South Indian classical genre, kriti, and the vast aesthetic domain of rāga theory, which also took a turn toward the modern at the end of the eighteenth century. The essay concludes by returning to the present with examples of Herder’s aesthetic principles in musical performance in today’s global migration crisis. It is that intellectual history, with the cases from past and present, enlightenments in Europe and South Asia, especially their global dimensions, that shapes the theory of global musicological moments at the heart of this essay.En esta historia intelectual de la aparición de la estética musical global, trato del nacimiento de la estética como un campo filosófico moderno y la expansión de la historiografía musical hasta incluir el mundo entero. Estos momentos musicológicos globales son muy evidentes en los primeros escritos de Johann Gottfried Herder (1744-1803), quien canalizaría y mantendría esa confluencia a lo largo de su vasta obra publicada. El título de este artículo procede de Herder, específicamente de los volúmenes que llamó Volkslieder (Canciones populares, 1778/79), en los que conecta sus escritos fundacionales sobre estética, Kritische Wälder (Selvas críticas), con el primer concepto integral de estética musical global. La historia de la recepción de Herder es en sí un hilo conductor crítico en la historia intelectual de la estética musical que conecta el siglo XVIII con el XXI. Sigo este hilo conductor hasta el sur de Asia en el siglo XVIII a la búsqueda de una moderna estética musical hindú fundacional, particularmente en el género clásico kriti, del sur de la India, y el vasto dominio estético de la teoría de los rāga, que también dio un giro hacia lo moderno a finales del siglo XVIII. El artículo concluye volviendo al presente con ejemplos de principios estéticos de Herder aplicados a interpretaciones musicales en la actual crisis migratoria global. Es esa historia intelectual, con ejemplos del pasado y del presente, de la Ilustración en Europa y en el sur de Asia, especialmente sus dimensiones globales, la que da forma a la teoría de momentos musicológicos globales que constituye el núcleo de este artículo
"Vejam bem". José Afonso, Brecht y la vía moderna a la Canção de Protesto
Full text linkThe encounter with Bertolt Brecht’s work and thought can be considered a turning point for the artistic development of the Portuguese singer, songwriter, and poet José Afonso (Aveiro, 2 August 1929—Setúbal, 23 February 1987), setting a creative framework, to be expanded since 1967 as a theoretical and practical context in which much of his production can be understood. In this way, José Afonso takes to the field of popular music the vindication of Brecht as a model of cultural intervention by socialist opposition to Salazar’s dictatorship. Thus, it is possible to identify a conscious appropriation of Brechtian conceptions reflecting on his ideas as well as on his performance practice. This move not only has to do with the cultural and political role of musician and music aiming to break the monolithic fascist cultural order, but —on an intrinsically aesthetic dimension— with the very use of chronologically and stylistically multiple voices to assemble artifacts of a great expressive and mobilizing power. In José Afonso’s songs, particularly in those composed on Brecht’s texts, many of the principles and procedures that place the playwright on the modern and politically engaged side alike are present. It is especially remarkable the transfer to music of montage and musical languages interweaving methods. This transfer manifests itself in the ambivalent play between the traditional and the urban, the parodic and the tragic in order to promote a critical reconstruction of reality. Thus, we can characterize his production both as modern and popular.El encuentro con la obra y pensamiento de Bertolt Brecht puede ser considerado un momento crucial para el desarrollo artístico del cantautor y poeta portugués José Afonso (Aveiro, 2 de agosto de 1929—Setúbal, 23 de febrero de 1987), dibujando un marco creativo que se ampliará a partir de 1967 como contexto teórico y práctico desde el que entender mucha de su producción. En este sentido, José Afonso lleva al terreno musical popular portugués la reivindicación de Brecht como modelo de intervención cultural que impregna la oposición socialista a la dictadura de Salazar. De este modo, es posible identificar tanto en sus ideas como en sus prácticas compositivas e interpretativas una apropiación consciente de las concepciones brechtianas. Esta apropiación se produce no solo en lo que concierne al papel cultural y político del músico y su música en la ruptura del monolítico orden cultural salazarista, sino también en una dimensión intrínsecamente estética, en la propia utilización de voces cronológica y estilísticamente múltiples para ensamblar artefactos de gran poder expresivo y movilizador. En las canciones de José Afonso, particularmente en las que compuso sobre textos de Brecht, están presentes muchos de los principios y procedimientos constructivos que sitúan al dramaturgo en una línea simultáneamente moderna y políticamente comprometida. Especialmente destacable es la transferencia a la música de los métodos de montaje y superposición de lenguajes, lo que se traduce en un juego ambivalente entre lo tradicional y lo urbano para promover una reconstrucción crítica de lo real. Esto permitiría definir su producción como moderna y popular