Anuario Musical (E-Journal)
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Claves de la composición cantollanista en la España de la Baja Edad Media: el oficio rimado de san Froilán, obispo de León
Full text linkThe composition of versified offices represents one of the forms of liturgical expression most closely linked to the late Middle Ages. Knowledge of the genre is, however, far from complete, partly because of the scarce attention that late plainchant has received until recently, but also because of its strong localism. In fact, many of these offices were composed as a vehicle to honor the patron saint of a particular church or monastery. In the long run, this has resulted in their sources being limited and scattered, often without musical notation. These pages aim to study the rhymed office of Saint Froilanus (832-905), who was a hermit and, later, bishop of Leon. Its interest lies primarily in its preservation in two different musical versions: the first and most important, which transmits the complete office, is in a breviary de Sanctis from the 13th and 14th centuries preserved in the Archive of the Cathedral of Lugo; the other musical version, with five responsories, is in the processional ms. 9 of the Archive of the Cathedral of Leon, copied at the end of the 14th century. Besides the edition of the texts and some scattered information, nothing is known about this repertoire. Through its detailed analysis we intend to learn what were the technical and aesthetic guidelines followed in its composition, as well as how it adapted to the most primitive Gregorian corpus. The evidence gathered will allow us to get closer to the chronological dating of the office and the possible geographical origin of its composers.La composición de oficios en verso representa una de las formas de expresión litúrgica más íntimamente ligadas a la Baja Edad Media. El conocimiento del género dista, sin embargo, de ser completo, en parte por la escasa atención que ha recibido el canto llano tardío hasta fecha reciente, pero también por su marcado localismo. Muchos de estos oficios se concibieron, de hecho, como vehículo con el que honrar al santo titular de una iglesia o monasterio determinados. Ello, a la postre, ha condicionado que sus fuentes sean limitadas amén de dispersas, a menudo carentes de notación musical. Estas páginas tienen por objeto el estudio del oficio rimado de san Froilán (832-905), quien fuera ermitaño y luego obispo de León. El interés del mismo reside fundamentalmente en su conservación en dos versiones musicales distintas: la primera y más importante, un breviario de Sanctis de los siglos XIII-XIV conservado en el Archivo de la Catedral de Lugo, que transmite el oficio completo; y por otro lado, el procesional ms. 9 del Archivo Catedralicio de León, de fines del siglo XIV, con cinco responsorios. Fuera de la edición de sus textos y algunas noticias dispersas, nada se sabe de este repertorio. A partir de su análisis pormenorizado pretendemos conocer cuáles fueron las directrices técnicas y estéticas que guiaron su composición, así como su adecuación con el corpus gregoriano más primitivo. Las evidencias recabadas posibilitarán, asimismo, aproximarnos a la datación cronológica del oficio y posible ubicación de sus artífices
Rastreando las huellas de la escucha performativa: la escritura como constelación archivística
Full text linkTaking as a point of departure a comparative analysis of two books published in 1930s Mexico City, Daniel Castañeda and Vicente T. Mendoza’s Instrumental precortesiano (1933) and Carlos Chávez’s Hacia una nueva música/Toward a New Music (1932-1937), this article proposes a revision of nationalist Mexican music historiography. Within the context of the reconceptualization of the notion of musical and sound archives based on practices of listening and imagining, this article explores the possibility of approaching these two books relationally as archives of aspirations and desires. This archival constellation offers a window into understanding the performative relation between modernity and tradition that informs the postrevolutionary Mexican nationalist narrative. The article suggests that the counterpoint between the invention of the past and the imagination of the future that the writing of these two books puts in evidence is key in understanding the aspirational essentialism that has informed Mexican music historiography in the last ninety years.Este artículo plantea una revisión de la historiografía musical nacionalista mexicana tomando como punto de partida un análisis comparativo de dos libros publicados en Ciudad de México a principios de la década de 1930, Instrumental precortesiano (1933) de Daniel Castañeda y Vicente T. Mendoza y Hacia una nueva música/Toward a New Music (1932-1937) de Carlos Chávez. En el contexto de la reconceptualización de la noción de archivo musical o archivo sonoro a partir de la escucha y la imaginación de la escucha, este artículo explora la posibilidad de acercarse a esos dos libros de manera relacional como archivos de aspiraciones y deseos. Esta constelación archivística nos ofrece un punto de entrada para comprender la relación performativa entre modernidad y tradición que informa el desarrollo de la narrativa nacionalista mexicana posrevolucionaria. El artículo sugiere que la invención del pasado en contrapunto con la imaginación del futuro que la escritura de estos libros pone en evidencia es una clave fundamental para entender el esencialismo de las aspiraciones que ha informado la historiografía musical mexicana de los últimos noventa años
Offenbach y sus conexiones familiares en el contexto de la ópera Pépito: los Alcain, los Mitchell y la Primera Guerra Carlista
Full text linkThis article considers the implications of the references to Jacques Offenbach’s relatives by marriage that appear in the libretto of his opéra-comique Pépito, which premiered at the Théâtre des Variétés on 28 October 1853. These references lead to a detailed consideration of these relatives, the Spanish Alcains and the Anglo-French Mitchells, and to a consideration of their and, by extension, Offenbach’s relationship to Spain and to a specific episode in Spanish history, the First Carlist War (1833-1840), a relationship which has been misunderstood by his biographers.Este artículo considera las implicaciones de las referencias a familiares de Jacques Offenbach, por parte de su esposa, y que aparecen en el libreto de su opéra-comique Pépito, estrenada en París en el Théâtre des Variétés el 28 de octubre de 1853. Estas referencias han propiciado una detallada investigación sobre estos familiares, los Alcain españoles y los Mitchell anglo-franceses, y el estudio de su relación, y por extensión la de Offenbach, con España y con un episodio específico de su historia, la Primera Guerra Carlista (1833-1840), una relación que no ha sido bien entendida por sus biógrafos
La música de Carmen, la de Triana (1938): las fuentes y el proceso creativo
Full text linkConsidered a key piece of the incipient Francoist propaganda, the Spanish-German film co-production Carmen, la de Triana (Florián Rey, 1938), shot in Berlin during the Spanish Civil War, has been widely scrutinized from different cultural and political perspectives. Framed in the growing interest towards cinema by Spanish musicology, this film has been studied by Laura Miranda (2018 and 2021) mainly from a cultural and identity perspective. Our study, on the other hand, adopts a significant philological approach and focuses —mainly, but not exclusively— on the soundtrack written by the composer José Muñoz Molleda (1905-1988), based on the analysis of hitherto not studied handwritten materials from his personal collection kept by the Centro de Documentación y Archivo (CEDOA) of the Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) in Madrid. The systematic comparison of the scores in this collection with the film’s soundtrack (and with its German version) reveals important changes that took place between the pre-production phase and its final editing, which allows to identify some important decisions taken by the artistic team throughout the intermediate phases. The analysis of the implications of these decisions will make it possible to clarify and specify some crucial aspects of the cinematographic creative process of this film, as well as its meaning, both on the artistic and ideological levels.Considerada una pieza clave de la incipiente propaganda franquista, la coproducción cinematográfica hispano-alemana Carmen, la de Triana (Florián Rey, 1938), rodada en Berlín en plena guerra civil española, ha sido ampliamente escrutada desde distintos enfoques culturales y políticos. Enmarcado en el creciente interés hacia el cine por parte de la musicología española, este filme ha sido estudiado por Laura Miranda (2018 y 2021) desde una perspectiva principalmente cultural e identitaria. Nuestro estudio, en cambio, adopta un enfoque esencialmente filológico y se centra —principal, pero no exclusivamente— en la banda sonora del compositor linense José Muñoz Molleda (1905-1988) a partir del análisis de los materiales manuscritos de su fondo personal custodiados por el Centro de Documentación y Archivo (CEDOA) de la SGAE en Madrid, no estudiados hasta la fecha. El cotejo sistemático de las partituras de este fondo con la banda sonora del filme (y, en segundo plano, con su versión alemana) revela importantes cambios operados entre la fase de preproducción y su montaje final que permiten identificar importantes decisiones tomadas por el equipo artístico a lo largo de las fases intermedias. El análisis de las implicaciones de estas decisiones permitirá esclarecer y precisar algunos aspectos cruciales del proceso creativo cinematográfico de este filme, así como de su significado, tanto en el plano artístico como en el ideológico
‘¡Pascuéee la alegría… estas son noches de guacherna y de paseos!’. Estudio comparativo ritmo-perceptivo en la Depresión Momposina colombiana
Full text linkThe term guacherna has several meanings in the oral musical practice context of the Caribbean region in Colombia. In some of the municipalities of the Depresión Momposina, this term refers to a traditional celebration in the street during Christmas time, or to a celebration to honor and worship the Virgin Mary or each municipality’s saint. With the arrival of regional festivals in the Depresión Momposina, the guacherna celebration fell into disuse and became a rhythmic modality to be presented on stage. However, the culture-bearers of this tradition point out notable differences between the municipalities of Tamalameque and San Martín de Loba regarding the rhythmic modalities that this term describes. These differences have not been addressed by musicological or ethnomusicological studies despite the fact that they have generated constant arguing between the culture-bearers of tradition when it comes down to the definitions that grants them legitimacy in each territory. From the results obtained through fieldwork done in both municipalities, a comparative study has emerged in which elements of rhythm perception and rhythmic-architectonic levels have been retaken to compare the musical rhythmic specificities from both guachernas and establish how these affect the musical perception of their culturebearers in oral and external circuits.El término guacherna comporta una variedad de acepciones en el contexto de las prácticas musicales orales de la región Caribe colombiana. En algunos municipios de la Depresión Momposina, este término alude a una fiesta callejera tradicional realizada en época de Navidad, en honor a la Virgen, o al santo patrón de cada municipio. Con la llegada de los festivales regionales a la Depresión Momposina, la fiesta de guacherna cayó en desuso y se normalizó como modalidad rítmica para ser presentada en escenarios. No obstante, los cultores advierten marcadas diferencias entre las modalidades rítmicas descritas con este mismo término entre los municipios de Tamalameque y de San Martín de Loba. Estas diferencias no han sido tratadas por los estudios musicológicos y etnomusicológicos a pesar de que han generado constantes desencuentros entre sus cultores a causa de la significación que la legitima en cada territorio. A partir de los resultados del trabajo de campo en estos dos municipios, se presenta un estudio comparativo que retoma elementos de las teorías de los niveles ritmo-arquitectónicos y la ritmo-percepción, con la intención de cotejar las especificidades rítmico-musicales de ambas guachernas y establecer de qué manera estas afectan la percepción musical de sus cultores en los circuitos de la oralidad y en algunos circuitos externos
Estrategias narrativas y musicales en el wéstern español de los años sesenta: dos filmes de Ramón Torrado con música de Daniel Montorio
Full text linkIn 1964, the composer Daniel Montorio (1904-1982) wrote the music for two westerns directed by Ramón Torrado (1905-1990): Relevo para un pistolero and Los cuatreros. At that time, Spanish westerns —whether or not they were co-productions— were massproduced, the film industry had a consolidated infrastructure, and narratives were influenced by North American cinema. Torrado and Montorio were veteran professionals and they made two successful films, following the classic patterns of the genre, before the innovations of visuals, sound and narrative in the spaghetti western that would prevail after the Leone and Morricone Dollar Trilogy. Following studies on the presence of pastoral topic in film music (N. Lerner, 2001; M. Beckerman and W. H. Rosar, 2009), the semiotic analysis of P. Tagg and B. Clarida for The Virginian (2003), the works of K. Kalinak on the music of the American western (2007, 2012) and the study of mythopoetic of music in genre cinema (T. Scheurer, 2005), this article analyzes the music of these films as a discursive practice, from a semiotic perspective. The objective is to analyze the functions of music in filmic narratives, and to assess the presence of musical topics conosolidated in the North American western (M. Whitmer, 2012 and 2018; R. J. Stilwell, 2016) in Montorio’s film music, confirming that both diegetic songs and extradiegetic music were effective tools in the definition of Spanish popular and commercial “genre cinema” during the sixties.En 1964, el compositor Daniel Montorio (1904-1982) escribe la música para dos wésterns dirigidos por Ramón Torrado (1905-1990): Relevo para un pistolero y Los cuatreros. Por entonces, los wésterns españoles —fueran o no coproducciones— se producían en serie, había una infraestructura industrial consolidada y unas narrativas influidas por el cine norteamericano. Torrado y Montorio eran profesionales veteranos y realizaron dos films de éxito, de línea clásica anterior al cambio de paradigmas visuales, sonoros y narrativos del spaguetti western que se impondría tras la Trilogía del Dólar de Leone y Morricone. Partiendo de los estudios sobre la presencia del tópico pastoral en la música de cine (N. Lerner, 2001; M. Beckerman y W. H. Rosar, 2009), los análisis semióticos de P. Tagg y B. Clarida de The Virginian (2003), las obras de K. Kalinak sobre la música del western americano (2007, 2012) y el estudio del funcionamiento mitopoético de la música en el cine de género (T. Scheurer, 2005), este artículo aborda el análisis de la música de estos filmes como práctica discursiva, desde una perspectiva semiótica. El objetivo es analizar las funciones de la música en las narrativas fílmicas, así como valorar la presencia de tópicos musicales consolidados en el western norteamericano (M. Whitmer, 2012 y 2018; R. J. Stilwell, 2016) en la música de Montorio, confirmando que tanto las canciones diegéticas como la música extradiegética fueron herramientas eficaces en la definición del “cine de género” popular y comercial en la España de los años sesenta
Construyendo opera seria en las cortes de la península ibérica: repertorio de Metastasio para España y Portugal
Full text linkThe exceptional reception of Pietro Metastasio’s works during the eighteenth century, all over Europe and in the Iberian Peninsula in particular, is well documented. Due to that unparalleled success, it is possible to ascertain Spain and Portugal’s participation in international, contemporary tastes and artistic webs, applicable to both composers and performers. However, this internationalisation needs to be nuanced, as some characteristics of the repertoire specifically written for the Peninsula indicate that their court audiences may have had expectations, both social and strictly musical, different from those of the public in opera theatres elsewhere in the continent. In this light, this article investigates in what ways the style of five composers in the international scene —Perez, Galuppi, Jommelli, Conforto, and Corselli— varied when commissioned to write opera seria for the Iberian courts. The statistical analysis of fifteen settings especially written for the court theatres in Madrid and Lisbon, in comparison to the average data extracted from a corpus of 2,404 arias from 126 versions of a select number of Metastasian librettos, allows us to evaluate some particular usages regarding key, metre, tempo, and treatment of the vocal part. In this manner, through quantitative analysis, this article places eighteenth-century Iberian music production and consumption in the context of European opera seria, at the same time that it ultimately sets forth that its unique musical characteristics were also partly dependent on local musical customs, gender stereotypes, and personal idiosyncrasies alike.La excepcional acogida de las obras de Pietro Metastasio en el siglo XVIII, en Europa y en la península ibérica en particular, está ampliamente documentada. Debido a este éxito sin parangón, es posible afirmar que España y Portugal participaron de los gustos y redes artísticas internacionales del momento. Sin embargo, esta internacionalización ha de ser matizada, ya que el repertorio escrito específicamente para la península muestra que las audiencias cortesanas peninsulares pudieron tener expectativas diferentes a las del público de otros teatros en el resto del continente. Por ello, este trabajo investiga en qué formas varió el estilo de cinco compositores de talla internacional —Perez, Galuppi, Jommelli, Conforto y Corselli— a la hora de enfrentarse a los encargos de opera seria para las cortes ibéricas. El análisis estadístico de quince versiones compuestas específicamente para Madrid y Lisboa nos permite evaluar, en comparación con las tendencias generales de un corpus de 2.404 arias tomadas de 126 versiones de libretos metastasianos, algunos usos locales en cuanto a tonalidad, compás, tempo y tratamiento de la parte vocal. A través del análisis cuantitativo, este artículo sitúa a la producción y el consumo de música en el siglo XVIII peninsular dentro del contexto de la opera seria europea, al mismo tiempo que, en última instancia, propone que sus características musicales también dependieron en parte de las costumbres musicales y los estereotipos de género del público de las cortes peninsulares, así como de algunos rasgos específicos de los compositores y los cantantes
Eduardo Torres (1872-1934) de la catedral al conservatorio: gestión, educación y crítica musical en Sevilla durante el primer tercio del siglo XX
Full text linkThis paper deals with music education in the first decades of the 20th century through the figure of Eduardo Torres (1872-1934). Examining the teaching activity carried out by this versatile musician, the main objective is to know the role of ecclesiastical musical figures in the establishment of secular music education spaces, such as music academies and official conservatories. On the one hand, his active participation in different local institutions interested in promoting music is analyzed: from his music education practices in Seville cathedral —where he trained outstanding “seises” such as Francisco Redondo or Manuel Villalba— to the pedagogical initiatives developed in societies, such as the Ateneo, the Sociedad Sevillana de Conciertos o the Sociedad Económica de Amigos del País, which trained prominent pianists, who were awarded scholarship to study in Paris, such as Ana Gimeno or Tomás Andrade. Indeed, the efforts that led to the foundation of the Conservatorio Oficial de Música de Sevilla, in which Torres played a leading role, started with the music academy of the Sociedad Económica. On the other hand, Torres’s musical writings as a critic are explored. These texts were used as a pedagogical and didactic tool; they served to improve the public’s music appreciation and to try to guide the taste of audiences towards what Torres considered “good music”.El presente artículo profundiza en la educación musical en Sevilla durante las primeras décadas del siglo XX a través de la figura de Eduardo Torres (1872-1934). El objetivo principal es, mediante el análisis de la actividad docente llevada a cabo por este polifacético músico, conocer el papel de las figuras musicales eclesiásticas en el establecimiento de espacios de enseñanza musical profanos como fueron las academias de música y los conservatorios oficiales. Por un lado, se examina su participación activa en las distintas instituciones locales interesadas en potenciar el arte sonoro: desde el magisterio musical ejercido en la Catedral —donde formó a seises destacados como Francisco Redondo o Manuel Villalba— a las iniciativas pedagógicas desarrolladas en sociedades como el Ateneo, la Sociedad Sevillana de Conciertos o la Real Sociedad Económica Sevillana de Amigos del País, que formaron a pianistas destacados, que fueron becados para estudiar en París, como Ana Gimeno o Tomás Andrade. Precisamente, desde la academia de música de esta última institución, se iniciaron las gestiones que llevaron a la fundación del Conservatorio Oficial de Música de Sevilla, en las que Torres tuvo un papel destacado. Por otro lado, se profundiza en las críticas musicales de Torres, que fueron utilizadas como una herramienta pedagógica y didáctica, en tanto que estas sirvieron para enriquecer los conocimientos de los aficionados e intentar orientar su gusto hacia lo que Torres consideraba como “buena música”
