Anuario Musical (E-Journal)
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Polifonías litúrgicas en el mundo atlántico colonial: los Riscos
Full text linkTowards the end of the 16th century, the circulation of Hispanic musical repertoires in the Atlantic space had reached a remarkable level of intensity. However, available studies generally focus on the shipment of music from the metropolis to specific points in the New World, ignoring internal networks of exchange between viceroyalties and circulations in the opposite direction, from America to Spain. This paper aims to provide new evidence and perspectives through a seventeenth-century case study linking the Viceroyalty of New Spain (Mexico) and the New Kingdom of Granada (Colombia), at that time integrated into the Viceroyalty of Peru. The first section offers an overview of the polyphonic repertoires shared by ecclesiastical institutions in both territories. The second part focuses on the Riscos, a group of musicians who shared a surname and, in some cases, a first name, geographic space and chronology. After compiling and interpreting scattered information and disambiguating their biographies, the third section explores the possible routes of dissemination of the Riscos’ works preserved in archives in Mexico, Colombia and Spain, as well as the hypothetical authorship of this repertoire. Based on a large corpus of primary and secondary sources, this study provides insight into some of the possible channels and multidirectional networks that made possible the circulation of polyphonic repertoire across the Atlantic, in both directions, and between viceroyalties.Hacia finales del siglo XVI, la circulación de repertorios musicales hispanos en el espacio atlántico había alcanzado un notable nivel de intensidad. Sin embargo, los estudios disponibles se centran por lo general en el envío de música desde la metrópoli hacia puntos concretos del Nuevo Mundo, ignorando redes internas de intercambio entre virreinatos y circulaciones en sentido inverso, de América hacia España. Este trabajo aspira a proporcionar nuevas evidencias y perspectivas a través de un estudio de caso del siglo XVII que vincula el Virreinato de Nueva España (México) y el Nuevo Reino de Granada (Colombia), integrado entonces en el Virreinato del Perú. En una primera sección se ofrece un panorama de los repertorios polifónicos compartidos por instituciones eclesiásticas de ambos territorios. La segunda parte tiene como protagonista a los Riscos, un conjunto de músicos que compartieron apellido y, en algún caso, también nombre de pila, espacio geográfico y cronología. Tras recopilar e interpretar información dispersa y desambiguar sus biografías, la tercera sección explora las posibles vías de difusión de las obras de los Riscos conservadas en archivos de México, Colombia y España, así como las hipotéticas autorías de dicho repertorio. A partir de un amplio corpus de fuentes primarias y secundarias, este estudio permite conocer algunos de los posibles canales y redes multidireccionales que posibilitaron la circulación de repertorio polifónico a través del Atlántico, en ambas direcciones, y entre virreinatos
Estudio de la música ibérica y latinoamericana en ascenso: reflexiones desde los Estados Unidos de América
Full text linkIn the early twentieth century, musicology was established as an academic discipline in the United States. Nonetheless, with the exception of Iberian medieval and Renaissance repertories, U.S. scholars largely overlooked the music of the Spanish- and Portuguese- speaking world. Why should this have been the case, especially in light of Spain’s strong historical presence in the United States? This autobiographical essay examines this question by tracing the career of an individual musicologist, the Hispanist musicologist Carol A. Hess. Evaluated here are disciplinary shifts in U.S. musicology —methodological, philosophical, and ideological— over the past thirty years. These transformations have combined to make this repertory a viable field of study today. Musicologists in the United States can now make their careers by specializing in Iberian and Latin American music, as well as the music of the Hispanic diaspora. They research topics ranging from the avant-garde composer Llorenç Barber to the rapper Nach Scratch or the popular bandleader Xavier Cugat and his U.S. audiences of the 1940s, while others also pursue the time-tested areas of medieval and Renaissance music. Iberian and Latin American music is regularly offered in postsecondary institutions while instructors now have a variety of textbooks and other pedagogical resources from which to choose. All add up to a disciplinary freedom that would have been unthinkable only a few decades ago.Durante la primera mitad del siglo XX, la musicología se estableció como una disciplina académica en los Estados Unidos. Sin embargo, y aparte de los repertorios medievales y renacentistas ibéricos, los estudiosos estadounidenses hacían caso omiso de la música del mundo de habla hispana y portuguesa. ¿Por qué ha sido así, especialmente a la luz de la fuerte presencia histórica de España en los Estados Unidos? El presente ensayo autobiográfico examina esta cuestión, trazando la trayectoria de la musicóloga hispanista Carol A. Hess. Se evalúan los cambios disciplinarios en la musicología estadounidense —metodológicos, filosóficos e ideológicos— a lo largo de los últimos treinta años, transformaciones éstas que han contribuido a hacer de este repertorio un vibrante campo de estudio vigente hoy día que permite que los musicólogos estadounidenses puedan ejercer su profesión, especializándose en la música ibérica y latinoamericana, además de la música de la diáspora hispana. La temática investigada pueda extenderse desde el compositor vanguardista Llorenç Barber al rapero Nach Scratch o al director de orquesta Xavier Cugat y su público estadounidense de los años 40, mientras que otros persiguen las especializaciones establecidas de la música medieval y renacentista. La música ibérica y latinoamericana se enseña regularmente en las instituciones postsecundarias y docentes tienen a su disposición una variedad de libros de texto y otros recursos pedagógicos. Todo eso nos ha llevado a una libertad disciplinaria que hubiera sido impensable hace sólo unas décadas
Musica y Scolica Enchiriadis. Hacia una representación icónica del espacio sonoro en dos tratados musicales carolingios
Full text linkThis article proposes a diagrammatological analysis of the descriptiones of Musica and Scolica Enchiriadis (c. 850) in the context of the Carolingian theoretical creation of the (written) sound space. The formal status of descriptiones as iconsdiagrams is discussed, as well as the elements and phases of their formalization, the epistemic presuppositions that underly them, and their dependence on quadrivial diagrams of Antiquity. Cognitive use of color in the manuscript transmission, as well as occasional non-diagrammatic iconic representations are also addressed in order to characterize Musica and Scolica Enchiriadis diagrams as specific knowledge devices, oriented by a new visual —but also remarkably performative— didactics of Ars Musica.El presente artículo sistematiza algunas observaciones acerca de la diagramatología de los tratados Musica y Scolica Enchiriadis (c. 850) dentro del proceso teórico de construcción del espacio de la escritura sonora en la época carolingia. Se propone así un estatuto de las descriptiones de ambos tratados en tanto íconos-diagramas, se examinan los elementos y fases de su formalización, las metáforas espaciales y temporales que conforman sus presupuestos epistémicos, y su relación y dependencia con diagramas cuadriviales de la Antigüedad. Se examina también el uso del color como elemento cognitivo en la transmisión manuscrita de los diagramas, así como las representaciones icónicas no diagramáticas que pueden observarse en ciertas fuentes. De este análisis surge una caracterización de los diagramas de Musica y Scolica Enchiriadis como mecanismos específicos de transmisión de conocimiento, orientados por una nueva didáctica, no solo visual sino también performativa, del Ars Musica
Manuel de Falla y L’acoustique nouvelle, ¿un caso de protoespectralismo en el nacionalismo español?
Full text linkBased on the copy of Louis Lucas’s L’acoustique nouvelle preserved in Manuel de Falla’s personal library (Granada, Archivo Manuel de Falla), a cross reading of bibliographical, journalistic, and musical sources is carried out with the aim of analysing the connection between the musical theory proposed by Lucas and the system of superimpositions developed by Falla. The discussion about the influence received is taken up again, supporting the great influence it exerted on Falla’s musical thought. The derivations generated by the composer from Cádiz based on Lucas’ postulates are studied, followed by a review of the system of superpositions from the viewpoint of pitch class set theory. Finally, the conceptual overlaps between the superpositions used by Manuel de Falla in his main works and some postulates of spectral music are explored in depth. As conclusions, we highlight the great imprint of L’acoustique nouvelle on Falla, the versatility and adaptive capacity of the system of superpositions, its practicality in the use of the chromatic total and its possibilities of being understood as a system of management of harmonicity and inharmonicity based on the manipulation of the resonance of the harmonic series of a fundamental sound.A partir del ejemplar de L’acoustique nouvelle de Louis Lucas conservado en la biblioteca personal de Manuel de Falla (Granada, Archivo Manuel de Falla), se realiza una lectura cruzada de fuentes bibliográficas, hemerográficas y musicales con el objetivo de analizar los puntos de contacto entre la teoría musical propuesta por Lucas y el sistema de superposiciones desarrollado por Falla. Se retoma la discusión sobre la influencia recibida, defendiéndose el gran influjo que ejerció sobre el pensamiento musical de Falla. Se estudian las derivaciones generadas por el compositor gaditano a partir de los postulados de Lucas, para, a continuación, revisar el sistema de superposiciones desde la óptica de la teoría de conjuntos de clases de tonos (pitch class set theory). Por último, se ahonda en las imbricaciones conceptuales entre las superposiciones empleadas por Manuel de Falla en sus principales obras y algunos postulados de la música espectral. Como conclusiones se destaca la gran huella de L’acoustique nouvelle en Falla, la versatilidad y capacidad adaptativa del sistema de superposiciones, su practicidad para emplear el total cromático y sus posibilidades de ser entendido como un sistema de gestión de la armonicidad e inarmonicidad a partir de la manipulación de la resonancia propia de la serie armónica de un sonido fundamental
El viaje a Simorgh (2007) de José María Sánchez-Verdú: retablo escénicomusical de un éxodo interior
Full text linkEl viaje a Simorgh (2007) is the fourth opera by José María Sánchez-Verdú (1968), as well as the first in which literature assumes a decisive creative dimension in his extensive stage catalogue. Commissioned by the Teatro Real, El viaje a Simorgh undertakes a search for a dramatic-musical symbiosis that serves as a starting point to approach both the spatial conception and the survival of tradition from the intertextuality of the libretto. Based on Juan Goytisolo’s Las virtudes del pájaro solitario (1988), Sánchez-Verdú immerses himself in the juxtaposition of poetic elements that alternate the Hispano-Arabic tradition, Sufism, and the mystical poetry of St. John of the Cross. Therefore, we consider the immediate condition of the scenic event as the ground for understanding the correspondences between the dramaturgical construction and its musical and scenic transfers in the performative act. The interrelation of its constituent elements appeals to the contrast of three questions that involve tensions in their possibilities of representation: multidisciplinary awareness, linear and simultaneous scenic approaches, and the relationship between the body and the voice in dual or split co-present characters. The unsettlement of the unity of the dramatic word shapes spaces of creativity from literary inspiration that render visible what escapes the textual content of El viaje a Simorgh, the fourth contemporary Spanish opera to premiere at the Teatro Real in its first decade of reopeningEl viaje a Simorgh (2007) es la cuarta ópera de José María Sánchez-Verdú (1968) y la primera donde la literatura adquiere un peso creativo determinante dentro de su amplio catálogo escénico. Compuesta por encargo del Teatro Real, El viaje a Simorgh emprende la búsqueda de una simbiosis dramático-musical que nos sirve de punto de partida para abordar la concepción del espacio y la pervivencia de la tradición desde la intertextualidad del libreto. A partir de Las virtudes del pájaro solitario (1988) de Juan Goytisolo, Sánchez-Verdú se sumerge en la yuxtaposición de elementos poéticos que alternan la tradición hispanoárabe, el sufismo y la poesía mística de san Juan de la Cruz. Así, situamos la condición inmediata del hecho escénico como base para comprender las correspondencias entre la construcción dramatúrgica y sus transferencias musical y escénica en el acto performativo. La interrelación de sus elementos constituyentes apela al contraste de tres cuestiones que comportan tensiones en sus posibilidades de representación: la consciencia multidisciplinar, los planteamientos escénicos lineales y simultáneos y los vínculos entre el cuerpo y la voz en personajes duales o desdoblados copresentes. La desestabilización de la unidad de la palabra dramática conforma espacios de creatividad desde la inspiración literaria que visibilizan aquello que escapa al contenido textual de El viaje a Simorgh, la cuarta ópera contemporánea española que estrenó el Teatro Real en su primera década de reapertura
El silbido musical como espacio queer
Full text linkThis article argues for the use of the musical whistle as a queer space, as it problematizes the margins established for a gender classification based on timbre or tessitura as occurs with voice. To understand the peculiarity of the whistle in relation to the body that produces it, we propose two levels of listening. On the one hand, an acousmatic hearing of the whistle offers us misplaced possibilities in relation to the body and gender that are difficult to categorize in those margins. On the other hand, an audiovisual listening questions us about the possible paradoxes and corporeal-sonic contradictions that put into play sexist cultural discourses in relation to the musical whistle. We will use a theoretical framework based on queer studies to analyze concepts in relation to the voice —grain of the voice, the sonic body, the saphonic voice— and that may well be applicable to the study of the musical whistle around the construction of identity, and gender. The objective will be to understand how gender and sexuality interfere in the listening and production of music, even when the sound (timbre) with which the whistle is constructed offers possibilities of bodily and/or sexual escape; or, on the contrary, it can accentuate and problematize them by being incarnated visually.Este artículo argumenta el uso del silbido musical como un espacio queer, pues problematiza los márgenes establecidos para una clasificación de género en base al timbre o tesitura como ocurre con la voz. Para entender la peculiaridad del silbido en relación al cuerpo que lo produce planteamos dos planos de escucha. Por un lado, una escucha acusmática del silbido nos ofrece posibilidades desubicadas en relación al cuerpo y género difíciles de categorizar en esos márgenes. Por otro lado, una escucha audiovisual nos cuestiona sobre las posibles paradojas y contradicciones corporo-sonoras que ponen en juego discursos culturales sexistas en relación al silbido musical. Utilizaremos un marco teórico basado en los estudios queer para analizar conceptos en relación a la voz —el grano de la voz, el cuerpo sónico, la voz safónica— y que pueden bien ser aplicables al estudio del silbido musical en torno a la construcción de la identidad, y el género. El objetivo será entender cómo el género y la sexualidad se inmiscuyen en la escucha y producción de la música, incluso cuando el sonido (timbre) con el que se construye el silbido ofrece posibilidades de fuga corporales y/o sexuales, o, por el contrario, puede acentuarlas y problematizarlas al encarnarse visualmente
Lo que nos debemos unos a otros. Musicología entre biografía personal y contrato social en el Antropoceno
Full text linkEl valor del silencio o la historia de Sinfonía en tres tiempos (1925) de Fernando Remacha (1898-1984)
Full text linkThe contribution examines the long silence of the Sinfonía en tres tiempos (1925) by Fernando Remacha (1898-1984) from the perspective of its first performance in concert (2018) and the reception by the public. First of all, a theoretical framework about Remacha is established to contextualize the present contribution. Secondly, some aspects related to the context and the writing process of Sinfonía are analyzed using sources and documentation from the Spanish Academy in Rome, the two manuscripts of this composition: the symphonic version and the arrangement for two pianos. Furthemore, distinctive traits of the work are considered taking into account the artistic career of this composer from Navarre and, finally, the text compares the late critical reception of the Sinfonía’s premiere in 2018 in relation to other reviews received by the composer throughout his life.Esta contribución profundiza en el largo silencio de Sinfonía en tres tiempos (1925) de Fernando Remacha (1898-1984) desde el punto de vista de su primera interpretación en concierto (2018) y su recepción crítica. De manera preliminar, se establece un marco teórico sobre Remacha para contextualizar las aportaciones de este estudio. Además, el texto analiza algunas cuestiones del contexto y proceso compositivo de Sinfonía, principalmente a través de la documentación existente en la Academia Española en Roma, así como de los dos manuscritos de la obra, versión sinfónica y reducción para dos pianos. Por otra parte, el artículo estudia algunas cuestiones del estilo de la obra contextualizadas en la trayectoria creativa del compositor navarro y, por último, analiza la recepción crítica del estreno en concierto de Sinfonía (2018) con relación a otras críticas que el compositor tudelano recibió a lo largo de su vida
¿Popular Music Studies en la investigación sobre flamenco? De los (des) encuentros epistemológicos al análisis musical en la canción grabada y la transfonografía
Full text linkThis paper concerns the relationship between flamenco and Popular Music from a theoretical and methodological point of view. Firstly, some of the epistemological links between the so-called Popular Music Studies and Flamenco Studies will be examined, focusing on key topics of research in the former. After a discussion about the implications of the state of the art of analytical approaches to flamenco, this paper deals with possible applications to flamenco of emergent analytical models of popular musics: the so-called recorded popular song, as well as intertextual approaches and the transphonographic model. Taking into account the central role of the phonogram as a source of research, this paper presents how these methods allow us to deal with the knowledge gap between musical and cultural processes, between sounds and meaning, with the main goal of understanding flamenco practices and discourses through music analysis.Este artículo examina las relaciones entre el flamenco y los estudios sobre músicas populares urbanas desde una dimensión teórica y metodológica. En una primera parte, se presentan algunos de los encuentros epistemológicos entre los denominados Popular Music Studies y los estudios sobre flamenco, focalizando en líneas temáticas de investigación de los primeros. Tras ello, se reflexiona sobre el estado de la cuestión de las aproximaciones analíticas al flamenco, para posteriormente profundizar en las potenciales aplicaciones a estos repertorios de modelos emergentes de análisis musical en el ámbito de estudio de las músicas populares urbanas, centradas tanto en la noción de canción grabada como en la intertextualidad y la transfonografía. Tomando en consideración a la fuente fonográfica como foco de estudio, este trabajo demuestra cómo estos enfoques permiten conectar procesos musicales y procesos culturales, los sonidos y la articulación de significados, a fin de tender puentes para el entendimiento de prácticas y discursos flamencos desde el análisis musicológico