Anuario Musical (E-Journal)
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Un anónimo centón de tonadas de Juan Hidalgo: Baile de Júpiter y Calixto
Full text linkCreator of a musical-theatrical style that was characteristic of the Spanish theater, the fame and prestige of the composer Juan Hidalgo lasted beyond his death. This is confirmed by the reuse of his tunes in all kinds of works: comedies, autos and short pieces. Among the latter, the Baile de Júpiter y Calixto which including five burlesque contrafactum of tunes by the composer, constitutes an authentic centón of Hidalgo’s tunes. Given that by its very nature, the parody always starts from a pre-existing model that is well known to the recipient of the parody, it’s a recognition of the prestige and worth of the author of the original play. This work studies the literary and musical sources of each one of the tunes reused in the play, as well as the procedures used to adapt them to a play so far removed from the original models (fiesta cantada, zarzuela and opera). By maintaining mostly the original affective and literary content, his author reveal a remarkable knowledge and understanding of the composer’s musical rhetoric, and demonstrates the wide circulation of a musical repertoire initially linked to the court scene. To do this, after studying the text and music of the original tunes, is analyzed the procedure followed by the anonymous author of the baile to introduce, adapt and link them in it, creating a unitary work.Creador de un estilo músico-teatral propio y característico del teatro español, la fama y el prestigio del compositor Juan Hidalgo se prolongaron más allá de su muerte. Así lo confirma la reutilización de sus tonadas en todo tipo de obras: comedias, autos y piezas breves. Entre estas últimas destaca el Baile de Júpiter y Calixto, auténtico centón de obras de Hidalgo pues incluye cinco contrafacta burlescos de tonadas del compositor. Dado que, por su propia naturaleza, la parodia parte siempre de un modelo preexistente bien conocido por el destinatario de la misma, no deja de ser un reconocimiento del prestigio y valía del autor de la obra original. Este trabajo estudia las fuentes literarias y musicales de cada una de las tonadas reutilizadas en el baile, así como los procedimientos empleados para adaptarlas a una obra tan alejada de los modelos originales (fiesta cantada, zarzuela y ópera) que, al mantener mayoritariamente el contenido afectivo y literario de origen, revelan un notable conocimiento y comprensión de la retórica musical del compositor madrileño, y demuestra la amplia circulación de un repertorio musical inicialmente ligado a la escena cortesana. Para ello, tras estudiar el texto y la música de las tonadas originales, se analiza el procedimiento seguido por el anónimo autor del baile para introducirlas, adaptarlas y enlazarlas en éste, creando una obra unitaria
La symphonia del Libro de Daniel ¿Un instrumento musical? ¿Qué instrumento musical? Estudio interdisciplinar a través de las fuentes
Full text linkThe term symphonia appears in the last place among the musical instruments listed in the famous lists of instruments in the Book of Daniel; perhaps the most famous musical grouping in the entire Bible. This notoriety has brought with it a great deal of critical attention. However, the state of the sources of antiquity and the absence of monographic and detailed studies on the symphonia have caused that, to this day, the term is surrounded by more shadows than lights, being the subject of debate and being, in turn, the instrument on which more questions loom of the entire list, since its organological characteristics have not been described yet through an exhaustive analysis. This work, the first interdisciplinary monographic study of a certain length dedicated to this subject, aims to delimit the organological and musical characteristics of the symphonia of the Book of Daniel through a deep analysis of all the sources of Antiquity in which, clearly and without any doubt, this polysemic term appears with the meaning of musical instrument. The application of this exhaustive and interdisciplinary methodology has allowed us to obtain coherent and precise conclusions, far away, therefore, from the controversy that has traditionally accompanied this famous term and biblical musical instrument.El término symphonia aparece en el último lugar entre los instrumentos musicales que son enumerados en los famosos listados de instrumentos del Libro de Daniel; tal vez, la agrupación musical más famosa de toda la Biblia. Esta notoriedad ha traído consigo una gran atención por parte de la crítica. Sin embargo, el estado de las fuentes de la Antigüedad y la ausencia de estudios monográficos y detenidos sobre la symphonia han provocado que, a día de hoy, el término esté rodeado de más sombras que luces, siendo objeto de debate y siendo, a su vez, el instrumento sobre el que se ciernen más interrogantes de todo el listado, pues todavía no han sido descritas sus características organológicas a través de un análisis exhaustivo. Este trabajo, el primer estudio monográfico, interdisciplinar y de cierta extensión dedicado a este tema, pretende delimitar las características organológicas y musicales de la symphonia del Libro de Daniel a través del análisis profundo de todas las fuentes de la Antigüedad en las que, claramente y sin ningún tipo de duda, aparece este término con la acepción de instrumento musical. La aplicación de esta metodología, exhaustiva e interdisciplinar, ha permitido obtener unas conclusiones coherentes y precisas, alejadas, por tanto, de la controversia que tradicionalmente ha acompañado a este famoso término e instrumento musical bíblico
El sacro sonido en el desierto. Los órganos en las iglesias andinas del norte chileno, siglos XVIII-XIX
Full text linkThe regions of Arica Parinacota and Tarapacá, which currently constitute the extreme north of Chile, have been considered as peripheral places with respect to the centers of colonial and republican power. However, during the eighteenth and nineteenth centuries, due to the strong presence of mining, the economic engine of the region, these territories saw the flourishing of an important musical activity linked to popular worship and religiosity. In this context, through the analysis of documentary, ethnohistorical and field work sources, the presence of organs in the small temples of the towns scattered in the Chilean desert is confirmed. The forenamed analysis also revealed that the indigenous population was involved in the activities of religious worship, playing a leading role in the interpretation, construction, and repair of these musical instruments.Las regiones de Arica Parinacota y Tarapacá, que constituyen el actual extremo norte chileno, han sido consideradas como lugares periféricos con respecto de los centros del poder colonial y republicano. Sin embargo, durante los siglos XVIII y XIX, debido a la fuerte presencia de la minería, motor económico de la región, estos territorios han conocido el florecimiento de una importante actividad musical ligada al culto y a la religiosidad popular. En este contexto, por medio del análisis de fuentes documentales, etnohistóricas y de trabajo de campo, se constata la presencia de órganos en los pequeños templos de los pueblos diseminados en el desierto chileno. Así mismo, se revela que la población indígena estuvo involucrada en los que haceres del culto, adquiriendo protagonismo en la interpretación, construcción y refacción de estos instrumentos musicales
Representaciones operísticas en el Teatro Nuevo de Barcelona (1844-1846)
Full text linkIn the context of the theatrical outbreak in Barcelona since 1837 and after the liberal revolutions, several entertainment centers opened their doors, taking advantage of the empty spaces of former convents and monasteries abandoned within the walls of the city. Beyond the new Gran Teatre del Liceu and the life of the Teatro de Santa Cruz (or Principal), one of the few theaters with operatic activity was the Teatro Nuevo, whose life, although short, was significant and appreciated by the public and critics. This article reviews the two lyrical seasons of the Teatro Nuevo, in a period in which the Liceu was in the phase of moving to La Rambla and faced with competition with the Teatro Principal.En el contexto de la eclosión teatral de Barcelona desde 1837 y después de las revoluciones liberales, fueron varios los centros de ocio y de espectáculo que abrieron sus puertas, aprovechando los espacios vacíos de antiguos conventos y monasterios abandonados dentro de las murallas de la capital catalana. Más allá del emergente Gran Teatre del Liceu y de la línea continuista del Teatro de Santa Cruz (o Principal), uno de los pocos teatros con actividad operística fue el Teatro Nuevo, cuya vida, aunque corta, fue significativa y apreciada por público y crítica. Este artículo repasa las dos temporadas líricas del Teatro Nuevo, en un período en el que el Liceu se encontraba en fase de traslado a La Rambla y ante la competencia con el Teatro Principal
Mujeres enclausuradas, artistas libres: las monjas músicas del Real Monasterio de São Bento da Avé-Maria en Oporto (Portugal)
Full text linkIn most female convents active in eighteenth-century Europe, music was essential to religious life. Women with previous musical knowledge were highly appreciated and offered benefits when entering the monastic life. Women found in cloisters a space to develop their talents, receive education, and even achieve some recognition for their artistry. This becomes evident with the musician nuns of the ancient Royal Monastery of São Bento da Avé-Maria in Porto, where a few women became virtuous performers, indispensable to commissioning new repertoire for the most important celebrations of the catholic calendar. The present paper intends to analyse the case of the musician nuns of the ancient Royal Monastery of São Bento da Avé-Maria in Porto during the transition of the eighteenth and nineteenth centuries, focusing on their education and on what it was like to be a woman, an artist, and a nun in Portuguese society.En la mayor parte de los conventos activos en la Europa del siglo XVIII la música era un elemento esencial para la vida religiosa. Mujeres con conocimiento musical eran muy valoradas y recibían beneficios cuando entraban en la vida conventual. Las mujeres encontraron en los claustros un espacio para desarrollar sus talentos, recibir una educación e incluso ser reconocidas por su arte. Esto es evidente en lo que atañe a las monjas del antiguo Real Monasterio de São Bento da Avé-Maria de Oporto, donde algunas mujeres se convirtieron en intérpretes de notable virtuosismo musical, siendo además las grandes responsables por la encomienda del repertorio interpretado en las más importantes celebraciones del calendario litúrgico. El presente artículo propone un acercamiento a las mujeres músicas del antiguo Real Monasterio de São Bento da Avé-Maria de Oporto en la transición de los siglos XVIII y XIX, poniendo el acento en su educación y en su condición de mujer, artista y monja en la sociedad portuguesa de entonces
Iberia canta a sus santos. Los himnos de la liturgia hispánica dedicados a los santos ibéricos
Full text linkThis study shows that the hymnary was established in the official Hispanic liturgy around the Fourth Council of Toledo (633), which promoted the singing of Hymns. Authors such as Leander, Isidore, Braulio, Eugenius, and others likely composed the foundation of the hymnody repertoire, occasionally drawing from ancient poets, particularly the Hispano-Roman Prudentius, Ambrose, and others. The sources preserving this hymnody are liturgical manuscripts not earlier than the tenth century, although the Oracional de Verona indicates that these pieces were already in use around 700. Some hymns from the Hispanic Sanctoral were maintained in the Peninsular Roman rite, while others, common to both rites, may belong to a Pre-Carolingian substratum or have been transferred from the Iberian Peninsula during the migrations of Hispanic clerics to the north after 711. The study comments on the corpus of hymns dedicated to Iberian saints, including differences between those dedicated to men and women. Finally, the scarce hymns with musical notation are analyzed, and a proposal is offered for the melodies that may have been used to perform some of these pieces.Este estudio muestra que el himnario se configuró en la liturgia hispánica oficial en torno al IV Concilio de Toledo (633), que propugnó el canto de los himnos. Autores como Leandro, Isidoro, Braulio, Eugenio y otros debieron componer la base del repertorio himnódico, tomando en ocasiones textos de poetas antiguos, en especial del hispano Prudencio, de Ambrosio y otros. Las fuentes que conservan el repertorio himnódico son manuscritos litúrgicos no anteriores al siglo X, aunque el Oracional de Verona indica que esas piezas ya estaban en uso ca. 700. Algunos himnos del Santoral hispánico se mantuvieron en el rito romano peninsular. Otros, comunes a ambos ritos, podrían pertenecer a un sustrato precarolingio o haber sido transferidos desde la Península durante las migraciones de clérigos hispanos hacia el norte tras el 711. Se analiza y comenta el corpus de himnos dedicados a santos ibéricos, incluyendo las diferencias entre los dedicados a varones y a mujeres. Finalmente, se estudian los escasos himnos con notación musical, y se ofrece una propuesta de melodías con las que podrían haberse interpretado algunas de estas piezas
Héctor Pellegatti (1903-2001), huella de la diáspora italiana en Venezuela: estudio biográfico preliminar y aproximación a su obra
Full text linkDuring the 20th century, Venezuela was a host country for migrants encouraged by the economic growth of oil revenues, the need to configure a social, industrial and educational nation that justified the migratory opening and incorporated foreign musicians in the educational local system. Héctor Pellegatti (1903-2001) was one of these migrants who carried out work as a creator and pedagogue in the state of Lara, a province in the interior of the country. He composed operas, symphonies, concerts, oratorios and cantatas, but his works have not been studied. The little that has been performed of his music has been the opera El Negro Miguel, perhaps the first opera on a decolonial theme in Venezuela. The present article is can be considered as the first study on the life and work of Pellegatti based on primary sources found in the private archive of the composer. His life has been divided into three great periods: Italian, Asian, and Venezuelan. Each period is a temporary space of the 20th century, which provides an approach to the composer’s work and seeks to reveal the musical imprint of the Italian presence in the Caribbean country.Durante el siglo XX, Venezuela fue un país de acogida de migrantes incentivado por el crecimiento económico de la renta petrolera, la necesidad de configurar una nación en lo social, industrial y educativo que justificó la apertura migratoria e incorporó a músicos extranjeros en el sistema educativo local. Héctor Pellegatti (1903-2001) fue uno de estos migrantes que realizó una obra como creador y pedagogo en el estado Lara, provincia del interior del país. Compositor de óperas, sinfonías, conciertos, oratorios y cantatas, la obra de Pellegatti no ha sido estudiada en profundidad. Lo poco que se ha ejecutado de su música ha sido la ópera <em>El Negro Miguel</em>, quizás la primera ópera sobre un tema decolonial en Venezuela. El presente trabajo se configura como el primer estudio de la vida y obra de Pellegatti sustentado en fuentes primarias halladas en el archivo privado del compositor. Su vida se ha dividido en tres grandes períodos: italiano, asiático y venezolano. Cada período es un espacio temporal del siglo XX que brinda una aproximación a la obra del compositor y busca develar la impronta musical de la presencia italiana en el país caribeño
Manuscrito Quinta de Anauco: pianoforte, danzas y “bello sexo” en los salones cortesanos coloniales de la aristrocracia venezolana (ca. 1780-1810)
Full text linkThe objective of this article is to present the manuscript Quinta de Anauco, a factious collection of salon pieces and domestic oratorios, probably composed and/or compiled by the chapel master and pianist José Cayetano Carreño (1774-1836) in the Caracas of the Old Regime. For this purpose, I study its socio-cultural function related to the musical instruction of «the fair sex» based on the compositional, artistic, and mainly educational expectations in the musical genres included: the tonadilla escénica, the villancico, the minuet and the contradanse. Thus, revealing the only compositionalreference related to salon music within the courtly definition and defense of the Venezuelan aristocracy in the Hispanic colonial period (ca. 1780-1810).El objetivo de este artículo es dar a conocer el manuscrito Quinta de Anauco, una colección facticia de piezas de salón y oratorios domésticos, con probabilidad compuesta y/o compilada por el maestro de capilla y pianista José Cayetano Carreño (1774-1836) en la Caracas del Antiguo Régimen. Para este fin, se estudia su función sociocultural relacionada con la instrucción musical del «bello sexo» basada en las expectativas compositivas, artísticas y principalmente educativas en los géneros musicales incluidos: la tonadilla escénica, el villancico, el minué y la contradanza. Se desvela así la única referencia compositiva relacionada con la música de salón dentro de la definición y defensa cortesanas de la aristocracia venezolana en el período colonial hispánico (ca. 1780-1810)
Recepción de Cristóbal de Morales en Valladolid (ca. 1530-1550): una opinión, una tablatura, un inventario y el manuscrito 5 (E-V5)
Full text linkThis paper deals with the reception of Cristóbal de Morales`s music in the vibrant city of Valladolid during the 1530s and 1540s, a period that covers the years before his establishment in Rome (1535) and those immediately after his definitive return to Spain (1545). It is supported by four primary evidences: the assessment of the author by Professor Cristóbal de Villalón, an intabulation, an inventory made in 1547 in the Collegiate Church of Valladolid, and the unique Manuscript 5 (E-V5). A detailed study of this «white book» has made it possible to offer its complete and complex structure, a piece of information which, combined with that provided by the inventory and other documentary sources, allows us to better understand its chronology and functionality. They also allow us to present the person responsible for copying it, an essential mediator in the dissemination of the music of Cristóbal de Morales, at least in the Valladolid Collegiate Church.Este artículo se ocupa de la recepción de la música de Cristóbal de Morales en la efervescente villa de Valladolid durante las décadas de los años 30 y 40 del siglo XVI, periodo que abarca los años previos a su establecimiento en Roma (1535) así como los inmediatamente posteriores a su definitivo regreso a España (1545). Se basa en cuatro testimonios principales: la valoración que del autor realizara el profesor Cristóbal de Villalón; en una tablatura; un inventario realizado en 1547 en la colegial vallisoletana; y en el singular Manuscrito 5 (EV5). Un estudio detallado de este «libro blanco» ha permitido ofrecer su estructura completa y compleja que, conjugada con la información aportada por el inventario y por otras fuentes documentales, impulsan una mejor comprensión de la cronología y funcionalidad de esta relevante fuente para el estudio de la música del hispalense. También se presenta al responsable de su copia, un mediador esencial en la difusión de la música de Cristóbal de Morales en la Colegial vallisoletana