Anuario Musical (E-Journal)
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Donación de la Biblioteca de Manuel García Matos (1912-1974) a la IMF-CSIC e inventario de su contenido
No full textEl papel de Rollos Victoria en la industria global de la pianola: innovación, expansión y grabaciones olvidadas (1905-1929)
Full text linkThis article re-examines the role of Rollos Musicales Victoria, a Catalan piano roll manufacturer based in La Garriga, within the global player piano industry between 1905 and 1929. Drawing on unpublished archival materials, personal correspondence and oral testimony, it reconstructs the company’s international ambitions, its technical innovations and its underexplored use of recording technologies. Particular attention is paid to the Blancafort brothers’ journeys to the United States and Europe, revealing key insights into Victoria’s production processes and commercial strategy. The study also uncovers compelling evidence that direct roll recording from the piano —long assumed absent in Spain— was indeed tested and employed at the company’s facilities, although never publicised. By combining perspectives from musicology, media archaeology and the history of technology, this article challenges centre-periphery narratives and positions Rollos Victoria as a case study in local ingenuity and artistic experimentation within a transnational context.Este artículo reexamina el papel de Rollos Musicales Victoria, una empresa catalana de fabricación de rollos de pianola con sede en La Garriga, dentro de la industria global de la pianola entre 1905 y 1929. A partir de materiales de archivo inéditos, correspondencia personal y testimonios orales, se reconstruyen las ambiciones internacionales de la empresa, sus innovaciones técnicas y su uso poco explorado de tecnologías de grabación. Se presta especial atención a los viajes de los hermanos Blancafort a Estados Unidos y Europa, que revelan aspectos clave sobre los procesos de producción y la estrategia comercial de Victoria. El estudio también saca a la luz pruebas convincentes de que la grabación directa en rollo desde el piano —largamente considerada inexistente en España— fue en realidad probada y empleada en las instalaciones de la empresa, aunque nunca se publicitó. Al combinar perspectivas de la musicología, la arqueología de los medios y la historia de la tecnología, este artículo cuestiona las narrativas centro-periferia y presenta el caso de Rollos Victoria como un ejemplo de ingenio local y experimentación artística en un contexto transnacional
Hija y discípula: sobre género y mirada masculina en la imagen mediática española de la compositora Ann-Elise Hannikainen a principios de los años setenta
Full text linkThis article explores the media representation of Finnish-born composer Ann-Elise Hannikainen in the Spanish media during the early 1970s, focusing on the gender dynamics and the influence of the male gaze on her public image. Despite the presence of numerous female composers in Spain at the time, Hannikainen’s and Valencia-based Matilde Salvador’s works were among the few by women featured by Spanish orchestras in the 1970s. This study aims to understand how Hannikainen’s gender intersected with various aspects of her identity, such as age, appearance, social class, family background, education, and nationality, in the critiques and other texts related to her orchestral piece Anerfálicas premiered in Valencia in 1973. The methodology employs resistant reading by Judith Fetterley to analyse how gender and the male gaze shaped the discourse around Hannikainen’s work, underscoring the necessity of a feminist perspective in musicology that acknowledges the contributions of women composers and challenges the traditional narratives of music history. Additionally, by contrasting Hannikainen’s media image with that of Salvador, the article reveals that Hannikainen’s gender not only shaped her public image through descriptions of her appearance and familial relations but also affected the depth of authorship and artistic integrity attributed to her work, often overshadowing her professional credentials and accomplishments. This gendered narrative extended to the way influential figures, such as Hannikainen’s teacher Ernesto Halffter, represented Hannikainen.Este artículo explora la representación mediática de la compositora de origen finlandés Ann-Elise Hannikainen en los medios españoles durante los primeros años de la década de 1970, centrándose en la dinámica de género y la influencia de la mirada masculina en su imagen pública. A pesar de la presencia de numerosas compositoras en España en ese momento, las obras de Hannikainen y de Matilde Salvador, con base en Valencia, fueron algunas de las pocas de mujeres presentadas por orquestas españolas en la década de 1970. Este estudio tiene como objetivo entender cómo el género de Hannikainen se cruzó con varios aspectos de su identidad, como la edad, apariencia, clase social, antecedentes familiares, educación y nacionalidad, en las críticas y otros textos relacionados con su pieza orquestal Anerfálicas estrenada en Valencia en 1973. La metodología emplea la lectura resistente de Judith Fetterley para analizar cómo el género y la mirada masculina dieron forma al discurso en torno al trabajo de Hannikainen, subrayando la necesidad de una perspectiva feminista en la musicología que reconozca las contribuciones de las compositoras y desafíe las narrativas tradicionales de la historia de la música. Además, al comparar la imagen mediática de Hannikainen con la de Salvador, el artículo revela que el género de Hannikainen no solo dio forma a su imagen pública a través de descripciones de su apariencia y relaciones familiares, sino que también afectó la profundidad de la autoría y la integridad artística atribuida a su trabajo, a menudo eclipsando sus credenciales y logros profesionales. Esta narrativa de género se extendió a la forma en que figuras influyentes, como el maestro de Hannikainen Ernesto Halffter, representaron a Hannikainen
«Para unos agua y más agua, para otros diversión». Música, bienestar y sociabilidad en el balneario de Mondariz (Pontevedra, 1898-1931)
Full text linkThroughout the nineteenth century in Europe, thermal establishments played a crucial role in spreading music to regions remote from major cities and to different social classes, becoming cultural centers during the summer seasons. However, everything related to the musical activity of this industry within our borders is unknown, with the additional fact that the thermal habit is often attributed to the upper classes, overlooking the inherent characteristics of thermal establishments as sanatorium centers, which attract people from all social strata. This work aims to open a new field of research in Spain, focusing on the importance of spa resorts for musical production and social interaction, bringing this issue to one of the most visited thermal centers: the Mondariz spa. A center attended by prominent figures from the Spanish cultural scene, ranging from writers to singers from the Teatro Real, seeking treatment. It had a permanent quartet intended to animate concerts and evening social gatherings where both amateur and professional guests played music together, consisted of professors from the Society of Concerts, the Madrid Symphony, the Philharmonic, the National Conservatory, and foreign musicians in political asylum due to the Great War. Musical associations were formed within the spa to provide the workers with a higher education. Other artists, such as the pianist Carmen Pérez García (1895-1978), along with opera, zarzuela, and theater companies, are part of the wide-ranging cultural offering of concerts. The broad social spectrum of the spa has an impact on the repertoire, encompassing works by Wagner, as well as jazz and traditional Galician music.A lo largo del siglo XIX en Europa los establecimientos termales tuvieron un papel crucial en la difusión de la música en regiones apartadas de las grandes ciudades y en clases sociales diferentes, convirtiéndose en focos culturales durante las estaciones estivas. Sin embargo, todo lo relativo a la actividad musical de esta industria dentro de nuestras fronteras se desconoce, con el añadido de que el hábito termal se atribuye a menudo a las altas esferas, olvidando las características inherentes como centros sanatorio que implican la afluencia de todos los estratos sociales. Este trabajo pretende abrir un nuevo campo de investigación en España, el de la importancia para la producción musical y la sociabilidad de los centros balnearios, trasladando esta cuestión a uno de los centros termales de mayor afluencia: el balneario de Mondariz. Un centro al que asisten para curarse personalidades del panorama cultural español, desde escritores hasta cantantes del Teatro Real. Contó con un cuarteto estable destinado a animar conciertos y veladas donde agüistas amateur y profesionales hacen música en sociedad, formado por profesores de la Sociedad de Conciertos, la Sinfónica de Madrid, la Filarmónica, el Conservatorio Nacional y músicos extranjeros en asilo político debido a la Gran Guerra. Asociaciones musicales nacen en el seno del balneario para proporcionar a los operarios una educación elevada. Otros artistas, como la pianista Carmen Pérez García (1895-1978) y compañías de ópera, zarzuela y teatro son parte de la dilatada oferta cultural de conciertos. El amplio espectro social del balneario tiene una consecuencia en el repertorio abarcando obras de Wagner, pero también el jazz o la música tradicional gallega
Imágenes del pensamiento metafórico en Noches en los Jardines de España
Full text linkThis article provides an in-depth analysis of the metaphorical dimensions and cross-modal interactions in Manuel de Falla’s musical composition Noches en los Jardines de España. The study employs Nicholas Cook’s theoretical framework, which focuses on three modes of interaction: conformance, complementation, and contest. It investigates how Falla’s innovative use of Spanish folk music elements, mimetic sound-image relationships, and cyclical structures generates a complex metaphorical imagery that evokes vivid imagery, cultural associations, and emotional resonances through purely instrumental means.
The article situates Falla’s metaphorical language within the artistic and cultural context of early twentieth-century Spain, shedding light on his role in negotiating between tradition and modernist innovation. By applying Cook’s theory to the realm of instrumental music, the study challenges traditional notions of music as a self-contained art form. It highlights the inherent cross-modal nature of musical language and emphasizes the listener’s active role in constructing and interpreting musical metaphors. The analysis underscores the significance of sensory correspondences in shaping the overall musical experience.Este artículo ofrece un análisis en profundidad de las dimensiones metafóricas y las interacciones intermodales en la composición musical de Manuel de Falla Noches en los Jardines de España. El estudio emplea el marco teórico de Nicholas Cook, que se centra en tres modos de interacción: conformidad, complementación y contienda. Investiga cómo el uso innovador que hace Falla de los elementos de la música folclórica española, las relaciones miméticas entre sonido e imagen y las estructuras cíclicas generan un complejo imaginario metafórico que evoca vívidas imágenes, asociaciones culturales y resonancias emocionales a través de medios puramente instrumentales.
El artículo sitúa el lenguaje metafórico de Falla en el contexto artístico y cultural de la España de principios del siglo XX, arrojando luz sobre su papel en la negociación entre la tradición y la innovación modernista. Al aplicar la teoría de Cook al ámbito de la música instrumental, el estudio desafía las nociones tradicionales de la música como una forma artística autónoma. Destaca la naturaleza intermodal inherente al lenguaje musical y subraya el papel activo del oyente en la construcción e interpretación de metáforas musicales. El análisis subraya la importancia de las correspondencias sensoriales en la configuración de la experiencia musical global
Waldo de los Ríos y la música popular Argentina en HI FI. Los discos del período argentino (1955-1962)
Full text linkWaldo de los Ríos holds a prominent place in twentieth-century Argentine and Spanish popular music. In his early career (1955-1962), he produced a significant number of recordings in which folk-rooted music played a key role. His arrangements and compositions blend his knowledge of traditional music, academic training, and experience in the field of record production —an area he entered early on as part of the Columbia Records team in Buenos Aires. This latter field contributed a distinctive influence, evident in his use of elements associated with musical trends known variously as lounge music, easy listening, or mood music, promoted by various record labels, including Columbia. The result is a body of musical work that reflects his intention to find sonic responses to the intersection between local practices and those emerging from international modernity. Therefore, his work with folk-rooted music can be analysed and framed within the realm of compositional transculturation. This perspective reveals how Waldo de los Ríos’s arrangements and compositions become neoculturations, diverging from earlier constructions tied to professional folklore, and shaping new ways to articulate or approach music recognized as folkloric tradition.Waldo de los Ríos ocupa un lugar destacado en la música popular argentina y española del siglo XX. En su primera etapa (1955-1962) realiza un número importante de grabaciones en las que tiene un lugar preponderante la música de raíz folclórica. En sus arreglos y composiciones confluyen su conocimiento de la música tradicional, su formación académica y su experiencia en el campo de la producción discográfica a partir de su temprana incorporación al equipo de la compañía Columbia en Buenos Aires. Este último campo proporciona una significativa impronta que se pone de manifiesto en el empleo de recursos ligados a las tendencias musicales conocidas, entre otras denominaciones, como lounge music, easy listening o mood music promovidas por diferentes sellos discográficos, entre ellos Columbia. Resultando así, una producción musical que refleja la intención de este músico por encontrar respuestas sonoras al cruce entre las prácticas locales y las que provienen de la modernidad internacional. Es por ello, que es posible enmarcar y analizar su trabajo relacionado con la música de raíz folclórica dentro del espacio de la transculturación compositiva. De forma que su estudio permite apreciar como las versiones y composiciones de Waldo de los Ríos se constituyen en neoculturaciones que reflejan el alejamiento de las construcciones precedentes ligadas al folclore profesional, para plasmar nuevas formas de enunciar o tratar la música reconocida como de tradición folclórica
«Del máximo rigor a la máxima libertad». El serialismo en la enseñanza y creación del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) en Buenos Aires
Full text linkBetween 1963 and 1971, the Latin American Center for Advanced Musical Studies (CLAEM) of the Instituto Di Tella in Buenos Aires was an important meeting place for Latin American composers. The curriculum designed by its director, Alberto Ginastera, sought to offer a wide range of contemporary approaches and techniques, as reflected in the international invited teachers. This article approaches the presence of serialism in the teaching and creation at the CLAEM from different perspectives: the scholarship holders’ previous experience with serialism, Ginastera’s position, the encounters with some foreign teachers and especially the visits of Riccardo Malipiero (in 1963), Luigi Dallapiccola (in 1964), and Umberto Eco (in 1970), and a panoramic view of the scholarship holders’ creative works. From these different perspectives, serialism is presented as a shifting object of study that embodies multiple possible meanings. As we will see, serialism played a relevant role in the first generations of fellows, to be displaced later by more experimental proposals, improvisation, and electronics.Entre 1963 y 1971, en el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM) del Instituto Di Tella en Buenos Aires constituyó un relevante punto de encuentro para los compositores de América Latina. El plan de estudios diseñado por su director, Alberto Ginastera, procuró ofrecer una paleta amplia de enfoques y técnicas contemporáneas, lo que se refleja también en los docentes internacionales invitados. Este artículo aborda la presencia del serialismo en la enseñanza y creación del CLAEM desde diversas perspectivas: las experiencias previas de los becarios con el serialismo, la postura de Ginastera, los encuentros con algunos docentes extranjeros y especialmente las visitas de Riccardo Malipiero (en 1963), Luigi Dallapiccola (en 1964) y Umberto Eco (en 1970), y finalmente una visión panorámica de la creación de los becarios. Desde estas diversas perspectivas, el serialismo se presenta como un objeto de estudio cambiante que encarna diversos posibles significados. Como observaremos, el serialismo cumplió un rol relevante en las primeras generaciones de becarios, para posteriormente ser desplazado por propuestas más experimentales, la improvisación y la electrónica
El cancionero musical (1599) de Antonio Gutiérrez. Un músico español de Nápoles al servicio del duque de Mantua
Full text linkDuring the first decades of the seventeenth century, Spanish vocal music had a significant presence in Italy and other European regions. The discovery of a volume dated 1599 containing original music by Antonio Gutiérrez, preserved in the library of the Correr Museum in Venice, allows us to considerably expand our understanding of the phenomenon of arie and villanelle. Its importance lies not only in the fact that it is written in mensural notation with guitar accompaniment in tablature, but also in its relationship to certain manuscript sources, as some of its 29 two-voice compositions, with notated music and guitar accompaniment, correspond with other Italian sources of poetry with alphabet. The discovery of this manuscript, dedicated by the author himself to the Duke of Mantua, allows us to approach the creators of this repertoire and question some assumptions about its provenance. This article aims to present this new source in its context and contribute to knowledge of its author’s figure, as well as to address some of the most relevant technical-stylistic aspects, as a preview of a critical edition of the music that is currently in preparation.Durante las primeras décadas del siglo XVII, la música vocal en español tuvo una presencia significativa en Italia y otras regiones europeas. El hallazgo de un volumen fechado en 1599 con música original de Antonio Gutiérrez, conservado en la biblioteca del Museo Correr de Venecia, permite ampliar considerablemente nuestra visión del cultivo de la canción en español en tierras transalpinas durante el nacimiento del barroco. Su importancia radica no sólo en el hecho de estar escrito en notación mensural, con acompañamiento de guitarra en tablatura, sino en la relación que guarda con ciertas fuentes manuscritas pues algunas de sus 29 composiciones a dos voces, con música notada y acompañamiento de guitarra, concuerdan con otras fuentes italianas de poesía con alfabeto. El descubrimiento de este manuscrito, dedicado por el propio autor al duque de Mantua, nos permite acercarnos a los artífices del repertorio, y cuestionar algunas asunciones acerca de su procedencia. Este artículo se propone dar noticia de esta nueva fuente en su contexto y contribuir al conocimiento de la figura de su autor, así como tratar algunos de los aspectos técnico-estilísticos más relevantes, como adelanto de una edición crítica de la música que está en proceso de preparación
