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De la peinture au jardin (en passant par la poésie) : la vallée Giulia à Rome, de Michel-Ange à Poussin
Get PDFCollection : Giardini e paesaggio ; 4
De la peinture au jardin (en passant par la poésie) : la vallée Giulia à Rome, de Michel-Ange à Poussin
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Ginevra Cantofoli (1618-1672), disciple d’Elisabetta Sirani : réception et historiographie d'une femme peintre dans la Bologne du XVIIe siècle
Get PDFCe mémoire porte sur la réception historiographique de la peintre bolonaise Ginevra Cantofoli (1618-1672). Considérée comme l’élève la plus connue d’Elisabetta Sirani (1638-1665) par les biographes locaux, Cantofoli n'a pas bénéficié de la même attention de son vivant et dans les siècles suivants que sa maestra. En 2006, Massimo Pulini écrivait la première et seule monographie dédiée à Cantofoli dans laquelle le chercheur établissait un corpus de tableaux de jeunes femmes enturbannées basé sur l’Autoportrait en Allégorie de la Peinture de la Pinacoteca di Brera à Milan. Pourtant, comparativement à la tendance des vingt dernières années où sont attribués de plus en plus d’oeuvres à des artistes femmes, les recherches récentes ont identifié le peintre flamand Luigi Gentile (1606-1667) comme l’auteur du premier corpus attribué à Ginevra Cantofoli. Ce travail interroge comment l’attributionnisme façonne le discours de l’histoire des artistes femmes. Pourquoi y a-t-il un vide documentaire autour de certaines artistes ? Comment discuter de celles-ci malgré les lacunes? À partir d'approches féministes, il sera question de retracer comment Cantofoli est devenue l’élève, l’apprentie et la copiste de Sirani dans l’historiographie. Cette relation nous amène à questionner la copie dans le contexte de l’atelier et de l’inscription de Cantofoli dans celui-ci. La répétition des œuvres par la copie ouvre sur la réception du Portrait présumé de Beatrice Cenci pour voir comment les nombreux volte-face de l’attributionnisme créent des mythes et des légendes autour de certaines œuvres.This dissertation focuses on the reception of the Bolognese painter Ginevra Cantofoli (1618-1672). Considered the most well-known pupil of Elisabetta Sirani (1638-1665) by local biographers, Cantofoli did not receive the same attention as her maestra during her lifetime and in subsequent centuries. In 2006, Massimo Pulini wrote the first and only monograph dedicated to Cantofoli, in which he established a corpus of paintings of turbaned young women based on the Self-Portrait as Allegory in the Painting at the Pinacoteca di Brera in Milan. However, in contrast to the trend of the last twenty years of attributing more and more paintings to female artists, recent research has identified the Flemish painter Luigi Gentile (1606-1667) as the author of the first corpus attributed to Ginevra Cantofoli. This work questions how attributionism shapes the discourse of women artists' history. Why is there a lack of documentation around certain artists? How can we discuss them despite the gaps? Drawing from a corpus of feminist studies, the thesis aims to trace how Cantofoli became Sirani's pupil, apprentice, and copyist in historiography. This relationship leads us to question copying in the context of the workshop and Cantofoli's inscription within it. The repetition of works through copying opens up a discussion on the reception of the Presumed Portrait of Beatrice Cenci to examine how the numerous shifts in attributionism create myths and legends around certain works
Les nuages sombres comme métaphore de la peste dans l'art vénitien de la Renaissance
No full textThe plague raged in Venice from 1348 to 1797, striking in successive deadly waves. Countless votive images produced as "spiritual remedies" brought solace to the faithful terrified of the ongoing scourge. However, in the retables directly related to the plague, we observe the frequent presence of dark clouds. This pattern, which has gone largely unnoticed, is studied here for the first time in detail and associated with contemporary medical theories regarding the aerial spread of the disease. The dark cloud is first examined as an iconographic motif and placed in the context of Venice's health and sanitary situation in the 15th and 16th centuries, as well as the ancient literature on the plague that influenced the humanist thought of the Venetian Renaissance. Furthermore, we examine the theoretical function of the dark cloud, as a "figure" (E. Auerbach and L. Marin), as a "pictorial graph" (H. Damisch) and as a "detail" (D. Arasse). The use of these different theoretical models allows us to reconsider the presence and possible meanings of the dark cloud as a metaphor for the plague. The thesis concludes with a typology test of the plague cloud.La peste sévit à Venise de 1348 à 1797, frappant par vagues mortelles successives. D'innombrables images votives produites comme « remèdes spirituels » participaient au réconfort des fidèles terrifiés par le fléau. Or, dans les retables directement liés à la peste, on observe la présence fréquente de nuages sombres. Ce motif passé à peu près inaperçu est étudié ici pour la première fois en détail et associé aux théories médicales contemporaines concernant la propagation aérienne de la maladie. Le nuage sombre est d'abord examiné comme motif iconographique et replacé dans le contexte de la situation sanitaire de Venise au XVe et au XVIe siècle et de la littérature antique sur la peste ayant influencé la pensée humaniste de la Renaissance vénitienne. Dans un deuxième temps, nous examinons la fonction théorique du nuage sombre, comme « figure » (E. Auerbach et L. Marin), comme « graphe pictural » (H. Damisch) et comme « détail » (D. Arasse). L'usage de ces différents modèles théoriques permet de reconsidérer la présence et les significations possibles du nuage sombre comme métaphore de la peste. Le mémoire se conclut par un essai de typologie du nuage de peste
Peindre la science : Caravage et le milieu savant de Rome
No full textLa révolution scientifique du 17e siècle est issue de l'émergence de théories portant sur les sciences optiques, astronomiques, et mécaniques menées, entre autres, par des chercheurs comme Galilée et Guidobaldo Del Monte. Cette rupture avec les connaissances établies depuis l'Antiquité coïncide avec l'esthétique picturale tout à fait novatrice de Caravage. Partant de ce fait, la présente étude examine le rapport entre l’art et la science à Rome en analysant les œuvres que l'artiste peint sous la tutelle du cardinal Francesco Maria Del Monte, mécène scientifique qui défend l'approche expérimentale dans l'étude des phénomènes naturels. Ce mémoire vise à comprendre de quelles façons les œuvres sont, en partie, portées et affectées par les discours scientifiques ayant probablement eu lieu dans les résidences romaines de Del Monte, le Palazzo Madama et le Casino Del Monte, connu aujourd’hui sous le nom de Villa Boncompagni-Ludovisi. Les œuvres du Caravage reflèteraient ainsi l’environnement intellectuel du peintre. Les toiles pourraient aussi être interprétée comme des « images épistémiques », dont la fonction serait d’instruire le spectateur sur les diverses disciplines scientifiques. Le statut de l'alchimie en tant que science expérimentale légitime est également abordé. Jupiter, Neptune et Pluton, une fresque réalisée par Caravage pour le laboratoire alchimique du Casino Del Monte, fait l’objet d’une analyse comparée avec le Studiolo du Palazzo Vecchio de François Ier de Médicis. L'iconographie de cette œuvre souligne la relation fondamentale dans la Rome du Seicento entre pouvoir et savoir.The scientific revolution that distingued the italian Seicento was marked by a breakthrough in astronomical, optical and mechanical theories, giving way to emerging scientific personalities such as Galileo Galilei and Guidobaldo Del Monte. This rupture with the knowledge of the world that was established since Antiquity coincides with Caravaggio's innovative pictorial techniques. Our paper examines the relationship between art and science in Rome by analysing the artist's paintings created under the patronage of Cardinal Francesco Maria Del Monte, a strong supporter of the experimental approach that defined the studies of natural phenomena. This thesis seeks to understand in which ways the artwork’s content and subject matter, as well as stylistic techniques, reflect the scientific discourse that most probably took shape, among other sites, in Del Monte’s roman residences, the Palazzo Madama and the Casino Del Monte, known today as the Villa Boncompagnie-Ludovisi. Thus, Caravaggio’s paintings can be viewed as a reflection of the intellectually stimulating environment that he worked in. The pictures may also function as "epistemic images", meant to instruct and inform the viewer on various scientific theories. Furthermore, the importance of alchemy as an emerging legitimate science in the Cardinals circle is closely investigated. Caravaggio’s fresco painting, Jupiter, Neptune and Pluto, located in what once was Del Monte’s alchemical distillery room of the Casino Del Monte is compared to Francesco’s I de Medici’s Studiolo in the Palazzo Vecchio. It helps to further shed light on the relationship between knowledge and power and to highlight the Cardinal’s role in the new up and coming sciences
Le dispositif d'objets dans un nouveau type d'image au 16e siècle : les portraits de marchands
No full textLe concept d’un « dispositif d’objets » présent dans le Portrait d’un marchand (v. 1530) de Jan Gossart et le Portrait du marchand Georg Gisze (1532) d’Hans Holbein le Jeune a pour objectif de porter un regard nouveau sur des œuvres trop souvent réduites à des notions d’esthétisme et de symbolisme. En utilisant une approche pluridisciplinaire à notre analyse, nous voulons promouvoir les objets comme acteur dominant dans la mise en scène de l’identité sociale du marchand au 16e siècle.
L’association entre histoire de l’art et anthropologie des techniques permet la validation d’une scénographie de la culture matérielle marchande, ainsi que le dégagement d’un commentaire social inhérent à la proposition artistique de Gossart et Holbein. L’intérêt d’une étude orientée sur les objets promet également l’ouverture d’une réflexion sur la manière de concevoir le portrait d’occupation indépendamment de la valeur anagogique qui lui est généralement associée à la Renaissance.
Le Portrait d’un marchand et le Portrait du marchand Georg Gisze attestent d’un moment ponctuel dans la production spatio-temporelle des portraits de marchands en Europe du Nord au 16e siècle. L’analogie confondante qui unit les deux œuvres prend son essence dans la thématique visuelle engendrée par le « dispositif d’objets ».The concept of an object system, as found in Jan Gossart’s Portrait of a Merchant (ca. 1530) and Hans Holbein the Younger’s Georg Gisze (1532) aims to reevaluate works which are too often reduced to aesthetics and symbolism. By means of a multidisciplinary approach, the study aims to promote the objects represented in the paintings as the dominant actors in the staging of the social identity of the sixteenth-century merchant.
The association between art history and anthropology of techniques allows the validation of a scenography of the material merchant culture, as well as the emergence of a social commentary inherent to Gossart’s and Holbein’s artistic work. Attention to an object-oriented study also allows for new insights into how to understand the occupational portrait independently of an anagogical value, which is generally attributed to the Renaissance period.
The Portrait of a Merchant and portrait of Georg Gisze attest to a specific moment in the production of merchant portraits in northern Europe during the sixteenth century. The apparently disparate works are united by the object system represented in the paintings
Les jardins dans l'œuvre de Lodewijk Toeput : entre tradition flamande et culture vénitienne
Get PDFPour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.Durant la Renaissance, les œuvres de l’artiste flamand Lodewijk Toeput, dit Lodovico Pozzoserrato, contribuent à enrichir l’iconographie et l’histoire des jardins vénitiens. Elles expriment également la tradition artistique flamande et la culture vénitienne, marquée par l’idéologie de la villa et par l’univers musical. L’union des deux cultures révèle une hybridation symptomatique des échanges culturels entre l’Italie et les Flandres pendant la seconde moitié du XVIe siècle. Ce mémoire situe les représentations de jardins et la figure de l’artiste dans le contexte historique et artistique vénitien du XVIe siècle. Il vise également à analyser les images de jardins du peintre à travers la notion de « transferts culturels » afin de souligner l’association de l’influence flamande et vénitienne. De plus, il sera question de déterminer les conséquences de cette association dans l’histoire de l’art flamande et vénitienne.During the Renaissance, the paintings by Lodewijk Toeput, known as Lodovico Pozzoserrato, contributed to enrich the iconography and the history of Venetian gardens. The works by Toeput also combine the heritage of the Flemish artistic tradition with the Venetian culture, marked by the ideology of the villa and the musical world. By merging Flemish art with Venetian culture, Toeput creates a hybridization symptomatic of cultural exchanges between Italy and Flanders during the second half of the 16th century. This master’s thesis situates the representations of gardens and the personality of the artist within the Venetian historical and artistic context in the 16th century. In addition, this master’s thesis also aims to analyze the painter’s images of gardens through the concept of “cultural transfer” in order to emphasize the combination of Flemish and Venetian influences. This paper will also determine the consequences of this union in the history of the Flemish and Venetian art
Les jardins dans l'œuvre de Lodewijk Toeput : entre tradition flamande et culture vénitienne
Get PDFPour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.Durant la Renaissance, les œuvres de l’artiste flamand Lodewijk Toeput, dit Lodovico Pozzoserrato, contribuent à enrichir l’iconographie et l’histoire des jardins vénitiens. Elles expriment également la tradition artistique flamande et la culture vénitienne, marquée par l’idéologie de la villa et par l’univers musical. L’union des deux cultures révèle une hybridation symptomatique des échanges culturels entre l’Italie et les Flandres pendant la seconde moitié du XVIe siècle. Ce mémoire situe les représentations de jardins et la figure de l’artiste dans le contexte historique et artistique vénitien du XVIe siècle. Il vise également à analyser les images de jardins du peintre à travers la notion de « transferts culturels » afin de souligner l’association de l’influence flamande et vénitienne. De plus, il sera question de déterminer les conséquences de cette association dans l’histoire de l’art flamande et vénitienne.During the Renaissance, the paintings by Lodewijk Toeput, known as Lodovico Pozzoserrato, contributed to enrich the iconography and the history of Venetian gardens. The works by Toeput also combine the heritage of the Flemish artistic tradition with the Venetian culture, marked by the ideology of the villa and the musical world. By merging Flemish art with Venetian culture, Toeput creates a hybridization symptomatic of cultural exchanges between Italy and Flanders during the second half of the 16th century. This master’s thesis situates the representations of gardens and the personality of the artist within the Venetian historical and artistic context in the 16th century. In addition, this master’s thesis also aims to analyze the painter’s images of gardens through the concept of “cultural transfer” in order to emphasize the combination of Flemish and Venetian influences. This paper will also determine the consequences of this union in the history of the Flemish and Venetian art
Jacques Linard, Une nature morte de 1640, marqueur de son temps
Get PDFLa nature morte française des premières décennies du XVIIe siècle se prête à l’oraison intérieure, et à des discours intellectuels et philosophiques. L’apport de Jacques Linard (1597-1645) à l’art français demeure fondamental, cependant, peu d’études lui sont consacrées. Ce mémoire propose une analyse inédite du tableau Nature morte aux coquillages et au corail, peint en 1640, qui présente des caractéristiques propres à une sensibilité française. L’apparente simplicité de la toile laisse place à une herméneutique qui va au-delà d’un contenu spirituel conforme aux décrets sur l’art de la Réforme catholique. La présence des objets de la nature, vecteurs d’une symbolique mythologique et chrétienne, nous interpelle sur le but de Linard, ainsi que la pertinence de ceux-ci dans la société française du XVIIe siècle. Nous développons selon plusieurs axes le message qu’exprimerait Jacques Linard, natif de Troyes, où le marché artistique se positionne en seconde place derrière Anvers. La teneur, la composition et le rendu du tableau entre autres, illustrerait les intérêts d’une France en pleine mutation que nous développerons avec la méthode de l’Archéologie de Michel Foucault. Nous poserons d’abord les bases culturelles qui permettent la mise en place de la nature selon une symbolique chrétienne, ensuite nous effectuerons une analyse iconographique inédite afin d’offrir une interprétation religieuse, morale et scientifique de cette toile. Les objets de la nature au XVIIe siècle en France, suggèrent également de nouveaux comportements issus de du néo-stoïcisme et du développement scientifique que nous mettrons en rapports aux enjeux culturels.Abstract
The French still lives of the first decades of the 17th century lend themselves well to meditation and to intellectual and philosophical discourses. The contribution of the French painter Jacques Linard (1597–1645) to French still lives are fundamental, however, his work is seldom studied. We wish to contribute to the research, by offering an original analysis of Still life with shells and a coral, dated in 1640, which portrays characteristics of French sensitivity. The apparent simplicity of this painting reveals a hermeneutic that goes beyond the spiritual context proper to the decrees of the Counter Reformation on art. The presence of natural objects abounds by mythological and religious symbolism, raises the question of Linard’s goal, and their relevance in 17th century French society. Using Michel Foucault’s concept of Archaeology, this memoir aims to develop with multiple points of view the message that Jacques Linard expresses pertaining to the interests of a changing France, suggested by the content, the composition and the naturalistic style of the painting. We will first relate the cultural history involving Christian symbolism, then we will carry out an original iconographic analysis in order to show the religious, moral and scientific meaning of this work of art. In 17th century France, the presence of natural objects also suggests new societal behaviour linked to ancient philosophy and scientific development which we will give an account of in correlation to the French cultural challenges that overlay its religious message.Resumen
La naturaleza muerta francesa de las primeras décadas del siglo XVII se trata de la oración interna, y de discursos intelectuales tanto como filosóficos. La contribución de Jacques Linard (1597-1645) al arte francés es fundamental, aunque le hayan dedicado muy pocas investigaciones. Esta tesis propone un análisis sin precedentes del cuadro Naturaleza muerta con conchas y coral, pintada en el 1640, que presenta las características de una sensibilidad francesa. La simplicidad aparente del cuadro da paso a una hermenéutica que va más allá del contenido spiritual conforme a las reglas establecidas en el arte durante la Reforma católica. La presencia de objetos de la naturaleza, vectores de un simbolismo mitológico y cristiano, nos recuerda el objetivo de Linard tanto como la pertinencia de aquellos dentro de la sociedad francesa del siglo XVII. Desarrollamos según varios ejes el mensaje expresado por Linard, originario de Troyes, donde el Mercado artístico se encuentra en Segundo lugar después de Antwerp. El contenido, la composición y la representación del cuadro, entre otros, ilustrarían los intereses de una Francia en pleno cambio que desarrollaremos con el método de la Arqueología de Michel Foucault. En primer lugar, plantearemos las bases culturales cuales permiten ubicar la naturaleza según el simbolismo cristiano, y luego haremos un análisis iconográfica sin precedentes con el objetivo de ofrecer una interpretación religiosa, moral y científica de este cuadro. Los objetos de la naturaleza en el siglo XVII en Francia, también sugieren comportamientos nuevos derivados del neo-estoicismo y del desarrollo científico que relacionaremos con temas culturales.Sintesi
La natura morta francese degli primi decenni del diciassette secolo si conforma alla meditazione e ai discursi intellettuali e filosofici. Il contributo di Jacques Linard (1597-1645) a l’arte francese rimane esenziale per il genere della natura morta, tuttavia, scarsi studi gli sono dedicato. Questa tesi analizza una da sua tele, Natura morta ai conchigli et al corallo, dipinto nel 1640, nella quale si emana caracteristici propria stessa da una sensitività francese. L’apparente semplicità della tela rivela una ermeneutica che supera il contenuto spirituali conforme al decreto della Riforma Cattolica sull’arte. La presencia degli oggetti della natura, veicolo da una simbolica mitologica e cristiana nos interpella sullo scopo di Linard, così come la rilevanza di questi nella società francese dal diciassette secolo. Questa tesi di laurea consiste nello sviluppo di molti assi il messaggio espresso da Jacques Linard, nativo di Troyes, dove il mercato dell'arte è al secondo posto dietro Antwerp. Il contenuto, la composizione e la forma del quadro, tra gli altri, illustrerebbero sulle interesse da una Francia in pieno mutamento che svilupperemo con il metodo di Archeologia di Michel Foucault. Prima porremo le basi culturali che permetta la messa a punto de la natura secondo una simbolica cristiana, in seguito effettuaremo un'analisi iconografica inedita per offrire una interpretazione religiosa, morale et scientifica di questa tela. Gli oggetti della natura al diciassette secolo nella Francia insinua anche nuovi comportamenti della società che accompagna il rinnovamento della filosofia antica e lo sviluppo scientifico del quale renderemo conto e metteremo in rapporto ai sfide culturali francesi che si sovrapporsi alla lettura religiosa.Samenvatting (néerlandais)
Het Franse stilleven uit de eerste decennia van de 17e eeuw leent zich voor innerlijk gebed en voor intellectuele en filosofische redes. De bijdrage van Jacques Linard (1597-1645) aan de Franse kunst blijft fundamenteel, maar daar zijn weinig studies aan gewijd. Dit proefschrift stelt een originele analyse voor van het schilderij Stilleven met schelpen en koraal uit 1640, dat kenmerken vertoont die eigen zijn aan de Franse gevoeligheid. De schijnbare eenvoud van het doek maakt plaats voor een hermeneutiek die verder gaat dan een spirituele inhoud die zou overeenstemmen met de decreten over de kunst van de katholieke Reformatie. De aanwezigheid van objecten uit de natuur, vectoren van mythologische en christelijke symboliek, roept vragen op over het doel van Linard en hun relevantie in de 17e eeuwse Franse samenleving. We ontwikkelen op verschillende manieren de boodschap die Jacques Linard zou uitdrukken. Hij woonde namelijk in Troyes, waar de kunstmarkt heel belangrijk was en net na die van Antwerpen stond. De inhoud, de compositie en de weergave van het schilderij zouden de belangen van een snel veranderend Frankrijk illustreren, belangen die we zullen ontwikkelen met behulp van de Archeologische methode van Michel Foucault. We zullen eerst de culturele fundamenten leggen die het mogelijk maken de natuur te vestigen volgens een christelijke symboliek, daarna zullen we een originele iconografische analyse uitvoeren om een religieuze, morele en wetenschappelijke interpretatie van dit schilderij voor te stellen. De objecten van de natuur in Frankrijk in de 17e eeuw suggereren ook nieuwe gedragingen die voortvloeien uit het neostoïcisme en de wetenschappelijke vooruitgang. Deze nieuwe gedragingen zullen we dan ook in verband brengen met de culturele kwesties.Abstract (allemand)
Das französische Stillleben der ersten Jahrzehnte des XVII. Jahrhunderts frönt dem innerlichen Gebet und den intellektuellen und philosophischen Diskursen. Der Beitrag Jacques Linards (1597-1645) zur französischen Kunst ist und bleibt grundlegend für die Gattung des Stilllebens, wobei sich nur wenige Studien mit ihm befassen. Wir beabsichtigen dies teils durch die Analyse eines seiner Gemälde « Nature morte aux coquillages et au corail » von 1640, zu beheben, auf dem besondere Merkmale der französischen Empfindsamkeit ersichtlich sind. Die scheinbare Schlichtheit lässt Raum für eine Auslegung, die über eine spirituelle Aussage, entsprechend der Verordnungen über die Kunst der katholischen Reformation, hinaus geht. Die Präsenz von Objekten aus der Natur, Vektoren einer symbolischen und christlichen Mythologie, gibt hinsichtlich des Ziels von Linard zu denken, sowie auch die Relevanz jener in der französischen Gesellschaft des XVII. Jahrhunderts. Diese Arbeit beruht darauf, auf verschiedene Art und Weise die Botschaft Jacques Linards über die Interessen eines Landes im Umbruch zu entwickeln, was vor allem durch den Gehalt, die Komposition und die Wiedergabe des Gemäldes angedeutet wird. Dafür schaffen wir zunächst die kulturellen Grundlagen, welche uns die Eingliederung der Natur gemäß der christlichen Symbolik ermöglichen. Anschließend führen wir eine bisher einzigartige ikonographische Analyse durch, um das Gemälde aus einer religiösen, moralischen und wissenschaftlichen Sicht zu interpretieren. Die Naturobjekte des XVII. Jahrhunderts in Frankreich weisen zudem auf neue Verhaltensweisen inmitten der französischen Gesellschaft hin, die mit einer Wiederbelebung der antiken Philosophie sowie der wissenschaftlichen Entwicklung einhergehen. Darauf werden wir ebenfalls näher eingehen und diese in Zusammenhang mit den kulturellen Realitäten Frankreichs bringen, welche die religiösen Andeutungen überlagern
Nature et paysage dans la littérature artistique et dévotionnelle à l'époque de la Contre-Réforme
Get PDFÀ l’aide des écrits d’humanistes chrétiens, ayant exercé un contrôle sur la pratique des arts après le Concile de Trente, nous tenterons d’expliquer le développement du genre paysager en peinture. Le cardinal Federico Borromeo, Louis Richeôme ainsi que Jean Calvin figurent parmi les théologiens qui ont contribué à cette littérature chrétienne influente. Nous nous servirons surtout de l’historiographie récente afin de prouver le rôle essentiel joué par la pensée chrétienne dans le développement de la représentation de la nature en art. Prenant appui sur certaines études importantes, nous analyserons des exemples tant picturaux qu’architecturaux qui reflètent cette influence chrétienne sur la perception de la nature. Au préalable, nous tenterons de dresser un portrait de l’environnement culturel et religieux dans lequel ces humanistes chrétiens ont vécu et développé leur pensée. Notre objectif sera de prouver que l’humanisme chrétien a joué un rôle important pour l’essor du paysage à l’époque de la Contre-Réforme. Les sources contemporaines ainsi que leur interprétation par les historiens et les historiens d’art modernes permettront de mieux comprendre le rôle joué par la pensée chrétienne au sein de ce développement artistique.Examining the writings of Christian humanists, who exercised control over the practice of the arts after the Council of Trent, this paper seeks to understand the development of landscape painting in the Early Modern period. Cardinal Federico Borromeo, the Jesuit Louis Richeome and Jean Calvin, are among those theologians who contributed to this influential Christian literature. We will mainly use the recent historiography to demonstrate the essential role played by Christian thought in the rise of the representation of nature into art. Building on some important studies, we will analyze both pictorial and architectural examples that reflect this Christian influence on the perception of nature. First, we will try to paint a picture of the religious and cultural environment in which the Christian humanists lived and developed their thinking. Our goal is to prove that Christian humanism played an important role in the development of landscape representations during the Counter-Reformation. Contemporary sources as well as their interpretation by modern historians and art historians will help us to better understand the role of Christian thought in this artistic development
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