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Théories de l’ornement et « Renaissance orientale » : un modèle ottoman pour le XIXe siècle ?
No full textLabrusse Rémi. Théories de l’ornement et « Renaissance orientale » : un modèle ottoman pour le XIXe siècle ?. In: Comptes rendus des séances de l'Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, 154e année, N. 1, 2010. pp. 301-336
Building a Discourse : production, issues, and reception of Henri Matisse's writings and interviews
No full textÀ la figure d’Henri Matisse [1869-1954] peintre, dessinateur, graveur et sculpteur, ce travail propose de joindre et de confronter la figure d’un Matisse écrivain, en envisageant comment ses écrits et propos ont accompagné le développement de son œuvre, depuis ses débuts dans les années 1890 jusqu’à sa mort. Le premier but poursuivi est l’établissement d’un corpus renforcé des écrits et propos de l’artiste, ainsi que la constitution de dossiers inédits, recoupant notes et brouillons, autour de certains textes majeurs. À partir de là, cet ensemble est mis en perspective historique, resitué dans l’environnement artistique et critique de l’époque. En s’attachant à revenir sur les conditions de possibilité, les enjeux et la réception critique des écrits et propos de Matisse, il s’agit de considérer la manière dont ce dernier construit, oriente et détermine son identité artistique par les voies du langage. La thèse défendue est qu’il y a chez Matisse une véritable réflexion sur ce qu’écrire et parler veulent dire : cette réflexion conduit l’artiste à envisager ces pratiques discursives dans l’unité de son élan créateur et non comme une simple activité annexe. Les écrits et propos de Matisse relèvent en effet d’une forme de distance critique, de soi à soi, pour actualiser la démarche créatrice. Par leur intensité particulière et par leurs inflexions qualitatives, ils constituent un objet de recherche spécifique. Dès lors, l’étude de la fabrique du discours de Matisse, pris dans une conception élargie de cette notion de discours, permet de mettre au jour les contradictions productives qui sous-tendent toute l’esthétique de l’artiste.Beyond the figure of Henri Matisse [1869-1954] as a painter, a draftsman, an engraver and a sculptor, this study proposes to add and address the role of Matisse as a writer in analyzing how his writings and discourses accompanied the development of his oeuvre, from the beginning of his career in the 1890s until his death. The intensity and the quality of his written and spoken words deserve their own research, and are the focus of this study. Its starting point is the development of a rich corpus composed of the artist’s writings, as well as the creation of a new dossiers, bringing together notes and drafts concerning his major texts. From there, this textual ensemble is contextualized in the artistic and critical environment of his time. By focusing on the contemporary intellectual environment, and the critical reception of Matisse’s writings and statements, this study analyzes the discursive ways through which Matisse constructed and oriented his artistic identity. My research reveals that Matisse reflected deeply on what writing and speaking meant: this reflection encouraged the artist to consider these written and oral statements as integral parts of his creative production, and not as secondary activities. Matisse’s writings and statements allowed him to establish a critical distance from his own creative process, which he used as a springboard to stimulate his artistic production. The study of the construction of Matisse’s discourse brings to light the productive contradictions that underpin the artist’s aesthetics
The French periodicals published by galleries in the interwar years (1918-1940)
No full textLa création artistique de l’entre-deux-guerres en France est transformée par l’internationalisation du marché de l’art, la vitalité des avant-gardes et la diffusion sans précédent des revues d’art. La galerie d’art, par l’action de galeristes engagés et professionnels, s’impose alors comme un lieu central du marché de l’art moderne. Vouée au commerce des œuvres, elle se dote d’une identité nouvelle en faisant de son espace un lieu de socialisation et de débats intellectuels. Cette conjoncture explique en partie la naissance d’un nouveau mode de communication de la galerie d’art : la revue de galerie. Cet outil de promotion a pour principale mission de diffuser l’actualité des expositions et des artistes liés à la galerie. Mais il cherche également à être une tribune ouverte, un lieu d’expression et de dialogues où se rencontrent théories artistiques et synthèses du marché de l’art contemporain, règlements de comptes et pamphlets, littérature et poésie. Au-delà de sa dimension promotionnelle, la revue de galerie, objet sociologique, tisse des liens entre les différents acteurs d’un même cercle socio-culturel. Les principales revues de galerie de l’entre-deux-guerres (Les Arts à Paris, 1918-1935 ; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926 ; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935 ; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) mettent ainsi en place des modèles éditoriaux durables, qui perdureront tout au long du XXe siècle. Il s’agit d’un phénomène culturel international, de sorte que le contexte parisien ne peut être compris que par comparaison, notamment avec celui des Etats-Unis (revue 291), de la Belgique (Le Centaure) ou de l’Allemagne (Der Querschnitt), qui développent leurs propres spécificités.Art production in France is changed in the interwar years by the globalization of the art market, the vitality of the avant-gardes and the unprecedented diffusion of art periodicals. The art gallery, through the actions of socially and politically committed art dealers, is becoming a major place for the modern art market. Dedicated to the trade of artworks, it acquires a new identity by encouraging socialization and intellectual debates. This context creates new communication means for art galleries: the art gallery magazine. As a promotion tool, the main mission of the periodical is to spread news about exhibitions and artists related to the gallery. Sustained by the ideals of their editors, they offer an open platform, an utopian space of free speech and dialogue, where art theories and contemporary art market analysis, score settling and satirical tracts, literature and poetry meet. Beyond its promotional function, the art gallery magazine, as a sociological object, also establishes links between the various players of a social and cultural group. The main gallery magazines of the 20th Century (Les Arts à Paris, 1918-1935; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) invent lasting editorial references that will last throughout the 20th century. Operating in Paris, art gallery magazines fall within an international cultural context, as demonstrated by the presence of such magazines in the United States (291), Belgium (Le Centaure) or Germany (Der Querschnitt), all developing their own specificities
A national museum of fine arts for Lebanon? : from foundation to renewal (1954-2017)
No full textDans les années cinquante, une collection nationale de beaux-arts est née au Liban. L’action du ministère de l’Education national qui a constitué cette collection est mise en relief dans cette étude doctorale. Un projet de musée des beaux-arts destiné à recevoir la collection nationale ne s’est jamais constitué sérieusement depuis, et les circonstances de guerre n’ont pas aidé à l’élaboration du projet. Un climat régional pesant a fait fonction de catalyseur pour une conscience collective, des remises en question, et le projet du musée réapparaît à la surface. Les questions sur le patrimoine et son devenir sont posées, la scène locale libanaise bouillonne d’actions culturelles et d’expositions à grand échelle. Un musée national des beaux-arts pour le Liban ? De la fondation au renouveau, sujet né dans une période d’instabilité au Moyen-Orient, se base sur un grand bagage d’archives inédits, il établit des comparaisons et des enquêtes dans les domaines éducatifs, universitaires, culturels et patrimoniaux. Il ouvre plusieurs perspectives sur les possibilités de créer ce musée : Quelle sera sa mission et dans quel contexte pourrait-il la réussir ?In the fifties, a national collection of fine arts was born in Lebanon. The action of the Ministry of National Education wich build this collection is highlighted in this study. A museum project able to receive the national collection has never been seriously addressed since, and the circumstances of the war did not help into developing this project. A heavy regional atmosphere has served as a catalyst for collective consciousness, questioning, and the museum’s project has been reappearing on the surface. Questions about the heritage and its future are asked, the Lebanese local scene is rich with cultural actions and large-scale exhibitions. A national museum of fine arts for Lebanon? From foundation to renewal, a subject born in a period of instability in the Middle East, is based on a wealth of unpublished archives, it establishes comparisons and surveys in the educational, academic, cultural and heritage fields. The subject opens several perspectives on the possibilities of creating the museum: What will be its mission and in what context could it succeed
The Société des artistes décorateurs (society of decorative artists) challenged by the institutionalization of the decorative arts in France
No full textL’objet de cette recherche doctorale porte sur l’histoire culturelle de la Société des artistes décorateurs (SAD), une association à but non lucratif reconnue d’utilité publique de 1901 à 2007. Il s’agit de comprendre dans quelle mesure la volonté de reconnaissance orchestrée par les artistes décorateurs a été justifiée et aboutie. À partir d’un fonds d’archives inédit conservé au musée des arts décoratifs de Paris, nous proposons de saisir chronologiquement les différentes étapes du processus de légitimation à partir d'actions diverses, verticales (le projet de création d’un ordre des décorateurs reconnu par l’État) et horizontales (exposer au Grand Palais au même titre que les autres sociétés d’artistes). Au cœur du processus, se trouve le Salon pensé comme un espace singulier de production (création de prototypes après la Seconde Guerre mondiale), de diffusion et de réception. De par l'organisation de ses Salons, de 1904 jusqu’en 2007, l’histoire de la SAD se nourrit de la compréhension esthétique de l’objet articulée aux processus dont il est issu (formation, système de production, de promotion et de distribution). Au cours de la seconde moitié du XXe siècle, le champ de la création s’élargit. Il comprend toujours des meubles, des céramiques, des tapisseries mais aussi des walkmans, des motos, du design industriel. Nous proposons de comprendre les processus de légitimation de ces expressions aussi bien artistiques qu’utilitaires. Cependant, une figure se construit et s’affirme celle de l’architecte d’intérieur dont nous cernerons les différents aspects notamment à partir d’une analyse sémantique historique. L'intitulé de la présente étude « À l'épreuve de l'institutionnalisation des arts décoratifs en France » précise la problématique du propos. L'institutionnalisation fait référence au processus par lequel les arts décoratifs peuvent être reconnus par les pouvoirs publics, intégrés à des institutions culturelles et sociales. Nous montrerons les processus d'institutionnalisation entre les instances entrepreneuriales, les instances gouvernementales et les instances corporatistes (associations, syndicats) articulés dialectiquement à la figure de l'individu créateur. L'enjeu de la recherche consiste également à saisir le rôle de la SAD dans l'historiographie des arts décoratifs français du XXe siècle.This doctoral research focuses on the cultural history of the Société des artistes décorateurs (SAD), a non-profit association recognized as a public utility from 1901 to 2007. The aim is to understand the extent to which the desire for recognition orchestrated by decorative artists was justified and successful. Drawing on a previously unpublished archive held at the Musée des Arts Décoratifs in Paris, we propose to chronologically capture the various stages in the legitimization process, based on a variety of actions, both vertical (the project to create a state-recognized order of decorators) and horizontal (exhibiting at the Grand Palais on the same footing as other artists' societies). At the heart of the process was the Salon, conceived as a unique space for production (prototypes were created after the Second World War), distribution and reception. Through the organization of its Salons, from 1904 to 2007, the history of SAD is nourished by an aesthetic understanding of the object, articulated to the processes from which it emerged (formation, production, promotion and distribution systems). In the second half of the twentieth century, the field of design expanded. It still includes furniture, ceramics and tapestries, but also walkmans, motorcycles and industrial design. We propose to understand the legitimizing processes of these artistic and utilitarian expressions. However, a figure is emerging and asserting itself, that of the interior architect, whose various aspects we will identify, notably on the basis of a historical semantic analysis. The title of this study, "Putting the institutionalization of the decorative arts in France to the test", clarifies the problem. Institutionalization refers to the process by which the decorative arts are recognized by public authorities and integrated into cultural and social institutions. We will show the processes of institutionalization between entrepreneurial, governmental and corporatist bodies (associations, unions), dialectically articulated with the figure of the individual creator. The aim of our research is also to understand the role of SAD in the historiography of twentieth-century French decorative arts
From Japonisme to Asiatisme : semi-luxury earthenware for all (France, 1861-1939)
No full textL'épanouissement économique des manufactures de céramiques françaises tout au long du XIXe siècle et au début du XXe siècle est propice à la revalorisation des valeurs industrielles au sein des arts décoratifs. Les industriels s’appliquent à fournir des produits de qualité à moindre coût, à toutes les classes, grâce aux améliorations techniques et à l'abaissement des coûts des techniques décoratives. À partir des années 1860, les productions japonisantes participant à ce phénomène se diffusent dans les intérieurs bourgeois et entrent dans un cadre plus général : celui des productions céramiques reproduites à grande échelle, mises en œuvre par des fabriques à Paris et en province tout au long de la période concernée, y compris durant l'entre deux-guerres. En privilégiant dans un même mouvement collectif tel style, telle forme et tel décor, les différents milieux fournissaient aux fabricants et aux créateurs de modèles une direction à suivre dans la production du japonisme en céramique. Les artistes industriels ont dès lors cherché à surmonter la fracture entre art d'élite et goût populaire. Ces nouveaux objets peu coûteux devaient correspondre à des critères esthétiques et pratiques très hétérogènes. La stratégie commerciale des manufactures de céramiques et des centres de distribution a de fait été façonnée en conséquence. Le bibelot en céramique, facilement manipulable, illustre par ailleurs les représentations d’un pays imaginé et appréhendé de manière collective grâce aux expositions, au cinéma, au théâtre et à la littérature. Ces images contribuent à l’émergence d’une culture populaire urbaine dont le caractère commercial est assumé ; en ce sens, cette céramique fait partie de l’univers du « kitsch » en tant que communication de masse utilisée par la classe moyenne.The economic growth of manufacturing earthenware and porcelain in the province triggered a flourishing industrial standard in the decorative arts. The Beautiful and Industry are the two new values inseparable, celebrated by the production of French ceramics until the end of the first half of the twentieth century. Manufacturers want to provide quality products at lower costs to all classes. Improvements in ceramic materials and technical casting, as well as lowering the cost of decorative techniques, have encouraged the opening up the hierarchy of decorative arts. These new technical processes took part in the improvement of living conditions of the bourgeoisie and smaller classes. Japanese style productions were large-scale diffused in bourgeois interiors since 1860’s. These works fall into a broader context: the large-scale pottery production, implemented by factories in Paris and the provinces throughout the period, including during the interwar period. Industrialization brings to market products that must seek the attention of all classes. These inexpensive items had to correspond to aesthetic and practical heterogeneous criterion. By focusing on the same style as collective motion, such as shape and decoration, the different environments provided producers a direction to follow in models making. Business strategy of manufacturing has been designed accordingly. The ceramics “curio”, easy to handle, illustrates the representations of an imagined and apprehended country in a collective way thanks to exhibitions, movies, plays and literature. These representations contribute to the emergence of an urban popular culture whose commercial character is clearly assumed. This ceramics is part of the universe of “kitsch” as mass communications used by the middle class
Presence and uses of pre-Columbian arts in decorative arts in France, from 1875 to 1945
No full textCette thèse traite de la présence et des usages des arts précolombiens dans les arts décoratifs en France. Le point de départ de la recherche se situe en 1875, avec le premier Congrès des américanistes ; elle s’achève en 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et la mort d’un des principaux artistes du corpus, Jean Puiforcat. Globalement, il s’agit de contribuer à l’histoire des transferts culturels entre le Mexique, le Pérou et la France, en mettant d’abord l’accent sur les liens entre les intérêts diplomatiques et le développement culturel de l’américanisme. À partir de là, le regard se concentre sur l’évolution de la perception française des arts précolombiens au travers de l’analyse des expositions temporaires, du marché de l’art et des revues d’art en France. Cela permet de comprendre comment la réévaluation de ces civilisations a favorisé l’appropriation de motifs précolombiens dans la création décorative en France : de nombreux décorateurs se sont intéressés aux possibilités formelles de ces productions et en ont fait usage selon des modalités hétérogènes mais concomitantes. Ces phénomènes sont multilatéraux : l’analyse des recueils d’ornements précolombiens et de leur théâtralisation par les gouvernements a permis de mettre en lumière des collaborations internationales, notamment celle de la liménienne Elena Izcue avec la styliste Elsa Schiaparelli. Dans l’ensemble, cette thèse se présente comme une étude d’histoire des représentations, centrée sur la diffusion et l’instrumentalisation des arts précolombiens, au Mexique, au Pérou et en France, afin de comprendre leur productivité visuelle et culturelle dans le champ des arts décoratifs en France.This doctoral dissertation deals with the presence and uses of pre-Columbian arts in decorative arts in France. The research starts in 1875 with the first Congress of Americanists; it ends in 1945, and it ends in 1945 with the conclusion of the Second World War and the death of one of the principal artists of the corpus, Jean Puiforcat. Overall, it seeks to contribute to the history of cultural transfers between Mexico, Peru and France. It begins by focussing on the links between the diplomatic forces at play and the cultural development of Americanism. From there, it concentrates on the evolution of the French perception of pre-Columbian arts through an analysis of temporary exhibitions, the art market and art reviews in France. This analysis makes it possible to understand how the reevaluation of these American civilisations supported the appropriation of pre-Columbian motives in decorative creation in France: many decorators were interested in the formal possibilities of these productions and used them according to heterogeneous but concomitant methods. Such phenomena are multilateral: the analysis of the collections of pre-Columbian ornaments and their dramatizing by governments made it possible to clarify international collaborations, in particular that of the Peruvian artist Elena Izcue with the designer Elsa Schiaparelli. This thesis is presented as a study of history of representations centred on the diffusion and the instrumentalization of pre-Columbian arts in Mexico, Peru and France, in order to understand their visual and cultural productivity in the field of decorative arts in France
Heritage awareness and architectural creation in Iran : about André Godard (1881-1965)
No full textÀ la croisée de plusieurs routes, empires et continents, le territoire iranien et ses diverses populations ont subi, tout au long de leur histoire, de nombreuses conquêtes et dominations. L’art qui s’est formé sur ce territoire présente donc une multitude d’identités qui compromettent à elles seules les notions de continuité et d’unité dans la définition de son patrimoine. Pourtant, les Qajars puis les Pahlavis ont fait converger toutes ces influences pour donner l’image d’une seule identité, visible dans l’art et en particulier dans la création architecturale. La naissance de l’archéologie n’est pas sans conséquence dans les résonances patrimoniales puisqu’elle permit une prise de conscience en faveur des monuments anciens de l’Iran, participant à la définition même de l’objet d’art, tout en permettant de développer de nouveaux programmes monumentaux. La France a joué un rôle important dans cette conscience patrimoniale, par l’intermédiaire d’André Godard (1881-1965), un architecte des Beaux-Arts français, que le gouvernement iranien plaça à la tête de son Service archéologique entre 1928 et 1960. Godard, qui s’était spécialisé dans l’architecture islamique et qui ne connaissait pas encore bien l’Iran ni les Iraniens au moment de son arrivée, y découvrit un monde et une culture fascinants. Avec son épouse et principale collaboratrice, Yedda Godard (1889-1976), il mena une vie double dans ce pays, celle d’un architecte orientaliste et celle d’un administrateur. La mise à disposition des archives du couple, conservées en grande partie au musée du Louvre, a constitué un point de départ pour l’étude approfondie des processus de patrimonialisation en Iran. Ce fonds, composé de photographies, de documents scientifiques et administratifs, regorge d’anecdotes et d’informations inédites sur la modernisation de l’Iran, dans les domaines de l’archéologie, de l’architecture et des beaux-arts.Situated at the crossroads of several trade routes, empires and continents, the Iranian territory and its various populations have undergone numerous conquests and dominations throughout their history. As a result, the art formed in this territory presents a multitude of identities that together comprise notions of continuity and unity in the definition of its heritage. However, the Qajars and then the Pahlavis brought all these influences together to create a single identity that is evident in the art of each period, and particularly in the architecture. The birth of archaeology was not without consequences in terms of heritage resonance, since it raised awareness of Iran's ancient monuments, and contributed to the very definition of antiquities, while also enabling the development of new monumental programs. France played an important role in this heritage awareness through André Godard (1881-1965), a French Beaux-Arts architect whom the Iranian government placed at the head of its Archaeological Service between 1928 and 1960. Godard, who had specialized in Islamic architecture and knew neither Iran nor Iranians well at the time of his arrival, discovered a fascinating world and culture. With his wife and main collaborator, Yedda Godard (1889-1976), he led a double life in this country, that of an Orientalist architect and that of an administrator. Access to the couple's archives, most of which are held by the Musée du Louvre, provides a starting point for an in-depth study of the process of heritage preservation in Iran. This archival material, made up of photographs, scientific and administrative documents, is packed with new anecdotes and information on the modernization of Iran, in the fields of archaeology, architecture and fine arts
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