323,039 research outputs found
L’incantesimo della casa. L’arte e l’industria in vetrina
No full textThis essay uses exhibitions undertaken in the 1940s as a case study to assess the
role of the Italian government and Handicraft Development, Inc. (HDI) in promoting
the social, cultural, and aesthetical values of new Italian crafts overseas.
HDI exhibitions sought to display crafts in a broader architectural context thereby
associating their specific natures with specific domestic spaces for which they
were intended. These events were a great success from both commercial and promotional points of view. Although the melding of commercial and cultural objectives
may appear inappropriate when considered from a museological perspective,
this paper shows how the strategies and goals of cultural, design, and commercial
exhibitions often overlapped. On the one hand, HDI exhibitions legitimized
business by establishing an emotional connection between goods and clients. On
the other hand, they offered new options in the contemporary quest for appealing
exhibition strategies and displays within museums and beyond
Storytelling. Esperienze e comunicazione del Cultural Heritage
No full textll volume, incentrato sullo Storytelling, si caratterizza per una ricercata pluralità di orizzonti metodologici che coinvolgono discipline diverse, non solo quelle tradizionalmente definite “sorelle” della storia dell’arte e della storia, o della museologia e della museografia, ma anche una dimensione collegata alla progettazione architettonica e perfino all’evoluzione di un discorso giuridico e istituzionale sul Cultural Heritage. La prefazione dà contro del variegato panorama illustrato nel volume e dello stato dell'arte della ricerca museologica
"Parme appartient au Corrège". Note intorno alla Galleria di Parma nell’età di Maria Luigia (1816-1847)
No full textIl saggio, principalmente basato su documentazione archivistica, ha inteso indagare il gusto collezionistico, gli acquisti e le scelte museologiche operate nella galleria di Parma negli anni del ducato di Maria Luigia d'Asburgo (1816-1847), all'epoca dell'ingresso nelle collezioni della Scapiliata di Leonardo
Il Museo che non fu mai. Milano e il mancato progetto museale dedicato alle arti decorative
No full textIn 1919, the Royal House of Savoy’s Residences, together with their furnishings, turned to the Italian State. In Milan, the Royal Palace looked like a perfect location for a new museum devoted to the decorative arts, celebrating a glorious Italian Past for encouraging new industrial production. This paper deals with the events related to its unsuccessful story, serving to outline a broader depiction of its cultural context, together with the debate on museum’s arrangements in the first decades of the 20th century.
Being identified as the ideal location for artworks’ display, the Royal Palace became home for the new museum. The opulent atmosphere of the apartments of honor was enhanced by the eclectic variety of art objects exhibited, including a combination of paintings, sculptures, and artworks dating back to Napoleon’s time up to the present. Display strategies offered a model of individual aesthetic experience, celebrating the Savoy’s family leading role and its relics sourced from royal villas in Milan and Monza, within a broader perspective and in connection with Italian artistic manufactures. In the footstep of the German period-based arrangements at the beginning of the 20th century, contextualization of artworks could improve their understanding, appealing to the general public well beyond art experts and designers.
Finally, a few rooms broke this criterion for an arrangement with the display of some theatrical collections and the celebrated Maggiolini’s Lombard furniture according to a traditionally taxonomical layout.
While criticizing some artworks’ mediocrity, influential journalist and art critic Margherita Sarfatti concluded that the Museum of decorative arts in Milano did not truly exist, claiming further purchases for increasing decorative arts heritage.
Newspaper headlines and archival documents suggest some clues for this overall failure: first, the overlapping of different levels of governance in the project’s management, then the inadequacy of some of the exhibition spaces, and finally, the management mishaps of some museum’s rooms being used as a social venue. Moreover, political changes (see the rise of Fascism) and social practice of tastes rejecting the concept of palace and pursuing new paradigms for museums (converging in the debate at the 1934 International Conference of Madrid) propelled the museum’s end
Gaetano Callani, Domenico Cunego
No full textSchede di commento ad alcune opere esposte alla mostra della Scapiliata (Parma 2019), in occasione delle celebrazioni leonardesche
L’atelier milanais d’Eugenio Quarti entre artisanat et industrie
No full textEugenio Quarti is a key figure in the history of Italian furniture. He played a crucial role in spreading the influence of Art nouveau in Italy in the early 1900s with furniture reflecting careful research in terms of language and material. This paper deals with his activity and professional network. The case study shows how his craftsman’s workshop was transformed into an industrial factory, and how his relationships with architects, artists and craftsmen influenced the way he staged his furniture in elaborate ways, following the principle of “the unity of the arts”
Beyond the Italian Pavilion: National Pride and Corporate Presence at the 1937 Paris Exposition
No full textThe essay explores the 1937 Paris Exposition as a seminal event for Italian enterprises,
illustrating how their technological innovations were deeply entwined
with their rich cultural heritage. It discusses the ways in which Italian products
and brands not only showcased their distinctiveness within the national pavilion
but also extended their reach through specially designed corporate spaces.
Drawing on unpublished archival materials and contemporary press reports,
the study scrutinizes the strategic display and promotional techniques used to
accentuate “Made in Italy” products against the backdrop of global exhibition
trends and evolving museum narratives. 7e exposition strengthened Italy’s
cultural and industrial narratives and played a vital role in cultural diplomacy
and economic promotion during the interwar period. 7is analysis brings to
light overlooked aspects of Italian participation, merging aesthetic, entertainment,
and educational goals to craft a visitor experience that could resonate
internationally. Finally, the essay assesses the enduring legacy of the exposition
and its pivotal role in promoting Italian cultural and industrial prowess on the
world stage
Lo “stile italiano” in viaggio alla conquista degli States
No full textThis essay explores cultural and commercial exhibitions held overseas to promote Italian post-WWII production. Based on contemporary periodical publications and unpublished archival documents, the paper focuses on the traveling exhibition "Italy at Work: Her Renaissance in Design Today," highlighting its political and economic impact and the success of display strategies assessing high-quality products displayed in an evocative context. In emphasizing connections with concurrent cultural and commercial events, it encounters shared practices, attesting to Italy's resurgence through a modern production tied with its historical tradition and widespread craft knowledge. Finally, it highlights the impact of American shows on subsequent traveling exhibitions to promote the "Made in Italy" production all over Europe
Abitare il Rinascimento. Il gusto Bardini e la geografia del collezionismo tra Ottocento e Novecento
No full textThis paper will explore the impact of the revival of interest in Renaissance art in 19th and 20th century Italian private museums.
Newly established European governments, such as the French Third Republic (1870) and the German Empire (1871), looked to the accomplishments of Renaissance art and society, and identified that glorious period as a Golden Age and exemplar for their own countries.
In Italy, this renewed interest in the Renaissance style was aligned to the process of unification and the quest for a truly national identity. Art collectors fully embraced this trend. Together with other dealers and collectors, prominent art dealer Stefano Bardini (1836-1922) exerted great influence in the field of collecting in Europe and in the United States. As an innovative promotional strategy Bardini created an inspiring stage set for his inventory of Renaissance decorative arts. Artworks in his Florence showroom were displayed in the manner of an imagined private domestic setting, thus marketing a lifestyle as much as the objects themselves. That strategy was to have significant impact on public and private display strategies in the following decades.
Bardini’s archive helps document a widespread network of dealers, collectors, advisors, museum curators and artisans, revealing the complex and often controversial relationships existing in the art world of his day. His address books, together with an array of other archival material, map the growth and diversification of the art market and of collecting practices in Italy in the late 19th and early 20th centuries
Storytelling? Una narrazione a più voci
No full textNell’ambito dei Beni Culturali e dei musei, lo storytelling, capace di raccontare sollecitando sensibilità e ragione, consente di coinvolgere più facilmente il pubblico proponendo esperienze che possono trasformarsi in patrimonio di memoria personale o collettivo.
Le “storie che persuadono” perseguono numerosi obiettivi – politici, commerciali, di comunicazione e di marketing ma, quando lo storytelling si applica al museo o ai beni culturali, il narratore – museologo, architetto, curatore, mediatore, scrittore che sia – si assume un delicato compito di interpretazione della realtà secondo un punto di vista etico oltre che pragmatico.
Questa particolare dimensione narrativa ha assunto nel tempo sempre più spiccate caratteristiche internazionali: basti ricordare il fondamentale passaggio che ha portato da una concezione del Patrimonio come fondamentale espressione dell’identità di un popolo alla consapevolezza del suo valore universale secondo le già modernissime intuizioni di Quatremère de Quincy. Nel Novecento poi la Convenzione UNESCO per la protezione del patrimonio mondiale culturale e naturale, di cui proprio nel 2022 si celebra il cinquantenario, ha costituito una svolta ancora oggi imprescindibile per l’impulso istituzionale dato ad un diverso modo di concepire, e quindi di raccontare e di valorizzare, il Cultural Heritage.
Lo storytelling può adottare forme e strumenti complessi e talvolta complementari tra loro e il racconto - espositivo, verbale, visivo, digitale – indirizzato ad un singolo o a una intera comunità si può comporre grazie a molteplici elementi ed a tecniche che hanno avuto una loro evoluzione nel tempo. Un sistema narrativo che suscita empatia, eventualmente pace di coinvolgere spazi e corpi in una esperienza immersiva, permette di raggiungere risultati che integrano la tradizionale visita a musei e monumenti creando condivisione o coinvolgimento e talvolta rafforzando il senso di appartenenza ad una collettività. In questo modo lo storytelling partecipa alle sfide più attuali del Cultural Heritage riguardo all’inclusione, all’equità e alla sostenibilità, ma anche – secondo una dimensione più specifica – alla conservazione preventiva della cultura materiale o del paesaggio.
Anche la ricerca tecnologica ha contribuito a dare un nuovo impulso allo storytelling i cui scenari e orizzonti di intervento si sono largamente ampliati grazie agli audiovisivi e al digitale: sempre più spesso musei, siti archeologici o città d’arte raccontano se stessi, le proprie collezioni, il loro contesto urbano e antropologico anche grazie alla realtà virtuale e alla realtà aumentata, o a soluzioni tecniche ibride.
Coinvolgere il pubblico nelle sue molteplici e discordanti caratteristiche, invitando a condividere conoscenze, emozioni ed esperienze significa sottolineare il valore e l’autenticità delle cose e del loro allestimento, ma anche della Storia. La cultura, materiale o immateriale che sia, diventa così “elemento semioforo” che accompagna le persone verso l’intelligenza e l’interpretazione del dell’arte, o del passato archeologico, o storico e, grazie a queste, alla comprensione di sé e degli altri.
Il testo individua la dimensione metodologica alla base dell’intero volume e indica come tra continuità e rottura e storiche, metodologiche, tecnologiche la ricerca abbia cercato di ritrovare elementi di una trama che dal XIX secolo ad oggi ha collegato la creazione dell’artista, dell’artigiano e del designer al pubblico anche grazie a processi di identificazione e di racconto oppure di afasia e di cancellazione che hanno avuto conseguenze rilevanti non solo sulla fruizione delle collezioni ma anche sulla loro tutela o sul loro restauro, in fondo sulla composizione stessa dell’immagine del patrimonio. Si è operato una sorta di circolo smetto di cose che ha evidenziato relazioni perlopiù complesse, non solo tra esperienze individuali e collettive, tra celebrazione dell’identità nazionale e riconoscimento di un valore universale, ma anche tra memoria e oblio. Il testo sottolinea come la dimensione narrativa possa assumere a seconda di tempi e luoghi caratteri diversi: espositiva, verbale, digitale ed anche come si sviluppi secondo piani complementari
- …
