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The Task of the Human-Machine Translator: Scaling Intelligence and Preserving Transcendence.
No full textWalter Benjamin’s seminal 1923 essay «Die Aufgabe des Übersetzers» (The Task of the Translator) provides one of the most profound philosophical frameworks for understanding translation as a transcendent act that reveals the «pure language» underlying all human expression. In the era of large language models (LLMs) and neural machine translation, Benjamin’s concepts of textual «afterlife», linguistic kinship, and the philosophical versus practical divide in translation take on unprecedented urgency. This essay examines how the scaling of intelligence – from Qwen2.5-32B to 72B parameter models – simultaneously approaches and reveals the fundamental limitations of computational approaches to translation, particularly in the context of classical Chinese texts. Through analysis of contemporary scaling laws, linguistic challenges specific to classical Chinese, and emerging human-machine collaborative frameworks, this work argues that effective translation in the AI era requires what The Economist termed «cyborg translation» – a synergy that preserves human interpretive authority while leveraging machine computational power. The essay demonstrates that while scaling laws show diminishing returns and performance plateaus, the integration of philosophical understanding with technical innovation offers pathways toward translation systems that honor both Benjamin’s transcendent vision and practical computational constraints.Walter Benjamin’s seminal 1923 essay «Die Aufgabe des Übersetzers» (The Task of the Translator) provides one of the most profound philosophical frameworks for understanding translation as a transcendent act that reveals the «pure language» underlying all human expression. In the era of large language models (LLMs) and neural machine translation, Benjamin’s concepts of textual «afterlife», linguistic kinship, and the philosophical versus practical divide in translation take on unprecedented urgency. This essay examines how the scaling of intelligence – from Qwen2.5-32B to 72B parameter models – simultaneously approaches and reveals the fundamental limitations of computational approaches to translation, particularly in the context of classical Chinese texts. Through analysis of contemporary scaling laws, linguistic challenges specific to classical Chinese, and emerging human-machine collaborative frameworks, this work argues that effective translation in the AI era requires what The Economist termed «cyborg translation» – a synergy that preserves human interpretive authority while leveraging machine computational power. The essay demonstrates that while scaling laws show diminishing returns and performance plateaus, the integration of philosophical understanding with technical innovation offers pathways toward translation systems that honor both Benjamin’s transcendent vision and practical computational constraints
Biodiversity and Aesthetics: some historical remarks
No full textBiodiversità ed estetica: alcune osservazioni storiche
Il presente articolo indaga le radici storiche dell’esperienza estetica della biodiversità, concentrandosi su un periodo formativo dell’estetica moderna compreso tra la metà del XVII e la fine del XVIII secolo. Attraverso l’analisi delle opere di Balthasar Gracián, Joseph Addison e Johann Wolfgang von Goethe, si sostiene che la diversità e la molteplicità delle specie viventi – ciò che oggi chiamiamo biodiversità – fossero già centrali nelle riflessioni proto-estetiche e nelle prime elaborazioni estetiche sulla natura. Pur privi di una consapevolezza ecologica moderna, questi autori attribuivano alla varietà della vita un profondo valore emotivo, filosofico e simbolico. Il concetto di sguardo innocente in Gracián, l’estetica della novità e della pienezza dell’essere in Addison e le intuizioni morfologiche sulla metamorfosi in Goethe rappresentano ciascuno un diverso modo di rapportarsi esteticamente alla biodiversità.Lo studio si conclude con una riflessione critica sui limiti del legame tra apprezzamento estetico e responsabilità etica nei dibattiti contemporanei sulla conservazione, mettendo in guardia contro usi strumentali o scientisti dell’esperienza estetica.This article explores the historical roots of the aesthetic experience of biodiversity, focusing on a formative period of modern aesthetics between the mid-17th and late 18th centuries. Drawing on the works of Balthasar Gracián, Joseph Addison, and Johann Wolfgang von Goethe, the paper argues that the diversity and multitude of living species – what we now call biodiversity – were already central to proto-aesthetic and early aesthetic reflections on nature. Although lacking modern ecological awareness, these authors attributed profound emotional, philosophical, and symbolic value to the variety of life. Gracián’s concept of the innocent gaze, Addison’s aesthetic of novelty and fullness of being, and Goethe’s morphological insights into metamorphosis each exemplify a distinct mode of aesthetically engaging with biodiversity. The study concludes with critical reflections on the limits of linking aesthetic appreciation to ethical responsibility in contemporary debates on conservation, warning against instrumental or scientistic appropriations of aesthetic experience
Beyond curated nature: the garden\u27s potential in contemporary art
No full textThis essay explores the potential of the garden in contemporary art through a range of examples. Specifically, it examines three different ways in which the garden appears in contemporary art: as an exhibition space, an artistic product, and as a strategy. The discussion of these areas is framed by the context of the ecological crisis, which has fostered diverse engagements with issues such as biodiversity and sustainability. The selected artistic positions demonstrate various ways of addressing the ecological crisis and its associated questions, both on a conceptual level and through materiality.Oltre la natura curata: il potenziale del giardino nell\u27arte contemporanea
Questo saggio esplora il potenziale del giardino nell’arte contemporanea attraverso una serie di esempi. In particolare, vengono analizzati tre differenti modi in cui il giardino appare nell’arte contemporanea: come spazio espositivo, come prodotto artistico e come strategia. La discussione di queste dimensioni si colloca nel contesto della crisi ecologica, che ha stimolato approcci molteplici a questioni quali biodiversità e sostenibilità. Le posizioni artistiche prese in esame mostrano vari modi di affrontare la crisi ecologica e le problematiche ad essa connesse, sia sul piano concettuale sia attraverso la materialità delle opere
Aesthetics of Control and Absence in the Vajont Disaster and Giovanni Michelucci’s Chiesa Monumentale di Santa Maria Immacolata
No full textEstetica del controllo e dell\u27assenza nel disastro del Vajont e nella Chiesa Monumentale di Santa Maria Immacolata di Giovanni Michelucci
Questo articolo esamina l\u27intersezione tra estetica, memoria e tecnopolitica attraverso un\u27analisi critica del disastro del Vajont e della Chiesa Monumentale di Santa Maria Immacolata di Giovanni Michelucci a Longarone. Esplora come il controverso progetto di Michelucci, costruito sul sito di una chiesa di paese distrutta dal disastro del Vajont del 1963, risponda alla violenza fisica, ambientale e simbolica della vicina diga del Vajont, emblema della tecnosfera italiana e della modernità estrattivista. Il disastro, causato dal crollo del Monte Toc nel bacino della diga, rappresenta un fallimento catastrofico radicato nel disprezzo tecnocratico per la semiotica locale e ambientale a favore dell\u27astrazione tecnologica. Attingendo alle opere di Marco Armiero, Peter K. Haff e Gilles Deleuze, l\u27articolo analizza due regimi semio-epistemici concorrenti: uno fondato sul dominio e sulla cecità nei confronti dei segni naturali e locali; l\u27altro, sull\u27attenzione contemplativa alla presenza e all\u27assenza. Quest\u27ultimo regime, esemplificato dalla chiesa di Michelucci, rappresenta un nuovo paradigma estetico per la memoria post-catastrofe attraverso l\u27architettura. Di conseguenza, l\u27articolo propone un\u27alternativa radicale all\u27estetica del controllo epistemico, reimmaginando la comunità come un\u27apertura condivisa alla perdita piuttosto che come un monumento che ricrea un passato fisso.This article examines the intersection of aesthetics, memory, and technopolitics through a critical analysis of the Vajont disaster and Giovanni Michelucci’s Chiesa Monumentale di Santa Maria Immacolata in Longarone. It explores how Michelucci’s controversial project, built on the site of a village church destroyed by the 1963 Vajont disaster, responds to the physical, environmental, and symbolic violence of the nearby Vajont dam, an emblem of the Italian technosphere and extractivist modernity. The disaster, caused by the collapse of Monte Toc into the dam’s reservoir, represents a catastrophic failure rooted in the technocratic disregard for local and environmental semiotics in favor of technological abstraction. Drawing on the works of Marco Armiero, Peter K. Haff, and Gilles Deleuze, the article analyzes two competing semio-epistemic regimes: one grounded in dominance and blindness to natural and local signs; the other, in contemplative attention to presence and absence. The latter regime, exemplified by Michelucci’s church, represents a new aesthetic paradigm for post-disaster remembrance through architecture. Accordingly, the article proposes a radical alternative to the aesthetics of epistemic control, reimagining community as a shared openness to loss rather than as a monument that recreates a fixed past
Introduzione al tema del disinteresse
No full textEditorialeIntroduction to the topic of indifference
Editoria
The Selfie and the Low-Resolution Self: Beyond Foucault’s Technologies of the Self
Full text linkThe article discusses Foucault’s «technologies of the self» by reconsidering the link between ethics and aesthetics in this paradigm, with a view to its possible application to selfie technology as a «gestural image» (Frosh). This reconsideration stems from a close examination of the self as understood by the concept of technologies of the self, emphasizing also the aesthetic aspects of its rationality and of its phenomenological dimension. The article also highlights how technologies of the self fail to overturn the logic of domination, which is still present in Foucault’s formulation and is likewise evident in «performative» interpretations of both Foucault’s technologies of the self and of the techno-social phenomenon of the selfie. From this perspective, the article proposes not to consider the «self of the selfie» as a mere support for self-narrative or as a product of performative action, but rather to view it as a «low-resolution self». In displaying itself through an act of outward projection within often complex situations and environments, this «low-resolution self» embodies a new ethos of coexistence and connectivity. On this basis, the question of interpreting the selfie phenomenon as a technology of the self shifts into a broader inquiry, where the focus moves from a technology of the self to an ecology of the self.The article discusses Foucault’s «technologies of the self» by reconsidering the link between ethics and aesthetics in this paradigm, with a view to its possible application to selfie technology as a «gestural image» (Frosh). This reconsideration stems from a close examination of the self as understood by the concept of technologies of the self, emphasizing also the aesthetic aspects of its rationality and of its phenomenological dimension. The article also highlights how technologies of the self fail to overturn the logic of domination, which is still present in Foucault’s formulation and is likewise evident in «performative» interpretations of both Foucault’s technologies of the self and of the techno-social phenomenon of the selfie. From this perspective, the article proposes not to consider the «self of the selfie» as a mere support for self-narrative or as a product of performative action, but rather to view it as a «low-resolution self». In displaying itself through an act of outward projection within often complex situations and environments, this «low-resolution self» embodies a new ethos of coexistence and connectivity. On this basis, the question of interpreting the selfie phenomenon as a technology of the self shifts into a broader inquiry, where the focus moves from a technology of the self to an ecology of the self
Bellezza, biodiversità e sostenibilità: spunti dagli insegnamenti di Papa Francesco
No full textBeauty, biodiversity and sustainability: insights from the teachings of Pope Francis
This research aims to trace the elements directly related to the theme of beauty contained in the teachings of Pope Francis that can contribute to the protection of biodiversity, which he calls the “web of life” given to us by God. The fact that his teachings have the potential to guide the actions of Catholic believers makes a study of their content pertinent. Since 2013, Pope Francis has been at the head of a structure in which pronouncements – especially the most authoritative texts such as an encyclical letter – are promoted, commented, transposed, and culturally adapted to various contexts and levels from national to local, not forgetting numerous transnational thematic networks and religious congregations. This ensures a very wide and capillary dissemination of documents such as the famous 2015 encyclical Laudato si’ on the care of the common home. The nexus between beauty and biodiversity (more broadly care for creation) has, of course, already been mentioned in a number of articles and essays; nevertheless, it is a topic that has so far been relatively little explored and deserves more attention. The first part of this article analyzes the nexus between beauty and the protection of biodiversity in the speeches and writings of Pope Francis. The second part presents some avenues for action, focusing in particular on education and the integral dimension.
Questa ricerca mira a individuare gli elementi direttamente correlati al tema della bellezza contenuti negli insegnamenti di Papa Francesco che possono contribuire alla protezione della biodiversità, da lui definita la «rete della vita» donataci da Dio. Il fatto che i suoi insegnamenti abbiano il potenziale di guidare le azioni dei credenti cattolici rende pertinente uno studio del loro contenuto. Dal 2013, Papa Francesco è a capo di una struttura in cui le dichiarazioni – in particolare i testi più autorevoli come le encicliche – vengono promosse, commentate, trasposte e adattate culturalmente a vari contesti e livelli, da quello nazionale a quello locale, senza dimenticare le numerose reti tematiche transnazionali e le congregazioni religiose. Ciò garantisce una diffusione molto ampia e capillare di documenti come la famosa enciclica Laudato si’ del 2015 sulla cura della casa comune. Il nesso tra bellezza e biodiversità (più in generale la cura del creato) è stato ovviamente già menzionato in numerosi articoli e saggi; tuttavia, si tratta di un argomento finora relativamente poco esplorato e che merita maggiore attenzione. La prima parte del presente articolo analizza il nesso tra bellezza e protezione della biodiversità nei discorsi e negli scritti di Papa Francesco. La seconda parte presenta alcune linee d’azione, concentrandosi in particolare sull’educazione e sulla dimensione integrale
Verso un\u27estetica umida. Attraversamenti artistici alla foce del fiume Oreto
No full textTowards a wet aesthetic. Artistic crossings at the mouth of the Oreto River
This essay explores the concept of wet aesthetics as a situated form of aesthetic and political experience that emerges from the interplay between art, ecology, and environmental technologies. Through an analysis of the U-DATInos project, created by the artists Salvatore Iaconesi and Oriana Persico for the Ecomuseo Mare Memoria Viva in Palermo, the text investigates how water – in its material and symbolic configurations – can become an epistemological and affective medium capable of activating post-anthropocentric forms of sensitivity. Drawing on the methodological tools of the Blue Humanities, wet ontologies, and the thought of scholars such as Astrida Neimanis, Karen Barad, and Donna Haraway, the essay proposes a reading of the artistic practice at the mouth of the Oreto River as a device for activating a wet aesthetics that enables sensory reconfiguration, multispecies intra-action, and ecological citizenship. U-DATInos, through the participatory use of environmental data, shapes an immersive experience that reconnects human and more-than-human bodies to the river, fostering a relational form of custodianship that challenges the boundaries between nature and culture, between data and affect. Wet aesthetics, as outlined here, emerges as a sensitive and transformative practice that translates the porosity of the living into embodied experience, opening up new forms of alliance among water, technology, and community.Il presente saggio esplora il concetto di estetica umida come forma situata di esperienza estetica e politica che emerge dall’interazione tra arte, ecologia e tecnologie ambientali. Attraverso un’analisi del progetto U-DATInos, creato dagli artisti Salvatore Iaconesi e Oriana Persico per l’Ecomuseo Mare Memoria Viva di Palermo, il testo indaga come l’acqua – nelle sue configurazioni materiali e simboliche – possa diventare un mezzo epistemologico e affettivo in grado di attivare forme di sensibilità post-antropocentriche. Attingendo agli strumenti metodologici delle Blue Humanities, delle wet ontologies e al pensiero di studiosi come Astrida Neimanis, Karen Barad e Donna Haraway, il saggio propone una lettura della pratica artistica alla foce del fiume Oreto come dispositivo per attivare un’estetica umida che consenta la riconfigurazione sensoriale, l’intra-azione multispecie e la cittadinanza ecologica. U-DATInos, attraverso l’uso partecipativo dei dati ambientali, modella un’esperienza immersiva che ricollega i corpi umani e più-che-umani al fiume, promuovendo una forma relazionale di custodia che sfida i confini tra natura e cultura, tra dati e affetti. L’estetica umida, come qui delineata, emerge quindi come una pratica sensibile e trasformativa che traduce la porosità del vivente in esperienza incarnata, aprendo nuove forme di alleanza tra acqua, tecnologia e comunità
Poetiche estetiche ed ecologiche del biophilic design. il potere rigenerativo della natura nelle aree urbane
No full textAesthetic and ecological poetics of biophilic design. The regenerative power of nature in urban areas
Nowadays alarming situation which concerns the compromise of life on the planet Earth places us in front of a predicted danger of sixth mass extinction just some decades ago. Serious environmental and biodiversity crisis urgently require decisive actions to guarantee next future. Beyond a sustainable commitment programmed by international organizations, is necessary to restore the relationship with nature awakening authentic original relationship called “biophilia”. This last consists in humankind’s innate biological connection with nature which can lead to ecological awareness including preservation of life. One of the effective way which aims awakening this ancestral emotional connection with environment and other living forms and at the same time improving urban environment and increasing the biodiversity in urban areas is an innovative concept of architecture based on biophilic design. Urban areas that follow this approach help to human improve the quality of life, interpersonal relationships, general health and promoting respect of life. Cities containing natural elements are characterized by positive connection between human, environment and other living forms. The acquisition of ecological awareness developing bioethics and naturalistic intelligence is the first step to try safeguard life of the Earth.La preoccupante situazione attuale che riguarda la compromissione della vita sul pianeta Terra ci pone di fronte al pericolo, previsto già alcuni decenni fa, di una sesta estinzione di massa. La grave crisi ambientale e della biodiversità richiede azioni decisive e urgenti per garantire un futuro possibile. Al di là di un impegno alla sostenibilità programmato dalle organizzazioni internazionali, è necessario recuperare il rapporto con la natura risvegliando l’autentico rapporto originario chiamato “biofilia”. Quest’ultima consiste nel legame biologico innato dell’umanità con la natura, capace di condurre a una consapevolezza ecologica, che includa la conservazione della vita. Uno dei modi più efficaci per risvegliare tale legame emotivo ancestrale con l’ambiente e le altre forme di vita e, allo stesso tempo, migliorare l’ambiente urbano e favorire l’aumento della biodiversità nelle aree urbane è un concetto innovativo di architettura basato sul biophilic design. Le aree urbane progettate sulla base di tale approccio aiutano l’uomo a migliorare la qualità della vita, le relazioni interpersonali, la salute generale e a promuovere il rispetto della vita. Le città che contengono elementi naturali sono difatti caratterizzate da una connessione positiva tra l’uomo, l’ambiente e le altre forme di vita. L’acquisizione di una consapevolezza ecologica che sviluppi la bioetica e l’intelligenza naturalistica è il primo passo per cercare di salvaguardare la vita sulla Terra
Radici, corpo, ascolto. L\u27arte come pratica per percepire la biodiversità. Conversazione con Laura Pitingaro
No full textRoots, body, listening. Art as a practice for sensing biodiversity. Conversation with Laura Pitingaro
In this dialogue with artist Laura Pitingaro – currently based in Palermo, where she carries out a research practice at the intersection of visual arts and ecology – the deep roots of an artistic approach emerge that weaves together bodily sensitivity, spiritual tension, and attentiveness to the living world. Trained in painting at the Academy of Fine Arts in Verona and further refined through experiences at the Fondazione Ratti with Anish Kapoor and Karel Appel, Pitingaro retraces the key stages of her development, from early explorations in drawing to her most recent site-specific installations and sensory performances. The interview investigates the role of imagination, sensory memory, and the body as instruments of knowledge and relation to the environment. Art is here conceived as a form of listening and care, capable of giving voice to biodiversity beyond scientific language. Reflecting on the transformative power of aesthetic experience, the artist invites us to rediscover a deeper connection between humans and other forms of life.In questo dialogo con l’artista Laura Pitingaro – attualmente residente a Palermo, dove svolge una pratica di ricerca all’incrocio tra arti visive ed ecologia – emergono le radici profonde di un approccio artistico che intreccia sensibilità corporea, tensione spirituale e attenzione al mondo vivente. Formatasi in pittura all’Accademia di Belle Arti di Verona e ulteriormente perfezionatasi grazie alle esperienze alla Fondazione Ratti con Anish Kapoor e Karel Appel, Pitingaro ripercorre le tappe fondamentali del suo percorso, dalle prime esplorazioni nel disegno alle più recenti installazioni site-specific e alle performance sensoriali. L’intervista indaga il ruolo dell’immaginazione, della memoria sensoriale e del corpo come strumenti di conoscenza e relazione con l’ambiente. L’arte è qui concepita come una forma di ascolto e cura, capace di dare voce alla biodiversità al di là del linguaggio scientifico. Riflettendo sul potere trasformativo dell’esperienza estetica, l’artista ci invita a riscoprire una connessione più profonda tra gli esseri umani e le altre forme di vita